Форум сайта 'Гавань Корсаров'
 

Вернуться   Форум сайта 'Гавань Корсаров' > Разное > Музыка

Важная информация

Музыка Обсуждение музыки всех направлений!


  Информационный центр
Последние важные новости
 
 
 
 
 

Ответ
 
Опции темы Опции просмотра
Старый 24.02.2014, 12:59  
Валькирия
Администратор
Corsairs-Harbour.Ru WastelandMutants.Ru
Человек года - 2016
Шхипер
Б.Е.С.
 
Аватар для Валькирия
 
Регистрация: 04.06.2011
Адрес: Санкт-Петербург
Сообщений: 2,654
Нация: Пираты
Пол: Женский
Репутация: Валькирия отключил(а) отображение уровня репутации

Награды пользователя:

Хорошо Великие композиторы и музыканты



Биографии и истории из жизни великих классиков.
информационная тема



Список великих классиков, чьи биографии размещены в теме:

Спойлер:
А
* Альбинони, Томазо
* Аренский, Антоний
Б
* Балакирев, Милий
* Барток, Бела
* Бах, Иоганн
* Беллини, Винченцо
* Берлиоз, Гектор
* Бетховен, Людвиг ван
* Бизе, Жорж
* Бойто, Арриго
* Боккерини, Луиджи
* Бонончини, Джованни
* Бородин, Александр
* Бортнянский, Дмитрий
* Брамс, Иоганнес
В
* Вагнер, Рихард
* Вебер, Карл
* Верстовский, Алексей
* Верди, Джузеппе
* Вивальди, Антонио
* Винчи, Леонардо
* Вольф, Хуго
Г
* Гайдн, Йозеф
* Гендель, Георг
* Гершвин, Джордж
* Глазунов, Александр
* Глинка, Михаил
* Глюк, Кристоф
* Гречанинов, Александр
* Григ, Эдвард
* Гуммель, Иоганн
* Гуно, Шарль
Д
* Даргомыжский, Александр
* Дворжак, Антонин
* Дебюсси, Клод
* Делиб, Лео
* Депре, Жоскен
* Джулиани, Мауро
* Доницетти, Гаэтано
К
* Кальман, Имре
* Корелли, Арканджело
Л
* Ланнер, Йозеф
* Леонкавалло, Руджеро
* Лист, Ференц
* Люлли, Жан-Батист
* Лядов, Анатолий
М
* Малер, Густав
* Марчелло, Бенедетто
* Массне, Жюль
* Мейербер, Джакомо
* Мендельсон, Феликс
* Монтеверди, Клаудио
* Моцарт, Вольфганг
* Мусоргский, Модест
О
* Огинский, Михаил
* Оффенбах, Жак
П
* Паганини, Никколо
* Перголези, Джованни
* Пёрселл, Генри
* Пахельбель, Иоганн
* Прокофьев, Сергей
* Пуччини, Джакомо
Р
* Равель, Морис
* Рамо, Жан-Филипп
* Рахманинов, Сергей
* Римский-Корсаков, Николай
* Россини, Джоаккино
* Рубинштейн, Антон
С
* Сальери, Антонио
* Свиридов, Георгий
* Сен-Санс, Шарль
* Серов, Александр
* Сибелиус, Ян
* Скарлатти, Джузеппе
* Скрябин, Александр
* Сметана, Бедржих
* Стравинский, Игорь
Т
* Тартини, Джузеппе
* Телеман, Георг
* Тости, Франческо
Ф
* Форе, Габриэль
Ч
* Чайковский, Пётр
Ш
* Шнитке, Альфред
* Шопен, Фредерик
* Шостакович, Дмитрий
* Штраус, Иоганн
* Шуберт, Франц
* Шуман, Роберт
* Шютц, Генрих
Щ
* Щедрин, Родион
Я
* Яначек, Леош
* Обсудить произведения выдающихся композиторов и музыкантов можно в этой теме.


Последний раз редактировалось CLIPER; Вчера в 07:45.
Валькирия вне форума Ответить с цитированием
15 пользователя(ей) сказали cпасибо:
AVEnsis (24.05.2014), Carassius (24.02.2014), Henry Morgan (24.02.2014), Mephistopheles (24.02.2014), miha (24.02.2014), Natali (22.08.2014), Zizi (05.12.2017), Армеец (24.02.2014), Буйвол (24.02.2014), Королёв (22.08.2014), Пелагея (23.03.2014), Скайуокер (06.09.2015), Шепот (26.02.2014), Эдвин Тилль (15.12.2015), Эрин О'Коннэлл (24.02.2014)
Старый 14.12.2017, 08:10   #80
CLIPER
VIP
Супер-модератор
Гвардеец Гавани Корсаров
Поручик
Казначей
 
Аватар для CLIPER
 
Благотворитель:
Маркиз Франция
Регистрация: 05.03.2013
Адрес: у самого синего моря
Сообщений: 12,571
Нация: Франция
Пол: Мужской
Репутация: 1009

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Великие композиторы и музыканты

Ян Сибелиус



Дата рождения: 8 декабря 1865
Место рождения: Тавастгус, Российская империя
Дата смерти: 20 сентября 1957 (91 год)
Место смерти: Вилла Айнола, Ярвенпяа
Страна: Финляндия, Российская империя
Профессии: композитор, дирижёр, музыковед, преподаватель университета, скрипка
Эпоха: романтизм


Юхан Юлиус Христиан Сибелиус (более известный как Ян Сибелиус) - финский композитор шведского происхождения.

"Ян Сибелиус принадлежит к тем нашим композиторам, кто наиболее правдиво и без всяких усилий передает своей музыкой характер финского народа", - так писал о замечательном финском композиторе в 1891 г. его соотечественник, критик К. Флодин. Творчество Сибелиуса - не только яркая страница в истории музыкальной культуры Финляндии, известность композитора вышла далеко за пределы его Родины.
Расцвет творчества композитора приходится на конец XIX - начало XX в. - время растущего национально-освободительного и революционного движения в Финляндии. Это небольшое государство входило в то время в состав Российской империи и испытывало те же настроения предгрозовой эпохи социальных перемен. Примечательно, что в Финляндии, как и в России, этот период отмечен подъемом национального искусства. Сибелиус работал в разных жанрах.


Биография
Спойлер:
Ян Сибелиус родился 8 декабря 1865 года в Тавастгусе в Великом княжестве Финляндском. Был вторым из троих детей доктора Кристиана Густава Сибелиуса и Марии Шарлотты Борг. Он рано потерял отца, провёл детские годы с матерью, братом и сестрой в доме бабушки в своём родном городе. В семье говорили на шведском языке и поддерживали шведские культурные традиции. Однако родители отдали Яна в финноязычную среднюю школу. С 1876 года по 1885 он учился в Нормальном лицее Хямеэнлинны.
Следуя семейной традиции, детей обучали игре на музыкальных инструментах. Сестра Линда занималась на рояле, брат Кристиан - на виолончели, Ян - вначале на рояле, но после предпочёл скрипку. Уже в десять лет Ян сочинил небольшую пьесу. Впоследствии, его влечение к музыке возрастало и он начал систематические занятия под руководством руководителя местного духового оркестра Густава Левандера.
Полученные практические и теоретические знания позволили написать юноше несколько камерно-инструментальных сочинений.
В 1885 год поступил на юридический факультет Императорского университета в Хельсинки, но его не привлекала профессия юриста, и вскоре он перешёл в Музыкальный институт, где стал самым блестящим учеником Мартина Вегелиуса. Многие из его ранних сочинений для камерных ансамблей исполнялись студентами и преподавателями института. В 1889 году Сибелиус получил государственную стипендию для обучения композиции и теории музыки у Альберта Беккера в Берлине. В следующем году брал уроки у Карла Гольдмарка и Роберта Фукса в Вене. По возвращении Сибелиуса в Финляндию состоялся его официальный дебют как композитора: была исполнена симфоническая поэма "Куллерво", ор. 7, для солистов, мужского хора и оркестра - по одному из сказаний финского народного эпоса Калевала. Это были годы невиданного патриотического подъёма, и Сибелиуса немедленно провозгласили музыкальной надеждой нации. Вскоре он женился на Айно Ярнефельт, отцом которой был знаменитый генерал-лейтенант и губернатор, принимавший участие в национальном движении - Август Александер Ярнефельт.
За Куллерво последовали симфоническая поэма "Сказка", ор. 9 (1892); сюита "Карелия", ор. 10 и 11 (1893); "Весенняя песня", ор. 16 (1894) и сюита "Лемминкяйнен", ор. 22 (1895). В 1897 Сибелиус участвовал в конкурсе на замещение должности преподавателя музыки в университете, но потерпел неудачу, после чего друзья убедили сенат учредить для него ежегодную стипендию в 3000 финских марок.
Заметное влияние на раннее творчество Сибелиуса оказали два финских музыканта: искусству оркестровки его обучал Роберт Каянус, дирижёр и основатель Ассоциации хельсинкских оркестров, а наставником в области симфонической музыки был музыкальный критик Карл Флодин. Премьера Первой симфонии Сибелиуса состоялась в Хельсинки (1899). В этом жанре композитор написал ещё 6 сочинений - последней была Седьмая симфония, ор. 105, впервые исполненная в 1924 году в Стокгольме. Международную известность Сибелиус приобрёл именно благодаря симфониям, но популярностью пользуются и его скрипичный концерт, и многочисленные симфонические поэмы, такие, как "Дочь Похьёлы", "Ночная скачка и восход солнца", "Туонельский лебедь" и "Тапиола".
Большинство сочинений Сибелиуса для драматического театра (всего их шестнадцать) - свидетельство его особой склонности к театральной музыке: в частности, это симфоническая поэма "Финляндия" (1899) и "Грустный вальс" из музыки к пьесе шурина композитора Арвида Ярнефельта "Смерть"; пьеса была впервые поставлена в Хельсинки в 1903 году. Многие песни и хоровые произведения Сибелиуса часто звучат у него на родине, но за её пределами почти неизвестны: очевидно, их распространению мешает языковой барьер, а кроме того, они лишены характерных достоинств его симфоний и симфонических поэм. Сотни фортепианных и скрипичных пьес и несколько сюит для оркестра также уступают лучшим сочинениям композитора.
Творческая деятельность Сибелиуса фактически завершилась в 1926 симфонической поэмой "Тапиола", ор. 112. Более 30 лет музыкальный мир ждал от композитора новых сочинений - особенно его Восьмой симфонии, о которой столько говорилось (в 1933 году была даже анонсирована её премьера); однако ожидания не сбылись. В эти годы Сибелиус писал лишь небольшие пьесы, в том числе масонскую музыку и песни, ничем не обогатившие его наследие. Впрочем, существуют свидетельства, что в 1945 году композитор уничтожил большое количество бумаг и рукописей, - возможно, среди них были и не дошедшие до окончательного воплощения поздние сочинения.
Его творчество получает признание главным образом в англо-саксонских странах. В 1903-1921 он пять раз приезжал в Англию дирижировать своими произведениями, а в 1914 посетил США, где под его управлением в рамках музыкального фестиваля в Коннектикуте прошла премьера симфонической поэмы "Океаниды". Популярность Сибелиуса в Англии и США достигла своего пика к середине 1930-х годов. Такие крупные английские писатели, как Роза Ньюмарч, Сесил Грей, Эрнест Ньюмен и Констант Ламберт, восхищались им как выдающимся композитором своего времени, достойным преемником Бетховена. Среди наиболее пылких приверженцев Сибелиуса в США были О. Даунс, музыкальный критик "Нью-Йорк Таймс", и С. Кусевицкий, дирижёр Бостонского симфонического оркестра; в 1935, когда музыка Сибелиуса прозвучала по радио в исполнении Нью-йоркского филармонического оркестра, слушатели избрали композитора своим "любимым симфонистом". С 1940-х интерес к музыке Сибелиуса заметно падает: раздаются голоса, подвергающие сомнению его новаторство в области формы. Сибелиус не создал своей школы и не оказал прямого влияния на композиторов следующего поколения. В наши дни его обычно ставят в один ряд с такими представителями позднего романтизма, как Р. Штраус и Э. Элгар. При этом в Финляндии ему отводили и отводят гораздо более важную роль: здесь он признан великим национальным композитором, символом величия страны.
Ещё при жизни Сибелиус удостоился почестей, которые воздавались лишь немногим художникам. Достаточно упомянуть многочисленные улицы Сибелиуса, парки Сибелиуса, ежегодный музыкальный фестиваль "Неделя Сибелиуса". В 1939 "альма матер"» композитора, Музыкальный институт, получил название Академии имени Сибелиуса.

Умер Сибелиус в Ярвенпяя 20 сентября 1957 года.

Творчество
Спойлер:
Хотя Сибелиус и не создал свою школу, у него были последователи, как на родине, так и за рубежом. В ранний период в Финляндии ими стали Тойво Куула и Лееви Мадетоя. В дальнейшем под влиянием тематического, композиционного и оркестрового мышления Сибелиуса оказались многие финские композиторы, в том числе Йоонас Кокконен, Эйноюхани Раутаваара, Аулис Саллинен и Эркки Салменхаара. Влияние Сибелиуса испытали на себе некоторые британские (в частности, Ральф Воган Вильямс), а также американские композиторы (Говард Хансон и Сэмьюэль Барбер).
Для многих исследователей и историков музыки было совсем не просто определить место Сибелиуса в истории музыки. Одной из причин было представление о необходимости прогресса, господствовавшее в 20 в. и понимаемое весьма ограниченно: атональность трактовалась как элемент современности, при этом тональность клеймилась как признак консерватизма. Таким образом, музыку Сибелиуса можно было считать реакционным продолжением позднего романтизма. На протяжении своего творчества Сибелиус использовал элементы музыкального языка романтизма, сочинял иногда даже салонные пьесы-пастиччо в стиле 19 в. Но, с другой стороны, он расширил традиционную тональность модальными элементами.
Более того, использование Сибелиусом оркестра, когда различные типы эпизодов совмещаются и перекрывают друг друга, было революционным для своего времени. В этом отношении Сибелиус служит примером и для современных композиторов, таких как Магнус Линдберг, Тристан Мюрей, Дэвид Мэтьюз. Точно также и композиционное мышление Сибелиуса, в котором традиционные формы используются только как отправные точки для новых решений, является одним из наиболее современных в музыке 20 в.
Его техника мотива и темы, основывающаяся на свободном развитии этих элементов, также является неподражаемой. В конечном счете, дальнейшее развитие симфонического жанра на новом этапе истории музыки стало уникальным достижением Сибелиуса.

Сочинения
Спойлер:
Основные произведения композитора:
Балет-пантомима
Скарамуш (по пьесе П.Кнудсена, ор.71, 1913);

Для солистов, хора и оркестра
Куллерво-симфония (ор. 7, 1892), Песня афинян (Atenarnes sang, для хора мальчиков и мужского хора, септета труб и ударных, на текст Рюдберга, ор. 31, 1899);

Для оркестра
симфонии: № 1 (e-moll, ор. 39, 1898-99), N 2 (D-dur, op. 43, 1900-02), № 3 (C-dur, op. 52, 1904-07), №4 (a-moll, op. 63, 1910-II), № 5 (Es-dur, op. 82, 1914-15, окончательная редакция 1919), № 6 (d-moll, op. 104, 1922-23), № 7 (C-dur, op. 105, 1924), симфонические поэмы- Caгa (En Saga, op. 9, 1892, окончательная редакция 1901), Весна (Varsang, op. 16, 1894), сюита Лемминкяйнен (Lemminkais-sarja, 4 легенды, ор. 22, 1893-96: 1. Лемминкяйнен и девушки на острове Саари (Lemminkainen jа Saaren neidot); 2. Лемминкяйнен в Туонеля (Lemminkainen Tuonelassa); 3. Туонельский лебедь (Tuonelan joutsen); 4. Возвращение Лемминкяйнена (Lemminkainen kotunpaluu)), Финляндия (op. 26, 1899), Дриада (Skogszaet, op. 45, 1910), Дочь Севера (Pohjolan tytar, op. 49, 1906), Ночная скачка и восход солнца (Nattlig ritt och solupp-gang, op. 55, 1907), Бард (op. 64, 1913-14), Океаниды (op. 73, 1914), Тапиоля (Tapiola, op. 112, 1926); Любовная сюита для струпных, литавр и треугольника (Rakastava, ор. 14, 1911; первоначальный вариант-для хора a cappella, 1893);
для инструмента с оркестром концерт для скрипки (d-moll, ор. 47, 1903, 2-я редакция 1905), 2 серенады (d-moll, op. 69 и g-moll, 1912, 1913), 6 юморесок (op. 87 и 89, 1917); струнный квартет Внутренние голоса (Voces intimae, d-moll, op. 56, 1909);
для фортепиано соната (F-dur, ор. 12, 1893), 3 сонатины (op. 67, 1912), цикл Кюлликки (Kyllikki, 3 лирич. пьесы, ор. 41, 1904), около 130 пьес, в том числе цикл 5 пьес (ор. 75, 1914);

более 50 пьес для скрипки с фортепиано;

Для голоса с оркестром
Невесты паромщика (Koskenlaskijan morsiamet, ор. 33, 1897), Дочери природы (Luon-notar, для сопрано и оркестра, ор. 70, 1913);

Около 100 песен с фортепиано;

Оркестровые сочинения из музыки к спектаклям драматического театра и "живым картинам"
Карелия (увертюра и оркестр сюита, ор. 10 и 11, 1893), Исторические сцены 1 и II (ор. 25 и 66, 1899, 1912), Король Кристиан II (Kung Christian II, сюита, op. 27, 1898), Грустный вальс (Valse triste, из музыки к драме А. Ярнефельта "Смерть" - Kuolema, ор. 44, 1903), Пеллеас и Мелизанда (сюита из музыки к драме М. Метерлинка, 1905), Белый, как лебедь (Svanevit, сюита из музыки к пьесе Ю. А. Стриндберга, 1909), Буря (Myrsky, по Шекспиру, 2 сюиты, 1930).


Ян Сибелиус - Серенада дальних холмов


__________________
CLIPER вне форума Ответить с цитированием
Старый 14.12.2017, 08:13   #81
CLIPER
VIP
Супер-модератор
Гвардеец Гавани Корсаров
Поручик
Казначей
 
Аватар для CLIPER
 
Благотворитель:
Маркиз Франция
Регистрация: 05.03.2013
Адрес: у самого синего моря
Сообщений: 12,571
Нация: Франция
Пол: Мужской
Репутация: 1009

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Великие композиторы и музыканты

Жоскен Депре



Дата рождения: ок. 1450
Место рождения: Боревуар
Дата смерти: 27 августа 1521 (71 год)
Место смерти: Конде-сюр-л’Эско, Нор, Нор - Па-де-Кале, Франция
Страна: Бельгия
Профессии: композитор
Эпоха: возрождение


Жоскен Депре (Жоскен де Пре) - французский композитор, один из ведущих представителей франко-фламандской полифонической школы.

Жоскен Депре - выдающийся представитель нидерландской школы полифонистов. Место его рождения с точностью не установлено. Одни исследователи считают его фламандцем, хотя во многих документах XVI в. Жоскен назван французом. Не сохранилось достоверных сведений и об учителях композитора. Скорее всего, одним из них был великий И. Окегем.
Слава, которой пользовался Жоскен Депре, затмевает славу всех других композиторов-профессионалов предшествующих эпох. И в самом деле, до Жоскена Депре трудно указать композитора, творчество которого обладало бы свойствами классического искусства. Как ни значителен был вклад разных выдающихся композиторов в развитие музыкального искусства своей эпохи, уже следующее поколение обязательно оттесняло его на задний план, "поглощало" или перекрывало. Но Жоскен был гением не только при жизни. Изумительное внешнее совершенство его музыки, ее глубокая выразительность, непосредственная красота, небывалое дотоле сочетание в ней возвышенно-религиозного с трогательно-человеческим заставляло и композиторов следующего поколения оценивать творчество Жоскена Депре как высший идеал в музыке. В лице этого композитора вся франко-фламандская музыка начала оцениваться как самое великое, что когда-либо было создано в области музыкального творчества Характерно, что в то время как церковные теоретики усматривали в творчестве Жоскена совершенное воплощение идеи христианства в музыке, светские писатели-гуманисты провозгласили его творчество идеалом ренессансных стремлений. Не одна теория в те годы стремилась доказать, что только сейчас, в творчестве последней франко-фламандской школы, пришел конец "варварскому" средневековому искусству и музыка вновь вернулась к высотам античности.


