Великие композиторы и музыканты - Страница 5

**Валькирия** · 24.02.2014, 13:59

Биографии и истории из жизни великих классиков.

информационная тема

Список великих классиков, чьи биографии размещены в теме:

Спойлер:

* Обсудить произведения выдающихся композиторов и музыкантов можно в [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться].

**CLIPER** · 14.12.2017, 08:10

Ян Сибелиус

Дата рождения: 8 декабря 1865
Место рождения: Тавастгус, Российская империя
Дата смерти: 20 сентября 1957 (91 год)
Место смерти: Вилла Айнола, Ярвенпяа
Страна: Финляндия, Российская империя
Профессии: композитор, дирижёр, музыковед, преподаватель университета, скрипка
Эпоха: романтизм

Юхан Юлиус Христиан Сибелиус (более известный как Ян Сибелиус) - финский композитор шведского происхождения.

"Ян Сибелиус принадлежит к тем нашим композиторам, кто наиболее правдиво и без всяких усилий передает своей музыкой характер финского народа", - так писал о замечательном финском композиторе в 1891 г. его соотечественник, критик К. Флодин. Творчество Сибелиуса - не только яркая страница в истории музыкальной культуры Финляндии, известность композитора вышла далеко за пределы его Родины.
Расцвет творчества композитора приходится на конец XIX - начало XX в. - время растущего национально-освободительного и революционного движения в Финляндии. Это небольшое государство входило в то время в состав Российской империи и испытывало те же настроения предгрозовой эпохи социальных перемен. Примечательно, что в Финляндии, как и в России, этот период отмечен подъемом национального искусства. Сибелиус работал в разных жанрах.

Биография

Спойлер:

Ян Сибелиус родился 8 декабря 1865 года в Тавастгусе в Великом княжестве Финляндском. Был вторым из троих детей доктора Кристиана Густава Сибелиуса и Марии Шарлотты Борг. Он рано потерял отца, провёл детские годы с матерью, братом и сестрой в доме бабушки в своём родном городе. В семье говорили на шведском языке и поддерживали шведские культурные традиции. Однако родители отдали Яна в финноязычную среднюю школу. С 1876 года по 1885 он учился в Нормальном лицее Хямеэнлинны.
Следуя семейной традиции, детей обучали игре на музыкальных инструментах. Сестра Линда занималась на рояле, брат Кристиан - на виолончели, Ян - вначале на рояле, но после предпочёл скрипку. Уже в десять лет Ян сочинил небольшую пьесу. Впоследствии, его влечение к музыке возрастало и он начал систематические занятия под руководством руководителя местного духового оркестра Густава Левандера.
Полученные практические и теоретические знания позволили написать юноше несколько камерно-инструментальных сочинений.
В 1885 год поступил на юридический факультет Императорского университета в Хельсинки, но его не привлекала профессия юриста, и вскоре он перешёл в Музыкальный институт, где стал самым блестящим учеником Мартина Вегелиуса. Многие из его ранних сочинений для камерных ансамблей исполнялись студентами и преподавателями института. В 1889 году Сибелиус получил государственную стипендию для обучения композиции и теории музыки у Альберта Беккера в Берлине. В следующем году брал уроки у Карла Гольдмарка и Роберта Фукса в Вене. По возвращении Сибелиуса в Финляндию состоялся его официальный дебют как композитора: была исполнена симфоническая поэма "Куллерво", ор. 7, для солистов, мужского хора и оркестра - по одному из сказаний финского народного эпоса Калевала. Это были годы невиданного патриотического подъёма, и Сибелиуса немедленно провозгласили музыкальной надеждой нации. Вскоре он женился на Айно Ярнефельт, отцом которой был знаменитый генерал-лейтенант и губернатор, принимавший участие в национальном движении - Август Александер Ярнефельт.
За Куллерво последовали симфоническая поэма "Сказка", ор. 9 (1892); сюита "Карелия", ор. 10 и 11 (1893); "Весенняя песня", ор. 16 (1894) и сюита "Лемминкяйнен", ор. 22 (1895). В 1897 Сибелиус участвовал в конкурсе на замещение должности преподавателя музыки в университете, но потерпел неудачу, после чего друзья убедили сенат учредить для него ежегодную стипендию в 3000 финских марок.
Заметное влияние на раннее творчество Сибелиуса оказали два финских музыканта: искусству оркестровки его обучал Роберт Каянус, дирижёр и основатель Ассоциации хельсинкских оркестров, а наставником в области симфонической музыки был музыкальный критик Карл Флодин. Премьера Первой симфонии Сибелиуса состоялась в Хельсинки (1899). В этом жанре композитор написал ещё 6 сочинений - последней была Седьмая симфония, ор. 105, впервые исполненная в 1924 году в Стокгольме. Международную известность Сибелиус приобрёл именно благодаря симфониям, но популярностью пользуются и его скрипичный концерт, и многочисленные симфонические поэмы, такие, как "Дочь Похьёлы", "Ночная скачка и восход солнца", "Туонельский лебедь" и "Тапиола".
Большинство сочинений Сибелиуса для драматического театра (всего их шестнадцать) - свидетельство его особой склонности к театральной музыке: в частности, это симфоническая поэма "Финляндия" (1899) и "Грустный вальс" из музыки к пьесе шурина композитора Арвида Ярнефельта "Смерть"; пьеса была впервые поставлена в Хельсинки в 1903 году. Многие песни и хоровые произведения Сибелиуса часто звучат у него на родине, но за её пределами почти неизвестны: очевидно, их распространению мешает языковой барьер, а кроме того, они лишены характерных достоинств его симфоний и симфонических поэм. Сотни фортепианных и скрипичных пьес и несколько сюит для оркестра также уступают лучшим сочинениям композитора.
Творческая деятельность Сибелиуса фактически завершилась в 1926 симфонической поэмой "Тапиола", ор. 112. Более 30 лет музыкальный мир ждал от композитора новых сочинений - особенно его Восьмой симфонии, о которой столько говорилось (в 1933 году была даже анонсирована её премьера); однако ожидания не сбылись. В эти годы Сибелиус писал лишь небольшие пьесы, в том числе масонскую музыку и песни, ничем не обогатившие его наследие. Впрочем, существуют свидетельства, что в 1945 году композитор уничтожил большое количество бумаг и рукописей, - возможно, среди них были и не дошедшие до окончательного воплощения поздние сочинения.
Его творчество получает признание главным образом в англо-саксонских странах. В 1903-1921 он пять раз приезжал в Англию дирижировать своими произведениями, а в 1914 посетил США, где под его управлением в рамках музыкального фестиваля в Коннектикуте прошла премьера симфонической поэмы "Океаниды". Популярность Сибелиуса в Англии и США достигла своего пика к середине 1930-х годов. Такие крупные английские писатели, как Роза Ньюмарч, Сесил Грей, Эрнест Ньюмен и Констант Ламберт, восхищались им как выдающимся композитором своего времени, достойным преемником Бетховена. Среди наиболее пылких приверженцев Сибелиуса в США были О. Даунс, музыкальный критик "Нью-Йорк Таймс", и С. Кусевицкий, дирижёр Бостонского симфонического оркестра; в 1935, когда музыка Сибелиуса прозвучала по радио в исполнении Нью-йоркского филармонического оркестра, слушатели избрали композитора своим "любимым симфонистом". С 1940-х интерес к музыке Сибелиуса заметно падает: раздаются голоса, подвергающие сомнению его новаторство в области формы. Сибелиус не создал своей школы и не оказал прямого влияния на композиторов следующего поколения. В наши дни его обычно ставят в один ряд с такими представителями позднего романтизма, как Р. Штраус и Э. Элгар. При этом в Финляндии ему отводили и отводят гораздо более важную роль: здесь он признан великим национальным композитором, символом величия страны.
Ещё при жизни Сибелиус удостоился почестей, которые воздавались лишь немногим художникам. Достаточно упомянуть многочисленные улицы Сибелиуса, парки Сибелиуса, ежегодный музыкальный фестиваль "Неделя Сибелиуса". В 1939 "альма матер"» композитора, Музыкальный институт, получил название Академии имени Сибелиуса.

Умер Сибелиус в Ярвенпяя 20 сентября 1957 года.

Творчество

Спойлер:

Хотя Сибелиус и не создал свою школу, у него были последователи, как на родине, так и за рубежом. В ранний период в Финляндии ими стали Тойво Куула и Лееви Мадетоя. В дальнейшем под влиянием тематического, композиционного и оркестрового мышления Сибелиуса оказались многие финские композиторы, в том числе Йоонас Кокконен, Эйноюхани Раутаваара, Аулис Саллинен и Эркки Салменхаара. Влияние Сибелиуса испытали на себе некоторые британские (в частности, Ральф Воган Вильямс), а также американские композиторы (Говард Хансон и Сэмьюэль Барбер).
Для многих исследователей и историков музыки было совсем не просто определить место Сибелиуса в истории музыки. Одной из причин было представление о необходимости прогресса, господствовавшее в 20 в. и понимаемое весьма ограниченно: атональность трактовалась как элемент современности, при этом тональность клеймилась как признак консерватизма. Таким образом, музыку Сибелиуса можно было считать реакционным продолжением позднего романтизма. На протяжении своего творчества Сибелиус использовал элементы музыкального языка романтизма, сочинял иногда даже салонные пьесы-пастиччо в стиле 19 в. Но, с другой стороны, он расширил традиционную тональность модальными элементами.
Более того, использование Сибелиусом оркестра, когда различные типы эпизодов совмещаются и перекрывают друг друга, было революционным для своего времени. В этом отношении Сибелиус служит примером и для современных композиторов, таких как Магнус Линдберг, Тристан Мюрей, Дэвид Мэтьюз. Точно также и композиционное мышление Сибелиуса, в котором традиционные формы используются только как отправные точки для новых решений, является одним из наиболее современных в музыке 20 в.
Его техника мотива и темы, основывающаяся на свободном развитии этих элементов, также является неподражаемой. В конечном счете, дальнейшее развитие симфонического жанра на новом этапе истории музыки стало уникальным достижением Сибелиуса.

Сочинения

Спойлер:

[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

**CLIPER** · 14.12.2017, 08:13

Жоскен Депре

Дата рождения: ок. 1450
Место рождения: Боревуар
Дата смерти: 27 августа 1521 (71 год)
Место смерти: Конде-сюр-л’Эско, Нор, Нор - Па-де-Кале, Франция
Страна: Бельгия
Профессии: композитор
Эпоха: возрождение

Жоскен Депре (Жоскен де Пре) - французский композитор, один из ведущих представителей франко-фламандской полифонической школы.

Жоскен Депре - выдающийся представитель нидерландской школы полифонистов. Место его рождения с точностью не установлено. Одни исследователи считают его фламандцем, хотя во многих документах XVI в. Жоскен назван французом. Не сохранилось достоверных сведений и об учителях композитора. Скорее всего, одним из них был великий И. Окегем.
Слава, которой пользовался Жоскен Депре, затмевает славу всех других композиторов-профессионалов предшествующих эпох. И в самом деле, до Жоскена Депре трудно указать композитора, творчество которого обладало бы свойствами классического искусства. Как ни значителен был вклад разных выдающихся композиторов в развитие музыкального искусства своей эпохи, уже следующее поколение обязательно оттесняло его на задний план, "поглощало" или перекрывало. Но Жоскен был гением не только при жизни. Изумительное внешнее совершенство его музыки, ее глубокая выразительность, непосредственная красота, небывалое дотоле сочетание в ней возвышенно-религиозного с трогательно-человеческим заставляло и композиторов следующего поколения оценивать творчество Жоскена Депре как высший идеал в музыке. В лице этого композитора вся франко-фламандская музыка начала оцениваться как самое великое, что когда-либо было создано в области музыкального творчества Характерно, что в то время как церковные теоретики усматривали в творчестве Жоскена совершенное воплощение идеи христианства в музыке, светские писатели-гуманисты провозгласили его творчество идеалом ренессансных стремлений. Не одна теория в те годы стремилась доказать, что только сейчас, в творчестве последней франко-фламандской школы, пришел конец "варварскому" средневековому искусству и музыка вновь вернулась к высотам античности.