Биография
Спойлер:
Первое документальное свидетельство о жизни Жоскена, где говорится о нем как о певце Миланского кафедрального собора, относится только к 1459 г. В миланском соборе он прослужил с небольшими перерывами с 1459 по 1472 г. Вероятно, находился также при дворе влиятельного кардинала Асканио Сфорцы. Следующее по времени точно документированное упоминание о Жоскене относится к 1486 г., когда он был певчим папской капеллы в Риме. В возрасте примерно 60 лет Жоскен возвращается во Францию. Выдающийся музыкальный теоретик XVI в. Глареан рассказывает историю, которая, возможно, подтверждает связь Жоскена с двором Людовика XII. Король заказал композитору многоголосную пьесу с условием, чтобы он сам в качестве певца мог участвовать в ее исполнении. У монарха был неважный голос (а вероятно, и слух), поэтому Жоскен написал партию тенора, состоящую из... одной ноты. Истинна эта история или нет, она во всяком случае свидетельствует о большом авторитете Жоскена как среди музыкантов-профессионалов, так и среди высших кругов светского общества.
В 1502 г. Жоскен поступает на службу к герцогу Феррарскому. (Любопытно, что герцог в поисках руководителя своей придворной капеллы некоторое время колебался между Г. Изаком и Жоскеном, но все же сделал выбор в пользу последнего.) Однако уже через год Жоскен вынужден был покинуть выгодное место. Его внезапный отъезд был, возможно, вызван разразившейся в 1503 г. эпидемией чумы. Герцог и его двор, а также две трети городского населения покинули Феррару. Место Жоскена занял Я. Обрехт, который пал жертвой чумы в начале 1505 г. Последние годы жизни Жоскен провел в северофранцузском городе Конде-сюр-л'Эско, где он служил настоятелем местного собора. Сочинения этого периода указывают на связь Жоскена с нидерландской полифонической школой.
Жоскен был одним из крупнейших композиторов позднего Возрождения. В его творческом наследии основное место отведено духовным жанрам: 18 месс (самые известные - "Вооруженный человек", "Pange lingua" и "Месса о благословенной Деве"), более 70 мотетов и др. менее масштабные формы. Жоскену удавалось органическое сочетание глубины и философичности замыслов с виртуозной техникой музыкальной композиции. Наряду с духовными произведениями он писал также в жанре светской многоголосной песни (в основном на французские тексты - т. н. шансон). В этой части своего творческого наследия композитор ближе подходит к жанровым истокам профессиональной музыки, нередко опирается на народные песню и танец.
Жоскен был признан уже при жизни. Слава его не угасала и в XVI в. Хвалы ему воздавали такие крупнейшие литераторы, как Б. Кастильоне, П. Ронсар и Ф. Рабле. Жоскен был любимым композитором М. Лютера, который писал о нем: "Жоскен заставляет ноты выражать то, что он хочет. Другие же композиторы, наоборот, вынуждены делать то, что им диктуют ноты".

Творчество
Спойлер:
Многообразное по жанрам и формам творчество Жоскена - типичный образец музыки раннего Возрождения, а его полифоническая техника - вершина строгого стиля XV века. Жоскен написал около 40 мотетов, преимущественно на латинские тексты, в том числе грандиозный семичастный цикл "Vultum tuum deprecabuntur" ("[Богатейшие из народа] будут умолять лице Твое"); мотет "Illibata Dei Virgo" с акростихом, в котором заключено имя композитора; мотет "Absalon fili mi" ("Авессалом, сын мой!") - редкий эксперимент в области музыкальной риторики и гармонии - написан в необычайно низкой тесситуре и дерзкими бемольными модуляциями; "Praeter rerum seriem" ("Вопреки обычному ходу вещей"), "Nymphes de bois" ("Нимфы лесные", дань памяти великому И.Окегему, 1497). Три мотета политекстовые (наподобие практики, распространённой ещё в XIII—XIV веках): тенор латинский (в функции cantus firmus), а верхние голоса французские, например, "Que vous madame / In pace". Некоторые музыковеды выделяют их (из-за наличия светских французских текстов) в особую жанровую категорию "мотеты-шансон".
Центральная часть наследия Жоскена - 18 четырёхголосных месс (авторство некоторых из них современная наука оспаривает), считающихся высшими достижениями полифонической мессы эпохи Возрождения. Наиболее известны две мессы на тему популярной песни "L’homme armé" ("Вооружённый человек"), "La sol fa re mi", где в основу композиции положена одна настойчиво повторяющаяся фраза, "Hercules dux Ferrarie" ("Геркулес, герцог Феррарский", посвящена патрону Жоскена Эрколе д’Эсте), "Pange lingua" ("Воспой, язык"), "De Beata Virgine" ("О блаженной Деве", была самой популярной мессой Жоскена на протяжении XVI века). Жоскена считают родоначальником техники пародии в мессе, образцы которой находятся в мессах "Malheur me bat", "Mater Patris" и "Fortuna desperata".
Яркая отличительная особенность полифонической фактуры Жоскена - двухголосные каноны. Наиболее удивительная стилевая особенность месс: логика специфически музыкальная (естественное интонационное развёртывание мелодии, её формальное и метроритмическое строение) иногда доминирует над логикой "текстовой" и литургической, вплоть до пренебрежения нормами латинского ударения. Некоторые исследователи усматривают в мессах Жоскена христианскую (и прочую) символику. Доля светских сочинений в творческом наследии Жоскена невелика, при этом многие его многоголосные (на 3-6 голосов, чаще на 4 голоса) песни (преимущественно на французские стихи) доныне популярны благодаря простоте и выразительности мелодии, умеренному и эффектному использованию контрапунктической техники.

Сочинения
Спойлер:
Наследие Жоскена состоит из 20 месс и ряда отдельных песнопений из этой службы, около сотни мотетов, псалмов и гимнов, 52 светских произведений на французские и 3 на итальянские тексты. Широкому распространению произведений Жоскена способствовало изобретение О. Петруччи нового способа печатания нот. Начиная с 1501 и до конца века Петруччи и другие издатели опубликовали значительную часть наследия композитора, причем многие произведения неоднократно переиздавались. Научная публикация полного собрания сочинений композитора была начата в 1921 доктором А.Смиджерсом (Голландия) и завершена в 1969.


Ж. Депре - Miserere mei Deus


__________________
CLIPER вне форума Ответить с цитированием
Реклама
Старый 14.12.2017, 08:14   #82
CLIPER
VIP
Супер-модератор
Гвардеец Гавани Корсаров
Поручик
Казначей
 
Аватар для CLIPER
 
Благотворитель:
Маркиз Франция
Регистрация: 05.03.2013
Адрес: у самого синего моря
Сообщений: 12,571
Нация: Франция
Пол: Мужской
Репутация: 1009

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Великие композиторы и музыканты

Родион Константинович Щедрин



Дата рождения: 16 декабря 1932
Место рождения: Москва, СССР
Страна: СССР, Германия, Литва
Профессии: композитор, пианист, педагог
Эпоха: неоромантизм



Родион Константинович Щедрин - советский и российский композитор и пианист, педагог. Народный артист СССР, Лауреат Ленинской премии, Государственной премии СССР и Государственной премии РФ.

Большая музыка должна быть доступна большой аудитории – под таким девизом творит великий композитор второй половины XX столетия и современности Родион Щедрин. Никому из его современников не удалось так широко развить в своем творчестве тематику родной страны. Почти все его балеты и оперы написаны на сюжеты выдающихся писателей – Чехова, Гоголя, Набокова, Толстого, Лескова, а профессиональные музыканты называют Щедрина королем современного оркестра.



Биография
Спойлер:
Родился будущий композитор в Москве. Его отец - Константин Михайлович, был музыкальным деятелем – теоретиком и педагогом. А вот мама – Конкордия Ивановна не имела к музыке никакого отношения. Дед Родиона по отцу был православным священником в Тульской губернии, в местечке Алексино. Тропинка, которая вела к той церкви, где он проводил службу, была окрещена прихожанами "щедринкой". Одним словом, отец композитора, Константин, все свое детство провел в маленьком провинциальном городке Алексино. Он обладал редкостными музыкальными данными, абсолютным слухом, мог запомнить музыку с одного прослушивания. Однажды в Алексино приехала актриса В. Н. Пашенная, она заметила талант мальчика и отправила его за свой счет в Москву, на учебу в консерваторию.

Детство
Родившись в семье музыкального теоретика, Родин Щедрин с самого раннего детства был окружен музыкой. Его отец и дяди виртуозно владели игрой на музыкальных инструментах и часто давали домашние концерты. В 1941 году, несмотря на то, что страна находилась в состоянии войны, мальчика отдали в Центральную музыкальную школу при консерватории г. Москвы. Кроме этого, он начал брать частные уроки по игре на фортепиано у М. Л. Гехтман. Однако вскоре школа была вынужденно закрыта, а семья Щедриных отправилась в эвакуацию в Куйбышев - город, который имел строго засекреченное значение, поскольку там был построен огромный тайный бункер для вождя и членов ЦК. Сюда для завершения работы над Седьмой симфонией приехал Дмитрий Шостакович, который в то время был председателем Союза композиторов СССР, а отец был ответственным секретарем Союза. В Самару были также переброшены многие деятели культуры, в том числе труппа большого театра. Мальчику часто приходилось находиться на репетициях оркестра Шостаковича. В 1943 году у них появилась возможность вернуться в Москву и Родион Щедрин, вновь стал посещать Центральную музыкальную школу. Однако у него самого на свой счет были совершенно другие планы. Он считал, что не должен заниматься пустым делом – изучением гамм, а должен защищать Родину. 11-летним мальчишкой он дважды убегал на фронт, и ему однажды даже удалось дойти до Кронштадта. Родители решили не заставлять сына учиться в музыкальной школе, а определили его в Нахимовское морское училище, которое находилось в Ленинграде. В то время казалось, что мечта отца видеть своего сына музыкантом провалилась, но позже произошли события, которые предопределили его дальнейшую судьбу и изменили жизнь Родиона Щедрина невероятным образом. В начале 1945 годов в Союзе открылось Московское хоровое училище, куда брали одних мальчиков. Его основателем и директором был известный хормейстер А. Свешников. Он пригласил в свое учебное заведение Константина Михайловича Щедрина преподавать музыкально-теоретические предметы, а также историю музыки. А тот, в свою очередь, решил привести сюда учиться своего Родю, у которого, как и у отца, был идеальный музыкальный слух и неплохой голос. К этому времени он уже не учился в Нахимовке.

Становление в качестве композитора
С первых же дней учебы в училище хоровое пение захватило Р. Щедрина. Позже первые его произведения были связаны именно с хором. Кстати, уже во время учебы в училище многие из воспитанников делали опыты в музыкальной композиции, а их директор давал юным композиторам возможность сразу же исполнять сочиненные ими произведения. В 1947 даже был проведен конкурс будущих композиторов, причем председателем жюри был сам Арам Ильич Хачатурян. И вот победителем конкурса стал Родион Щедрин – композитор хоть и совсем юный, но, безусловно, талантливый. К великому счастью многих студентов училища, для них организовывались встречи с великими отечественными композиторами: Шостаковичем, Хачатуряном, Флиером, Гинзбургом, Рихтером, Гилельсом, И. Козловским и др. Кроме этого, в училище особое внимание обращалось на владение студентами игры на фортепиано. К окончанию учебного заведения, Родион мог бы соперничать с именитыми пианистами. Его педагог считал его невероятно одаренным юношей и стал готовить его к поступлению в консерваторию.
В 1950 году Родион Щедрин поступил в Московскую консерваторию, причем сразу на два факультета – фортепианный и теоретико-композиторский. Его учителем стал профессор Яков Владимирович Флиер. Юноша так увлеченно занимался игрой на любимом инструменте, что даже подумывал уйти с композиторского факультета, однако его педагог не одобрял этого решения юноши. За период учебы он получил огромный запас знаний, а также развил свой музыкальный вкус. В композиторском же классе его учителем был Юрий Александрович Шапорин. Здесь царила прекрасная атмосфера. От него студенты учились не только профессиональным навыкам, но и приобретали множество знаний обо всем. Шапорин был настоящим эрудитом, интересным рассказчиком и острословом и просто очень душевным человеком. Он рассказывал ребятам подробности знакомства и общения с такими великими личностями, как Блок, Толстой, Горький, Бенуа, Петров-Водкин.

Творчество раннего периода
К великому удивлению многих преподавателей, Родиона Щедрина – сына музыкального теоретика - стала интересовать русская фольклорная музыка, элементы которой он использовал в своих произведениях. Он органично синтезировал различные отрывки из народных песен и частушек, в результате чего у него получалась весьма своеобразная и очень красочная музыка. Родион Щедрин участвовал в фольклорных экспедициях, записывал на магнитофон народные песни, которые с удовольствием для него исполняли сельские жители. Особенно нравились Щедрину частушки, и он любовь к ним пронес через всю свою жизнь. Кстати, Первый концерт для оркестра, который он написал в 1963 году, был назван "Озорные частушки". А через 33 года, в 1999 году, он представил ценителям его искусства его новый вариант - "Частушки", сольный концерт для фортепиано. Первый концерт для фортепиано, созданный студентом консерватории Родионом Щедриным в 1954 году, по счастливому стечению обстоятельств был включен в концертную программу одного из пленумов ЦК КПСС. Его виртуозно исполнил сам автор, а вскоре получил письмо о том, что его приняли в члены Союза композиторов. Для студента 4-го курса это было невероятной удачей. После окончания консерватории он поступил в аспирантуру по композиции, а его руководителем стал Ю. Шапорин.

Личная жизнь
В 1958 году в жизни молодого композитора началась романтическая полоса. Он познакомился с известной балериной, примой Большого театра Майей Плисецкой. А случилось это вот как. Родион был вхож в круг знакомых Лилии Брик, музы Владимира Маяковского, и был частым посетителем ее знаменитых вечеров. Однажды хозяева дома дали Родиону Константиновичу прослушать запись, сделанную на магнитофонной пленке, где Майя Плисецкая пела мелодию балета "Золушка" (Прокофьева). Композитор был просто изумлен: он знал Майю как талантливую балерину, но то, что она умеет так правильно и точно воспроизводить сложнейшие мелодии, даже не мог предположить. Ее нежный голос запал ему в душу, и вот однажды он получил приглашение от Лилии на вечер, который она устраивала в честь приезда в Россию Жерара Филиппа. Среди приглашенных была также Плисецкая. Родион Щедрин, конечно же, при первом же удобном случае познакомился с ней. В этот день он играл на фортепьяно только для нее, хотя в будуаре собрался весь московский бомонд. Затем он вызвался развести ее и других почетных гостей на своем авто по домам. В конце поездки в автомобиле остались только он и Майя. Некоторое время они беседовали о том о сем. Затем, прощаясь, она попросила его записать для нее ноты мелодии из фильма "Огни рампы". Он с радостью взялся сделать это для нее, ведь благодаря этому он должен был еще раз встретиться с ней. Начало отношений Двух талантливых людей окончательно сблизил балет "Конек-Горбунок", написанный Щедриным и включенный в репертуар Большого театра. Он приходил на репетиции не только для того, чтобы руководить оркестром, но и посмотреть на Майю. Будучи известной балериной, она часто бывала на гастролях по миру, поэтому постоянно находилась под пристальным наблюдением КГБ. Заметив интерес Щедрина к ней, друзья из верхов предупредили его об этом, однако ему было все равно, и он продолжал всюду следовать за ней. В том же 1958 году они стали жить вместе, но не зарегистрировали отношения. Затем они провели поистине райское лето в Доме отдыха творчества Композиторов в Сортавале, на Ладожском озере. Продолжением свадебного месяца стало путешествие из Москвы в Сочи на автомобиле Щедрина. Однако в Сочи их ждало разочарование. Согласно советскому закону, незарегистрированным парам не предоставлялись совместные номера. По возращении в Москву Родион Щедрин решил узаконить свои отношения с Майей. Это был настоящий брак по искусству, который сохранился на всю жизнь. Брак Плисецкой и Щедрина был зарегистрирован в Москве 2 октября 1958 года.

Творчество зрелого композитора
Большинство балетов Щедрина были связаны с его супругой, Майей Плисецкой. К окончанию аспирантуры в 1959 году Щедриным были созданы следующие произведения: несколько фортепианных сочинений, хоры, Первая симфония, "Веселый марш монтажников-высотников" - песня из кинофильма "Высота" и т. д. В 60-х было создал самое исполняемое сочинение, которое создал Родион Щедрин – "Кармен сюита". К этому периоду также относится написанная им первая опера "Не только любовь" (он посвятил ее Плисецкой). Были созданы концерты для оркестра - "Звоны" и "Озорные частушки", а также две крупные оратории "Ленин в сердце народном" и "Поэтория" и, пожалуй, самое масштабное из его произведение для фортепиано – 24 прелюдии и фуги, которые входили во Второй концерт для фортепиано. Параллельно с сочинительством он преподавал в Консерватории.
В новом десятилетии Щедрин Родион Константинович стал работать над оперой "Евгений Онегин", которая была предназначена для Большого театра. Затем в творчестве Р.К.Щедрина приходит полоса сатиры и юмора. Именно к этому периоду "Озорные частушки" и "Бюрократиада". В академических кругах "Частушки" не особо были приняты, зато их очень полюбил народ. Это произведение пришлось ко вкусу американскому дирижеру композитору Л. Бернстайну. Среди известных произведений, написанных им в 70-х, были либретто для сценических произведений: опер - "Мертвые души", "Лолита", балетов - "Дама с собачкой", "Чайка", "Анна Каренина", которые он посвящает своей супруге.
В 1981 году Щедрин создает шесть хоров на стихи Алескадра Сергеевича Пушкина, "Казнь Пугачева", "Тетрадь для юношества", а также 15 пьес для фортепиано, "Концертино" и др. Середина 80-х ознаменовалась для него созданием произведений, посвященных юбилею его кумира, 300-летию И. С. Баха. Его произведение для органа, шлейт, фаготов и тромбонов "Музыкальное приношение" поразило всех масштабностью.

Прощание с музой
С 1991 года супруги Щедрин-Плисецкая поселились в Мюнхене. Здесь они занимались свободным творчеством. Это была прекрасная пара, которая уже давно стала одним целым. Вместе они прожили 57 лет. Майи не стало в мае 2015 года. Для ее супруга это было страшной потерей, особенно с учетом того, что ничто не предвещало ее кончины. За месяц до этого они приехали в Россию на премьеру его "Левши". Всемирно известная балерина чувствовала себя прекрасно и до утра сидела рядом с мужем во время премьерного банкета. Родион Щедрин после смерти Плисецкой сообщил о том, что они вместе составили завещание, в котором записана их последняя воля. Похорон ни у нее, ни у него не должно быть. Они желают, чтобы их тела были кремированы, пепел смешан друг с другом, а затем развеян над Россией. Как понимаете, это должно быть тогда, когда произойдет смерть Родиона Щедрина. А пока урна с ее прахом хранится в доме композитора.

Творчество
Спойлер:
Многообразное по жанрам и формам творчество Жоскена - типичный образец музыки раннего Возрождения, а его полифоническая техника - вершина строгого стиля XV века. Жоскен написал около 40 мотетов, преимущественно на латинские тексты, в том числе грандиозный семичастный цикл "Vultum tuum deprecabuntur" ("[Богатейшие из народа] будут умолять лице Твое"); мотет "Illibata Dei Virgo" с акростихом, в котором заключено имя композитора; мотет "Absalon fili mi" ("Авессалом, сын мой!") - редкий эксперимент в области музыкальной риторики и гармонии - написан в необычайно низкой тесситуре и дерзкими бемольными модуляциями; "Praeter rerum seriem" ("Вопреки обычному ходу вещей"), "Nymphes de bois" ("Нимфы лесные", дань памяти великому И.Окегему, 1497). Три мотета политекстовые (наподобие практики, распространённой ещё в XIII—XIV веках): тенор латинский (в функции cantus firmus), а верхние голоса французские, например, "Que vous madame / In pace". Некоторые музыковеды выделяют их (из-за наличия светских французских текстов) в особую жанровую категорию "мотеты-шансон".
Центральная часть наследия Жоскена - 18 четырёхголосных месс (авторство некоторых из них современная наука оспаривает), считающихся высшими достижениями полифонической мессы эпохи Возрождения. Наиболее известны две мессы на тему популярной песни "L’homme armé" ("Вооружённый человек"), "La sol fa re mi", где в основу композиции положена одна настойчиво повторяющаяся фраза, "Hercules dux Ferrarie" ("Геркулес, герцог Феррарский", посвящена патрону Жоскена Эрколе д’Эсте), "Pange lingua" ("Воспой, язык"), "De Beata Virgine" ("О блаженной Деве", была самой популярной мессой Жоскена на протяжении XVI века). Жоскена считают родоначальником техники пародии в мессе, образцы которой находятся в мессах "Malheur me bat", "Mater Patris" и "Fortuna desperata".
Яркая отличительная особенность полифонической фактуры Жоскена - двухголосные каноны. Наиболее удивительная стилевая особенность месс: логика специфически музыкальная (естественное интонационное развёртывание мелодии, её формальное и метроритмическое строение) иногда доминирует над логикой "текстовой" и литургической, вплоть до пренебрежения нормами латинского ударения. Некоторые исследователи усматривают в мессах Жоскена христианскую (и прочую) символику. Доля светских сочинений в творческом наследии Жоскена невелика, при этом многие его многоголосные (на 3-6 голосов, чаще на 4 голоса) песни (преимущественно на французские стихи) доныне популярны благодаря простоте и выразительности мелодии, умеренному и эффектному использованию контрапунктической техники.