Биография

Спойлер:

Первое документальное свидетельство о жизни Жоскена, где говорится о нем как о певце Миланского кафедрального собора, относится только к 1459 г. В миланском соборе он прослужил с небольшими перерывами с 1459 по 1472 г. Вероятно, находился также при дворе влиятельного кардинала Асканио Сфорцы. Следующее по времени точно документированное упоминание о Жоскене относится к 1486 г., когда он был певчим папской капеллы в Риме. В возрасте примерно 60 лет Жоскен возвращается во Францию. Выдающийся музыкальный теоретик XVI в. Глареан рассказывает историю, которая, возможно, подтверждает связь Жоскена с двором Людовика XII. Король заказал композитору многоголосную пьесу с условием, чтобы он сам в качестве певца мог участвовать в ее исполнении. У монарха был неважный голос (а вероятно, и слух), поэтому Жоскен написал партию тенора, состоящую из... одной ноты. Истинна эта история или нет, она во всяком случае свидетельствует о большом авторитете Жоскена как среди музыкантов-профессионалов, так и среди высших кругов светского общества.
В 1502 г. Жоскен поступает на службу к герцогу Феррарскому. (Любопытно, что герцог в поисках руководителя своей придворной капеллы некоторое время колебался между Г. Изаком и Жоскеном, но все же сделал выбор в пользу последнего.) Однако уже через год Жоскен вынужден был покинуть выгодное место. Его внезапный отъезд был, возможно, вызван разразившейся в 1503 г. эпидемией чумы. Герцог и его двор, а также две трети городского населения покинули Феррару. Место Жоскена занял Я. Обрехт, который пал жертвой чумы в начале 1505 г. Последние годы жизни Жоскен провел в северофранцузском городе Конде-сюр-л'Эско, где он служил настоятелем местного собора. Сочинения этого периода указывают на связь Жоскена с нидерландской полифонической школой.
Жоскен был одним из крупнейших композиторов позднего Возрождения. В его творческом наследии основное место отведено духовным жанрам: 18 месс (самые известные - "Вооруженный человек", "Pange lingua" и "Месса о благословенной Деве"), более 70 мотетов и др. менее масштабные формы. Жоскену удавалось органическое сочетание глубины и философичности замыслов с виртуозной техникой музыкальной композиции. Наряду с духовными произведениями он писал также в жанре светской многоголосной песни (в основном на французские тексты - т. н. шансон). В этой части своего творческого наследия композитор ближе подходит к жанровым истокам профессиональной музыки, нередко опирается на народные песню и танец.
Жоскен был признан уже при жизни. Слава его не угасала и в XVI в. Хвалы ему воздавали такие крупнейшие литераторы, как Б. Кастильоне, П. Ронсар и Ф. Рабле. Жоскен был любимым композитором М. Лютера, который писал о нем: "Жоскен заставляет ноты выражать то, что он хочет. Другие же композиторы, наоборот, вынуждены делать то, что им диктуют ноты".

Творчество

Спойлер:

Многообразное по жанрам и формам творчество Жоскена - типичный образец музыки раннего Возрождения, а его полифоническая техника - вершина строгого стиля XV века. Жоскен написал около 40 мотетов, преимущественно на латинские тексты, в том числе грандиозный семичастный цикл "Vultum tuum deprecabuntur" ("[Богатейшие из народа] будут умолять лице Твое"); мотет "Illibata Dei Virgo" с акростихом, в котором заключено имя композитора; мотет "Absalon fili mi" ("Авессалом, сын мой!") - редкий эксперимент в области музыкальной риторики и гармонии - написан в необычайно низкой тесситуре и дерзкими бемольными модуляциями; "Praeter rerum seriem" ("Вопреки обычному ходу вещей"), "Nymphes de bois" ("Нимфы лесные", дань памяти великому И.Окегему, 1497). Три мотета политекстовые (наподобие практики, распространённой ещё в XIII—XIV веках): тенор латинский (в функции cantus firmus), а верхние голоса французские, например, "Que vous madame / In pace". Некоторые музыковеды выделяют их (из-за наличия светских французских текстов) в особую жанровую категорию "мотеты-шансон".
Центральная часть наследия Жоскена - 18 четырёхголосных месс (авторство некоторых из них современная наука оспаривает), считающихся высшими достижениями полифонической мессы эпохи Возрождения. Наиболее известны две мессы на тему популярной песни "L’homme armé" ("Вооружённый человек"), "La sol fa re mi", где в основу композиции положена одна настойчиво повторяющаяся фраза, "Hercules dux Ferrarie" ("Геркулес, герцог Феррарский", посвящена патрону Жоскена Эрколе д’Эсте), "Pange lingua" ("Воспой, язык"), "De Beata Virgine" ("О блаженной Деве", была самой популярной мессой Жоскена на протяжении XVI века). Жоскена считают родоначальником техники пародии в мессе, образцы которой находятся в мессах "Malheur me bat", "Mater Patris" и "Fortuna desperata".
Яркая отличительная особенность полифонической фактуры Жоскена - двухголосные каноны. Наиболее удивительная стилевая особенность месс: логика специфически музыкальная (естественное интонационное развёртывание мелодии, её формальное и метроритмическое строение) иногда доминирует над логикой "текстовой" и литургической, вплоть до пренебрежения нормами латинского ударения. Некоторые исследователи усматривают в мессах Жоскена христианскую (и прочую) символику. Доля светских сочинений в творческом наследии Жоскена невелика, при этом многие его многоголосные (на 3-6 голосов, чаще на 4 голоса) песни (преимущественно на французские стихи) доныне популярны благодаря простоте и выразительности мелодии, умеренному и эффектному использованию контрапунктической техники.

Сочинения

Спойлер:

[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

**CLIPER** · 14.12.2017, 08:14

Родион Константинович Щедрин

Дата рождения: 16 декабря 1932
Место рождения: Москва, СССР
Страна: СССР, Германия, Литва
Профессии: композитор, пианист, педагог
Эпоха: неоромантизм

Родион Константинович Щедрин - советский и российский композитор и пианист, педагог. Народный артист СССР, Лауреат Ленинской премии, Государственной премии СССР и Государственной премии РФ.

Большая музыка должна быть доступна большой аудитории – под таким девизом творит великий композитор второй половины XX столетия и современности Родион Щедрин. Никому из его современников не удалось так широко развить в своем творчестве тематику родной страны. Почти все его балеты и оперы написаны на сюжеты выдающихся писателей – Чехова, Гоголя, Набокова, Толстого, Лескова, а профессиональные музыканты называют Щедрина королем современного оркестра.

Биография

Спойлер:

Творчество

Спойлер:

Многообразное по жанрам и формам творчество Жоскена - типичный образец музыки раннего Возрождения, а его полифоническая техника - вершина строгого стиля XV века. Жоскен написал около 40 мотетов, преимущественно на латинские тексты, в том числе грандиозный семичастный цикл "Vultum tuum deprecabuntur" ("[Богатейшие из народа] будут умолять лице Твое"); мотет "Illibata Dei Virgo" с акростихом, в котором заключено имя композитора; мотет "Absalon fili mi" ("Авессалом, сын мой!") - редкий эксперимент в области музыкальной риторики и гармонии - написан в необычайно низкой тесситуре и дерзкими бемольными модуляциями; "Praeter rerum seriem" ("Вопреки обычному ходу вещей"), "Nymphes de bois" ("Нимфы лесные", дань памяти великому И.Окегему, 1497). Три мотета политекстовые (наподобие практики, распространённой ещё в XIII—XIV веках): тенор латинский (в функции cantus firmus), а верхние голоса французские, например, "Que vous madame / In pace". Некоторые музыковеды выделяют их (из-за наличия светских французских текстов) в особую жанровую категорию "мотеты-шансон".
Центральная часть наследия Жоскена - 18 четырёхголосных месс (авторство некоторых из них современная наука оспаривает), считающихся высшими достижениями полифонической мессы эпохи Возрождения. Наиболее известны две мессы на тему популярной песни "L’homme armé" ("Вооружённый человек"), "La sol fa re mi", где в основу композиции положена одна настойчиво повторяющаяся фраза, "Hercules dux Ferrarie" ("Геркулес, герцог Феррарский", посвящена патрону Жоскена Эрколе д’Эсте), "Pange lingua" ("Воспой, язык"), "De Beata Virgine" ("О блаженной Деве", была самой популярной мессой Жоскена на протяжении XVI века). Жоскена считают родоначальником техники пародии в мессе, образцы которой находятся в мессах "Malheur me bat", "Mater Patris" и "Fortuna desperata".
Яркая отличительная особенность полифонической фактуры Жоскена - двухголосные каноны. Наиболее удивительная стилевая особенность месс: логика специфически музыкальная (естественное интонационное развёртывание мелодии, её формальное и метроритмическое строение) иногда доминирует над логикой "текстовой" и литургической, вплоть до пренебрежения нормами латинского ударения. Некоторые исследователи усматривают в мессах Жоскена христианскую (и прочую) символику. Доля светских сочинений в творческом наследии Жоскена невелика, при этом многие его многоголосные (на 3-6 голосов, чаще на 4 голоса) песни (преимущественно на французские стихи) доныне популярны благодаря простоте и выразительности мелодии, умеренному и эффектному использованию контрапунктической техники.

Сценические произведения

Спойлер:

Награды и звания

Спойлер:

[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

**CLIPER** · 14.12.2017, 08:15

Жан-Батист Люлли

Дата рождения: 28 ноября 1632
Место рождения: Флоренция, Великое герцогство Тосканское
Дата смерти: 22 марта 1687 (54 года)
Место смерти: Париж, Королевство Франция
Страна: Королевство Франция
Профессии: композитор, скрипач, танцор, дирижёр и педагог
Эпоха: барокко

Жан-Батист Люлли - французский композитор, скрипач, дирижёр.

Люлли - один из крупнейших оперных композиторов XVII в., основоположник французского музыкального театра. В историю национальной оперы Люлли вошел и как создатель нового жанра — лирической трагедии (так называлась во Франции большая мифологическая опера), и как выдающийся театральный деятель — именно под его началом Королевская академия музыки стала первым и главным оперным театром Франции, который позднее обрел всемирную известность под названием Grand Opera.

Биография

Спойлер:

Родился в семье флорентийского мельника Лоренцо ди Мальдо Лулли и его жены Катерины дель Серо. Рано научился играть на гитаре и скрипке, разыгрывал комические интермедии, превосходно танцевал. Первые уроки музыки получил у францисканского монаха. Во Францию Люлли приехал в марте 1646 года в свите герцога де Гиза в качестве слуги королевской племянницы, мадемуазель де Монпансье, которая практиковалась с ним в итальянском. Он быстро завоевал доверие хозяев и был приставлен к де Монпансье пажом.
В 1653 году в борьбе против Людовика XIV потерпела поражение Фронда, в которой мадемуазель де Монпансье принимала активное участие. Её ожидала ссылка в замок Сен-Фаржо. Люлли, чтобы остаться в Париже, попросил освободить его от должности, а спустя три месяца выступил в качестве танцора при дворе в "Балете Ночи" Исаака де Бенсерада. В то же время учился у Н. Метрю, Н. Жиго, Ф. Роберде и, возможно, у Ж. Кордье (скрипка). Произведя благоприятное впечатление на короля, он в 1661 году заменил итальянца Ладзарини в должности "главного инспектора инструментальной музыки". Свою службу при дворе Люлли начал, сочиняя музыку к балетам и танцуя в них вместе с королём и придворными. Изначально он отвечал только за инструментальную часть, но вскоре взял в свои руки работу над вокалом. Среди произведений Люлли 1650-60-х годов - балеты Времени, Флоры, Ночи, Времен года, Альцидианы и др. Все они следуют традиции, чрезвычайно популярной при французском дворе в первой половине XVII века и восходящей ещё к "Комическому балету королевы" 1581 г. Балеты, в которых выступали как члены королевской семьи, так и простые танцоры (и даже музыканты - играя на скрипках, кастаньетах и т. п.), представляли собой последовательность песен, вокальных диалогов и собственно антре, объединённых общей драматургией или развёрнутой аллегорией (Ночь, Искусства, Удовольствия).
Порой, особенно при Людовике XIII, темы их могли быть весьма экстравагантными ("Балет конторы знакомств", "Балет невозможностей"»), однако при новом дворе и в новую эпоху, тяготевшую к более ясным и классическим образам, Люлли как музыкант проявил себя, не столько изображая нечто необычное, сколько целым рядом формальных нововведений. В 1658 году в балете "Альцидиана" впервые прозвучала так называемая "французская увертюра" (в противоположность итальянской увертюре), ставшая визитной карточкой Люлли и впоследствии - всей национальной школы. В 1663 году, в "Балете Флоры", также впервые в истории, композитор ввёл в оркестр трубы, исполнявшие до того лишь функцию фанфар. В 1655 году Люлли возглавил оркестр "Малые скрипки короля". Его влияние при дворе постепенно возрастало. В 1661 году он перешёл во французское подданство (именуя притом своего отца "флорентийским дворянином") и получил должность "композитора камерной музыки". В 1662 году, когда Люлли женился на Мадлен (дочери композитора Мишеля Ламбера), свадебный контракт скрепили Людовик XIV и королева-мать Анна Австрийская. Брак был заключён по требованию короля, которому надоело отчитывать придворного композитора за гомосексуальные "шалости".
В 1658 году в Париже дебютировал Мольер. В 1663 году Людовик XIV назначил ему пенсию в 1000 ливров как "превосходному комическому поэту" и заказал пьесу, где он сам желал танцевать. Мольер сочинил комедию-балет "Брак поневоле". Под его руководством работали хореограф Бошан и Люлли. С этой постановки началось многолетнее сотрудничество Люлли и Мольера. На либретто Мольера написаны "Брак поневоле" (1664), "Принцесса Элиды" (1664), "Любовь-целительница" (1665), "Жорж Данден" (1668), "Господин де Пурсоньяк" (1669), "Блистательные любовники" (1670) и "Психея" (1671, в сотрудничестве с Корнелем). 14 октября 1670 года в замке Шамбор впервые была представлена самая знаменитая совместная работа Люлли и Мольера - "Мещанин во дворянстве". Объём материала, принадлежащего в комедии собственно Люлли, сопоставим по размеру с мольеровским и состоит из увертюры, танцев, нескольких интермедий (в том числе турецкой церемонии) и завершающего пьесу большого "Балета наций". "Кадм и Гермиона" - первая опера Люлли написана на либретто Филиппа Кино на сюжет, выбранный королём из нескольких вариантов. Премьера состоялась 27 апреля 1673 года в театре Пале-Рояль. Одной из главных черт новой оперы стала особая выразительность мелодекламации. По свидетельству современников, Люлли часто ходил слушать игру великих трагических актёров. Причем оттенки этой игры - паузы, повышение и понижение тона и пр. - тут же стенографировал в своем блокноте. Люлли сам подбирал музыкантов и певцов, воспитывал их, руководя репетициями и дирижируя со скрипкой в руках.
15 февраля 1686 года была впервые исполнена последняя опера Люлли "Армида". В качестве либреттиста выступил Кино, взявший сюжет из "Освобожденного Иерусалима" Т.Тассо. Премьера "Армиды" состоялась в Париже. После брака с Ф. де Ментенон, сторонившейся театра и оперы, как и вообще - светских развлечений, король отдалился от композитора.

8 января 1687 года, дирижируя своим произведением Te Deum по случаю выздоровления короля, Люлли поранил ногу наконечником трости-баттуты, которой в то время отбивали такт. Рана развилась в нарыв и перешла в гангрену. 22 марта 1687 года композитор скончался.

Творчество

Спойлер:

Основные произведения

Спойлер:

[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

**CLIPER** · 15.12.2017, 09:59

Александр Николаевич Серов

Дата рождения: 23 января 1820
Место рождения: Санкт-Петербург, Российская империя
Дата смерти: 1 февраля 1871 (51 год)
Место смерти: Санкт-Петербург, Российская империя
Страна: Российская империя
Профессии: композитор, педагог, юрист
Эпоха: романтизм

Александр Николаевич Серов - русский композитор и музыкальный критик; действительный статский советник; отец живописца Валентина Александровича Серова.

Серов - известный русский композитор, выдающийся музыкальный критик, один из основоположников отечественного музыкознания. Его перу принадлежат 3 оперы, 2 кантаты, оркестровые, инструментальные, хоровые, вокальные произведения, музыка к драматическим спектаклям, обработки народных песен. Он автор значительного числа музыкально-критических работ. В его операх немало эклектики, хотя в лучших эпизодах, особенно изображающих народную жизнь, он достигает большой выразительности и красочности. Со временем Серов-критик затмил Серова-композитора. Однако это никак не может перечеркнуть то ценное, что есть в его музыке действительно талантливого и оригинального.

Биография

Спойлер:

Александр Серов родился в Петербурге. Дед Серова был известным ученым-естествоиспытателем, отец - юристом, блестяще образованным человеком. С раннего детства Серов был приобщен к естественным наукам, живописи, классической литературе. В 1835 году отец Серова, предназначавший сыну юридическую карьеру, отдал его в Училище правоведения. Еще в училище Серов начал серьезно увлекаться музыкой, что очень сильно повлияло на его дальнейшую судьбу; он занимался игрой на фортепиано и виолончели, изучал гармонию, контрапункт, постоянно посещал симфонические концерты и оперные спектакли. Серов сблизился с другим молодым правоведом - Владимиром Васильевичем Стасовым, питавшим также любовь к музыке. Общность интересов и стремлений связала их на долгие годы. Стасов был первым, поддержавшим в Серове вспыхнувшее влечение к музыке и утвердившим в нем веру в свои силы. В 1840 году Серов окончил училище правоведения и вынужден был поступить на службу в Министерстве юстиции. Но, затаив в глубине души мечту стать композитором, он упорно продолжал свое музыкальное образование.
В начале 1842 года Александр Серов познакомился с Михаилом?Ивановичем?Глинкой, личность которого произвела на него сильное впечатление; он во многом определил художественные взгляды и вкусы Серова. До тех пор относившийся довольно равнодушно и к русской музыке вообще, и к произведениям Глинки в частности, Серов стал смотреть на эти явления другими глазами. Даже когда первый пыл увлечения "Жизнью за царя" и "Русланом и Людмилой" несколько остыл, когда Серов начал подмечать кроме достоинств также и недостатки в этих произведениях, он все же и к ним, и к их автору продолжал относиться с глубоким уважением. Значительное влияние на формирование Серова как музыканта имело и состоявшееся вскоре знакомство с Даргомыжским.
Переехав в 1850 году в Петербург, он стал музыкальным критиком: его первые статьи появились в 1851 году в журналах "Современник", "Сын?отечества", "Библиотека?для?чтения"; затем в "Пантеоне". В 1858 году во время поездки за границу Серов познакомился с Листом и Вагнером, встречи с которыми описал в опубликованных в 1858—1859 годах "Письмах из-за границы". В этом же году он впервые в России провёл цикл публичных лекций о музыке, не имевших успеха. Однако, повторенные в 1860 году лекции, заинтересовали общество. Как указывал Ф. М. Толстой, Серов-композитор был выше Серова-критика. В 1863 году с огромным успехом прошла премьера его оперы "Юдифь". В этом же году он женился на своей ученице, одаренной музыкантше - Валентине?Бергман.
В 1867 году А. Н. Серов предпринял вместе с женой попытку издания (впервые в России) специальной музыкальной газеты "Музыка и театр" - газета, не найдя поддержки в обществе, просуществовала недолго - до 1868 года. В 1868 году Серов снова прочитал цикл лекций в Москве; теперь он пропагандировал творчество А. С. Даргомыжского, М. И. Глинки, В. А. Моцарта, Л.?Бетховена и других выдающихся композиторов; Серов первым употребил термин "симфонизм". В 1870 году Русское?музыкальное?общество командировало его в Вену на торжества по поводу столетия со дня рождения Бетховена.

Александр Николаевич Серов умер в Санкт-Петербурге 1 февраля 1871 года.

Творчество

Спойлер:

Сочинения

Спойлер:

Сочинения: оперы - Юдифь (1861-62, пост. 1863,. Мариинский т-р, Петербург), Рогнеда (1863-65, пост. 1865, там же), Вражья сила (завершена В. С. Серовой и Н. P. Соловьёвым, пост. посмертно, 1871, там же); для солистов, хора и орк. - 2 кантаты (1846), Pater Noster (1860), Stabat Mater (1870); для орк. - Фантазия (1847), Гопак и Гречаники (пляски из симф. пантомимы Ночь перед Рождеством, 1866), Пляска запорожцев (из музыки к "Тарасу Бульбе", 1867) и др.; камерно-инстр. ансамбли - соната для скр. и фп. (1849), 2 пьесы для влч. и фп., фп. трио (1849); для фп. - 2 сонаты (1844), 3 фуги (1849), пьесы; хоры; 20 романсов и песен; обр. нар. песен - 5 укр. песен для хора и орк., 6 малороссийских песен для хора a cappella; музыка к спектаклям драм. т-ра - водевили "Мельничиха в Марли" (1845), "Записки демона" (1846), мелодрама "Отец и дочь" (1846), трагедия "Смерть Иоанна Грозного" А. К. Толстого (1867), драма "Нерон" А. А. Жандра (1869) и др.
Литературные сочинения: Музыка и виртуозы, "Библиотека для чтения", 1851, т. 106, No 4; Спонтини и его музыка, "Пантеон", 1852, т. 1, кн. 1; Бетховен и его три стиля, там же, 1852, т. 2, кн. 4; Письма о музыке к А. Д. Улыбышеву, по случаю толков о Моцарте и Бетховене, там же, 1852, т. 3, кн. 6, т. 4, кн. 7-8; Моцартов "Дон Жуан" и его панегиристы, там же, 1853, т. 8, кн. 4, т. 9, кн. 5-6; Музыка и толки о ней, "Музыкальный и театральный вестник", 1856, 8 янв.; Девятая симфония Бетховена, там же, 1856, 8 и 29 апр.; Курс музыкальной техники, там же, 1856, 22 апр., 13, 20 и 27 мая, 3, 17 июня, 12 авг.; "Русалка", опера А. С. Даргомыжского, там же, 1856, 17 июня, 1 и 15 июля, 12, 19 и 26 августа, 9, 16, 23 и 30 сент.; Малоизвестное произведение М. И. Глинки, там же, 1857, 10 и 17 ноября, 8 и 15 дек.; М. И. Глинка. Некрологический очерк, "Сын отечества", 1857, No 12; Музыка. Обзор современного состояния музыкального искусства в России и за границей, "Иллюстрация", 1858, 6 и 13 февр.; Наш Глинка перед судом немецких фельетонистов, "Театральный и музыкальный вестник", 1858, 18 мая; Песни и романсы М. А. Балакирева, там же, 1859, 1 ноября; Роль одного мотива в целой опере: "Жизнь за царя", там же, 1859, 13 дек.; Опера и её новейшее направление в Германии, "Русское слово", 1859, No 1 и 7; Воспоминания о М. И. Глинке, "Искусства", 1860, No 1-5; "Жизнь за царя" и "Руслан и Людмила", "Русский мир", 1860, 1 сент.; Р. Вагнер и его реформа в области оперы, "Искусства", 1860, No 1-2; Музыка южно-русских песен, "Основа", 1861, (No 3 и 4); Der Thematismus der Leonoren-Ouverture. Eine Beethoven-Studie, "NZfM", 1861, Bd 54, No 10- 13 (рус. пер. - Тематизм увертюры к опере "Леонора". Этюд о Бетховене, в кн.: Серов А. Н., Критические статьи, т. 3, СПБ, 1895); "Волшебный стрелок". Бенефис О. А. Петрова, "Иллюстрация", 1862, 6 дек.; Верстовский и его значение для русского искусства, там же, 1862, 20 дек.; Der Status quo der Beethoven-Literatur und die Betheiligung Russlands an derselben, "NZfM", 1863, No 1-5; "Нибелунгов перстень", "Якорь", 1863, 20 и 27 июля, 10, 17, 21 авг., 22 и 28 сент., 12 и 26 окт., 9 ноября; Музыка, музыкальная наука, музыкальная педагогика, "Эпоха", 1864, No 6 и 12; Судьбы оперы в России, "Русская сцена", 1864, т. 1, No 2, т. 4, No 7; К читателям, "Музыка и театр", 1867, No 1; "Руслан" и русланисты, там же, 1867, No 1, 2, 4, 5, 7, 8, 10; Девятая симфония Бетховена, её склад и смысл, "Современная летопись", 1868, 12 мая; Rossini. (Coup d'oeil critique), "Journal de St.-Petersbourg", 1869, 23 Janvier (рус, пер. - Россини. Критический очерк, в кн.: Серов А. Н., Критические статьи, т. 4, СПБ, 1895); Hector Berlioz. (Esquisse critique), "Journal de St.-Petersbourg", 1869, 11 (23), 16 (28), 17 (29) mai, 21 mai (2 juin) (рус. пер. - Г. Берлиоз. Критический набросок, в кн.: Серов А. Н., Критические статьи, т. 4, СПБ, 1895); Русская народная песня как предмет науки, "Музыкальный сезон", 1870, 19 марта, 26 ноября, 1871, 21 янв. Критические статьи, т. 1-4, СПБ, 1892-1895; Избр. статьи, под общей ред., со вступ. статьей и прим. Г. Н. Хубова, т. 1-2, М.-Л., 1950-57.

[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

**CLIPER** · 15.12.2017, 10:00

Генрих Шютц

Дата рождения: 18 октября 1585
Место рождения: Кёстриц
Дата смерти: 6 ноября 1672 (87 лет)
Место смерти: Дрезден
Страна: Германия
Профессии: композитор, органист, капельмейстер
Эпоха: барокко

Генрих Шютц - немецкий композитор, органист и педагог. Ныне известен, главным образом, как автор духовной хоровой музыки. Генрих Шютц рассматривается как один из наиболее крупных и плодовитых композиторов немецкого барокко.

Г. Шютц занимает в немецкой музыке почетное место патриарха, "отца новой немецкой музыки" (выражение его современника). С него начинается галерея великих композиторов, которые принесли мировую славу Германии, а также намечается прямой путь к И. С. Баху.
Шютц жил в эпоху, редкую по насыщенности событиями европейского и мирового масштаба, период перелома, начало нового отсчета в истории и культуре. Его жизнь вместила такие вехи, говорящие о разрыве времен, концах и началах, как сожжение Дж. Бруно, отречение Г. Галилея, начало деятельности И. Ньютона и Г. В. Лейбница, создание "Гамлета" и "Дон-Кихота". Позиция Шютца в это время перемен - не в изобретении нового, а в синтезе богатейших пластов культуры, восходящей еще к средневековью, с новейшими достижениями, которые шли тогда из Италии. Он прокладывал для отсталой музыкальной Германии новый путь развития.

Биография

Спойлер:

Генрих Шютц родился в городе Бад-Кестрице в Тюрингии. Он был старшим сыном из восьми детей Кристофа Шютца и Ефросиньи Бигер. В 1590 году семья переехала в город Вайсенфельс в южной Саксонии, где отец стал владельцем трактира.
В 1599 году его музыкальный талант был замечен главой немецкого княжества Гессен-Кассель ландграфом Морицем Гессен-Кассельским, который был музыкантом-любителем, и Генрих Шютц начал петь в Кассельской придворной капелле. В 1609-12 жил в Венеции, где учился у Джованни Габриели. Там же в 1611 Шютц опубликовал свой первый опус - сборник ("книгу") пятиголосных мадригалов, главным образом, на тексты Дж. Гварини и Дж. Марино. В целом современные техники и стиль итальянской музыки оказали на Шютца сильное впечатление и отразилась на его позднейшем творчестве.
В 1613 вернулся в Кассель, где занял место второго придворного органиста. В 1627 году в Торгау была исполнена пасторальная трагикомедия "Дафна" на текст Мартина Опица, считающаяся первой немецкой оперой, а точнее, зингшпилем (музыка утеряна). В числе учеников Шютца были Генрих Альберт, Иоганн Пауль фон Вестхоф, Елизавета София Мекленбургская, Карло Фарина, Иоганн Шелле и др.

Генрих Шютц умер от инсульта в 1672 в возрасте 87 лет. Был похоронен в дрезденской Фрауэнкирхе. В 1727 старое здание Фрауэнкирхе было снесено, а вместе с ним была утрачена и могила композитора. Ныне о нём напоминает лишь врезанная в полу современной Фрауэнкирхе памятная табличка.

Творчество

Спойлер:

Генрих Шютц - один из самых известных немецких композиторов XVII века. Он автор многих духовных (преимущественно вокальных) сочинений, среди которых оратории, кантаты, страсти (пассионы), хоровые концерты, мотеты, "Немецкий магнификат". Ряд сочинений Шютца, в том числе, балеты "Орфей и Эвридика" (1638) и "Парис и Елена" (1650), а также две пасторали "с музыкой и танцами" утрачены во время пожара в дрезденской библиотеке в 1760 году.
Творческое наследие композитора очень велико. Сохранилось около 500 композиций, и это, как предполагают специалисты, только две трети им написанного. Шютц сочинял вопреки многим невзгодам и потерям до глубокой старости. В возрасте 86 лет, находясь на пороге смерти и даже позаботившись о музыке, которая будет звучать на его погребении, он создал одно из лучших своих сочинений "Немецкий магнификат". Хотя известна только вокальная музыка Шютца, его наследие удивляет разнообразием. Он автор изысканных итальянских мадригалов и аскетических евангелических историй, страстных драматических монологов и пышных величественных многохорных псалмов. Ему принадлежат первые немецкие опера, балет (с пением) и оратория. Главное направление его творчества, однако, связано с духовной музыкой на тексты Библии (концерты, мотеты, песнопения и др.), что соответствовало особенностям немецкой культуры того драматического для Германии времени и потребностям самых широких слоев народа. Ведь значительная часть творческого пути Шютца протекала в период фантастической по своей жестокости и разрушительной силе Тридцатилетней войны. По давней протестантской традиции он выступал в своих произведениях в первую очередь не как музыкант, а как наставник, проповедник, стремящийся пробудить и укрепить в слушателях высокие этические идеалы, противопоставить ужасам действительности стойкость и человечность.
Объективно-эпический тон многих сочинений Шютца порой может показаться чересчур аскетичным, суховатым, однако лучшие страницы его творчества и сейчас трогают чистотой и экспрессией, величием и человечностью. В этом они перекликаются с полотнами Рембрандта - художника, по мнению многих, знакомого с Шютцем и даже сделавшим его прототипом своего "Портрета музыканта".

Список сочинений

Спойлер:

[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

**CLIPER** · 15.12.2017, 10:01

Антонио Сальери

Дата рождения: 18 октября 1585
Место рождения: Кёстриц
Дата смерти: 6 ноября 1672 (87 лет)
Место смерти: Дрезден
Страна: Германия
Профессии: композитор, органист, капельмейстер
Эпоха: классицизм

Антонио Сальери - итальянский и австрийский композитор, дирижёр и педагог.

Итальянский композитор, педагог и дирижер А. Сальери был одним из наиболее знаменитых деятелей европейской музыкальной культуры рубежа XVIII-XIX вв. Как художник он разделил судьбу тех прославленных в свое время мастеров, чье творчество с наступлением новой эпохи отодвинулось в тень истории. Исследователи отмечают, что известность Сальери тогда превосходила славу В. А. Моцарта, и в жанре оперы-seria он сумел достичь такого качественного уровня, который ставит его лучшие произведения выше большей части современных ему опер.
Ученик и последователь К.В. Глюка, автор более чем 40 опер, многочисленных инструментальных и вокально-инструментальных сочинений, Сальери был одним из самых известных и признанных композиторов своего времени и не менее прославленным педагогом: среди его учеников - Л. ван Бетховен, Ф. Шуберт и Ф. Лист. В Вене на протяжении 36 лет (1788-1824) Сальери занимал пост придворного капельмейстера - один из самых важных музыкальных постов в Европе.
Проклятием Антонио Сальери стал миф о его причастности к смерти Моцарта, распространившийся, несмотря на постоянные опровержения, в некоторых странах главным образом благодаря "маленькой трагедии" А. С. Пушкина.
Состоявшийся в 1997 году суд официально признал его невиновным в смерти коллеги.

Биография

Спойлер:

Детство
О ранних годах своей жизни Сальери написал сам, оставив дневниковую рукопись придворному библиотекарю. Известно, что 18 августа 1750 года в небольшом городке Леньяго неподалеку от Вероны родился мальчик – Антонио Сальери. Биография его изначально не предполагала музыкальной стези. Его семья занималась торговлей, но детям давали образование, и старший брат Антонио, обучавшийся музыке, преподал первые уроки будущему композитору. Однако семейная идиллия длилась недолго. Когда мальчику было 13 лет, скончалась его мать. После этого разорился и умер отец, а детей забрали родственники. Некоторое время Сальери жил в зажиточной семье в Венеции у друзей отца. Они намеревались дать ему серьезное музыкальное образование, так как видели его безусловные способности.
Случайно по делам в это время в Венецию приехал Флориан Гассман, придворный композитор, капельмейстер императора Иосифа II. Он увидел в Сальери большие музыкальные задатки и забрал его с собой в Вену, чтобы дать ему подобающее образование.

Новая жизнь в Австрии
15 июня 1766 года Антонио приехал в Вену, которая стала для него настоящим домом. Ведь здесь он добился славы, стал тем, кем мечтал быть. Гассман рьяно взялся за обучение воспитанника, он пригласил ему учителей, а уроки по контрапункту давал сам. Сальери выучил четыре языка, он обучался нотной грамоте, игре на нескольких музыкальных инструментах. Гассман старался сделать из Антонио не только образованного, но и светского человека. Он обучал его манерам, правилам этикета, умению вести беседу. В конце жизни о Сальери современник скажет, что он был самым образованным музыкантом в Вене. Гассман ввел своего протеже в круг талантливейших людей того времени. Именно он познакомил Сальери с Глюком, который оказал значительное влияние на становление музыканта. Меценат также представил ученика императору Иосифу, который проникся большой симпатией к одаренному юноше. Представитель знаменитой династии Габсбургов очень любил музыку и хорошо в ней разбирался, при дворе сложился музыкальный кружок, в который стал вхож и Сальери. Это стало платформой для его будущей блестящей карьеры при дворе.

Музыкальная карьера
Сальери, еще проживая в Италии, начал сочинять музыку, но о профессиональном творчестве можно говорить только в венский период. Начинающий музыкант стал ассистентом своего покровителя и получал небольшие заказы на аранжировки, вставки в оперы, написание инструментальных пьес. К 20 годам за плечами у начинающего композитора уже была одна опера "Образованные женщины", которую он написал в сотрудничестве с Боккерини. Она имела некоторый успех, и ее поставили не только в Вене, но и в Праге. Также на тот момент Антонио являлся автором несколько инструментальных произведений. Позже Сальери по либретто Боккерини написал еще одну комическую оперу. Он смог заявить о себе достаточно успешным дебютом, и в дальнейшем его карьера шла только вверх. Произведения "Венецианская ярмарка", "Трактирщица", "Армида" обеспечили Сальери устойчивый успех и известность по всей Европе, его опера "Освобожденный Иерусалим" даже была поставлена в Санкт-Петербурге.
В 1774 году умер учитель и спонсор Сальери - Флориан Гассман, и Антонио "по наследству" получил место придворного капельмейстера итальянской оперной труппы и должность композитора камерной музыки. Для молодого человека 24 лет это был огромный карьерный скачок. Но придворная служба была не очень надежна, и музыкант зарабатывал на жизнь написанием и постановкой опер для различных театров Европы. Так, в 1778 году знаменитый театр "Ла Скала", восстановленный после пожара в Милане, открыл сезон оперой Сальери. Композитор много работал в угоду современной публике, но также его интересовала реформа оперы, задуманная Глюком. Он даже написал несколько серьезных произведений, развивающих глюковские положения.
В 80-х годах Сальери много и плодотворно сотрудничал с парижским театром "Комеди Франсез" и театром Оперы. Он создает оперу "Тарар" по либретто знаменитого Бомарше, которая получила широкую известность, была высоко оценена критиками и оказала значительное влияние на всю европейскую музыку. В 1788 году Сальери Антонио получил должность капельмейстера при дворе Иосифа Второго. Это было знаком высочайшей оценки заслуг и таланта композитора. Ему удалось удержаться при дворе Габсбургов и при следующих двух монархах. Свою придворную карьеру Сальери завершил в 1824 году, когда здоровье уже не позволяло ему исполнять обязанности.

Сальери умер 7 мая 1825 года и был похоронен 10 мая на Мацляйндорфском католическом кладбище в Вене. "За гробом, - писал Игнац фон Мозель, шёл весь персонал императорской капеллы во главе с директором, графом Морицем фон Дитрихштейном, а также все присутствовавшие в Вене капельмейстеры и композиторы, толпа музыкантов и множество уважаемых любителей музыки". В 1874 году останки композитора были перезахоронены на Центральном кладбище Вены.