Сценические произведения
Спойлер:
Балеты
«Конёк-Горбунок» (по одноимённой сказке П. П. Ершова, 1960)
«Кармен-сюита» (транскрипция фрагментов оперы Ж. Бизе «Кармен», 1967)
«Анна Каренина» (лирические сцены по роману «Анна Каренина» Л. Н. Толстого, 1972)
«Чайка» (по мотивам одноимённой пьесы А. П. Чехова, 1980)
«Дама с собачкой» (по одноимённому рассказу А. П. Чехова, 1985)

Оперы
«Не только любовь», лирическая опера в 3-х действиях с эпилогом (по мотивам рассказов С. П. Антонова, либретто В. А. Катаняна, 1961)
«Мёртвые души», оперные сцены (по роману «Мёртвые души» Н. В. Гоголя, либретто Р. Щедрина, 1977)
«Лолита» (по одноимённому роману В. В. Набокова, либретто Р. Щедрина, 1992)
«Очарованный странник» (по одноимённой повести Н.С. Лескова, либретто Р. Щедрина, 2002)
«Боярыня Морозова» (русская хоровая опера для 4 солистов, смешанного хора, трубы, литавр и ударных, либретто Р. Щедрина по мотивам «Жития протопопа Аввакума» и «Жития боярыни Морозовой», 2006)
«Левша» (Сказ о тульском косом Левше, опера в 2 действиях по одноимённой повести Н. С. Лескова, либретто Р. Щедрина, 2013)
«Рождественская сказка» (опера-феерия в 2 частях по мотивам сказки Божены Немцовой «О двенадцати месяцах» в переводе Н. С. Лескова и русских народных сказок, либретто Р. Щедрина, 2015)

Другое

«Нина и 12 месяцев», мюзикл (на японском языке по сказке С. Я. Маршака, 1988)

Сочинения для оркестра
Симфонии
Первая симфония. Для большого симфонического оркестра. В трех частях (1958)
Вторая симфония (25 прелюдий). Для большого симфонического оркестра. В пяти частях (1965)
Третья симфония «Лица русских сказок». Symhonie concertante. Для симфонического оркестра. В пяти частях (2000)

Концерты для оркестра
«Озорные частушки» (1963)
«Звоны» (1968)
«Старинная музыка российских провинциальных цирков» (1989)
«Хороводы» (1989)
«Четыре русских песни» (1998)
Концерты для солирующих инструментов с оркестром[править | править код]
Концерт № 1 для фортепиано с оркестром. В четырёх частях (1954)
Концерт № 2 для фортепиано с оркестром. В трех частях (1966)
Концерт № 3 для фортепиано с оркестром. «Вариации и тема» (1973)
Концерт № 4 для фортепиано с оркестром. «Диезные тональности», в 2-х частях (1991)
Концерт № 5 для фортепиано с оркестром. В трех частях (1999)
Концерт № 6 для фортепиано и струнных. Concerto lontano (2003)
Концерт для трубы с оркестром в трех частях(1993)
Концерт для виолончели с оркестром. Sotto voce concerto. В четырёх частях (1994)
Parabola Concertante. Для виолончели соло, струнного оркестра и литавр (2001)
Концерт для скрипки и струнного оркестра. Concerto cantabile. В трех частях(1997)
Концерт для альта и струнного оркестра с арфой. Concerto dolce (1997)
Концерт для скрипки, трубы и струнного оркестра. Concerto parlando (2004)
Концерт для гобоя с оркестром (2009)
Двойной концерт «Романтическое приношение» (Romantic offering). Для фортепиано, виолончели и оркестра (2010)

Другое
«Конек-Горбунок». Две сюиты для оркестра (1955, 1965)
«Не только любовь». Симфоническая сюита для большого симфонического оркестра и меццо-сопрано (1964)
«Симфонические фанфары». Праздничная увертюра для оркестра (1967)
Камерная сюита. Для двадцати скрипок, арфы, аккордеона и двух контрабасов (1961)
«Кармен-сюита». Для струнных и ударных инструментов (1967)
«Анна Каренина». Романтическая музыка для оркестра (1972)
«Торжественная увертюра». Для большого симфонического оркестра (1982)
«Автопортрет». Вариации для оркестра (1984)
«Музыка для города Кётена». Для камерного оркестра (1984)
«Геометрия звука». Для камерного оркестра (1987)
«Чайка». Сюита из балета для большого симфонического оркестра. В пяти частях (1984)
Музыка для струнных, двух гобоев, двух валторн и челесты (1985)
«Стихира к тысячелетию Крещения Руси». Для симфонического оркестра (1988)
«Хрустальные гусли» Для симфонического оркестра (1994)
«Российские фотографии». Для струнного оркестра (1994)
«Вологодские свирели» (в честь Б. Бартока). Для гобоя, английского рожка, валторны и струнных инструментов (1995)
«Величание». Для струнного оркестра (1995)
«Два танго Альбениса». Для симфонического оркестра (1996)
«Slava, Slava!». Для симфонического оркестра. К 70-летию Мстислава Ростроповича (1997)
«Preludium к девятой симфонии Бетховена». Для симфонического оркестра (1999)
«Лолита-серенада». Симфонические фрагменты из оперы «Лолита» (2001)
«Диалоги с Шостаковичем». Симфонические этюды для оркестра (2001)
«Гейлигенштадтское завещание Бетховена». Симфонический фрагмент для оркестра (2008)
«Симфонический диптих». По мотивам оперы «Очарованный странник». Для большого оркестра (2008)
«Vivat!». Санкт-Петербургская увертюра. Для симфонического оркестра (2008)
«Литовская сага». Симфоническая фреска для оркестра (2009)

Вокальные сочинения
«Маленькая кантата». Из оперы «Не только любовь» для солистов, смешанного хора и оркестра (1961)
«Бюрократиада». Курортная кантата для солистов, хора и оркестра на тексты инструкции для отдыхающих в пансионате «Курпаты». Либретто Р. Щедрина (1963)
«Поэтория». Концерт для поэта в сопровождении женского голоса, смешанного хора и оркестра на слова А. Вознесенского (1968)
«Ленин в сердце народном». Оратория для солистов, смешанного хора и симфонического оркестра на народные слова в шести частях (1969)
«М. Мусоргский. Детская». Вокальный цикл в семи частях с прелюдией и постлюдией. Оркестровая транскрипция Р. Щедрина, слова М. Мусоргского (1964)
«Моление». Кантата для смешанного хора и оркестра на слова И. Менухина (1991)
«Многая лета». Для фортепиано, смешанного хора и ударных (1991)

Для голоса
«Три сольфеджио». Для голоса и фортепиано (1965)
«Страдания». Для голоса и фортепиано. Слова народные в изложении В. Бокова (1965)
«Таня-Катя». Песни без слов в народном стиле для сопрано и струнного оркестра (2002)
«Таня-Катя II». Песни без слов в народном стиле для женского голоса и скрипки (2002)
«Век мой, зверь мой!». Вокальный цикл на слова О. Мандельштама для тенора, рассказчицы и фортепиано (2003)
«Клеопатра и Змея». Драматическая сцена для женского голоса и симфонического оркестра на текст заключительной сцены трагедии У. Шекспира «Антоний и Клеопатра» в переводе Б. Пастернака (2012). Премьера прошла 28 мая 2012 года на Зальцбургском фестивале; солистка — М. Эрдманн, оркестр Мариинского театра под управлением В. Гергиева. Российская премьера прошла в Мариинском театре 23 декабря 2012 г. (солистка — Екатерина Гончарова).

Хоры a cappella
Два хора на стихи А. Пушкина. Для смешанного хора (1950)
«Ива, Ивушка». Вокализ. Для смешанного хора (1954)
Четыре хора на стихи А. Твардовского. Для смешанного хора (1968)
Четыре хора на стихи А. Вознесенского. Для смешанного хора (1971)
«Русские деревни». Для смешанного хора на слова И. Харабарова (1973)
«Стирала женщина белье». Для смешанного хора на слова И. Ляпина (1975)
«Строфы „Евгения Онегина“». Шесть хоров на стихи А. Пушкина из романа в стихах «Евгений Онегин» для смешанного хора (1981)
«Казнь Пугачева». Поэма для смешанного хора на стихи А. Пушкина из «Истории Пугачёва» (1981)
«Концертино». В четырёх частях для смешанного хора (1982)
«Запечатленный ангел». Русская литургия. Хоровая музыка по Николаю Лескову для смешанного хора и свирели (флейты) (1988)
«Алый парус». Для детского хора на слова А. Грина (1997)
«Серенада». Для смешанного хора (2003)
Диптих на стихи А. Вознесенского (2003)
Два русских хора (2008)
«Царская кравчая». По мотивам хоровой оперы «Боярыня Морозова»
Эпиграф графа Толстого к роману «Анна Каренина». Для смешанного хора

Фортепианные сочинения
«Поэма» (1954)
«Токкатина» (1954)
«Юмореска» (1957)
«В подражание Альбенису» (1959)
«Тройка» (1959)
2 полифонические пьесы: Basso ostinato и Двухголосная инвенция (1961)
2 сонаты (1962, 1996)
24 прелюдии и фуги (1964—1970)
Полифоническая тетрадь (25 прелюдий) (1972)
Тетрадь для юношества (1981)
«Частушки». Концерт для фортепиано соло (2001)
«Дневник». 7 пьес для фортепиано (2002)
«Вопросы». 11 пьес для фортепиано (2003)
Sonatine Concertante для фортепиано (2005)
Alla Pizzicato для фортепиано (2005)
Hommage a Chopin. Для четырёх фортепиано (2005)
«Романтические дуэты». Семь пьес для фортепиано в четыре руки (2007)
«Простые страницы». Семь экспромтов для фортепиано (2009)
«Концертный этюд» («Чайковский-этюд») для фортепиано (2010)

Камерно-инструментальные сочинения
Сюита для кларнета и фортепиано (1951)
«Фрески Дионисия». Для камерного ансамбля (1981)
«Музыкальное приношение». Для органа, трёх флейт, трёх фаготов и трёх тромбонов (1983)
«Эхо-соната». Для скрипки соло (1984)
«Три пастуха». Для флейты, гобоя и кларнета (1988)
«Русские наигрыши». Для виолончели соло (1990)
«Эхо на Cantus Firmus Орландо ди Лассо». Для органа и сопранино блокфлейты (1994)
Фортепианный терцет для скрипки, виолончели и фортепиано (1995)
«Ледяной дом». Русская сказка для маримбафона соло (1995)
«Музыка издалека». Для двух басовых блокфлейт (1996)
Соната для виолончели и фортепиано (1996)
«Балалайка». Для скрипки соло без смычка (1997)
«Пастораль». Для кларнета и фортепиано (1997)
«Вариации и тема». Для скрипки соло (1998)
«Менухин-соната». Для скрипки и фортепиано (1998)
«Дуэты». Для скрипки соло (1999)
«Гамлет баллада». Для тысячи (или ансамбля) виолончелей (2005)
«Старинные мелодии русских народных песен». Мелодии из сборника Н. А. Римского-Корсакова «100 русских народных песен». Для виолончели и фортепиано (2006)
«Лирические сцены». Для струнного квартета (2006)
«Цыганская мелодия». Для скрипки соло (2006)
«На посошок». Памяти М. Л. Ростроповича. Для шести виолончелей и альтовой блокфлейты (или для флейты, гобоя, кларнета, трубы и виолончели) (2007)
«Бельканто на русский лад». Для виолончели и фортепиано (2007)
«Поездка в Эйзенштадт». Для скрипки и фортепиано (2009)
Dies irae по гравюрам на дереве Альбрехта Дюрера «Апокалипсис» для 3 органов и 3 труб (2009/2010)
Музыка для театра[править | править код]
«Они знали Маяковского». Пьеса В. Катаняна, постановка Н. Петрова (Александринский театр, Ленинград, 1954)
«Первая симфония». Комедия А. Гладкова (Театр ленинского комсомола, 1956)
«Мистерия-буфф». Пьеса В. Маяковского, режиссёр В. Плучек (Московский театр сатиры, 1957)
«Дамоклов меч». Пьеса Н. Хикмета, режиссёр В. Плучек (Московский театр сатиры, 1959)
«Гроза». Пьеса А. Островского (Малый театр, 1961)
«Баня». Пьеса В. Маяковского (1962)
«Теркин на том свете». Поэма А. Твардовского, режиссёр В. Плучек (Московский театр сатиры, 1965)

Музыка к фильмам
«Петушок — Золотой гребешок» (мультфильм), режиссёры: П. Носов, Д. Анпилов (1955)
«Колобок» (мультфильм), режиссёр Р. Давыдов (1956)
«Высота». Режиссёр А. Зархи (1957)
«Коммунист». Режиссёр Ю. Райзман (1958)
«Люди на мосту». Режиссёр А. Зархи (1959)
«Нормандия — Неман». Режиссёр Ж. Древиль (1960)
«А если это любовь?». Режиссёр Ю. Райзман (1961)
«Баня» (мультфильм), Режиссёр С. Юткевич (1962)
«Анна Каренина». Режиссёр А. Зархи (1967)
«Сюжет для небольшого рассказа». Режиссёр С. Юткевич (1969)

Награды и звания
Спойлер:
Награждение орденом «За заслуги перед Отечеством» II степени, 29 апреля 2008 года
Орден «За заслуги перед Отечеством» II степени (3 декабря 2007 года) — за выдающийся вклад в развитие отечественного музыкального искусства и многолетнюю творческую деятельность
Орден «За заслуги перед Отечеством» III степени (2 декабря 2002 года) — за большой вклад в развитие музыкального искусства
Орден «За заслуги перед Отечеством» IV степени (13 декабря 2012) — за большой вклад в развитие отечественной музыкальной культуры и многолетнюю творческую деятельность
Орден Ленина (16 декабря 1982 года)
Орден Трудового Красного Знамени (1971 год)
Орден «Знак Почета» (27 октября 1967 год)
Государственная премия Российской Федерации в области литературы и искусства 1992 года (25 декабря 1992 года) — за хоровую музыку «Запечатлённый ангел» по Н. Лескову
Ленинская премия (1984 год) — за оперу «Мёртвые души» (1977 год), поэму для хора «Казнь Пугачёва» (1981 год), «Торжественную увертюру» для симфонического оркестра
Государственная премия СССР (1972 год) — за ораторию «Ленин в сердце народном» и оперу «Не только любовь» (61, новая редакция)
Заслуженный деятель искусств РСФСР (1970)
Народный артист РСФСР (1976 год)
Народный артист СССР (1981 год)
Премия имени Д. Д. Шостаковича (Россия, 1992 год)
Премия Crystal Award Всемирного экономического форума (Давос, 1995 год)
Член-корреспондент Баварской академии изящных искусств (1976 год)
Почётный член Общества Ф. Листа (США, 1979 год)
Почётный член Академии изящных искусств ГДР (1982 год)
Почётный член Международного Музыкального совета при ЮНЕСКО(1985 год)
Член Берлинской Академии искусств (1989 год)
Почётный профессор Московской консерватории (1997 год)
Почётный профессор Санкт-Петербургской государственной консерватории имени Н. А. Римского-Корсакова (2005 год)
Почётный профессор МГУ им. М. В. Ломоносова (2007 год)
Почётный профессор Пекинской консерватории (2008 год)
Приз «Золотой диск» фирмы «Мелодия»
Номинант GRAMMY в номинации «Лучшее сочинение в современной академической музыке» за Concerto cantabile (1997 год)
Композитор года Питтсбургского симфонического оркестра (2002 год)
Немецкая музыкальная премия «Echo Klassik 2008» — за оперу «Боярыня Морозова» (2008 год)
Премия «Овация» (2008 год)
Золотая медаль Министерства культуры Армении (2008 год)
Российская Национальная театральная премия «Золотая маска» — за оперу «Очарованный странник» (2009 год)
Номинант GRAMMY в номинации «Лучшее произведение современного композитора в области академической музыки» за оперу «Очарованный странник» (2009 год)
Кавалер ордена Св. Анны 3-й степени (12 февраля 2010) (указ № 1/АII-III-2010, грамота № 12/AIII-2010, подписаны в Мадриде), в воздаяние заслуг перед Отечеством.
Премия города Москвы — за создание русской хоровой оперы «Боярыня Морозова» (2012 год)
Почётная премия РАО «За вклад в развитие науки, культуры и искусства».
Международная премия за развитие и укрепление гуманитарных связей в странах Балтийского региона «Балтийская звезда» (Министерство культуры и массовых коммуникаций РФ, Союз театральных деятелей РФ, комитет по культуре правительства Санкт-Петербурга, 2013)
В честь Родиона Щедрина астроном Крымской Астрофизической Обсерватории Людмила Карачкина назвала открытый ею 20 октября 1982 г. астероид (4625) Shchedrin. Астероид 4626 назван ею в честь Майи Плисецкой.


Родион Щедрин - Кадриль


__________________
CLIPER вне форума Ответить с цитированием
Реклама

Зарегистрированным пользователям показывается меньше рекламы!

Старый 14.12.2017, 08:15   #83
CLIPER
VIP
Супер-модератор
Гвардеец Гавани Корсаров
Поручик
Казначей
 
Аватар для CLIPER
 
Благотворитель:
Маркиз Франция
Регистрация: 05.03.2013
Адрес: у самого синего моря
Сообщений: 12,571
Нация: Франция
Пол: Мужской
Репутация: 1009

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Великие композиторы и музыканты

Жан-Батист Люлли



Дата рождения: 28 ноября 1632
Место рождения: Флоренция, Великое герцогство Тосканское
Дата смерти: 22 марта 1687 (54 года)
Место смерти: Париж, Королевство Франция
Страна: Королевство Франция
Профессии: композитор, скрипач, танцор, дирижёр и педагог
Эпоха: барокко


Жан-Батист Люлли - французский композитор, скрипач, дирижёр.

Люлли - один из крупнейших оперных композиторов XVII в., основоположник французского музыкального театра. В историю национальной оперы Люлли вошел и как создатель нового жанра — лирической трагедии (так называлась во Франции большая мифологическая опера), и как выдающийся театральный деятель — именно под его началом Королевская академия музыки стала первым и главным оперным театром Франции, который позднее обрел всемирную известность под названием Grand Opera.


Биография
Спойлер:
Родился в семье флорентийского мельника Лоренцо ди Мальдо Лулли и его жены Катерины дель Серо. Рано научился играть на гитаре и скрипке, разыгрывал комические интермедии, превосходно танцевал. Первые уроки музыки получил у францисканского монаха. Во Францию Люлли приехал в марте 1646 года в свите герцога де Гиза в качестве слуги королевской племянницы, мадемуазель де Монпансье, которая практиковалась с ним в итальянском. Он быстро завоевал доверие хозяев и был приставлен к де Монпансье пажом.
В 1653 году в борьбе против Людовика XIV потерпела поражение Фронда, в которой мадемуазель де Монпансье принимала активное участие. Её ожидала ссылка в замок Сен-Фаржо. Люлли, чтобы остаться в Париже, попросил освободить его от должности, а спустя три месяца выступил в качестве танцора при дворе в "Балете Ночи" Исаака де Бенсерада. В то же время учился у Н. Метрю, Н. Жиго, Ф. Роберде и, возможно, у Ж. Кордье (скрипка). Произведя благоприятное впечатление на короля, он в 1661 году заменил итальянца Ладзарини в должности "главного инспектора инструментальной музыки". Свою службу при дворе Люлли начал, сочиняя музыку к балетам и танцуя в них вместе с королём и придворными. Изначально он отвечал только за инструментальную часть, но вскоре взял в свои руки работу над вокалом. Среди произведений Люлли 1650-60-х годов - балеты Времени, Флоры, Ночи, Времен года, Альцидианы и др. Все они следуют традиции, чрезвычайно популярной при французском дворе в первой половине XVII века и восходящей ещё к "Комическому балету королевы" 1581 г. Балеты, в которых выступали как члены королевской семьи, так и простые танцоры (и даже музыканты - играя на скрипках, кастаньетах и т. п.), представляли собой последовательность песен, вокальных диалогов и собственно антре, объединённых общей драматургией или развёрнутой аллегорией (Ночь, Искусства, Удовольствия).
Порой, особенно при Людовике XIII, темы их могли быть весьма экстравагантными ("Балет конторы знакомств", "Балет невозможностей"»), однако при новом дворе и в новую эпоху, тяготевшую к более ясным и классическим образам, Люлли как музыкант проявил себя, не столько изображая нечто необычное, сколько целым рядом формальных нововведений. В 1658 году в балете "Альцидиана" впервые прозвучала так называемая "французская увертюра" (в противоположность итальянской увертюре), ставшая визитной карточкой Люлли и впоследствии - всей национальной школы. В 1663 году, в "Балете Флоры", также впервые в истории, композитор ввёл в оркестр трубы, исполнявшие до того лишь функцию фанфар. В 1655 году Люлли возглавил оркестр "Малые скрипки короля". Его влияние при дворе постепенно возрастало. В 1661 году он перешёл во французское подданство (именуя притом своего отца "флорентийским дворянином") и получил должность "композитора камерной музыки". В 1662 году, когда Люлли женился на Мадлен (дочери композитора Мишеля Ламбера), свадебный контракт скрепили Людовик XIV и королева-мать Анна Австрийская. Брак был заключён по требованию короля, которому надоело отчитывать придворного композитора за гомосексуальные "шалости".
В 1658 году в Париже дебютировал Мольер. В 1663 году Людовик XIV назначил ему пенсию в 1000 ливров как "превосходному комическому поэту" и заказал пьесу, где он сам желал танцевать. Мольер сочинил комедию-балет "Брак поневоле". Под его руководством работали хореограф Бошан и Люлли. С этой постановки началось многолетнее сотрудничество Люлли и Мольера. На либретто Мольера написаны "Брак поневоле" (1664), "Принцесса Элиды" (1664), "Любовь-целительница" (1665), "Жорж Данден" (1668), "Господин де Пурсоньяк" (1669), "Блистательные любовники" (1670) и "Психея" (1671, в сотрудничестве с Корнелем). 14 октября 1670 года в замке Шамбор впервые была представлена самая знаменитая совместная работа Люлли и Мольера - "Мещанин во дворянстве". Объём материала, принадлежащего в комедии собственно Люлли, сопоставим по размеру с мольеровским и состоит из увертюры, танцев, нескольких интермедий (в том числе турецкой церемонии) и завершающего пьесу большого "Балета наций". "Кадм и Гермиона" - первая опера Люлли написана на либретто Филиппа Кино на сюжет, выбранный королём из нескольких вариантов. Премьера состоялась 27 апреля 1673 года в театре Пале-Рояль. Одной из главных черт новой оперы стала особая выразительность мелодекламации. По свидетельству современников, Люлли часто ходил слушать игру великих трагических актёров. Причем оттенки этой игры - паузы, повышение и понижение тона и пр. - тут же стенографировал в своем блокноте. Люлли сам подбирал музыкантов и певцов, воспитывал их, руководя репетициями и дирижируя со скрипкой в руках.
15 февраля 1686 года была впервые исполнена последняя опера Люлли "Армида". В качестве либреттиста выступил Кино, взявший сюжет из "Освобожденного Иерусалима" Т.Тассо. Премьера "Армиды" состоялась в Париже. После брака с Ф. де Ментенон, сторонившейся театра и оперы, как и вообще - светских развлечений, король отдалился от композитора.

8 января 1687 года, дирижируя своим произведением Te Deum по случаю выздоровления короля, Люлли поранил ногу наконечником трости-баттуты, которой в то время отбивали такт. Рана развилась в нарыв и перешла в гангрену. 22 марта 1687 года композитор скончался.

Творчество
Спойлер:
В своих операх, носивших название "трагедия, положенная на музыку", "трагедия под музыку"; в русском музыковедении часто используется менее точный, но более благозвучный термин "лирическая трагедия", Люлли стремился усилить музыкой драматические эффекты и придать верность декламации, драматическое значение - хору. Оперы Люлли пользовались большой славой во Франции и Европе и продержались на сцене около 100 лет. Они оказали большое влияние на развитие французской оперной школы. При Люлли певцы в операх впервые стали выступать без масок, женщины - танцевать в балете на публичной сцене; трубы и гобои впервые в истории были введены в оркестр. Кроме лирических трагедий перу Люлли принадлежит большое число балетов, симфоний, трио, арий для скрипки, дивертисментов, увертюр и мотетов.

Основные произведения
Спойлер:
Театр. муз.: "Кадм и Гермиона" (Cadmus et Hermione, 1673); "Тесей" (Thesee, 1675); "Альцеста" (Alceste, 1674); "Атис" (Atys, 1676); "Исида" (Isis, 1677); "Персей" (Persee, 1682); "Фаэтон" (Phaeton, 1683); "Амадис" (Amadis, 1684); "Роланд" (Roland, 1685); "Армида" (Armide, 1686); 3 др. лирические трагедии; 36 балетов (в т. ч. в соавторстве с др. композиторами); 14 комедий-балетов, в т. ч. "Любовь-целительница" (L'amour medecin, 1665), "Блистательные любовники" (Les amants magnifiques, 1670), "Мещанин во дворянстве" (Le bourgeois gentilhomme, 1670), Турецкая церемония.
Духовная муз.: 13 "больших мотетов" (grands motets), в т. ч. Miserere (1664); Те Deum (1677); De profundis (1683); 14 "малых мотетов" (petits motets).
Инстр. муз.: танцы, увертюры ("симфонии"), арии


Ж.-Б. Люлли - Le Bourgeois Gentilhomme


__________________
CLIPER вне форума Ответить с цитированием
Старый 15.12.2017, 09:59   #84
CLIPER
VIP
Супер-модератор
Гвардеец Гавани Корсаров
Поручик
Казначей
 
Аватар для CLIPER
 
Благотворитель:
Маркиз Франция
Регистрация: 05.03.2013
Адрес: у самого синего моря
Сообщений: 12,571
Нация: Франция
Пол: Мужской
Репутация: 1009

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Великие композиторы и музыканты

Александр Николаевич Серов



Дата рождения: 23 января 1820
Место рождения: Санкт-Петербург, Российская империя
Дата смерти: 1 февраля 1871 (51 год)
Место смерти: Санкт-Петербург, Российская империя
Страна: Российская империя
Профессии: композитор, педагог, юрист
Эпоха: романтизм


Александр Николаевич Серов - русский композитор и музыкальный критик; действительный статский советник; отец живописца Валентина Александровича Серова.

Серов - известный русский композитор, выдающийся музыкальный критик, один из основоположников отечественного музыкознания. Его перу принадлежат 3 оперы, 2 кантаты, оркестровые, инструментальные, хоровые, вокальные произведения, музыка к драматическим спектаклям, обработки народных песен. Он автор значительного числа музыкально-критических работ. В его операх немало эклектики, хотя в лучших эпизодах, особенно изображающих народную жизнь, он достигает большой выразительности и красочности. Со временем Серов-критик затмил Серова-композитора. Однако это никак не может перечеркнуть то ценное, что есть в его музыке действительно талантливого и оригинального.


Биография
Спойлер:
Александр Серов родился в Петербурге. Дед Серова был известным ученым-естествоиспытателем, отец - юристом, блестяще образованным человеком. С раннего детства Серов был приобщен к естественным наукам, живописи, классической литературе. В 1835 году отец Серова, предназначавший сыну юридическую карьеру, отдал его в Училище правоведения. Еще в училище Серов начал серьезно увлекаться музыкой, что очень сильно повлияло на его дальнейшую судьбу; он занимался игрой на фортепиано и виолончели, изучал гармонию, контрапункт, постоянно посещал симфонические концерты и оперные спектакли. Серов сблизился с другим молодым правоведом - Владимиром Васильевичем Стасовым, питавшим также любовь к музыке. Общность интересов и стремлений связала их на долгие годы. Стасов был первым, поддержавшим в Серове вспыхнувшее влечение к музыке и утвердившим в нем веру в свои силы. В 1840 году Серов окончил училище правоведения и вынужден был поступить на службу в Министерстве юстиции. Но, затаив в глубине души мечту стать композитором, он упорно продолжал свое музыкальное образование.
В начале 1842 года Александр Серов познакомился с Михаилом?Ивановичем?Глинкой, личность которого произвела на него сильное впечатление; он во многом определил художественные взгляды и вкусы Серова. До тех пор относившийся довольно равнодушно и к русской музыке вообще, и к произведениям Глинки в частности, Серов стал смотреть на эти явления другими глазами. Даже когда первый пыл увлечения "Жизнью за царя" и "Русланом и Людмилой" несколько остыл, когда Серов начал подмечать кроме достоинств также и недостатки в этих произведениях, он все же и к ним, и к их автору продолжал относиться с глубоким уважением. Значительное влияние на формирование Серова как музыканта имело и состоявшееся вскоре знакомство с Даргомыжским.
Переехав в 1850 году в Петербург, он стал музыкальным критиком: его первые статьи появились в 1851 году в журналах "Современник", "Сын?отечества", "Библиотека?для?чтения"; затем в "Пантеоне". В 1858 году во время поездки за границу Серов познакомился с Листом и Вагнером, встречи с которыми описал в опубликованных в 1858—1859 годах "Письмах из-за границы". В этом же году он впервые в России провёл цикл публичных лекций о музыке, не имевших успеха. Однако, повторенные в 1860 году лекции, заинтересовали общество. Как указывал Ф. М. Толстой, Серов-композитор был выше Серова-критика. В 1863 году с огромным успехом прошла премьера его оперы "Юдифь". В этом же году он женился на своей ученице, одаренной музыкантше - Валентине?Бергман.
В 1867 году А. Н. Серов предпринял вместе с женой попытку издания (впервые в России) специальной музыкальной газеты "Музыка и театр" - газета, не найдя поддержки в обществе, просуществовала недолго - до 1868 года. В 1868 году Серов снова прочитал цикл лекций в Москве; теперь он пропагандировал творчество А. С. Даргомыжского, М. И. Глинки, В. А. Моцарта, Л.?Бетховена и других выдающихся композиторов; Серов первым употребил термин "симфонизм". В 1870 году Русское?музыкальное?общество командировало его в Вену на торжества по поводу столетия со дня рождения Бетховена.

Александр Николаевич Серов умер в Санкт-Петербурге 1 февраля 1871 года.

Творчество
Спойлер:
Большое внимание уделял Серов в своих аналитических статьях и симфонической музыке. Открытые им принципы тематического анализа крупных инструментальных произведений изложены в статье об увертюре Бетховена "Леонора" ("Тематизм увертюры "Леонора". Этюд о Бетховене"). Эти принципы также оплодотворили современную музыкальную науку. Велико значение статьи "Девятая симфония Бетховена, ее склад и смысл". Серов первым раскрыл связь творчества Бетховена с революционными идеями его времени. Он разъяснил высокий демократический смысл Девятой симфонии, показал воплощенные в ней идеи борьбы за свободу и счастье человечества.
В статьях Серова освещается творчество Моцарта, Глюка, Вебера, Мейербера, Берлиоза, Россини, Спонтини и ряда других композиторов. Особое место занимает в его литературном наследии книга "Воспоминания о М. И. Глинке". Серов подчеркивает основополагающую роль Глинки для развития русской национальной музыки, его всемирно-историческое значение: "Когда-нибудь узнают же нашего Глинку в Европе... и отведут ему то место в искусстве, которое он занял в силу своего гения".

Сочинения
Спойлер:
Сочинения: оперы - Юдифь (1861-62, пост. 1863,. Мариинский т-р, Петербург), Рогнеда (1863-65, пост. 1865, там же), Вражья сила (завершена В. С. Серовой и Н. P. Соловьёвым, пост. посмертно, 1871, там же); для солистов, хора и орк. - 2 кантаты (1846), Pater Noster (1860), Stabat Mater (1870); для орк. - Фантазия (1847), Гопак и Гречаники (пляски из симф. пантомимы Ночь перед Рождеством, 1866), Пляска запорожцев (из музыки к "Тарасу Бульбе", 1867) и др.; камерно-инстр. ансамбли - соната для скр. и фп. (1849), 2 пьесы для влч. и фп., фп. трио (1849); для фп. - 2 сонаты (1844), 3 фуги (1849), пьесы; хоры; 20 романсов и песен; обр. нар. песен - 5 укр. песен для хора и орк., 6 малороссийских песен для хора a cappella; музыка к спектаклям драм. т-ра - водевили "Мельничиха в Марли" (1845), "Записки демона" (1846), мелодрама "Отец и дочь" (1846), трагедия "Смерть Иоанна Грозного" А. К. Толстого (1867), драма "Нерон" А. А. Жандра (1869) и др.
Литературные сочинения: Музыка и виртуозы, "Библиотека для чтения", 1851, т. 106, No 4; Спонтини и его музыка, "Пантеон", 1852, т. 1, кн. 1; Бетховен и его три стиля, там же, 1852, т. 2, кн. 4; Письма о музыке к А. Д. Улыбышеву, по случаю толков о Моцарте и Бетховене, там же, 1852, т. 3, кн. 6, т. 4, кн. 7-8; Моцартов "Дон Жуан" и его панегиристы, там же, 1853, т. 8, кн. 4, т. 9, кн. 5-6; Музыка и толки о ней, "Музыкальный и театральный вестник", 1856, 8 янв.; Девятая симфония Бетховена, там же, 1856, 8 и 29 апр.; Курс музыкальной техники, там же, 1856, 22 апр., 13, 20 и 27 мая, 3, 17 июня, 12 авг.; "Русалка", опера А. С. Даргомыжского, там же, 1856, 17 июня, 1 и 15 июля, 12, 19 и 26 августа, 9, 16, 23 и 30 сент.; Малоизвестное произведение М. И. Глинки, там же, 1857, 10 и 17 ноября, 8 и 15 дек.; М. И. Глинка. Некрологический очерк, "Сын отечества", 1857, No 12; Музыка. Обзор современного состояния музыкального искусства в России и за границей, "Иллюстрация", 1858, 6 и 13 февр.; Наш Глинка перед судом немецких фельетонистов, "Театральный и музыкальный вестник", 1858, 18 мая; Песни и романсы М. А. Балакирева, там же, 1859, 1 ноября; Роль одного мотива в целой опере: "Жизнь за царя", там же, 1859, 13 дек.; Опера и её новейшее направление в Германии, "Русское слово", 1859, No 1 и 7; Воспоминания о М. И. Глинке, "Искусства", 1860, No 1-5; "Жизнь за царя" и "Руслан и Людмила", "Русский мир", 1860, 1 сент.; Р. Вагнер и его реформа в области оперы, "Искусства", 1860, No 1-2; Музыка южно-русских песен, "Основа", 1861, (No 3 и 4); Der Thematismus der Leonoren-Ouverture. Eine Beethoven-Studie, "NZfM", 1861, Bd 54, No 10- 13 (рус. пер. - Тематизм увертюры к опере "Леонора". Этюд о Бетховене, в кн.: Серов А. Н., Критические статьи, т. 3, СПБ, 1895); "Волшебный стрелок". Бенефис О. А. Петрова, "Иллюстрация", 1862, 6 дек.; Верстовский и его значение для русского искусства, там же, 1862, 20 дек.; Der Status quo der Beethoven-Literatur und die Betheiligung Russlands an derselben, "NZfM", 1863, No 1-5; "Нибелунгов перстень", "Якорь", 1863, 20 и 27 июля, 10, 17, 21 авг., 22 и 28 сент., 12 и 26 окт., 9 ноября; Музыка, музыкальная наука, музыкальная педагогика, "Эпоха", 1864, No 6 и 12; Судьбы оперы в России, "Русская сцена", 1864, т. 1, No 2, т. 4, No 7; К читателям, "Музыка и театр", 1867, No 1; "Руслан" и русланисты, там же, 1867, No 1, 2, 4, 5, 7, 8, 10; Девятая симфония Бетховена, её склад и смысл, "Современная летопись", 1868, 12 мая; Rossini. (Coup d'oeil critique), "Journal de St.-Petersbourg", 1869, 23 Janvier (рус, пер. - Россини. Критический очерк, в кн.: Серов А. Н., Критические статьи, т. 4, СПБ, 1895); Hector Berlioz. (Esquisse critique), "Journal de St.-Petersbourg", 1869, 11 (23), 16 (28), 17 (29) mai, 21 mai (2 juin) (рус. пер. - Г. Берлиоз. Критический набросок, в кн.: Серов А. Н., Критические статьи, т. 4, СПБ, 1895); Русская народная песня как предмет науки, "Музыкальный сезон", 1870, 19 марта, 26 ноября, 1871, 21 янв. Критические статьи, т. 1-4, СПБ, 1892-1895; Избр. статьи, под общей ред., со вступ. статьей и прим. Г. Н. Хубова, т. 1-2, М.-Л., 1950-57.


А. Серов - увертюра к опере "Юдифь"


__________________
CLIPER вне форума Ответить с цитированием
Старый 15.12.2017, 10:00   #85
CLIPER
VIP
Супер-модератор
Гвардеец Гавани Корсаров
Поручик
Казначей
 
Аватар для CLIPER
 
Благотворитель:
Маркиз Франция
Регистрация: 05.03.2013
Адрес: у самого синего моря
Сообщений: 12,571
Нация: Франция
Пол: Мужской
Репутация: 1009

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Великие композиторы и музыканты

Генрих Шютц



Дата рождения: 18 октября 1585
Место рождения: Кёстриц
Дата смерти: 6 ноября 1672 (87 лет)
Место смерти: Дрезден
Страна: Германия
Профессии: композитор, органист, капельмейстер
Эпоха: барокко


Генрих Шютц - немецкий композитор, органист и педагог. Ныне известен, главным образом, как автор духовной хоровой музыки. Генрих Шютц рассматривается как один из наиболее крупных и плодовитых композиторов немецкого барокко.

Г. Шютц занимает в немецкой музыке почетное место патриарха, "отца новой немецкой музыки" (выражение его современника). С него начинается галерея великих композиторов, которые принесли мировую славу Германии, а также намечается прямой путь к И. С. Баху.
Шютц жил в эпоху, редкую по насыщенности событиями европейского и мирового масштаба, период перелома, начало нового отсчета в истории и культуре. Его жизнь вместила такие вехи, говорящие о разрыве времен, концах и началах, как сожжение Дж. Бруно, отречение Г. Галилея, начало деятельности И. Ньютона и Г. В. Лейбница, создание "Гамлета" и "Дон-Кихота". Позиция Шютца в это время перемен - не в изобретении нового, а в синтезе богатейших пластов культуры, восходящей еще к средневековью, с новейшими достижениями, которые шли тогда из Италии. Он прокладывал для отсталой музыкальной Германии новый путь развития.


Биография
Спойлер:
Генрих Шютц родился в городе Бад-Кестрице в Тюрингии. Он был старшим сыном из восьми детей Кристофа Шютца и Ефросиньи Бигер. В 1590 году семья переехала в город Вайсенфельс в южной Саксонии, где отец стал владельцем трактира.
В 1599 году его музыкальный талант был замечен главой немецкого княжества Гессен-Кассель ландграфом Морицем Гессен-Кассельским, который был музыкантом-любителем, и Генрих Шютц начал петь в Кассельской придворной капелле. В 1609-12 жил в Венеции, где учился у Джованни Габриели. Там же в 1611 Шютц опубликовал свой первый опус - сборник ("книгу") пятиголосных мадригалов, главным образом, на тексты Дж. Гварини и Дж. Марино. В целом современные техники и стиль итальянской музыки оказали на Шютца сильное впечатление и отразилась на его позднейшем творчестве.
В 1613 вернулся в Кассель, где занял место второго придворного органиста. В 1627 году в Торгау была исполнена пасторальная трагикомедия "Дафна" на текст Мартина Опица, считающаяся первой немецкой оперой, а точнее, зингшпилем (музыка утеряна). В числе учеников Шютца были Генрих Альберт, Иоганн Пауль фон Вестхоф, Елизавета София Мекленбургская, Карло Фарина, Иоганн Шелле и др.

Генрих Шютц умер от инсульта в 1672 в возрасте 87 лет. Был похоронен в дрезденской Фрауэнкирхе. В 1727 старое здание Фрауэнкирхе было снесено, а вместе с ним была утрачена и могила композитора. Ныне о нём напоминает лишь врезанная в полу современной Фрауэнкирхе памятная табличка.