Частная жизнь композитора
Миф об убийстве Моцарта стал настоящим проклятьем для Сальери. Сплетня появилась в последние годы жизни композитора и преследовала его до самой кончины. Миф получил распространение и популярность, в том числе, благодаря талантливой литературной обработке Пушкиным и Шеффером, а в 20 веке и М. Форманом. Однако реальность была предельно далека от выдуманной истории. Сальери плодотворно сотрудничал с Моцартом, дирижировал исполнением его произведений. Они не были дружны, но много общались, и у Сальери совершенно не было никакого основания для убийства, так как при жизни он был гораздо более успешен, чем Моцарт.
В обычной жизни Сальери Антонио был так же успешен, как и в творческой. В 1775 году он женился и прожил счастливо всю жизнь с женщиной, которую называл своей главной любовью. У них было 8 детей. Жена Терезия умерла на 18 лет раньше Сальери, и он скучал по ней до самого конца своей жизни.

Творчество

Спойлер:

За свою жизнь композитор написал 40 опер, большое количество концертов и инструментальных произведений духовной и камерной музыки. Сальери много сил и средств отдал сохранению и пропаганде творческого наследия своего благодетеля – Флориана Гассмана, он также занимался воспитанием его дочери, из которой вырастил выдающуюся солистку оперной сцены.
Если поискать успешного и продуктивного композитора в истории музыки, то одним из таковых будет Антонио Сальери, альбомы с произведениями которого имеются во всех музыкальных библиотеках Европы. Его оперы и сегодня продолжают исполняться, а многие творения композитора являлись новаторскими для своего времени, что позволяет их назвать эволюционным этапом в мировой музыке. Наиболее значительными произведениями Сальери Антонио являются оперы "Тарар", "Данаиды", "Аксур, царь Ормуза", "Фальстаф", а также "Реквием" и некоторые камерные пьесы.
Кроме сочинения произведений, Сальери Антонио много сил отдавал работе с учениками. Он создал собственную методику подготовки музыкантов, его отношения с подопечными были душевными и эмоциональными. Знаменитые ученики Антонио Сальери – Лист, Бетховен, Черни, Мейербер, Шуберт. Всего он выпустил около шести десятков музыкантов – композиторов и вокалистов.

Список сочинений

Спойлер:

[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

**CLIPER** · 15.12.2017, 10:02

Леош Яначек

Дата рождения: 3 июля 1854
Место рождения: Гуквальды, Фридек-Мистек, Моравскосилезский край, Чехия
Дата смерти: 12 августа 1928 (74 года)
Место смерти: Острава, Острава-город, Чехословакия
Страна: Австрийская империя, Чехословакия
Профессии: композитор
Эпоха: романтизм

Леош Яначек - чешский композитор. Член Чешской академии наук и искусства.

Л. Яначек занимает в истории чешской музыки XX в. такое же почетное место, как в XIX в. - его соотечественники Б. Сметана и А. Дворжак. Именно эти крупнейшие национальные композиторы, создатели чешской классики, вывели искусство этого музыкальнейшего народа на мировую арену. Чешский музыковед Я. Шеда набросал следующий портрет Яначека, каким он сохранился в памяти соотечественников: "...Горячий, вспыльчивый, принципиальный, резкий, рассеянный, с неожиданными переменами настроений. Был он невелик ростом, коренаст, с выразительной головой, с густыми волосами, лежащими на голове беспорядочными прядями, с насупленными бровями и искрящимися глазами. Никаких потуг на изящество, ничего внешнего. Был он полный жизни и порыва упрямец. Такова и его музыка: полнокровная, лаконичная, изменчивая, как сама жизнь, здоровая, чувственная, горячая, увлекающая за собой".

Биография

Спойлер:

Яначек принадлежал к поколению, жившему в угнетенной стране (долго находившейся в зависимости от Австрийской империи) в реакционную эпоху - вскоре после подавления национально-освободительной революции 1848 г. Не с этим ли связано его постоянное глубокое сочувствие угнетенным и страждущим, его страстное, неуемное бунтарство?
Композитор родился в краю густых лесов и старинных замков, в небольшой горной деревушке Гуквальды. Он был девятым из 14 детей учителя средней школы. Его отец, кроме других предметов, преподавал музыку, был скрипачом, церковным органистом, руководителем и дирижером хорового общества. Мать также обладала незаурядными музыкальными способностями и познаниями. Она играла на гитаре, хорошо пела, а после смерти мужа исполняла партию Органа в местном костеле. Детство будущего композитора было бедным, но здоровым и привольным. Он навсегда сохранил душевную близость к природе, уважение и любовь к моравским крестьянам, которые были воспитаны в нем с малых лет.
Лишь до 11 лет прожил Леош под родительским кровом. Его музыкальные способности и звонкий дискант решили вопрос о том, куда следует, определить ребенка. Отец отвез его в Брно к Павлу Кржижковекому - моравскому композитору и собирателю фольклора. Леош был принят в церковный хор Старобрненского августинского монастыря. Мальчики-певчие жили при монастыре на казенный счет, посещали общеобразовательную школу и проходили музыкальные дисциплины под руководством строгих наставников-монахов. Композицией с Леошем занимался сам Кржижковский. Воспоминания о жизни в Старобрненском монастыре нашли отражение во многих сочинениях Яначека. Атмосфера высокой и древней моравской культуры, осознанная в те годы, воплотилась в одной из вершин творчества композитора - "Глаголической мессе" (1926). Впоследствии Яначек закончил курс пражской Органной школы, совершенствовался в Лейпцигской и Венской консерваториях, но при всем глубоком профессиональном фундаменте, в главном деле своей жизни-творчестве — настоящего большого руководителя у него не было. Все, чего он достиг, было завоевано не благодаря школе и многоопытным советчикам, а совершенно самостоятельно, путем трудных исканий, подчас методом проб и ошибок. С первых шагов на самостоятельном поприще Яначек - не просто музыкант, но и учитель, фольклорист, дирижер, музыкальный критик, теоретик, организатор филармонических концертов и Органной школы в Брно, музыкальной газеты и кружка по изучению русского языка. Долгие годы композитор трудился и боролся в провинциальной безвестности. Пражская профессиональная среда его долго не признавала, только один Дворжак ценил и любил своего младшего коллегу. В то же время укоренившееся в столице позднеромантическое искусство было чуждо моравскому мастеру, опиравшемуся на народное творчество и на интонации живой звучащей речи.
С 1886 г. композитор вместе с этнографом Ф. Бартошем каждое лето проводил в фольклорных экспедициях. Он опубликовал множество записей моравских народных песен, создал их концертные обработки, хоровые и сольные. Им двигало стремление противопоставить отвлеченности - жизненность, древности - сегодняшний день, выдуманной легендарной обстановке - конкретность народного быта, обобщенным героям-символам - простых людей с горячей человеческой кровью. Этого удалось достигнуть лишь в третьей опере "Ее падчерица". В этой опере уже нет прямых цитат, хотя вся она - сгусток стилистических черт и признаков, ритмов и интонаций моравских песен, народной речи. Опера была отвергнута Пражским национальным театром, и понадобилось 13 лет борьбы, чтобы великолепное произведение, сегодня идущее в театрах всего мира, проникло наконец на столичную сцену. В начале XX в. у Яначека отчетливо проявляются социально-критические тенденции. Он испытывает сильное влияние русской литературы - Гоголя, Толстого, Островского. Он пишет фортепианную сонату "С улицы" и помечает ее датой 1 октября 1905 г., когда австрийские солдаты разгоняли в Брно молодежную демонстрацию, а затем - трагические хоры на ст. рабочего поэта Петра Безруча "Кантор Гальфар", "Маричка Магдонова", "70000" (1906). Особенно драматичен хор «Маричка Магдонова» о гибнущей, но не покорившейся девушке, вызывавший всегда бурную реакцию зала. К тому же времени относятся первые наброски симфонической рапсодии "Тарас Бульба", полностью завершенной композитором в разгар первой мировой войны, когда правительство Австро-Венгрии гнало чешских солдат воевать против русских.
Последнее десятилетие жизни и творчества композитора (1918-28) четко ограничено историческим рубежом 1918 г. (конец войны, конец трехсотлетнего австрийского ига) и одновременно поворотом в личной судьбе Яначека, началом его мировой славы. В этот период его творчества, который можно назвать лирико-филосафским, созданы самая лирическая из его опер "Катя Кабанова" (по "Грозе" Островского, 1919-21). поэтичная философская сказка для взрослых "Приключения лисички-плутовки" (по новелле Р. Тесноглидека, 1921-23), а также оперы "Средство Макропулоса" (по одноименной пьесе К. Чапека, 1925) и "Из мертвого дома" (по "Запискам из мертвого дома" Ф. Достоевского, 1927-28). Кроме этого - многочисленные хоровые и камерно-инструментальные сочинения, в т. ч. 2 квартета. Как сказал в свое время об этих сочинениях Б. Асафьев, Яначек словно молодел с каждым из них.

Смерть настигла Яначека неожиданно: во время отдыха летом в Гуквальдах он простудился и умер от воспаления легких. Хоронили его в Брно. Собор Старобрненского монастыря, где он учился и мальчиком пел в хоре, был переполнен толпами взволнованных людей. Казалось невероятным, что ушел тот, над кем словно были не властны годы и старческие недуги.

Творчество

Спойлер:

Избранные сочинения

Спойлер:

[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

**CLIPER** · 16.12.2017, 07:34

Альфред Шнитке

Дата рождения: 24 ноября 1934
Место рождения: Энгельс, АССР немцев Поволжья, СССР
Дата смерти: 3 августа 1998 (63 года)
Место смерти: Гамбург, Германия
Страна: СССР, Германия
Профессии: композитор, кинокомпозитор, пианист, теоретик музыки, педагог
Эпоха: полистилистика

Альфред Гарриевич Шнитке - советский и немецкий композитор, педагог и музыковед.

А. Шнитке - один из самых крупных советских композиторов так называемого второго поколения. Его творчеству присуще острое внимание к проблемам современности, к судьбам человечества и человеческой культуры. Для него характерны масштабные замыслы, контрастная драматургия, напряженная экспрессия музыкального звука. В его сочинениях нашли резонанс и трагизм атомной бомбардировки, и борьба с неотступным злом на земном шаре, и моральная катастрофа человеческого предательства, и взывание к добру, заложенному в человеческой личности.

Биография

Спойлер:

Альфред Шнитке родился в Энгельсе в Республике немцев Поволжья в еврейско-немецкой семье. Его отец, Гарри Викторович Шнитке (1914-1975), родился во Франкфурте-на-Майне, куда его родители перебрались из Либавы в 1910 году. В 1927 году вместе с родителями переехал в Москву, в 1930 году в Покровск, где вступил в партию и работал журналистом в советских немецких изданиях; рассказы и корреспонденции с фронта на русском языке печатал в газете "Большевик". Мать, Мария Иосифовна Фогель (1910-1972), происходила из немецких колонистов, переселившихся в Россию в 1765 году и осевших в деревне Каменка; работала учительницей немецкого языка. В 1943 году отца будущего композитора призвали на фронт, а Альфред с младшим братом (впоследствии поэтом, прозаиком и переводчиком В. Г. Шнитке) были отправлены в Москву, где жили у деда и бабушки по отцовской линии - инженера Виктора Мироновича (1889-1956) и редактора Теи Абрамовны Шнитке. Теа Абрамовна (урождённая Кац, 1889-1970) работала редактором в Государственном издательстве иностранной литературы, занималась немецкой филологией и переводами на немецкий язык, в том числе была автором учебника "Грамматика немецкого языка", редактором и автором примечаний к немецкому изданию романа Томаса Манна "Будденброки", роману Яна Петерсона "Наша улица", перевела на немецкий язык романы А. А. Фадеева "Последний из Удэге".
Родители Шнитке между собой говорили по-немецки, и первым языком композитора стал немецкий, однако впоследствии он обращался к матери по-немецки, а к отцу по-русски. Музыкальное образование для А. Г. Шнитке началось в 1946 году в Вене, Австрия, куда его отец был командирован после Великой Отечественной войны корреспондентом и переводчиком газеты "Osterreichische Zeitung". По возвращении в Москву в 1948 году семья поселилась в подмосковной Валентиновке, и мать и отец устроились на работу в редакцию газеты "Neues Leben". Отец занимался переводами советской литературы на немецкий язык для издательства литературы на иностранных языках "Прогресс". В 1958 году Шнитке окончил Московскую консерваторию по классу композиции у Евгения Голубева, а затем и аспирантуру.
С 1961 по 1972 год Шнитке преподавал инструментовку и чтение партитур в Московской консерватории, имел только одного ученика по композиции (Р.Аллаяров). С 1962 года (особенно активно в 1970-е гг.) сочинял музыку к фильмам. В 1989-1990 годах Берлинская научная коллегия предоставила Альфреду Шнитке стипендию. В 1990 году композитор вместе с семьёй переехал в Германию. Начал преподавать в Гамбургской высшей школе музыки.