Творчество
Спойлер:
Генрих Шютц - один из самых известных немецких композиторов XVII века. Он автор многих духовных (преимущественно вокальных) сочинений, среди которых оратории, кантаты, страсти (пассионы), хоровые концерты, мотеты, "Немецкий магнификат". Ряд сочинений Шютца, в том числе, балеты "Орфей и Эвридика" (1638) и "Парис и Елена" (1650), а также две пасторали "с музыкой и танцами" утрачены во время пожара в дрезденской библиотеке в 1760 году.
Творческое наследие композитора очень велико. Сохранилось около 500 композиций, и это, как предполагают специалисты, только две трети им написанного. Шютц сочинял вопреки многим невзгодам и потерям до глубокой старости. В возрасте 86 лет, находясь на пороге смерти и даже позаботившись о музыке, которая будет звучать на его погребении, он создал одно из лучших своих сочинений "Немецкий магнификат". Хотя известна только вокальная музыка Шютца, его наследие удивляет разнообразием. Он автор изысканных итальянских мадригалов и аскетических евангелических историй, страстных драматических монологов и пышных величественных многохорных псалмов. Ему принадлежат первые немецкие опера, балет (с пением) и оратория. Главное направление его творчества, однако, связано с духовной музыкой на тексты Библии (концерты, мотеты, песнопения и др.), что соответствовало особенностям немецкой культуры того драматического для Германии времени и потребностям самых широких слоев народа. Ведь значительная часть творческого пути Шютца протекала в период фантастической по своей жестокости и разрушительной силе Тридцатилетней войны. По давней протестантской традиции он выступал в своих произведениях в первую очередь не как музыкант, а как наставник, проповедник, стремящийся пробудить и укрепить в слушателях высокие этические идеалы, противопоставить ужасам действительности стойкость и человечность.
Объективно-эпический тон многих сочинений Шютца порой может показаться чересчур аскетичным, суховатым, однако лучшие страницы его творчества и сейчас трогают чистотой и экспрессией, величием и человечностью. В этом они перекликаются с полотнами Рембрандта - художника, по мнению многих, знакомого с Шютцем и даже сделавшим его прототипом своего "Портрета музыканта".

Список сочинений
Спойлер:
(выборка)

Мадригалы. Книга I (Il primo libro de madrigali; Венеция, 1611; на итал.)
Псалмы Давидовы (Psalmen Davids; Дрезден, 1619)
История Воскресения Христова (Historia der… Auferstehung… Jesu Christi; Дрезден, 1623)
Духовные песни (Cantiones sacrae; Фрайберг, 1625; на латыни)
Музыка к рифмованной Псалтири К.Беккера (Beckerscher Psalter; Фрайберг, 1628; 2-я ред. Дрезден, 1661)
Духовные симфонии. Книга I (Symphoniae sacrae I; Венеция, 1629; на латыни)
Поминальная музыка (Musikalische Exequien; Дрезден, 1636)
Маленькие духовные концерты. Книга I (Kleine geistliche Konzerte; Лейпциг, 1636)
Маленькие духовные концерты. Книга II (Kleine geistliche Konzerte; Лейпциг, 1639)
Духовные симфонии. Книга 2 (Symphoniae sacrae II; Дрезден, 1647)
Духовная хоровая музыка (Geistliche Chor-Music; Дрезден, 1648)
Духовные симфонии. Книга 3 (Symphoniae sacrae III; Дрезден, 1650)
Двенадцать духовных песен (Zwolf geistliche Gesange; Дрезден, 1657)
Семь слов Иисуса Христа (Die sieben Worte Jesu Christi; ок.1660)
История Рождества Христова (Historia der… Geburt… Jesu Christi; Дрезден, 1664)
Страсти по Матфею, Страсти по Иоанну, Страсти по Луке (1666)
Псалом 119, с приложением Псалма 100 и немецкого магнификата (Hundert und Neunzehender Psalm, nebenst dem Anhange des 100. Psalms… und eines deutschen Magnificats: 1671)


Генрих Шютц - O Bone Jesu Fili Mariae Virginis


__________________
CLIPER вне форума Ответить с цитированием
Старый 15.12.2017, 10:01   #86
CLIPER
VIP
Супер-модератор
Гвардеец Гавани Корсаров
Поручик
Казначей
 
Аватар для CLIPER
 
Благотворитель:
Маркиз Франция
Регистрация: 05.03.2013
Адрес: у самого синего моря
Сообщений: 12,571
Нация: Франция
Пол: Мужской
Репутация: 1009

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Великие композиторы и музыканты

Антонио Сальери



Дата рождения: 18 октября 1585
Место рождения: Кёстриц
Дата смерти: 6 ноября 1672 (87 лет)
Место смерти: Дрезден
Страна: Германия
Профессии: композитор, органист, капельмейстер
Эпоха: классицизм


Антонио Сальери - итальянский и австрийский композитор, дирижёр и педагог.

Итальянский композитор, педагог и дирижер А. Сальери был одним из наиболее знаменитых деятелей европейской музыкальной культуры рубежа XVIII-XIX вв. Как художник он разделил судьбу тех прославленных в свое время мастеров, чье творчество с наступлением новой эпохи отодвинулось в тень истории. Исследователи отмечают, что известность Сальери тогда превосходила славу В. А. Моцарта, и в жанре оперы-seria он сумел достичь такого качественного уровня, который ставит его лучшие произведения выше большей части современных ему опер.
Ученик и последователь К.В. Глюка, автор более чем 40 опер, многочисленных инструментальных и вокально-инструментальных сочинений, Сальери был одним из самых известных и признанных композиторов своего времени и не менее прославленным педагогом: среди его учеников - Л. ван Бетховен, Ф. Шуберт и Ф. Лист. В Вене на протяжении 36 лет (1788-1824) Сальери занимал пост придворного капельмейстера - один из самых важных музыкальных постов в Европе.
Проклятием Антонио Сальери стал миф о его причастности к смерти Моцарта, распространившийся, несмотря на постоянные опровержения, в некоторых странах главным образом благодаря "маленькой трагедии" А. С. Пушкина.
Состоявшийся в 1997 году суд официально признал его невиновным в смерти коллеги.


Биография
Спойлер:
Детство
О ранних годах своей жизни Сальери написал сам, оставив дневниковую рукопись придворному библиотекарю. Известно, что 18 августа 1750 года в небольшом городке Леньяго неподалеку от Вероны родился мальчик – Антонио Сальери. Биография его изначально не предполагала музыкальной стези. Его семья занималась торговлей, но детям давали образование, и старший брат Антонио, обучавшийся музыке, преподал первые уроки будущему композитору. Однако семейная идиллия длилась недолго. Когда мальчику было 13 лет, скончалась его мать. После этого разорился и умер отец, а детей забрали родственники. Некоторое время Сальери жил в зажиточной семье в Венеции у друзей отца. Они намеревались дать ему серьезное музыкальное образование, так как видели его безусловные способности.
Случайно по делам в это время в Венецию приехал Флориан Гассман, придворный композитор, капельмейстер императора Иосифа II. Он увидел в Сальери большие музыкальные задатки и забрал его с собой в Вену, чтобы дать ему подобающее образование.

Новая жизнь в Австрии
15 июня 1766 года Антонио приехал в Вену, которая стала для него настоящим домом. Ведь здесь он добился славы, стал тем, кем мечтал быть. Гассман рьяно взялся за обучение воспитанника, он пригласил ему учителей, а уроки по контрапункту давал сам. Сальери выучил четыре языка, он обучался нотной грамоте, игре на нескольких музыкальных инструментах. Гассман старался сделать из Антонио не только образованного, но и светского человека. Он обучал его манерам, правилам этикета, умению вести беседу. В конце жизни о Сальери современник скажет, что он был самым образованным музыкантом в Вене. Гассман ввел своего протеже в круг талантливейших людей того времени. Именно он познакомил Сальери с Глюком, который оказал значительное влияние на становление музыканта. Меценат также представил ученика императору Иосифу, который проникся большой симпатией к одаренному юноше. Представитель знаменитой династии Габсбургов очень любил музыку и хорошо в ней разбирался, при дворе сложился музыкальный кружок, в который стал вхож и Сальери. Это стало платформой для его будущей блестящей карьеры при дворе.

Музыкальная карьера
Сальери, еще проживая в Италии, начал сочинять музыку, но о профессиональном творчестве можно говорить только в венский период. Начинающий музыкант стал ассистентом своего покровителя и получал небольшие заказы на аранжировки, вставки в оперы, написание инструментальных пьес. К 20 годам за плечами у начинающего композитора уже была одна опера "Образованные женщины", которую он написал в сотрудничестве с Боккерини. Она имела некоторый успех, и ее поставили не только в Вене, но и в Праге. Также на тот момент Антонио являлся автором несколько инструментальных произведений. Позже Сальери по либретто Боккерини написал еще одну комическую оперу. Он смог заявить о себе достаточно успешным дебютом, и в дальнейшем его карьера шла только вверх. Произведения "Венецианская ярмарка", "Трактирщица", "Армида" обеспечили Сальери устойчивый успех и известность по всей Европе, его опера "Освобожденный Иерусалим" даже была поставлена в Санкт-Петербурге.
В 1774 году умер учитель и спонсор Сальери - Флориан Гассман, и Антонио "по наследству" получил место придворного капельмейстера итальянской оперной труппы и должность композитора камерной музыки. Для молодого человека 24 лет это был огромный карьерный скачок. Но придворная служба была не очень надежна, и музыкант зарабатывал на жизнь написанием и постановкой опер для различных театров Европы. Так, в 1778 году знаменитый театр "Ла Скала", восстановленный после пожара в Милане, открыл сезон оперой Сальери. Композитор много работал в угоду современной публике, но также его интересовала реформа оперы, задуманная Глюком. Он даже написал несколько серьезных произведений, развивающих глюковские положения.
В 80-х годах Сальери много и плодотворно сотрудничал с парижским театром "Комеди Франсез" и театром Оперы. Он создает оперу "Тарар" по либретто знаменитого Бомарше, которая получила широкую известность, была высоко оценена критиками и оказала значительное влияние на всю европейскую музыку. В 1788 году Сальери Антонио получил должность капельмейстера при дворе Иосифа Второго. Это было знаком высочайшей оценки заслуг и таланта композитора. Ему удалось удержаться при дворе Габсбургов и при следующих двух монархах. Свою придворную карьеру Сальери завершил в 1824 году, когда здоровье уже не позволяло ему исполнять обязанности.

Сальери умер 7 мая 1825 года и был похоронен 10 мая на Мацляйндорфском католическом кладбище в Вене. "За гробом, - писал Игнац фон Мозель, шёл весь персонал императорской капеллы во главе с директором, графом Морицем фон Дитрихштейном, а также все присутствовавшие в Вене капельмейстеры и композиторы, толпа музыкантов и множество уважаемых любителей музыки". В 1874 году останки композитора были перезахоронены на Центральном кладбище Вены.

Частная жизнь композитора
Миф об убийстве Моцарта стал настоящим проклятьем для Сальери. Сплетня появилась в последние годы жизни композитора и преследовала его до самой кончины. Миф получил распространение и популярность, в том числе, благодаря талантливой литературной обработке Пушкиным и Шеффером, а в 20 веке и М. Форманом. Однако реальность была предельно далека от выдуманной истории. Сальери плодотворно сотрудничал с Моцартом, дирижировал исполнением его произведений. Они не были дружны, но много общались, и у Сальери совершенно не было никакого основания для убийства, так как при жизни он был гораздо более успешен, чем Моцарт.
В обычной жизни Сальери Антонио был так же успешен, как и в творческой. В 1775 году он женился и прожил счастливо всю жизнь с женщиной, которую называл своей главной любовью. У них было 8 детей. Жена Терезия умерла на 18 лет раньше Сальери, и он скучал по ней до самого конца своей жизни.

Творчество
Спойлер:
За свою жизнь композитор написал 40 опер, большое количество концертов и инструментальных произведений духовной и камерной музыки. Сальери много сил и средств отдал сохранению и пропаганде творческого наследия своего благодетеля – Флориана Гассмана, он также занимался воспитанием его дочери, из которой вырастил выдающуюся солистку оперной сцены.
Если поискать успешного и продуктивного композитора в истории музыки, то одним из таковых будет Антонио Сальери, альбомы с произведениями которого имеются во всех музыкальных библиотеках Европы. Его оперы и сегодня продолжают исполняться, а многие творения композитора являлись новаторскими для своего времени, что позволяет их назвать эволюционным этапом в мировой музыке. Наиболее значительными произведениями Сальери Антонио являются оперы "Тарар", "Данаиды", "Аксур, царь Ормуза", "Фальстаф", а также "Реквием" и некоторые камерные пьесы.
Кроме сочинения произведений, Сальери Антонио много сил отдавал работе с учениками. Он создал собственную методику подготовки музыкантов, его отношения с подопечными были душевными и эмоциональными. Знаменитые ученики Антонио Сальери – Лист, Бетховен, Черни, Мейербер, Шуберт. Всего он выпустил около шести десятков музыкантов – композиторов и вокалистов.

Список сочинений
Спойлер:
Испанская "Фолия" (1815);
Большая месса ре мажор;
Концерт для органа с оркестром до мажор;
Концерт для скрипки, гобоя и виолончели c оркестром ре мажор (1770);
Концерт для флейты и гобоя с оркестром до мажор;
Концерт для фортепиано с оркестром до мажор (1773 ?);
Концерт для фортепиано с оркестром си-бемоль мажор (1773 ?);
Магнификат до мажор;
Опера "Данаиды" (1784);
Опера-буффа "Мир вверх дном" (1795);
Опера-буффа "Пещера Трофонио" (1785);
Опера-буффа "Сначала музыка, потом слова" (1786);
Опера-буффа "Фальстаф" (1799);
Опера-семисериа "Аксур, царь Ормуза" (1788);
Опера-сериа "Признанная Европа" (1778);
Опера-сериа "Тарар" (1787);
Оперные увертюры;
Реквием до минор (1804);
Симфония "Il giorno onomastico" ре мажор;
Симфония "La tempesta di mare" си-бемоль мажор;
Симфония "La Veneziana" ре мажор;
"Страсти Господа нашего Иисуса Христа" - оратория для солистов, хора и оркестра (1776).


Антонио Сальери - Ouverture to Les Horaces


__________________
CLIPER вне форума Ответить с цитированием
Старый 15.12.2017, 10:02   #87
CLIPER
VIP
Супер-модератор
Гвардеец Гавани Корсаров
Поручик
Казначей
 
Аватар для CLIPER
 
Благотворитель:
Маркиз Франция
Регистрация: 05.03.2013
Адрес: у самого синего моря
Сообщений: 12,571
Нация: Франция
Пол: Мужской
Репутация: 1009

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Великие композиторы и музыканты

Леош Яначек



Дата рождения: 3 июля 1854
Место рождения: Гуквальды, Фридек-Мистек, Моравскосилезский край, Чехия
Дата смерти: 12 августа 1928 (74 года)
Место смерти: Острава, Острава-город, Чехословакия
Страна: Австрийская империя, Чехословакия
Профессии: композитор
Эпоха: романтизм


Леош Яначек - чешский композитор. Член Чешской академии наук и искусства.

Л. Яначек занимает в истории чешской музыки XX в. такое же почетное место, как в XIX в. - его соотечественники Б. Сметана и А. Дворжак. Именно эти крупнейшие национальные композиторы, создатели чешской классики, вывели искусство этого музыкальнейшего народа на мировую арену. Чешский музыковед Я. Шеда набросал следующий портрет Яначека, каким он сохранился в памяти соотечественников: "...Горячий, вспыльчивый, принципиальный, резкий, рассеянный, с неожиданными переменами настроений. Был он невелик ростом, коренаст, с выразительной головой, с густыми волосами, лежащими на голове беспорядочными прядями, с насупленными бровями и искрящимися глазами. Никаких потуг на изящество, ничего внешнего. Был он полный жизни и порыва упрямец. Такова и его музыка: полнокровная, лаконичная, изменчивая, как сама жизнь, здоровая, чувственная, горячая, увлекающая за собой".


Биография
Спойлер:
Яначек принадлежал к поколению, жившему в угнетенной стране (долго находившейся в зависимости от Австрийской империи) в реакционную эпоху - вскоре после подавления национально-освободительной революции 1848 г. Не с этим ли связано его постоянное глубокое сочувствие угнетенным и страждущим, его страстное, неуемное бунтарство?
Композитор родился в краю густых лесов и старинных замков, в небольшой горной деревушке Гуквальды. Он был девятым из 14 детей учителя средней школы. Его отец, кроме других предметов, преподавал музыку, был скрипачом, церковным органистом, руководителем и дирижером хорового общества. Мать также обладала незаурядными музыкальными способностями и познаниями. Она играла на гитаре, хорошо пела, а после смерти мужа исполняла партию Органа в местном костеле. Детство будущего композитора было бедным, но здоровым и привольным. Он навсегда сохранил душевную близость к природе, уважение и любовь к моравским крестьянам, которые были воспитаны в нем с малых лет.
Лишь до 11 лет прожил Леош под родительским кровом. Его музыкальные способности и звонкий дискант решили вопрос о том, куда следует, определить ребенка. Отец отвез его в Брно к Павлу Кржижковекому - моравскому композитору и собирателю фольклора. Леош был принят в церковный хор Старобрненского августинского монастыря. Мальчики-певчие жили при монастыре на казенный счет, посещали общеобразовательную школу и проходили музыкальные дисциплины под руководством строгих наставников-монахов. Композицией с Леошем занимался сам Кржижковский. Воспоминания о жизни в Старобрненском монастыре нашли отражение во многих сочинениях Яначека. Атмосфера высокой и древней моравской культуры, осознанная в те годы, воплотилась в одной из вершин творчества композитора - "Глаголической мессе" (1926). Впоследствии Яначек закончил курс пражской Органной школы, совершенствовался в Лейпцигской и Венской консерваториях, но при всем глубоком профессиональном фундаменте, в главном деле своей жизни-творчестве — настоящего большого руководителя у него не было. Все, чего он достиг, было завоевано не благодаря школе и многоопытным советчикам, а совершенно самостоятельно, путем трудных исканий, подчас методом проб и ошибок. С первых шагов на самостоятельном поприще Яначек - не просто музыкант, но и учитель, фольклорист, дирижер, музыкальный критик, теоретик, организатор филармонических концертов и Органной школы в Брно, музыкальной газеты и кружка по изучению русского языка. Долгие годы композитор трудился и боролся в провинциальной безвестности. Пражская профессиональная среда его долго не признавала, только один Дворжак ценил и любил своего младшего коллегу. В то же время укоренившееся в столице позднеромантическое искусство было чуждо моравскому мастеру, опиравшемуся на народное творчество и на интонации живой звучащей речи.
С 1886 г. композитор вместе с этнографом Ф. Бартошем каждое лето проводил в фольклорных экспедициях. Он опубликовал множество записей моравских народных песен, создал их концертные обработки, хоровые и сольные. Им двигало стремление противопоставить отвлеченности - жизненность, древности - сегодняшний день, выдуманной легендарной обстановке - конкретность народного быта, обобщенным героям-символам - простых людей с горячей человеческой кровью. Этого удалось достигнуть лишь в третьей опере "Ее падчерица". В этой опере уже нет прямых цитат, хотя вся она - сгусток стилистических черт и признаков, ритмов и интонаций моравских песен, народной речи. Опера была отвергнута Пражским национальным театром, и понадобилось 13 лет борьбы, чтобы великолепное произведение, сегодня идущее в театрах всего мира, проникло наконец на столичную сцену. В начале XX в. у Яначека отчетливо проявляются социально-критические тенденции. Он испытывает сильное влияние русской литературы - Гоголя, Толстого, Островского. Он пишет фортепианную сонату "С улицы" и помечает ее датой 1 октября 1905 г., когда австрийские солдаты разгоняли в Брно молодежную демонстрацию, а затем - трагические хоры на ст. рабочего поэта Петра Безруча "Кантор Гальфар", "Маричка Магдонова", "70000" (1906). Особенно драматичен хор «Маричка Магдонова» о гибнущей, но не покорившейся девушке, вызывавший всегда бурную реакцию зала. К тому же времени относятся первые наброски симфонической рапсодии "Тарас Бульба", полностью завершенной композитором в разгар первой мировой войны, когда правительство Австро-Венгрии гнало чешских солдат воевать против русских.
Последнее десятилетие жизни и творчества композитора (1918-28) четко ограничено историческим рубежом 1918 г. (конец войны, конец трехсотлетнего австрийского ига) и одновременно поворотом в личной судьбе Яначека, началом его мировой славы. В этот период его творчества, который можно назвать лирико-филосафским, созданы самая лирическая из его опер "Катя Кабанова" (по "Грозе" Островского, 1919-21). поэтичная философская сказка для взрослых "Приключения лисички-плутовки" (по новелле Р. Тесноглидека, 1921-23), а также оперы "Средство Макропулоса" (по одноименной пьесе К. Чапека, 1925) и "Из мертвого дома" (по "Запискам из мертвого дома" Ф. Достоевского, 1927-28). Кроме этого - многочисленные хоровые и камерно-инструментальные сочинения, в т. ч. 2 квартета. Как сказал в свое время об этих сочинениях Б. Асафьев, Яначек словно молодел с каждым из них.

Смерть настигла Яначека неожиданно: во время отдыха летом в Гуквальдах он простудился и умер от воспаления легких. Хоронили его в Брно. Собор Старобрненского монастыря, где он учился и мальчиком пел в хоре, был переполнен толпами взволнованных людей. Казалось невероятным, что ушел тот, над кем словно были не властны годы и старческие недуги.

Творчество
Спойлер:
Современники не до конца поняли, что Яначек - один из основоположников музыкального мышления и музыкальной психологии XX в. Его речь с сильным местным акцентом казалась чересчур дерзкой для эстетов, оригинальные творения, философские взгляды и теоретическое мышление подлинного новатора воспринимались как курьез. При жизни он снискал репутацию недоучки, примитива, местечкового фольклориста. Лишь новый опыт современного человека к концу столетия открыл нам глаза на личность этого гениального художника, и начался новый взрыв интереса к его творчеству. Теперь прямолинейность его взгляда на мир не нуждается в смягчении, острота звучания его аккордов не требует шлифовки. Современный человек видит в Яначеке своего соратника, глашатая общечеловеческих принципов прогресса, гуманизма, бережного уважения законов природы.

Избранные сочинения
Спойлер:
Оперы и балет
Шарка (Sarka, 1887-1888; премьера Брно, 1925)
Начало романа (Pocatek romfnu, 1891; премьера Брно, 1894)
Енуфа (Jenufa, также известна под названием "Ее падчерица" 1894-1903; премьера Брно, 1904)
Судьба (Osud, 1903-1904; премьера Брно, 1958)
Путешествия г-на Броучека (Vylety pane Brouckovy, 1908-1917; премьера Прага, 1920)
Катя Кабанова (Kata Kabanova, 1919-1921, по драме А. Н. Островского "Гроза"; премьера Брно, 1921)
Приключения лисички-плутовки, также Лисичка-плутовка (Prihody lisky bystrousky, 1921-1923; премьера Брно, 1924)
Средство Макропулоса (Vec Makropulos, 1923-1925, по К. Чапеку; премьера Брно, 1926)
Из мёртвого дома (Z mrtveho domu, 1927-1928, по Ф. М. Достоевскому; премьера Брно, 1930)
Ракош Ракочи (Rakos Rakoczy), балет с пением (Брно, 1891)

Симфоническая музыка
Сюита для струнного оркестра (1877)
Идиллия для струнного оркестра (1878)
Лашские танцы (чеш. Lasske tance, 1889-1890)
Ганацкие танцы (чеш. Hanacke tance, 1889-1890)
Сюита, op.3 (1891)
Ревность, увертюра (чеш. Zarlivost, 1894)
Дитя бродячего музыканта, баллада для оркестра (чеш. Sumarovo dite, 1912)
Тарас Бульба, рапсодия для оркестра, по Гоголю (чеш. Taras Bulba, 1915-1918)
Бланицкая баллада, симфоническая поэма (чеш. Balada blanicka, 1920)
Симфониетта (1926)

Хоровые сочинения
Господи, помилуй. Для четырёх солистов, двойного смешанного хора, органа, арфы и медных (1896)
Amarus. Лирическая кантата для солистов, хора и оркестра (1897)
Отче наш. Кантата для тенора, хора и фортепиано (1901)
Элегия на смерть моей дочери Ольги. Кантата для тенора, хора и фортепиано (1903)
Zdravas Maria для тенора, хора и органа (1904)
Na Solani Cartak. Кантата для мужского хора с оркестром (1911)
Вечное Евангелие. Легенда для солистов, хора и оркестра (1914)
Глаголическая месса. Кантата для солистов, хора и оркестра и органа (1926)

Камерная музыка
Романс для скрипки и фортепиано (1879)
Dumka для скрипки и фортепиано (1880)
Скрипичная соната (1913-1921)
Pohadka для виолончели и фортепиано (1910)
Престо для виолончели и фортепиано (1910)
Струнный квартет Nr.1, по повести Л. Толстого "Крейцерова соната" (1923)
Струнный квартет Nr.2 Личные письма (1928)
Mladi. Сюита для духового секстета (1924)
Концертино для фортепиано и камерного ансамбля (1926)
Каприччио для фортепиано (левая рука) и камерного ансамбля (1926)

Фортепианные сочинения
Zdenciny variace. Тема с вариациями (1880)
Narodni tance na Morave (1891-1893)
Po zarostlem chodnicku (1901-1908)
Sonata 1. X. 1905 "Z ulice" (1905)
V mlhach (1912)
Vzpominka (1928)

Песни
Jarni pisen (1897; новая редакция - 1905)
Zapisnik zmizeleho. Для тенора, альта, трех женских голосов и фортепиано (1917-1919)

Незавершенные сочинения
Дунай. Симфония в 4-х частях (чеш. Dunaj, 1923-1928)
Странствия душеньки. Концерт для скрипки с оркестром (чеш. Putovani dusicky, 1926)
Месса Es-dur для хора и органа (1907-1908)
Шлюк и Яу (чеш. Trunda a Lajda), музыка к фарсу Г. Гауптмана (1928)


Леош Яначек - Piano Sketches No.2


__________________
CLIPER вне форума Ответить с цитированием
Старый Вчера, 07:34   #88
CLIPER
VIP
Супер-модератор
Гвардеец Гавани Корсаров
Поручик
Казначей
 
Аватар для CLIPER
 
Благотворитель:
Маркиз Франция
Регистрация: 05.03.2013
Адрес: у самого синего моря
Сообщений: 12,571
Нация: Франция
Пол: Мужской
Репутация: 1009

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Великие композиторы и музыканты

Альфред Шнитке



Дата рождения: 24 ноября 1934
Место рождения: Энгельс, АССР немцев Поволжья, СССР
Дата смерти: 3 августа 1998 (63 года)
Место смерти: Гамбург, Германия
Страна: СССР, Германия
Профессии: композитор, кинокомпозитор, пианист, теоретик музыки, педагог
Эпоха: полистилистика


Альфред Гарриевич Шнитке - советский и немецкий композитор, педагог и музыковед.

А. Шнитке - один из самых крупных советских композиторов так называемого второго поколения. Его творчеству присуще острое внимание к проблемам современности, к судьбам человечества и человеческой культуры. Для него характерны масштабные замыслы, контрастная драматургия, напряженная экспрессия музыкального звука. В его сочинениях нашли резонанс и трагизм атомной бомбардировки, и борьба с неотступным злом на земном шаре, и моральная катастрофа человеческого предательства, и взывание к добру, заложенному в человеческой личности.


Биография
Спойлер:
Альфред Шнитке родился в Энгельсе в Республике немцев Поволжья в еврейско-немецкой семье. Его отец, Гарри Викторович Шнитке (1914-1975), родился во Франкфурте-на-Майне, куда его родители перебрались из Либавы в 1910 году. В 1927 году вместе с родителями переехал в Москву, в 1930 году в Покровск, где вступил в партию и работал журналистом в советских немецких изданиях; рассказы и корреспонденции с фронта на русском языке печатал в газете "Большевик". Мать, Мария Иосифовна Фогель (1910-1972), происходила из немецких колонистов, переселившихся в Россию в 1765 году и осевших в деревне Каменка; работала учительницей немецкого языка. В 1943 году отца будущего композитора призвали на фронт, а Альфред с младшим братом (впоследствии поэтом, прозаиком и переводчиком В. Г. Шнитке) были отправлены в Москву, где жили у деда и бабушки по отцовской линии - инженера Виктора Мироновича (1889-1956) и редактора Теи Абрамовны Шнитке. Теа Абрамовна (урождённая Кац, 1889-1970) работала редактором в Государственном издательстве иностранной литературы, занималась немецкой филологией и переводами на немецкий язык, в том числе была автором учебника "Грамматика немецкого языка", редактором и автором примечаний к немецкому изданию романа Томаса Манна "Будденброки", роману Яна Петерсона "Наша улица", перевела на немецкий язык романы А. А. Фадеева "Последний из Удэге".
Родители Шнитке между собой говорили по-немецки, и первым языком композитора стал немецкий, однако впоследствии он обращался к матери по-немецки, а к отцу по-русски. Музыкальное образование для А. Г. Шнитке началось в 1946 году в Вене, Австрия, куда его отец был командирован после Великой Отечественной войны корреспондентом и переводчиком газеты "Osterreichische Zeitung". По возвращении в Москву в 1948 году семья поселилась в подмосковной Валентиновке, и мать и отец устроились на работу в редакцию газеты "Neues Leben". Отец занимался переводами советской литературы на немецкий язык для издательства литературы на иностранных языках "Прогресс". В 1958 году Шнитке окончил Московскую консерваторию по классу композиции у Евгения Голубева, а затем и аспирантуру.
С 1961 по 1972 год Шнитке преподавал инструментовку и чтение партитур в Московской консерватории, имел только одного ученика по композиции (Р.Аллаяров). С 1962 года (особенно активно в 1970-е гг.) сочинял музыку к фильмам. В 1989-1990 годах Берлинская научная коллегия предоставила Альфреду Шнитке стипендию. В 1990 году композитор вместе с семьёй переехал в Германию. Начал преподавать в Гамбургской высшей школе музыки.

В последние годы жизни здоровье Шнитке резко ухудшилось: композитор перенёс три инсульта, но тем не менее до конца сохранял творческую активность. Шнитке скончался в Гамбурге 3 августа 1998 года. Похоронен в Москве, на Новодевичьем кладбище.

Творчество
Спойлер:
Основные жанры творчества Шнитке - симфонические и камерные. Композитором созданы 5 симфоний (1972, 1980, 1981, 1984, 1988); 4 концерта для скрипки с оркестром (1957, 1966, 1978, 1984); концерты для гобоя и арфы (1970), для фортепиано (1979), альта (1965), виолончели (1986); оркестровые пьесы "Pianissimo..." (1968), "Пассакалия" (1980), "Ритуал" (1984), "Kein Sommernachtstraum" (1985); 3 concerti grossi (1977, 1982, 1985); Серенада для 5 музыкантов (1968); фортепианный Квинтет (1976) и его оркестровый вариант "In memoriam" (1978); "Жизнеописание" для ударных (1982), Гимны для ансамбля (1974-79), струнное Трио (1985); 2 сонаты для скрипки с фортепиано (1963, 1968), Соната для виолончели с фортепиано (1978), "Посвящение Паганини" для скрипки solo (1982). Несколько произведений Шнитке предназначены для сцены; балеты "Лабиринты" (1971), "Эскизы" (1985), "Пер Гюнт" (1987) и сценическая композиция "Желтый звук" (1974).
По мере эволюции стиля композитора все большее значение в его творчестве приобретают вокальные и хоровые сочинения: Три стихотворения Марины Цветаевой (1965), Реквием (1975), Три мадригала (1980), "Minnesang" (1981), "История доктора Иоганна Фауста" (1983), Концерт для хора на ст. Г. Нарекаци (1985), "Стихи покаянные" (1988, к 1000-летию крещения Руси).
Поистине новаторской является чрезвычайно интересная работа Шнитке над музыкой в кино: "Агония", "Стеклянная гармоника", "Рисунки Пушкина", "Восхождение", "Прощание", "Маленькие трагедии", "Мертвые души" и др.
Среди постоянных исполнителей музыки Шнитке - крупнейшие советские музыканты: Г. Рождественский, О. Каган, Ю. Башмет, Н. Гутман, Л. Исакадзе. В. Полянский, квартеты Москонцерта, им. Л. Бетховена и др. Творчество советского мастера пользуется широким признанием во всем мире. Участвуя в создании кинофильмов, Шнитке углубил психологическую емкость целого, создав музыкой дополнительный эмоционально-смысловой план. Киномузыка активно использовалась им и в концертных произведениях. Это прирожденный создатель, крупных музыкальных полотен, концепций в музыке. Дилеммы мира и культуры, добра и зла, веры и скепсиса, жизни и смерти, наполняющие его творчество, делают произведения советского мастера эмоционально выраженной философией.

Основные произведения
Спойлер:
Сценические произведения
1974 Der gelbe Klang ("Жёлтый звук"). Сценическая композиция для пантомимы, инструментального ансамбля, сопрано соло, смешанного хора, магнитной ленты и цвето-световых проекторов. Либретто Василия Кандинского на немецком языке (в переводе А. Шнитке).

Оперы
1962 - "Одиннадцатая заповедь" (или "Счасливчик"). Опера не оркестрована, расценена малозначительной и вычеркнута автором из списка сочинений
1991 - "Жизнь с идиотом". Опера в 2 актах. Либретто Вик. Ерофеева
1993 - "Джезуальдо2. Опера в 7 картинах, с прологом и эпилогом, либретто Рихарда Блетшахера о Карло Джезуальдо.
1994 - "История доктора Иоганна Фауста", опера в 3 актах с прологом и эпилогом, либретто Йорга Моргенера и Альфреда Шнитке по "Народной книге" Иоганна Шписа. Музыка одноимённой кантаты вошла в 3-й акт. Премьера 22 июня 1995 года в Гамбургском оперном театре.

Балеты
1971 - "Лабиринты". Балет в 5 эпизодах. Либретто В. Васильева.
1985 - "Эскизы". Хореографическая фантазия по мотивам Гоголя. Балет в одном действии. Либретто А. Петрова. № 1 и № 11 для балета сочинены коллективно Альфредом Шнитке, Г. Н. Рождественским, С. А. Губайдулиной, Э. В. Денисовым. Большинство номеров в оркестровой редакции Г. Рождественского.
1986 - "Пер Гюнт". Балет в 3 актах с эпилогом. Либретто Дж. Ноймайера по одноимённой драме Генрика Ибсена.

Сочинения для оркестра
(в том числе с участием солистов-вокалистов и солистов-инструменталистов)

Симфонии
1957 - Симфония "нулевая" в 4 частях
1972 - Симфония № 1 в 4 частях
1979 - Симфония № 2 (St. Florian) для солистов, камерного хора и симфонического оркестра в 6 частях
1981 - Симфония № 3 в 4 частях
1984 - Симфония № 4 для солистов и камерного оркестра. Одночастная
1988 - Симфония № 5 = Concerto Grosso № 4 для гобоя, скрипки, клавесина и симфонического оркестра в 4 частях
1992 - Симфония № 6 в 4 частях
1993 - Симфония № 7 в 3 частях
1994 - Симфония № 8 в 5 частях
1997-1998 - Симфония № 9 в 3 частях

Concerti Grossi
1977 - Concerto Grosso № 1 для 2 скрипок, клавесина, подготовленного фортепиано и струнных (есть авторская версия для флейты, гобоя, клавесина, подготовленного фортепиано и струнных) в 6 частях
1981-1982 - Concerto Grosso № 2 для скрипки, виолончели и симфонического оркестра в 4 частях
1985 - Concerto Grosso № 3 для 2 скрипок, клавесина, фортепиано и 14 струнных.
1988 - Concerto Grosso № 4 Симфония № 5 для гобоя, скрипки, клавесина и симфонического оркестра в 4 частях
1991 - Concerto Grosso № 5 для скрипки, симфонического оркестра и фортепиано (Klavierklange) за сценой
1993 - Concerto Grosso № 6 для скрипки, фортепиано и струнного оркестра в 3 частях.

Концерты
1957 - (Скрипичный) Концерт № 1 для скрипки с оркестром в 4 частях,
1960 - Концерт для фортепиано с оркестром в 3 частях,
1964 - Музыка для фортепиано и камерного оркестра в 4 частях,
1966 - (Скрипичный) Концерт № 2 для скрипки и камерного оркестра.
1971 - Концерт для гобоя, арфы и струнных.
1979 - Концерт для фортепиано и струнных.
1978 - (Скрипичный) Концерт № 3 для скрипки и камерного оркестра в 3 частях,
1984 - (Скрипичный) Концерт № 4 для скрипки с оркестром в 4 частях,
1985 - Концерт для альта с оркестром в 3 частях,
1985-1986 - Концерт № 1 для виолончели с оркестром в 4 частях,
1987-1988 - Концерт для фортепиано (в 4 руки) и камерного оркестра,
1989 - Монолог для альта и струнного (камерного) оркестра,
1990 - Концерт № 2 для виолончели с оркестром в 5 частях,
1994 - Концерт для троих: для скрипки, альта, виолончели и струнных с фортепиано в 4 частях,
1997 - Концерт для альта № 2 (не опубликован; находится на стадии расшифровки).

Другое
Pianissimo для большого оркестра (1967-68)
1966 - Вариации (коллективные) на темы Шестнадцатой симфонии Н. Я. Мясковского для симфонического оркестра.
1968 - Pianissimo…
1972-1978 - In memoriam (оркестровая версия фортепианного квинтета) в 5 частях,
1980 - Пассакалия для оркестра
1981 - Гоголь-сюита (Сюита из музыки к спектаклю Театра на Таганке "Ревизская сказка").
1984-1985 - "Ритуал" (Памяти погибших во Второй мировой войне, к 40-летию освобождения Белграда).
1985 - Kein Sommernachtstraum (Не по Шекспиру)
1991 - Sutartines для струнного оркестра и ударных
1992 - Hommage a Grieg (Посвящение Григу)
1994 - Симфонический пролог для оркестра
1994 - For Liverpool для оркестра

Камерные произведения
Соната для скрипки и камерного оркестра, 1963-67
Трио-соната
Quasi una sonata для скрипки и камерного оркестра, 1968
Сюита в старинном стиле (Suite in the Old Style), 1972
Moz-Art a la Haydn, 1977
A Paganini
Соната для виолончели и фортепиано, 1978 (посв. Наталье Гутман)
Соната для скрипки и фортепиано, 1963
Соната для скрипки и фортепиано, 1968
Соната для скрипки и фортепиано, 1994
Соната для виолончели и фортепиано, 1994
Струнное трио, 1985
4 струнных квартета (1966, 1980 1983, 1989)
Фортепианный квартет, 1988
Фортепианный квинтет, 1972-1976
Септет, 1981-1982

Вокальные и хоровые произведения
1965 - Три стихотворения М. И. Цветаевой для меццо-сопрано и фортепиано.
1972 - Голоса природы для 10 женских голосов и вибрафона (без слов).
1975 - Восемь песен из спектакля «Дон Карлос» для баритона и фортепиано. Текст Ф. Шиллера (в русском переводе).
1977 - "Магдалина" для голоса и фортепиано. Стихи Б. Л. Пастернака (из романа "Доктор Живаго").
1980 - Три мадригала для сопрано, скрипки, альта, контрабаса, вибрафона, клавесина.
1980 - Три сцены для сопрано и ансамбля.
1988 - Drei Gedichte von Viktor Schnittke (Три стихотворения Виктора Шнитке) для голоса и фортепиано.
1993 - Mutter для меццо-сопрано и фортепиано. Стихи Э. Ласкер-Шюлер (на немецком языке).
1994 - Пять фрагментов по картинам И. Босха для тенора и малого оркестра.

Для хора (с сопровождением и без)
1958 - "Нагасаки", оратория для хора и симфонического оркестра в 6 частях.
1975 - Реквием из музыки к драме Шиллера "Дон Карлос" для солистов, смешанного хора и инструментального ансамбля в 14 частях.
1976 - Der Sonnengesang des Franz von Assisi для 2 смешанных хоров и 6 инструментов.
1980-1981 - Миннезанг для 52 хористов. Тексты миннезингеров XII—XIII столетий.
1983 - Seid nüchtern und wachet… ("История доктора Иоганна Фауста").
1984 - Три хора для смешанного хора a capella.
1984-1985 - Концерт для смешанного хора в четырёх частях на стихи Г. Нарекаци.
1987 - Стихи покаянные для смешанного хора без сопровождения в 12 частях. К 1000-летию крещения Руси.
1989 - Eroffnungvers zum 1. Festspielsonntag (Вступление к первому воскресному празднику) для четырёхголосного смешанного хора и органа.
1991 - Торжественный кант для скрипки, фортепиано, хора и большого симфонического оркестра.
1992 - Agnus dei для 2 сопрано соло, женского хора и камерного оркестра.
1994 - XII. Communio II (Lux Aeterna) из Requiem der Versöhnung (Памяти жертв Второй мировой войны)

Сочинения для клавишных инструментов
1963 - Прелюдия и фуга для фортепиано
1965 - Импровизация и фуга для фортепиано
1965 - Вариации на один аккорд для фортепиано
1971 - Восемь детских пьес для фортепиано
1979 - Посвящение Игорю Стравинскому, Сергею Прокофьеву, Дмитрию Шостаковичу для фортепиано в 6 рук
1987 - Соната № 1 для фортепиано в 4 частях,
1990 - Три пьесы для клавесина
1990 - Пять афоризмов для фортепиано (Между пьесами читаются стихи И. А. Бродского.)
1990 - Соната № 2 для фортепиано в 3 частях,
1992 - Соната № 3 для фортепиано в 4 частях,
1994 - Сонатина для фортепиано в 4 руки.