В последние годы жизни здоровье Шнитке резко ухудшилось: композитор перенёс три инсульта, но тем не менее до конца сохранял творческую активность. Шнитке скончался в Гамбурге 3 августа 1998 года. Похоронен в Москве, на Новодевичьем кладбище.

Творчество

Спойлер:

Основные жанры творчества Шнитке - симфонические и камерные. Композитором созданы 5 симфоний (1972, 1980, 1981, 1984, 1988); 4 концерта для скрипки с оркестром (1957, 1966, 1978, 1984); концерты для гобоя и арфы (1970), для фортепиано (1979), альта (1965), виолончели (1986); оркестровые пьесы "Pianissimo..." (1968), "Пассакалия" (1980), "Ритуал" (1984), "Kein Sommernachtstraum" (1985); 3 concerti grossi (1977, 1982, 1985); Серенада для 5 музыкантов (1968); фортепианный Квинтет (1976) и его оркестровый вариант "In memoriam" (1978); "Жизнеописание" для ударных (1982), Гимны для ансамбля (1974-79), струнное Трио (1985); 2 сонаты для скрипки с фортепиано (1963, 1968), Соната для виолончели с фортепиано (1978), "Посвящение Паганини" для скрипки solo (1982). Несколько произведений Шнитке предназначены для сцены; балеты "Лабиринты" (1971), "Эскизы" (1985), "Пер Гюнт" (1987) и сценическая композиция "Желтый звук" (1974).
По мере эволюции стиля композитора все большее значение в его творчестве приобретают вокальные и хоровые сочинения: Три стихотворения Марины Цветаевой (1965), Реквием (1975), Три мадригала (1980), "Minnesang" (1981), "История доктора Иоганна Фауста" (1983), Концерт для хора на ст. Г. Нарекаци (1985), "Стихи покаянные" (1988, к 1000-летию крещения Руси).
Поистине новаторской является чрезвычайно интересная работа Шнитке над музыкой в кино: "Агония", "Стеклянная гармоника", "Рисунки Пушкина", "Восхождение", "Прощание", "Маленькие трагедии", "Мертвые души" и др.
Среди постоянных исполнителей музыки Шнитке - крупнейшие советские музыканты: Г. Рождественский, О. Каган, Ю. Башмет, Н. Гутман, Л. Исакадзе. В. Полянский, квартеты Москонцерта, им. Л. Бетховена и др. Творчество советского мастера пользуется широким признанием во всем мире. Участвуя в создании кинофильмов, Шнитке углубил психологическую емкость целого, создав музыкой дополнительный эмоционально-смысловой план. Киномузыка активно использовалась им и в концертных произведениях. Это прирожденный создатель, крупных музыкальных полотен, концепций в музыке. Дилеммы мира и культуры, добра и зла, веры и скепсиса, жизни и смерти, наполняющие его творчество, делают произведения советского мастера эмоционально выраженной философией.

Основные произведения

Спойлер:

[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

**CLIPER** · 16.12.2017, 07:35

Хуго Вольф

Дата рождения: 13 марта 1860
Место рождения: Виндишгрец, Австрийская империя
Дата смерти: 22 февраля 1903 (42 года)
Место смерти: Вена, Австро-Венгрия
Страна: Австрийская империя, Австро-Венгрия
Профессии: композитор
Эпоха: романтизм

Хуго (Гуго) Вольф - австрийский композитор и музыкальный критик словенского происхождения.

В творчестве австрийского композитора Г. Вольфа главное место занимает песня, камерная вокальная музыка. Композитор стремился к полному слиянию музыки с содержанием поэтического текста, его мелодии чутко реагируют на смысл и интонации каждого отдельного слова, каждой мысли стихотворения. В поэзии Вольф, по его собственным словам, находил "подлинный источник" музыкального языка. "Представь меня как объективного лирика, который может свистеть на любой манер; которому в одинаковой степени доступны и самая избитая мелодия, и вдохновенные лирические напевы", - говорил композитор. Понять его язык не так просто: композитор стремился быть драматургом и насыщал свою музыку, мало похожую на обычные песни, интонациями человеческой речи.
Путь Вольфа в жизни и в искусстве был исключительно трудным. Годы подъема чередовались с мучительнейшими кризисами, когда в течение нескольких лет он не мог "выжать из себя" ни одной ноты. Большая часть песен написана композитором в течение трех лет (1888-91).

Биография

Спойлер:

С четырёх лет обучался игре на фортепиано и скрипке у отца, в начальной школе изучал фортепиано и теорию музыки с Себастьяном Вайкслером. Его не интересовали никакие предметы, кроме музыки: из первой школы он был отчислен как "совершенно не отвечающий требованиям", из второй ушёл сам из-за трудностей с латынью, последнюю бросил после ссоры с преподавателем, помянувшим "проклятую музыку". Затем, к неудовольствию отца, поступил в Венскую консерваторию (1875-1877), однако был исключён за "нарушение дисциплины", хотя Вольф утверждал, что ушёл сам из-за царившего там консерватизма. Проведя восемь месяцев в семье, Вольф вернулся в Вену, чтобы давать уроки музыки. Хотя его вспыльчивый темперамент не слишком подходил для преподавания, благодаря музыкальной одарённости и личному обаянию он привлёк к себе внимание. Поддержка покровителей позволяла ему жить сочинением музыки, а дочь одного из них, Валли (Валентина) Франк, его первая любовь, с которой у него был трёхлетний роман, вдохновляла его на сочинение. В период отношений с Франк в песнях Вольфа стали проявляться черты его зрелого стиля.
Вольф всю жизнь был склонен к депрессии и резким перепадам настроения. Незадолго до его 21-го дня рождения от него ушла Валли; совершенно подавленный, Вольф вернулся в родительский дом, хотя отношения с семьёй тоже не складывались: отец по-прежнему был убеждён в непутёвости сына. Краткое пребывание Вольфа на посту второго капельмейстера в Зальцбурге (1881-1882) только укрепило это мнение: он не обладал ни темпераментом, ни дирижёрской техникой, ни склонностью к подчёркнуто не-вагнеровскому репертуару. В течение года Вольф вернулся в Вену и продолжил давать уроки музыки в прежних обстоятельствах. Глубоко повлияла на молодого композитора смерть Вагнера в феврале 1883. В последующие годы Вольф часто отчаивался по поводу своего будущего в мире, из которого ушёл его кумир, открывший бескрайний путь для последователей, но не указавший, как по нему идти. Это часто приводило к резким перепадам настроения, отчуждению от друзей и покровителей, хотя обаяние Вольфа помогало ему сохранить отношения с ними. Тем временем его песни привлекли внимание Ференца Листа, которого он очень высокого ценил. Лист, как и предыдущие учителя Вольфа, посоветовал ему обратиться к крупным формам; на этот раз Вольф последовал совету, написав симфоническую поэму "Пентесилея".
В 1884-1887 годах Вольф вёл музыкально-критическую колонку в газете "Венский салонный листок". Он был беспощаден к произведениям, которые считал отвратительными; особенно доставалось от него Антону Рубинштейну. В то же время он пылко выступал в поддержку Листа, Шуберта и Шопена. За свою язвительность получил прозвище "Дикий Вольф" и нажил немало врагов. В эту пору Вольф почти не занимался композицией, а немногие его сочинения тех лет ("Пентесилея", квартет ре минор) не удостаивались исполнения. Уйдя из газеты, Вольф вновь посвятил себя композиции; среди его сочинений 1887 года "Итальянская серенада" для струнного квартета, считающаяся одним из лучших образцов его зрелого инструментального стиля. Через неделю после завершения "Серенады" Вольф узнал о смерти отца, повергшей его в глубокую депрессию.
1888—1889 гг. оказались для Вольфа невероятно плодотворными. Он поехал в Перхтольсдорф в загородный дом своих друзей детства Вернеров, где в бешеном темпе создал цикл песен на стихи Мёрике. За коротким перерывом и переездом в загородный дом других друзей Вольфа - Экштайнов последовали циклы на стихи Эйхендорфа и Гёте. В октябре 1889 была начата "Испанская книга песен". Вольф по достоинству оценивал эти циклы, считая их лучшими своими сочинениями на тот момент. К нему наконец пришло признание. Тенор Фердинанд Егер, присутствовавший на одном из первых исполнений цикла на стихи Мёрике, стал постоянно исполнять песни Вольфа в концертах. Произведения Вольфа удостоились отзывов в прессе, хотя и не всегда положительных: приверженцы Брамса, памятуя о беспощадных статьях Вольфа, не оставались в долгу при каждом удобном случае. Биограф Брамса Макс Кальбек высмеивал Вольфа за незрелую манеру письма и странные тональные эксперименты. Вагнеровская певица Амалия Матерна отменила свой концерт из произведений Вольфа под угрозой попадания в чёрный список критиков.
В конце 1891, по завершении первой половины "Итальянской книги песен", физическое и психическое здоровье Вольфа снова пошло на спад; от истощения после нескольких плодотворных лет, усугублённого последствиями сифилиса и депрессивным характером, он вынужден был оставить композицию на несколько лет, что только ухудшало его депрессивное состояние. Его произведения продолжали исполняться в Австрии и Германии, их популярность росла; даже Брамс и критики, прежде поносившие Вольфа, начали отзываться о них положительно. Ещё в 1890 Вольф с отвращением отверг либретто оперы "Коррехидор" по новелле Педро Антонио де Аларкона "Треуголка", но позднее, будучи убеждён в необходимости написать оперу, перестал замечать недостатки либретто. В сюжете о любовном треугольнике Вольф мог увидеть собственную судьбу: у него несколько лет был роман с Мелани Кёхерт, женой его друга Генриха Кёхерта. Считается, что роман начался в 1884, когда Вольф ездил вместе с Кёхертами на отдых; хотя в 1893 Генрих узнал о романе, он остался покровителем Вольфа и мужем Мелани. Опера была написана за девять месяцев и встречена с интересом, но музыка Вольфа не смогла компенсировать слабости либретто. В 1896-1897 последовал новый всплеск творческой активности: в марте-апреле 1896 Вольф завершил "Итальянскую книгу песен", в марте 1897 написал три песни на стихи Микеланджело и начал работу над оперой "Мануэль Венегас".

Вскоре после концерта с Егером в феврале 1897 Вольф впал в сифилитическое умопомрачение с очень редкими улучшениями. Отчаянные попытки завершить "Мануэля Венегаса" ни к чему не привели. Со второй половины 1899 Вольф полностью утратил способность к композиции и однажды даже попытался утопиться, после чего по собственному настоянию был помещён в Венскую психиатрическую больницу. Мелани преданно посещала его до самого конца; мучимая изменой мужу, в 1906 году она покончила с собой.

Творчество

Спойлер:

В историю мировой музыки Вольф вошёл как один из крупнейших мастеров камерно-вокального жанра XIX века, развивший и подытоживший традиции венской песенной классики от Бетховена до Шуберта и Шумана. По сравнению с их творчеством в песенной просодии Вольфа резко возросло психическое напряжение и, как следствие, внимание к поэтическому слову, а также обострилась декламационная и интонационная выразительность. Называя свои произведения не песнями, не романсами, а "стихотворениями для голоса и фортепиано", Вольф уделял особо пристальное внимание выбору автора стихов. Он обращался чаще всего к поэзии таких близких по духу авторов, как Эдуард Мёрике, Иоганн Вольфганг Гёте, Йозеф фон Эйхендорф, Николаус Ленау, Готфрид Келлер, а также к немецким переводам Пауля Хейзе с итальянского и Э. Гейбеля с испанского.
В музыкальной агогике ради сохранения смысловых и синтаксических значений стиха Вольф часто отказывается от музыкальных периодов и симметрий, а также гармонической логики классического построения фразы. Характерной особенностью некоторых песен Вольфа является также перенесение основного тематически яркого материала в аккомпанемент, партию фортепиано, тогда как вокалист продолжает "бубнить" свой стих в состоянии как бы парализованной стрессом психики.
Начиная со "Стихотворений Э. Мёрике" характерным для творческого метода Вольфа становится объединение в рамках одного сборника большого числа разностилевых и разнохарактерных контрастных песен, связанных между собой только единством поэтического первоисточника, а также повторением музыкально-поэтических лейтмотивов (в манере опер Вагнера). Иногда единство связей также подкрепляется и угадывающейся сквозь собрание стихов сюжетной связью. Во многих песнях сказывается живой интерес Вольфа к современным ему тенденциям музыкального театра. Яркость "музыкальных декораций", краткая обрисовка психологического антуража, мгновенное введение в курс происходящих событий, а также характерность и выпуклость речевых интонаций невольно наводят на аналогии с диалогическими театральными песенками-сценками из зингшпилей или комических опер.