Электронная музыка
1969 - Поток (для АНСа)

Музыка к фильмам
1962 - Вступление
1963-1964 - Вызываем огонь на себя
1965 - Похождения зубного врача
1966 - Дневные звёзды
1967 - Дом и хозяин, Комиссар, Ангел.
1968 - Шестое июля, Стеклянная гармоника
1969 - Балерина на корабле, Ночной звонок, Вальс
1970 - Белорусский вокзал, Дядя Ваня, Спорт, Чайка
1971 - Ты и я, Последний рейс "Альбатроса", Наш Гагарин, Шкаф, Выше голову
1972 - Горячий снег, На углу Арбата и улицы Бубулинас, Бабочка, Право на прыжок, Чили в борьбе, надежде и тревоге
1973 - Города и годы, Былое и думы, Трудные дороги мира/Равновесие страха (д/ф), В мире басен
1974 - Выбор цели, Осень, Домик в Коломне (телеспектакль), И всё-таки я верю…, Агония
1975 - Рикки-Тикки-Тави, Белый пароход
1976 - Клоуны и дети, Восхождение, Повесть о неизвестном актёре, Приключения Травки, Сказ про то, как царь Пётр арапа женил
1977 - Счёт человеческий, Я к вам лечу воспоминаньем... (м/ф)
1978 - Отец Сергий, Капитанская дочка (телеспектакль)
1979 - Парадоксы эволюции (документальный), Маленькие трагедии, Фантазии Фарятьева, Экипаж
1980 - Лариса
1981 - Звездопад, Зачем бабируссе клыки? (д/ф), И с вами снова я
1981 - Прощание
1982 - Сказка странствий, Крепыш, Осень, Карандаш и ластик (Весёлая карусель № 12) (используемая музыка)
1984 - Мёртвые души
1985 - Любимец публики
1988 - Шаг (используемая музыка), Балкон (используемая музыка),
1989
Иной (используемая музыка)
А это случилось в Виши (телеспектакль)
Посетитель музея
1990 -Я сюда больше никогда не вернусь (используемая музыка), Сфинкс (используемая музыка), Воспоминания без даты
1991 - Палата номер шесть (используемая музыка)
1992 - Присутствие (используемая музыка)
1993 - Владимир Святой
1994 - Мастер и Маргарита
1996 - Страх (используемая музыка), Чёрное и белое (используемая музыка), Чернобыль. Послесловие (используемая музыка)
1999 - Пришельцам новым (используемая музыка)

Статьи по теории музыки


Альфред Шнитке - Признание в любви


__________________
CLIPER вне форума Ответить с цитированием
Старый Вчера, 07:35   #89
CLIPER
VIP
Супер-модератор
Гвардеец Гавани Корсаров
Поручик
Казначей
 
Аватар для CLIPER
 
Благотворитель:
Маркиз Франция
Регистрация: 05.03.2013
Адрес: у самого синего моря
Сообщений: 12,571
Нация: Франция
Пол: Мужской
Репутация: 1009

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Великие композиторы и музыканты

Хуго Вольф



Дата рождения: 13 марта 1860
Место рождения: Виндишгрец, Австрийская империя
Дата смерти: 22 февраля 1903 (42 года)
Место смерти: Вена, Австро-Венгрия
Страна: Австрийская империя, Австро-Венгрия
Профессии: композитор
Эпоха: романтизм


Хуго (Гуго) Вольф - австрийский композитор и музыкальный критик словенского происхождения.

В творчестве австрийского композитора Г. Вольфа главное место занимает песня, камерная вокальная музыка. Композитор стремился к полному слиянию музыки с содержанием поэтического текста, его мелодии чутко реагируют на смысл и интонации каждого отдельного слова, каждой мысли стихотворения. В поэзии Вольф, по его собственным словам, находил "подлинный источник" музыкального языка. "Представь меня как объективного лирика, который может свистеть на любой манер; которому в одинаковой степени доступны и самая избитая мелодия, и вдохновенные лирические напевы", - говорил композитор. Понять его язык не так просто: композитор стремился быть драматургом и насыщал свою музыку, мало похожую на обычные песни, интонациями человеческой речи.
Путь Вольфа в жизни и в искусстве был исключительно трудным. Годы подъема чередовались с мучительнейшими кризисами, когда в течение нескольких лет он не мог "выжать из себя" ни одной ноты. Большая часть песен написана композитором в течение трех лет (1888-91).


Биография
Спойлер:
С четырёх лет обучался игре на фортепиано и скрипке у отца, в начальной школе изучал фортепиано и теорию музыки с Себастьяном Вайкслером. Его не интересовали никакие предметы, кроме музыки: из первой школы он был отчислен как "совершенно не отвечающий требованиям", из второй ушёл сам из-за трудностей с латынью, последнюю бросил после ссоры с преподавателем, помянувшим "проклятую музыку". Затем, к неудовольствию отца, поступил в Венскую консерваторию (1875-1877), однако был исключён за "нарушение дисциплины", хотя Вольф утверждал, что ушёл сам из-за царившего там консерватизма. Проведя восемь месяцев в семье, Вольф вернулся в Вену, чтобы давать уроки музыки. Хотя его вспыльчивый темперамент не слишком подходил для преподавания, благодаря музыкальной одарённости и личному обаянию он привлёк к себе внимание. Поддержка покровителей позволяла ему жить сочинением музыки, а дочь одного из них, Валли (Валентина) Франк, его первая любовь, с которой у него был трёхлетний роман, вдохновляла его на сочинение. В период отношений с Франк в песнях Вольфа стали проявляться черты его зрелого стиля.
Вольф всю жизнь был склонен к депрессии и резким перепадам настроения. Незадолго до его 21-го дня рождения от него ушла Валли; совершенно подавленный, Вольф вернулся в родительский дом, хотя отношения с семьёй тоже не складывались: отец по-прежнему был убеждён в непутёвости сына. Краткое пребывание Вольфа на посту второго капельмейстера в Зальцбурге (1881-1882) только укрепило это мнение: он не обладал ни темпераментом, ни дирижёрской техникой, ни склонностью к подчёркнуто не-вагнеровскому репертуару. В течение года Вольф вернулся в Вену и продолжил давать уроки музыки в прежних обстоятельствах. Глубоко повлияла на молодого композитора смерть Вагнера в феврале 1883. В последующие годы Вольф часто отчаивался по поводу своего будущего в мире, из которого ушёл его кумир, открывший бескрайний путь для последователей, но не указавший, как по нему идти. Это часто приводило к резким перепадам настроения, отчуждению от друзей и покровителей, хотя обаяние Вольфа помогало ему сохранить отношения с ними. Тем временем его песни привлекли внимание Ференца Листа, которого он очень высокого ценил. Лист, как и предыдущие учителя Вольфа, посоветовал ему обратиться к крупным формам; на этот раз Вольф последовал совету, написав симфоническую поэму "Пентесилея".
В 1884-1887 годах Вольф вёл музыкально-критическую колонку в газете "Венский салонный листок". Он был беспощаден к произведениям, которые считал отвратительными; особенно доставалось от него Антону Рубинштейну. В то же время он пылко выступал в поддержку Листа, Шуберта и Шопена. За свою язвительность получил прозвище "Дикий Вольф" и нажил немало врагов. В эту пору Вольф почти не занимался композицией, а немногие его сочинения тех лет ("Пентесилея", квартет ре минор) не удостаивались исполнения. Уйдя из газеты, Вольф вновь посвятил себя композиции; среди его сочинений 1887 года "Итальянская серенада" для струнного квартета, считающаяся одним из лучших образцов его зрелого инструментального стиля. Через неделю после завершения "Серенады" Вольф узнал о смерти отца, повергшей его в глубокую депрессию.
1888—1889 гг. оказались для Вольфа невероятно плодотворными. Он поехал в Перхтольсдорф в загородный дом своих друзей детства Вернеров, где в бешеном темпе создал цикл песен на стихи Мёрике. За коротким перерывом и переездом в загородный дом других друзей Вольфа - Экштайнов последовали циклы на стихи Эйхендорфа и Гёте. В октябре 1889 была начата "Испанская книга песен". Вольф по достоинству оценивал эти циклы, считая их лучшими своими сочинениями на тот момент. К нему наконец пришло признание. Тенор Фердинанд Егер, присутствовавший на одном из первых исполнений цикла на стихи Мёрике, стал постоянно исполнять песни Вольфа в концертах. Произведения Вольфа удостоились отзывов в прессе, хотя и не всегда положительных: приверженцы Брамса, памятуя о беспощадных статьях Вольфа, не оставались в долгу при каждом удобном случае. Биограф Брамса Макс Кальбек высмеивал Вольфа за незрелую манеру письма и странные тональные эксперименты. Вагнеровская певица Амалия Матерна отменила свой концерт из произведений Вольфа под угрозой попадания в чёрный список критиков.
В конце 1891, по завершении первой половины "Итальянской книги песен", физическое и психическое здоровье Вольфа снова пошло на спад; от истощения после нескольких плодотворных лет, усугублённого последствиями сифилиса и депрессивным характером, он вынужден был оставить композицию на несколько лет, что только ухудшало его депрессивное состояние. Его произведения продолжали исполняться в Австрии и Германии, их популярность росла; даже Брамс и критики, прежде поносившие Вольфа, начали отзываться о них положительно. Ещё в 1890 Вольф с отвращением отверг либретто оперы "Коррехидор" по новелле Педро Антонио де Аларкона "Треуголка", но позднее, будучи убеждён в необходимости написать оперу, перестал замечать недостатки либретто. В сюжете о любовном треугольнике Вольф мог увидеть собственную судьбу: у него несколько лет был роман с Мелани Кёхерт, женой его друга Генриха Кёхерта. Считается, что роман начался в 1884, когда Вольф ездил вместе с Кёхертами на отдых; хотя в 1893 Генрих узнал о романе, он остался покровителем Вольфа и мужем Мелани. Опера была написана за девять месяцев и встречена с интересом, но музыка Вольфа не смогла компенсировать слабости либретто. В 1896-1897 последовал новый всплеск творческой активности: в марте-апреле 1896 Вольф завершил "Итальянскую книгу песен", в марте 1897 написал три песни на стихи Микеланджело и начал работу над оперой "Мануэль Венегас".

Вскоре после концерта с Егером в феврале 1897 Вольф впал в сифилитическое умопомрачение с очень редкими улучшениями. Отчаянные попытки завершить "Мануэля Венегаса" ни к чему не привели. Со второй половины 1899 Вольф полностью утратил способность к композиции и однажды даже попытался утопиться, после чего по собственному настоянию был помещён в Венскую психиатрическую больницу. Мелани преданно посещала его до самого конца; мучимая изменой мужу, в 1906 году она покончила с собой.

Творчество
Спойлер:

В историю мировой музыки Вольф вошёл как один из крупнейших мастеров камерно-вокального жанра XIX века, развивший и подытоживший традиции венской песенной классики от Бетховена до Шуберта и Шумана. По сравнению с их творчеством в песенной просодии Вольфа резко возросло психическое напряжение и, как следствие, внимание к поэтическому слову, а также обострилась декламационная и интонационная выразительность. Называя свои произведения не песнями, не романсами, а "стихотворениями для голоса и фортепиано", Вольф уделял особо пристальное внимание выбору автора стихов. Он обращался чаще всего к поэзии таких близких по духу авторов, как Эдуард Мёрике, Иоганн Вольфганг Гёте, Йозеф фон Эйхендорф, Николаус Ленау, Готфрид Келлер, а также к немецким переводам Пауля Хейзе с итальянского и Э. Гейбеля с испанского.
В музыкальной агогике ради сохранения смысловых и синтаксических значений стиха Вольф часто отказывается от музыкальных периодов и симметрий, а также гармонической логики классического построения фразы. Характерной особенностью некоторых песен Вольфа является также перенесение основного тематически яркого материала в аккомпанемент, партию фортепиано, тогда как вокалист продолжает "бубнить" свой стих в состоянии как бы парализованной стрессом психики.
Начиная со "Стихотворений Э. Мёрике" характерным для творческого метода Вольфа становится объединение в рамках одного сборника большого числа разностилевых и разнохарактерных контрастных песен, связанных между собой только единством поэтического первоисточника, а также повторением музыкально-поэтических лейтмотивов (в манере опер Вагнера). Иногда единство связей также подкрепляется и угадывающейся сквозь собрание стихов сюжетной связью. Во многих песнях сказывается живой интерес Вольфа к современным ему тенденциям музыкального театра. Яркость "музыкальных декораций", краткая обрисовка психологического антуража, мгновенное введение в курс происходящих событий, а также характерность и выпуклость речевых интонаций невольно наводят на аналогии с диалогическими театральными песенками-сценками из зингшпилей или комических опер.

Сочинения
Спойлер:
Песни для голоса и фортепиано (всего около 275)
"Стихотворения Мёрике" (53 песни, 1888)
"Стихотворения Эйхендорфа" (20 песен, 1880-1888)
"Стихотворения Гёте" (51 песня, 1888-1889)
"Испанская книга песен" (44 пьесы, 1888-1889)
"Итальянская книга песен" (1-я часть - 22 песни, 1890-1891; 2-я часть - 24 песни, 1896)
Помимо того, отдельные песни на стихи Гёте, Шекспира, Байрона, Микеланджело и других.

Песни-кантаты
"Рождественская ночь" для смешанного хора и оркестра (1886-1889)
"Песня эльфов" (на слова Шекспира) для женского хора и оркестра (1889-1891)
"Отечеству" (на слова Мёрике) для мужского хора и оркестра (1890-1898)

Инструментальные произведения
Струнный квартет d-moll (1879-1884)
"Пентезилея", симфоническая поэма по трагедии Г. Клейста (1883-1885) "Итальянская серенада" для струнного квартета (1887, обработка для малого оркестра - 1892)

Оперы
"Коррегидор", либретто Майредер по д'Аларкону (1895)
"Мануэль Венегас", либретто Гёрнес по д'Аларкону (1897, не закончена)
Музыка к драме "Празднество в Сольхауге" Г. Ибсена (1890-1891)


Хуго Вольф - Der Rattenfanger


__________________
CLIPER вне форума Ответить с цитированием
Старый Вчера, 07:36   #90
CLIPER
VIP
Супер-модератор
Гвардеец Гавани Корсаров
Поручик
Казначей
 
Аватар для CLIPER
 
Благотворитель:
Маркиз Франция
Регистрация: 05.03.2013
Адрес: у самого синего моря
Сообщений: 12,571
Нация: Франция
Пол: Мужской
Репутация: 1009

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Великие композиторы и музыканты

Александр Константинович Глазунов




Дата рождения: 10 августа 1865
Место рождения: Санкт-Петербург, Российская империя
Дата смерти: 21 марта 1936 (70 лет)
Место смерти: Нёйи-сюр-Сен, Франция
Страна: Российская империя, СССР
Профессии: композитор
Эпоха: романтизм


[B][I]Александр Константинович Глазунов - русский композитор, дирижёр, музыкально-общественный деятель, профессор Петербургской консерватории и её директор. Народный артист Республики (1922). Старший брат русского энтомолога и путешественника - Дмитрия Глазунова.

Соратник композиторов "Могучей кучки", друг А. Бородина, дописавший по памяти его незавершенные сочинения, и педагог, который в годы послереволюционной разрухи поддержал юного Д. Шостаковича...
В судьбе А. Глазунова зримо воплотилась преемственность русской и советской музыки. Прочное душевное здоровье, сдержанная внутренняя сила и неизменное благородство - эти черты личности композитора привлекали к нему музыкантов-единомышленников, слушателей, многочисленных учеников. Сложившись еще в юношеские годы, они определили основной строй его творчества.


Биография
Спойлер:
Отец работал книгоиздателем, мать была пианисткой. Образование получил во Втором петербургском реальном училище, по окончании которого в 1883 году некоторое время был вольнослушателем в Петербургском университете. Одарённый хорошим слухом и музыкальной памятью, Глазунов начал обучаться игре на фортепиано с девяти лет, сочинять с одиннадцати. В 1879 он познакомился с Милием Балакиревым, который отметил незаурядный талант юноши и рекомендовал его Николаю Римскому-Корсакову. С Римским-Корсаковым Глазунов начал частным образом изучать теорию музыки и композицию, и за полтора года прошёл весь курс гармонии, форм и инструментовки. Уже в 1882 году Глазунов написал свою Первую симфонию, которая с успехом была исполнена под управлением Балакирева, а вскоре появился его первый струнный квартет. Творчеством Глазунова вскоре заинтересовался известный меценат и покровитель искусства Митрофан Беляев, ставивший своей целью поддержку молодых русских композиторов. В 1885 году Беляев организовал цикл Русских симфонических концертов и музыкальное издательство в Лейпциге, а годом ранее при его поддержке Глазунов впервые отправился за границу, где была исполнена его Первая симфония, и где он познакомился с Ференцем Листом, одобрительно отозвавшимся о его творчестве. Вернувшись в Петербург, Глазунов стал одним из членов так называемого "Беляевского кружка", в который входили также Римский-Корсаков, Лядов, Малишевский, Витолс, Блуменфельд и другие музыканты. Продолжая традиции "Могучей кучки" по части развития русской композиторской школы, беляевцы также держали курс на сближение с западной музыкальной культурой.
В 1887 году умирает Александр Бородин, оставив неоконченными свою оперу "Князь Игорь" и Третью симфонию. За их окончание и оркестровку берутся Римский-Корсаков и Глазунов. Феноменальная память Глазунова позволила ему полностью восстановить услышанную в исполнении на фортепиано самого Бородина незадолго до его смерти увертюру к опере и фрагменты третьего действия, а благодаря музыкальным навыкам он смог полностью оркестровать симфонию. В 1889 он дебютирует как дирижёр, исполняя свою Вторую симфонию на Всемирной выставке в Париже.
В начале 1890-х Глазунов переживает творческий кризис, который сменяется новым подъёмом: он пишет три симфонии, камерные произведения и балет "Раймонда", ставший наиболее известным его сочинением. В 1899 он получает место профессора Петербургской консерватории, в которой работал непрерывно около тридцати лет. После событий 1905 года, когда из консерватории за поддержку революционно настроенных студентов был уволен Римский-Корсаков, Глазунов в знак протеста также покинул свой пост, но уже в декабре того же года, после того, как консерватория была отделена от Русского музыкального общества, вернулся в неё и вскоре был избран её директором. На посту директора Глазунов провёл огромную работу: приводил в порядок учебные планы, основал оперную студию и студенческий оркестр, значительно повысил требования к студентам и преподавателям, в конце каждого учебного года лично присутствовал на всех экзаменах и писал характеристики на каждого студента. В 1906 году Глазунов написал музыку гимна "Избранникам русского народа", прославляющего депутатов Государственной Думы Российской Империи. В 1908 году А. К. Глазунов рекомендует своего ученика, талантливого польского композитора Витольда Малишевского, на пост директора Императорских музыкальных классов в Одессе. Это назначение оказалось знаковым для всего развития музыкальной культуры юга Российской Империи, а затем Украины, так как в 1913 году Малишевский стал основателем и первым ректором Одесской консерватории.
После Октябрьской революции Глазунов сумел остаться на своём посту, наладив отношения с новой властью, и, в частности, с наркомом просвещения Анатолием Луначарским, и сохранить за консерваторией престижный статус. Он выступал как дирижёр на фабриках, в клубах и других местах, принимал участие в музыкально-общественной жизни страны. В 1922 ему было присвоено звание народного артиста Республики. Тем не менее, против Глазунова в консерватории были настроены как некоторые группы профессоров, так и студентов. В 1928 году Глазунов был приглашён на композиторский конкурс в Вену, посвящённый столетию со дня смерти Франца Шуберта, и по его окончании он принял решение не возвращаться в СССР. Глазунов формально числился ректором консерватории до 1930 года. Некоторое время Глазунов выступал как дирижёр, а в 1932, в связи с ухудшившимся здоровьем, вместе с женой поселился в Париже, где изредка сочинял (среди его поздних работ — Концерт для саксофона с оркестром, посвящённый Сигурду Рашеру).

Глазунов умер в Париже в 1936 году. А в 1972 году его прах был перевезён в Ленинград и торжественно захоронен на Тихвинском кладбище Александро-Невской лавры. В Мюнхене открыт институт, занимающийся исследованием творчества композитора, архив его партитур хранится в Париже. Именем композитора назван малый зал Санкт-Петербургской консерватории.

Творчество
Спойлер:
Созвучность времени, ощущение исторической перспективы присуще Глазунову во всех жанрах. Логическая точность и рациональность конструкции, активное использование полифонии - без этих качеств невозможно представить себе облик Глазунова-симфониста. Эти же черты в разных стилистических вариантах стали важнейшими признаками музыки XX в. И хотя Глазунов оставался в русле классических традиций, многие его находки исподволь готовили художественные открытия XX в. В. Стасов назвал Глазунова "русским Самсоном". Действительно, только богатырю под силу утвердить неразрывную связь русской классики и нарождающейся советской музыки, так как это сделал Глазунов.

Основные произведения
Спойлер:
Балеты
Раймонда (либретто Л, Пашковой и М. Пе-типа, ор. 57, 1897; поставлен 1898, Мариинский театр, Петербург), Барышня-служанка, или Испытание Дамиса (на сюжет М. Пе-типа по картине Ватто, ор. 61, 1898; поставлен 1900, Эрмитажный театр, Петербург), Времена года (на сюжет М. Петипа, ор. 67, 1899; поставлен 1900, там же);

Для хора и голосов с оркестром
Торжественный марш в честь открытия Всемирной Колумбовской выставки в Чикаго в 1893 (ор. 40, 1892), Коронационная кантата (ор. 56, 1895), Торжественная кантата в память 100-летней годовщины А. С. Пушкина (ор. 65, 1899), Здравица (слова В. А, Жуковского, без ор., 1903), Эй, ухнем! (без ор., 1905), Избранникам русского народа (без ор., 1906), Прелюдия-кантата к 50-летию Петербургской консерватории (без ор., 1912);

Для оркестра
симфонии:
№ 1 (Е-dur, ор. 5, 1881; 2-я редакция 1885; 3-я редакция 1929), № 2 (fis-moll, ор. 16, 1886), № 3 (D-dur, ор. 33, 1890), .№ 4 (Es-dur, ор. 48, 1893), № 5 (В-dur, ор. 55, 1895), № 6 (с-moll, ор. 58, 1896), № 7 (F-dur, ор. 77, 1902), № 8 (Еs-dur, ор. 83, 1906), № 9 (d-moll, 1910, неокончена, 1-я часть инструментована Г. Я. Юдиным);

сюиты:
Характеристическая сюита (d-moll, ор. 9, 1887), Восточная рапсодия (G-dur, ор. 29, 1889), Шопениана (сюита из сочинений Ф. Шопена, ор. 46, 1892), Балетная сюита (А-dur, ор. 52, 1894), сюита из балета "Раймонда" (Е-dur, ор. 57-а, 1898), Из средних веков (Е-dur, ор. 79,1902), финские эскизы (Е-dur, ор. 89, 1911);

увертюры:
1-я увертюра на 3 греческие темы (g-moll, ор. 3, 1882), 2-я увертюра на греческие темы (D-dur, ор. 6, 1884), Карнавал (ор. 45, 1893), Торжественная увертюра (D-dur, посвящена артистам придворного оркестра, ор. 73, 1900), Песнь судьбы (d-moll, ор. 84, 1908);

симфонические поэмы и фантазии:
Памяти героя (элегия, ор. 8, 1885), Стенька Разин (симфоническая поэма, ор. 16, 1885), Лес (фантазия, ор. 19, 1887), Море (фантазия, ор. 28, 1889), Кремль (симфоническая картина, ор. 30, 1891), Весна (музыкальная картина, ор. 34, 1891), От мрака к свету (фантазия, ор. 53, 1894), финская фантазия (ор. 88, 1909), Карельская легенда (музыкальная картина, ор. 99, 1916);

разные произведения для оркестра:
Серенада № 1 (ор. 7, 1883), Серенада № 2 (ор. II, 1884), Лирическая поэма (ор. 12, 1884), 2 пьесы - 1. Идиллия. 2. Грёзы о востоке (ор. 14, 1886), Мазурка (ор, 18, 1888), Славянский праздник (симфонический эскиз, ор. 26-а, 1888), Свадебное шествие (ор. 21, 1889), Концертный вальс .№ 1 (D-dur, ор. 47, 1893), Концертный вальс № 2 (Р-(F-dur, ор. 51, 1894), Торжественное шествие (посвящено В. В. Стасову, ор. 50, 1894), Романтическое интермеццо (ор. 69, 1900), Марш на русскую тему (ор. 76, 1901), Баллада (ор. 78, 1902), Гадание и пляска (балетная сцена для оркестра, ор. 81, 1904), Две прелюдии - 1. Памяти В. В. Стасова (1906). 2. Памяти Н. А. Римского-Корсакова (ор. 85, 1908), Памяти Н. В. Гоголя (симфонический пролог, ор. 87, 1909), Торжественное шествие (ор. 91, 1910), Восточная пляска (без ор., 1912?), Парафразы на гимны союзных держав (ор. 96, 1915), Вариации для струнного оркестра (ор. 97, 1918), Poeme epique (без ор., 1934);

для великорусского оркестра:
Русская фантазия (ор. 86, 1906);

для одного инструмента с оркестром:
2 концерта для фортепиано с оркестром- № 1 (f-moll, ор. 92, 1910), № 2 (Н-dur, ор. 100, 1917),концерт для скрипки с оркестром (а-moll, ор. 82, 1904), Concerto ballata для виолончели с оркестром (С-dur, ор. 108, 1931), концерт для саксофона с оркестра (Еs-dur, ор. 109, 1931); для виолончели с оркестром-2 пьесы, ор. 20, -1. Melodie (1888). 2. Serenade espagnole (1887), Песнь менестреля (ор. 71, 1900);

для скрипки:
Мазурка-оберек (без ор., 1917, издано посмертно под редакцией И. М. Ямпольского, М., 1951);

для ансамбля инструментов:
7 струн, квартетов: № 1 (D-dur, ор. 1, 1882), № 2 (F-dur, oр. 10, 1884), № 3 (G-dur, Славянский, ор. 26, 1888), № 4 (а-moll, ор. 64, 1894), № 5 (d-moll, ор. 70, 1898), № 6 (В-dur, ор. 106, 1921), № 7 (С-dur, ор. 107, 1930), сюиты для струн, квартета-Новинки (ор. 15, 1886), сюита С-(1иг (ор. 35, 1891), Прелюдия и фуга (в сб. пьес для струн, квартета "Пятницы", посвыше М. П. Беляеву, 1898), Элегия для струн. квартета (памяти М. П. Беляева, ор. 105, 1828), квартет для 4 саксофонов (В-dur, ор. 109, 1932), In modo religioso (квартет для медных духовых инструментов, ор. 38, 1892);

для фортепиано в 2 руки:
2 сонаты (№ 1 b-moll, ор. 74, 1901; № 2 с-moll, ор. 75, 1901), Тема с вариациями (ор. 72, 1900), сюита на тему "Саша" (ор. 2, 1883), 3 этюда (ор. 31, 1890), Большой концертный вальс (ор. 41, 1891), Прелюдия и фуга (ор. 62, 1899), 4 прелюдии и фуги (ор. 101, 1918-1923), Прелюдия и фуга (е-moll, без ор., 1926, обработка для органа 1829) и др.;

для 2 фортепиано:
Фантазия (f-moll, ор. 104, 1920);

для органа:
Прелюдия и фуга № 1 (D-dur, ор. 93, 1906), Прелюдия и фуга № 2 (d-moll, ор. 98, 1914);

для одного инструмента с сопровождением фортепиано:
Элегия (памяти Ф. Листа, для виолончели и фортепиано, ор. 17, 1886, первоначальное изложение для теноров, тромбона или валторны с фортепиано), Reverie (для валторны с фортепиано, ор. 24, 1890), Meditation (для скрипки с фортепиано, ор. 32, 1891), Элегия (для альта с фортепиано, g-moll, ор. 44, 1893), Листок из альбома (для трубы с фортепиано, без ор., 1899, посмертно издано, М.- Л., 1950);

для голоса с фортепиано:
5 романсов (ор. 4, 1882-1885), 2 песни на слова А. С. Пушкина (Вакхическая песня, Восточный романс, ор. 27, 1888; то же с сопровождением оркестра), 6 романсов (ор. 59, 1898, слова А. С. Пушкина и др.), 6 романсов (ор. 60, 1898, слова А. С. Пушкина и А. Н. Майкова) и др.;

для хора без сопровождения:
Гимн Пушкину (для женского хора с фортепиано аd libitum, ор. 66, 1899), Любовь (для смешанного хора, слова В. А. Жуковского, ор. 94, 1907), Вниз по матушке по Волге (русская песня для смешанного хора, без ор., 1921);

музыка к драматическим спектаклям:
Вступление и пляска Саломеи (к драме "Саломея" О. Уайльда, ор. 90, 1908), Царь Иудейский (музыка к драме К. Р., ор. 95, 1913), Маскарад (музыка к драме М. Ю. Лермонтова, без ор., 1913- 1916).


А. Глазунов - сюита "Из средних веков" - финал


__________________
CLIPER вне форума Ответить с цитированием
Старый Вчера, 07:37   #91
CLIPER
VIP
Супер-модератор
Гвардеец Гавани Корсаров
Поручик
Казначей
 
Аватар для CLIPER
 
Благотворитель:
Маркиз Франция
Регистрация: 05.03.2013
Адрес: у самого синего моря
Сообщений: 12,571
Нация: Франция
Пол: Мужской
Репутация: 1009

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Великие композиторы и музыканты

Морис Равель



Дата рождения: 7 марта 1875
Место рождения: Сибур
Дата смерти: 28 декабря 1937 (62 года)
Место смерти: Париж, Франция
Страна: Франция
Профессии: композитор, дирижёр
Эпоха: неоклассицизм-импрессионизм


Жозеф Морис Равель - французский композитор, дирижёр, один из реформаторов музыки XX века

В музыке М. Равеля - крупнейшего французского композитора, великолепного мастера музыкального колорита сочетаются импрессионистическая мягкость и размытость звучаний с классической ясностью и стройностью форм. В облике Равеля законченно полное выражение получили отдельные истинно французские черты, его творчество естественно и закономерно входит в общую панораму французского искусства. В один ряд с ним хочется поставить А. Ватто с мягким очарованием его групп в парке и скрытой от мира скорбью Пьеро, Н. Пуссена с величаво-спокойным обаянием, живую подвижность смягченно-точных портретов О. Ренуара. Хотя Равеля справедливо называют композитором-импрессионистом, однако характерные черты импрессионизма проявились у него лишь в некоторых произведениях, в остальных же преобладает классическая четкость и соразмерность структур, чистота стиля, ясность линий и ювелирность в отделке деталей.


Биография
Спойлер:
Морис Равель родился 7 марта 1875 года в городе Сибур на юге Франции. В 1882 году начал заниматься фортепиано у Анри Гиз, с 1887 года занимался гармонией у Шарля Рене. Город Сибур находился на самой границе с Испанией, где в это время служил его отец инженер-путеец, страстный любитель музыки, прививший эту любовь своему сыну. В 1889 году Равель поступил в Парижскую консерваторию, которую окончил по классу фортепиано. Молодому музыканту очень много помогал его учитель Шарль де Берио, известный пианист того времени. Однако интерес к импровизации, созданию композиции появился у Равеля после знакомства с творчеством "подпольного" родоначальника музыкального импрессионизма и просто экстравагантного композитора Эрика Сати, а также личной встречи с другим композитором и пианистом - Рикардо Виньесом. Именно после этого у Мориса появилась страсть к сочинительству. Спустя двадцать и тридцать лет, несмотря на сложные личные отношения, Равель неоднократно подчёркивал, сколь многим в своём творчестве он обязан Сати и называл его не иначе, как своим "Предтечей" или "Прекурсором".
На последнем году обучения он попал в класс к крупному французскому композитору Габриэлю Форе. По его инициативе Равель сочинил цикл произведений на испанские мелодии - "Хабанеру", "Павана на смерть инфанты", "Старинный менуэт". После окончания консерватории в 1900-1914 годах он пишет множество сочинений. Как и у большинства новаторов, творчество Мориса Равеля некоторое время не было признано в профессиональных академических кругах. Так, Морис Равель целых три раза подряд участвовал в конкурсе на получение Римской Премии: в 1901, 1902 и 1903 году. Первый раз он проиграл состязание Андре Капле (получив так называемую "Малую римскую премию"), второй раз - ученику профессора Шарля Леневе Эме Кунцу, и наконец, в третий раз его обошёл Рауль Лапарра, также ученик Леневе. В 1904 году Равель уже сознательно воздерживается от участия в конкурсе, чтобы собраться с силами для последней попытки. Это был последний возможный для него год, поскольку в дальнейшем он уже не мог претендовать на соискание премии ввиду того, что приближался к установленному для участников конкурса предельному возрасту - тридцати годам. Наконец, в 1905 году Морис Равель, уже широко исполняемый и известный в Париже музыкант-новатор (по совету симпатизировавшего ему Габриэля Форе) в последний раз просит допустить его к участию в конкурсе.
И вот, в результате этого, четвёртого и последнего выдвижения разразилось так называемое "скандальное дело Равеля", немало укрепившее славу молодого музыканта и одновременно покрывшее исторической позолотой французских академиков от музыки… В ответ на свою заявку Морис Равель получает уклончивый официальный отказ в допущении к конкурсу с формальной ссылкой на возрастные ограничения (которые к тому моменту ещё не наступили). Весной 1905 года, после "скандального дела Равеля", в жизни композитора прошла строгая черта. Равель окончательно порвал с консерваторией и академическими кругами. Не допущенный к конкурсу, он, тем не менее, вышел победителем в глазах всего музыкального и интеллектуального общества. К нему приковано всеобщее внимание, его известность возрастает буквально с каждым днём, его сочинения издаются нарасхват, исполняются в концертах, о нём говорят и спорят. Впервые Равель становится вторым лидером музыкального импрессионизма и выходит на одну высоту с Клодом Дебюсси, композитором, которого он прежде всегда уважал.
В первый же месяц войны с Германией Морис Равель попал в число мобилизуемых в действующую армию. Однако, несмотря на хорошее состояние здоровья, медицинская комиссия не приняла его ни в один род войск. Причиной тому был слишком маленький рост Равеля, не подходивший ни под один из армейских стандартов, и, как следствие, явно недостаточный для солдата вес тела. В течение трёх месяцев Равель, используя все свои связи, упорно добивался, чтобы его всё же приняли в действующую армию. В конце концов, в октябре 1914 года он добился своего и был принят добровольцем в автомобильный дивизион, где и прослужил шофёром грузовика чуть более трёх лет, сначала при инфантерии, а потом при авиационном полку. В начале 1918 года, совершенно подорвав на службе своё здоровье, он был комиссован по болезни. Патриотический порыв Равеля уже после войны не раз служил предметом для ехидных подтруниваний его вечного "учителя" и соперника, Эрика Сати, поскольку оба они, и Равель, и Сати относились к государству чрезвычайно недоверчиво и скептически.
После войны в музыке Равеля стало преобладать эмоциональное начало. Поэтому от сочинения опер он переходит к созданию инструментальных пьес и пишет сюиту "Гробница Куперена". Примерно в это же время Морис Равель знакомится со знаменитым русским продюсером и постановщиком С. Дягилевым, ставящим в Париже "Русские сезоны". Специально по его заказу ставится балет на музыку Равеля "Дафнис и Хлоя", в главной партии В. Нижинский - великий русский танцовщик. Затем будет поставлен ещё один балет, "Вальс". Сочинение после премьеры стало использоваться как отдельное произведение. Наступает время расцвета славы Мориса Равеля. Однако популярность и известность гнетут композитора, и он переезжает из Парижа в местечко Монфор-Ламори, что в принципе не означает отказ от дальнейшей музыкальной деятельности. Равель много гастролирует: выступает с турами в Италии, Голландии и Англии. И всюду его встречал восторженный приём благодарных почитателей. По заказу русского дирижёра С. Кусевицкого Равель выполняет оркестровку "Картинок с выставки" М. П. Мусоргского. Всё это происходит во время работы Мориса над самым известным его произведением "Болеро". В нём композитор пытался соединить классические традиции с ритмами испанской музыки. Замысел этого произведения принадлежит знаменитой балерине Иде Рубинштейн. В 1925 году М. Равель завершил работу над новаторским произведением "Дитя и чудеса (волшебство)". Оно было названо оперой-балетом. В 1929 году композитор становится почётным доктором музыки Оксфордского университета. В 1932 году Равель вновь совершает турне по Европе вместе с выдающейся пианисткой Маргаритой Лонг. В это же время он начинает работать над новым произведением - балетом 2Жанна д’Арк". Однако попадает в автомобильную катастрофу, и работа прекращается.
Начиная с 1933 года Равель страдал от серьёзного неврологического заболевания, ставшего, возможно, последствием черепно-мозговой травмы, которую он получил в автокатастрофе. Последним произведением тяжело больного композитора были "Три песни" к первому звуковому фильму "Дон Кихот". Они были написаны для русского певца Ф. И. Шаляпина.

Композитор умер 28 декабря 1937 года в Париже после неудачно проведённой операции на головном мозге, предпринятой с целью лечения афазии. Похоронен на кладбище парижского пригорода Леваллуа-Перре.

Творчество
Спойлер:
Творческое наследие композитора не поражает количеством произведений, объем их как правило невелик. Подобный миниатюризм связан с отточенностью высказывания, отсутствием "лишних слов". В отличие от Бальзака у Равеля было время "писать короткие рассказы". Обо всем, что связано с творческим процессом, мы можем лишь догадываться, т.к. композитор отличался скрытностью как в вопросах творчества, так и в области личных переживаний, духовной жизни. Никто не видел, как он сочинял, не находили эскизов или набросков, его произведения не носили следов переделок. Однако удивительная точность, выверенность всех деталей и оттенков, предельная чистота и естественность линий - все говорит о внимании к каждой "мелочи", о длительной работе.
Равель не относится к числу композиторов-реформаторов, сознательно изменявших средства выражения и осовременивавших темы искусства. Стремление донести людям то глубоко личное, интимное, что он так не любил выражать словами, заставляло его говорить на всеобщем, естественно сложившемся и понятном музыкальном языке. Круг тем равелевского творчества очень широк. Часто композитор обращается к чувствам глубоким, ярким и драматичным. Его музыка всегда удивительно человечна, ее обаяние и пафос близки людям. Равель не стремится решать философские вопросы и проблемы мироздания, охватить в одном произведении большой круг тем и найти связь всех явлений. Иногда он концентрирует свое внимание не на каком-то одном - значительном, глубоком и многогранном чувстве, в других случаях с ноткой затаенной и пронзительной грусти говорит о красоте мира. Хочется всегда с чуткостью и осторожностью обращаться к этому художнику, интимное и хрупкое искусство которого нашло путь к людям и завоевало их искреннюю любовь.

Сочинения
Спойлер:
"Старинный менуэт" для симфонического оркестра (1895)
"Шехеразада", увертюра для симфонического оркестра (1898)
"Павана на смерть инфанты" для фортепиано (1899), для оркестра (1910)
"Игра воды" для фортепиано (1901)
Струнный квартет № 1 (1903)
"Шехеразада", цикл песен для сопрано или тенора с оркестром (1903)
Сонатина для фортепиано (1905)
"Отражения" для фортепиано (1905)
"Испанская рапсодия" для симфонического оркестра (1907)
"Испанский час", опера (1907)
"Ночной Гаспар", или "Призраки ночи" для фортепиано (1908)
"Матушка Гусыня", пьесы для фортепиано (1908-1910), для оркестра (1911), балет
"Благородные и сентиментальные вальсы" для фортепиано (1911), для оркестра (1912)
"Дафнис и Хлоя", балет (1912)
Фортепианное трио ля минор (1914)
"Гробница Куперена", фортепианная сюита (1917), 4 пьесы оркестрованы (1919)
"Вальс", хореографическая поэма для оркестра (1920)
"Цыганка", концертная рапсодия для скрипки и фортепиано (или оркестра) (1924)
"Дитя и волшебство", опера (1925)
"Мадагаскарские песни", цикл песен для сопрано, флейты, виолончели и фортепиано (1926)
Соната № 2 для скрипки и фортепиано (1927)
"Болеро" для симфонического оркестра (1928)
Концерт № 1 соль мажор для фортепиано и симфонического оркестра (1931)
Концерт № 2 ре мажор для фортепиано (для левой руки) и симфонического оркестра, посвящён Паулю Витгенштейну (1930)
"Три песни Дон Кихота к Дульсинее", цикл песен для баритона и симфонического оркестра (1933)


Морис Равель - Pavane for Dead Princess


__________________
CLIPER вне форума Ответить с цитированием
Реклама
Ответ


Здесь присутствуют: 1 (пользователей: 0 , гостей: 1)
 
Опции темы
Опции просмотра

Ваши права в разделе
Вы не можете создавать новые темы
Вы не можете отвечать в темах
Вы не можете прикреплять вложения
Вы не можете редактировать свои сообщения

BB коды Вкл.
Смайлы Вкл.
[IMG] код Вкл.
HTML код Выкл.

Быстрый переход


Текущее время: 01:27. Часовой пояс GMT +3.


Powered by vBulletin®
Copyright ©2000 - 2017, Jelsoft Enterprises Ltd. Перевод: zCarot
© MONBAR, 2007-2017
Corsairs-Harbour.Ru
Скин форума создан эксклюзивно для сайта Corsairs-Harbour.Ru
Все выше представленные материалы являются собственностью сайта.
Копирование материалов без разрешения администрации запрещено!
Рейтинг@Mail.ru Яндекс.Метрика Яндекс цитирования