Сочинения

Спойлер:

[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

**CLIPER** · 16.12.2017, 07:36

Александр Константинович Глазунов

Дата рождения: 10 августа 1865
Место рождения: Санкт-Петербург, Российская империя
Дата смерти: 21 марта 1936 (70 лет)
Место смерти: Нёйи-сюр-Сен, Франция
Страна: Российская империя, СССР
Профессии: композитор
Эпоха: романтизм

[B][I]Александр Константинович Глазунов - русский композитор, дирижёр, музыкально-общественный деятель, профессор Петербургской консерватории и её директор. Народный артист Республики (1922). Старший брат русского энтомолога и путешественника - Дмитрия Глазунова.

Соратник композиторов "Могучей кучки", друг А. Бородина, дописавший по памяти его незавершенные сочинения, и педагог, который в годы послереволюционной разрухи поддержал юного Д. Шостаковича...
В судьбе А. Глазунова зримо воплотилась преемственность русской и советской музыки. Прочное душевное здоровье, сдержанная внутренняя сила и неизменное благородство - эти черты личности композитора привлекали к нему музыкантов-единомышленников, слушателей, многочисленных учеников. Сложившись еще в юношеские годы, они определили основной строй его творчества.

Биография

Спойлер:

Отец работал книгоиздателем, мать была пианисткой. Образование получил во Втором петербургском реальном училище, по окончании которого в 1883 году некоторое время был вольнослушателем в Петербургском университете. Одарённый хорошим слухом и музыкальной памятью, Глазунов начал обучаться игре на фортепиано с девяти лет, сочинять с одиннадцати. В 1879 он познакомился с Милием Балакиревым, который отметил незаурядный талант юноши и рекомендовал его Николаю Римскому-Корсакову. С Римским-Корсаковым Глазунов начал частным образом изучать теорию музыки и композицию, и за полтора года прошёл весь курс гармонии, форм и инструментовки. Уже в 1882 году Глазунов написал свою Первую симфонию, которая с успехом была исполнена под управлением Балакирева, а вскоре появился его первый струнный квартет. Творчеством Глазунова вскоре заинтересовался известный меценат и покровитель искусства Митрофан Беляев, ставивший своей целью поддержку молодых русских композиторов. В 1885 году Беляев организовал цикл Русских симфонических концертов и музыкальное издательство в Лейпциге, а годом ранее при его поддержке Глазунов впервые отправился за границу, где была исполнена его Первая симфония, и где он познакомился с Ференцем Листом, одобрительно отозвавшимся о его творчестве. Вернувшись в Петербург, Глазунов стал одним из членов так называемого "Беляевского кружка", в который входили также Римский-Корсаков, Лядов, Малишевский, Витолс, Блуменфельд и другие музыканты. Продолжая традиции "Могучей кучки" по части развития русской композиторской школы, беляевцы также держали курс на сближение с западной музыкальной культурой.
В 1887 году умирает Александр Бородин, оставив неоконченными свою оперу "Князь Игорь" и Третью симфонию. За их окончание и оркестровку берутся Римский-Корсаков и Глазунов. Феноменальная память Глазунова позволила ему полностью восстановить услышанную в исполнении на фортепиано самого Бородина незадолго до его смерти увертюру к опере и фрагменты третьего действия, а благодаря музыкальным навыкам он смог полностью оркестровать симфонию. В 1889 он дебютирует как дирижёр, исполняя свою Вторую симфонию на Всемирной выставке в Париже.
В начале 1890-х Глазунов переживает творческий кризис, который сменяется новым подъёмом: он пишет три симфонии, камерные произведения и балет "Раймонда", ставший наиболее известным его сочинением. В 1899 он получает место профессора Петербургской консерватории, в которой работал непрерывно около тридцати лет. После событий 1905 года, когда из консерватории за поддержку революционно настроенных студентов был уволен Римский-Корсаков, Глазунов в знак протеста также покинул свой пост, но уже в декабре того же года, после того, как консерватория была отделена от Русского музыкального общества, вернулся в неё и вскоре был избран её директором. На посту директора Глазунов провёл огромную работу: приводил в порядок учебные планы, основал оперную студию и студенческий оркестр, значительно повысил требования к студентам и преподавателям, в конце каждого учебного года лично присутствовал на всех экзаменах и писал характеристики на каждого студента. В 1906 году Глазунов написал музыку гимна "Избранникам русского народа", прославляющего депутатов Государственной Думы Российской Империи. В 1908 году А. К. Глазунов рекомендует своего ученика, талантливого польского композитора Витольда Малишевского, на пост директора Императорских музыкальных классов в Одессе. Это назначение оказалось знаковым для всего развития музыкальной культуры юга Российской Империи, а затем Украины, так как в 1913 году Малишевский стал основателем и первым ректором Одесской консерватории.
После Октябрьской революции Глазунов сумел остаться на своём посту, наладив отношения с новой властью, и, в частности, с наркомом просвещения Анатолием Луначарским, и сохранить за консерваторией престижный статус. Он выступал как дирижёр на фабриках, в клубах и других местах, принимал участие в музыкально-общественной жизни страны. В 1922 ему было присвоено звание народного артиста Республики. Тем не менее, против Глазунова в консерватории были настроены как некоторые группы профессоров, так и студентов. В 1928 году Глазунов был приглашён на композиторский конкурс в Вену, посвящённый столетию со дня смерти Франца Шуберта, и по его окончании он принял решение не возвращаться в СССР. Глазунов формально числился ректором консерватории до 1930 года. Некоторое время Глазунов выступал как дирижёр, а в 1932, в связи с ухудшившимся здоровьем, вместе с женой поселился в Париже, где изредка сочинял (среди его поздних работ — Концерт для саксофона с оркестром, посвящённый Сигурду Рашеру).

Глазунов умер в Париже в 1936 году. А в 1972 году его прах был перевезён в Ленинград и торжественно захоронен на Тихвинском кладбище Александро-Невской лавры. В Мюнхене открыт институт, занимающийся исследованием творчества композитора, архив его партитур хранится в Париже. Именем композитора назван малый зал Санкт-Петербургской консерватории.

Творчество

Спойлер:

Основные произведения

Спойлер:

[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

**CLIPER** · 16.12.2017, 07:37

Морис Равель

Дата рождения: 7 марта 1875
Место рождения: Сибур
Дата смерти: 28 декабря 1937 (62 года)
Место смерти: Париж, Франция
Страна: Франция
Профессии: композитор, дирижёр
Эпоха: неоклассицизм-импрессионизм

Жозеф Морис Равель - французский композитор, дирижёр, один из реформаторов музыки XX века

В музыке М. Равеля - крупнейшего французского композитора, великолепного мастера музыкального колорита сочетаются импрессионистическая мягкость и размытость звучаний с классической ясностью и стройностью форм. В облике Равеля законченно полное выражение получили отдельные истинно французские черты, его творчество естественно и закономерно входит в общую панораму французского искусства. В один ряд с ним хочется поставить А. Ватто с мягким очарованием его групп в парке и скрытой от мира скорбью Пьеро, Н. Пуссена с величаво-спокойным обаянием, живую подвижность смягченно-точных портретов О. Ренуара. Хотя Равеля справедливо называют композитором-импрессионистом, однако характерные черты импрессионизма проявились у него лишь в некоторых произведениях, в остальных же преобладает классическая четкость и соразмерность структур, чистота стиля, ясность линий и ювелирность в отделке деталей.

Биография

Спойлер:

Морис Равель родился 7 марта 1875 года в городе Сибур на юге Франции. В 1882 году начал заниматься фортепиано у Анри Гиз, с 1887 года занимался гармонией у Шарля Рене. Город Сибур находился на самой границе с Испанией, где в это время служил его отец инженер-путеец, страстный любитель музыки, прививший эту любовь своему сыну. В 1889 году Равель поступил в Парижскую консерваторию, которую окончил по классу фортепиано. Молодому музыканту очень много помогал его учитель Шарль де Берио, известный пианист того времени. Однако интерес к импровизации, созданию композиции появился у Равеля после знакомства с творчеством "подпольного" родоначальника музыкального импрессионизма и просто экстравагантного композитора Эрика Сати, а также личной встречи с другим композитором и пианистом - Рикардо Виньесом. Именно после этого у Мориса появилась страсть к сочинительству. Спустя двадцать и тридцать лет, несмотря на сложные личные отношения, Равель неоднократно подчёркивал, сколь многим в своём творчестве он обязан Сати и называл его не иначе, как своим "Предтечей" или "Прекурсором".
На последнем году обучения он попал в класс к крупному французскому композитору Габриэлю Форе. По его инициативе Равель сочинил цикл произведений на испанские мелодии - "Хабанеру", "Павана на смерть инфанты", "Старинный менуэт". После окончания консерватории в 1900-1914 годах он пишет множество сочинений. Как и у большинства новаторов, творчество Мориса Равеля некоторое время не было признано в профессиональных академических кругах. Так, Морис Равель целых три раза подряд участвовал в конкурсе на получение Римской Премии: в 1901, 1902 и 1903 году. Первый раз он проиграл состязание Андре Капле (получив так называемую "Малую римскую премию"), второй раз - ученику профессора Шарля Леневе Эме Кунцу, и наконец, в третий раз его обошёл Рауль Лапарра, также ученик Леневе. В 1904 году Равель уже сознательно воздерживается от участия в конкурсе, чтобы собраться с силами для последней попытки. Это был последний возможный для него год, поскольку в дальнейшем он уже не мог претендовать на соискание премии ввиду того, что приближался к установленному для участников конкурса предельному возрасту - тридцати годам. Наконец, в 1905 году Морис Равель, уже широко исполняемый и известный в Париже музыкант-новатор (по совету симпатизировавшего ему Габриэля Форе) в последний раз просит допустить его к участию в конкурсе.
И вот, в результате этого, четвёртого и последнего выдвижения разразилось так называемое "скандальное дело Равеля", немало укрепившее славу молодого музыканта и одновременно покрывшее исторической позолотой французских академиков от музыки… В ответ на свою заявку Морис Равель получает уклончивый официальный отказ в допущении к конкурсу с формальной ссылкой на возрастные ограничения (которые к тому моменту ещё не наступили). Весной 1905 года, после "скандального дела Равеля", в жизни композитора прошла строгая черта. Равель окончательно порвал с консерваторией и академическими кругами. Не допущенный к конкурсу, он, тем не менее, вышел победителем в глазах всего музыкального и интеллектуального общества. К нему приковано всеобщее внимание, его известность возрастает буквально с каждым днём, его сочинения издаются нарасхват, исполняются в концертах, о нём говорят и спорят. Впервые Равель становится вторым лидером музыкального импрессионизма и выходит на одну высоту с Клодом Дебюсси, композитором, которого он прежде всегда уважал.
В первый же месяц войны с Германией Морис Равель попал в число мобилизуемых в действующую армию. Однако, несмотря на хорошее состояние здоровья, медицинская комиссия не приняла его ни в один род войск. Причиной тому был слишком маленький рост Равеля, не подходивший ни под один из армейских стандартов, и, как следствие, явно недостаточный для солдата вес тела. В течение трёх месяцев Равель, используя все свои связи, упорно добивался, чтобы его всё же приняли в действующую армию. В конце концов, в октябре 1914 года он добился своего и был принят добровольцем в автомобильный дивизион, где и прослужил шофёром грузовика чуть более трёх лет, сначала при инфантерии, а потом при авиационном полку. В начале 1918 года, совершенно подорвав на службе своё здоровье, он был комиссован по болезни. Патриотический порыв Равеля уже после войны не раз служил предметом для ехидных подтруниваний его вечного "учителя" и соперника, Эрика Сати, поскольку оба они, и Равель, и Сати относились к государству чрезвычайно недоверчиво и скептически.
После войны в музыке Равеля стало преобладать эмоциональное начало. Поэтому от сочинения опер он переходит к созданию инструментальных пьес и пишет сюиту "Гробница Куперена". Примерно в это же время Морис Равель знакомится со знаменитым русским продюсером и постановщиком С. Дягилевым, ставящим в Париже "Русские сезоны". Специально по его заказу ставится балет на музыку Равеля "Дафнис и Хлоя", в главной партии В. Нижинский - великий русский танцовщик. Затем будет поставлен ещё один балет, "Вальс". Сочинение после премьеры стало использоваться как отдельное произведение. Наступает время расцвета славы Мориса Равеля. Однако популярность и известность гнетут композитора, и он переезжает из Парижа в местечко Монфор-Ламори, что в принципе не означает отказ от дальнейшей музыкальной деятельности. Равель много гастролирует: выступает с турами в Италии, Голландии и Англии. И всюду его встречал восторженный приём благодарных почитателей. По заказу русского дирижёра С. Кусевицкого Равель выполняет оркестровку "Картинок с выставки" М. П. Мусоргского. Всё это происходит во время работы Мориса над самым известным его произведением "Болеро". В нём композитор пытался соединить классические традиции с ритмами испанской музыки. Замысел этого произведения принадлежит знаменитой балерине Иде Рубинштейн. В 1925 году М. Равель завершил работу над новаторским произведением "Дитя и чудеса (волшебство)". Оно было названо оперой-балетом. В 1929 году композитор становится почётным доктором музыки Оксфордского университета. В 1932 году Равель вновь совершает турне по Европе вместе с выдающейся пианисткой Маргаритой Лонг. В это же время он начинает работать над новым произведением - балетом 2Жанна д’Арк". Однако попадает в автомобильную катастрофу, и работа прекращается.
Начиная с 1933 года Равель страдал от серьёзного неврологического заболевания, ставшего, возможно, последствием черепно-мозговой травмы, которую он получил в автокатастрофе. Последним произведением тяжело больного композитора были "Три песни" к первому звуковому фильму "Дон Кихот". Они были написаны для русского певца Ф. И. Шаляпина.

Композитор умер 28 декабря 1937 года в Париже после неудачно проведённой операции на головном мозге, предпринятой с целью лечения афазии. Похоронен на кладбище парижского пригорода Леваллуа-Перре.

Творчество

Спойлер:

Творческое наследие композитора не поражает количеством произведений, объем их как правило невелик. Подобный миниатюризм связан с отточенностью высказывания, отсутствием "лишних слов". В отличие от Бальзака у Равеля было время "писать короткие рассказы". Обо всем, что связано с творческим процессом, мы можем лишь догадываться, т.к. композитор отличался скрытностью как в вопросах творчества, так и в области личных переживаний, духовной жизни. Никто не видел, как он сочинял, не находили эскизов или набросков, его произведения не носили следов переделок. Однако удивительная точность, выверенность всех деталей и оттенков, предельная чистота и естественность линий - все говорит о внимании к каждой "мелочи", о длительной работе.
Равель не относится к числу композиторов-реформаторов, сознательно изменявших средства выражения и осовременивавших темы искусства. Стремление донести людям то глубоко личное, интимное, что он так не любил выражать словами, заставляло его говорить на всеобщем, естественно сложившемся и понятном музыкальном языке. Круг тем равелевского творчества очень широк. Часто композитор обращается к чувствам глубоким, ярким и драматичным. Его музыка всегда удивительно человечна, ее обаяние и пафос близки людям. Равель не стремится решать философские вопросы и проблемы мироздания, охватить в одном произведении большой круг тем и найти связь всех явлений. Иногда он концентрирует свое внимание не на каком-то одном - значительном, глубоком и многогранном чувстве, в других случаях с ноткой затаенной и пронзительной грусти говорит о красоте мира. Хочется всегда с чуткостью и осторожностью обращаться к этому художнику, интимное и хрупкое искусство которого нашло путь к людям и завоевало их искреннюю любовь.

Сочинения

Спойлер:

"Старинный менуэт" для симфонического оркестра (1895)
"Шехеразада", увертюра для симфонического оркестра (1898)
"Павана на смерть инфанты" для фортепиано (1899), для оркестра (1910)
"Игра воды" для фортепиано (1901)
Струнный квартет № 1 (1903)
"Шехеразада", цикл песен для сопрано или тенора с оркестром (1903)
Сонатина для фортепиано (1905)
"Отражения" для фортепиано (1905)
"Испанская рапсодия" для симфонического оркестра (1907)
"Испанский час", опера (1907)
"Ночной Гаспар", или "Призраки ночи" для фортепиано (1908)
"Матушка Гусыня", пьесы для фортепиано (1908-1910), для оркестра (1911), балет
"Благородные и сентиментальные вальсы" для фортепиано (1911), для оркестра (1912)
"Дафнис и Хлоя", балет (1912)
Фортепианное трио ля минор (1914)
"Гробница Куперена", фортепианная сюита (1917), 4 пьесы оркестрованы (1919)
"Вальс", хореографическая поэма для оркестра (1920)
"Цыганка", концертная рапсодия для скрипки и фортепиано (или оркестра) (1924)
"Дитя и волшебство", опера (1925)
"Мадагаскарские песни", цикл песен для сопрано, флейты, виолончели и фортепиано (1926)
Соната № 2 для скрипки и фортепиано (1927)
"Болеро" для симфонического оркестра (1928)
Концерт № 1 соль мажор для фортепиано и симфонического оркестра (1931)
Концерт № 2 ре мажор для фортепиано (для левой руки) и симфонического оркестра, посвящён Паулю Витгенштейну (1930)
"Три песни Дон Кихота к Дульсинее", цикл песен для баритона и симфонического оркестра (1933)

[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

**CLIPER** · 20.12.2017, 16:50

Сергей Иванович Танеев

Дата рождения: 25 ноября 1856
Место рождения: Владимир
Дата смерти: 19 июня 1915 (58 лет)
Место смерти: Дютьково под Звенигородом, Московская губерния
Страна: Российская империя
Профессии: композитор, пианист, педагог, учёный
Эпоха: романтизм

Сергей Иванович Танеев - русский композитор, пианист, педагог, учёный, музыкально-общественный деятель.

В русской музыке рубежа веков С. Танеев занимает совершенно особое место. Выдающийся музыкально-общественный деятель, педагог, пианист, первый в России крупный ученый-музыковед, человек редких нравственных достоинств, Танеев был признанным авторитетом в культурной жизни своего времени. Однако главное дело его жизни, композиторское творчество, далеко не сразу нашло подлинное признание. Причина не в том, что Танеев - новатор-радикал, заметно опередивший свою эпоху. Напротив, многое в его музыке воспринималось современниками как устаревшее, как плод "профессорской учености", сухой кабинетной работы. Странным и несвоевременным казался интерес Танеева к старым мастерам, к И. С. Баху, В. А. Моцарту, удивляла приверженность классическим формам и жанрам. Лишь позднее пришло понимание исторической правоты Танеева, искавшего для русской музыки прочной опоры в общеевропейском наследии, стремившегося к универсальной широте творческих задач.

Биография

Спойлер:

Родился 13 ноября 1856 года во Владимире. Принадлежал к роду дворян, ведущему свою историю с XV века. Его отец, Иван Ильич Танеев - помещик, статский советник, магистр словесности, врач, музыкант-любитель. С пяти лет учился игре на фортепиано, сначала у M. А. Миропольской, затем у В. И. Полянской. После переезда в Москву поступил в только что открывшуюся консерваторию (1866). До 1869 занимался в младших классах у Э. Л. Лангера (фортепиано, элементарная теория музыки и сольфеджио). В 1869-1875 годах продолжил занятия в классе фортепиано Н. Г. Рубинштейна, гармонии, инструментовки и свободного сочинения П. И. Чайковского, контрапункта, фуги и музыкальной формы Н. А. Губерта. Был любимым учеником П. И. Чайковского.
В 1875 году окончил Московскую консерваторию по классу Н. Г. Рубинштейна (фортепиано) и П. И. Чайковского (композиция) с золотой медалью. Выступал на концертах как пианист-солист и в ансамбле. Первый исполнитель многих фортепианных произведений Чайковского (Второго и Третьего фортепианных концертов, доработал последний после смерти композитора), исполнитель собственных сочинений. С 1878 по 1905 год работал в Московской консерватории (с 1881 года - профессор), где вёл классы гармонии, инструментовки, фортепиано, композиции, полифонии, музыкальной формы. В 1885-1889 годах занимал должность директора Московской консерватории. В это время и до конца своей жизни композитор проживал со своей няней в съёмном доме в Малом Власьевском переулке. В 1905 году в знак протеста против авторитарных методов руководства покинул консерваторию и больше в неё не возвращался, несмотря на просьбы профессоров и учеников. Был одним из основателей и педагогов Народной консерватории (1906 год). Танеев участвовал в работе Пречистенских рабочих курсов для рабочих, изучал музыкальный фольклор, занимался с учениками частным образом (всегда безвозмездно).

На похороны А. Н. Скрябина, умершего 14 (27) апреля 1915 года, Танеев пришёл простуженный и получил осложнение, простуда перешла в пневмонию, и через два месяца он скончался. Был похоронен на Донском кладбище в Москве. Позднее останки перенесены на Новодевичье кладбище.

Творчество

Спойлер:

Убеждённый последователь классики (в его музыке нашли претворение традиции М. И. Глинки, П. И. Чайковского, а также И. С. Баха, Л. Бетховена), Танеев предвосхитил многие тенденции музыкального искусства XX века. Его творчество отмечено глубиной и благородством замыслов, высокой этичностью и философской направленностью, сдержанностью высказывания, мастерством тематического и полифонического развития. В своих сочинениях он тяготел к нравственно-философской проблематике. Такова, например, его единственная опера - "Орестея" (1894, по Эсхилу) - образец претворения античного сюжета в русской музыке. Его камерно-инструментальные произведения (трио, квартеты, квинтеты) принадлежат к лучшим образцам этого жанра в русской музыке. Один из создателей лирико-философской кантаты в русской музыке ("Иоанн Дамаскин", "По прочтении псалма"). Возродил популярный в отечественной музыке XVII-XVIII веков жанр - хоры a cappella (автор более 40 хоров). В инструментальной музыке особое значение придавал интонационному единству цикла, монотематизму (4-я симфония, камерно-инструментальные ансамбли). Сочинял и романсы.
Танеев был прирожденным педагогом. Прежде всего потому, что собственный творческий метод он выработал совершенно сознательно и мог научить других тому, чему научился сам. Центром тяжести при этом становилась не индивидуальная стилистика, а общие, универсальные принципы музыкальной композиции. Поэтому столь различен творческий облик композиторов, прошедших через класс Танеева. С. Рахманинов, А. Скрябин, Н. Метнер, Ан. Александров, С. Василенко, Р. Глиэр, А. Гречанинов, С. Ляпунов, З. Палиашвили, А. Станчинский и многие другие - каждому из них Танеев сумел дать ту общую основу, на которой расцвела индивидуальность ученика.
Многообразная творческая деятельность Танеева, безвременно прервавшаяся в 1915 г., имела огромное значение для отечественного искусства. По словам Асафьева, "Танеев... был источником великой культурной революции в русской музыке, последнее слово которой еще далеко не сказано..."

Сочинения

Спойлер:

Основные произведения композитора:
Опера "Орестея" (1-я постановка - 1895, Петербург)
Кантаты "Иоанн Дамаскин", "По прочтении псалма", "Cлавa H. Г. Рубинштейнy", "Я памятник себе воздвиг".
4 симфонии (1874-98), увертюры, концерт для фортепиано с оркестром
Камерно-инструментальные ансамбли (20) - трио (в том числе фортепианное, 1908), квартеты (в том числе фортепианный, 1906), квинтеты (в том числе фортепианный, 1911)
Для фортепиано - Прелюдия и фуга соль-диез минор и др.
Канцона для кларнета (виолончели) и оркестра
Хоры a cappella
Хоры без обозначения opus’a: "Венеция ночью" (Фет), "Ноктюрн" (Фет), "Веселый час" (Кольцов)-1880 год; "Песня короля Регнера" (Языков), "Вечерняя песня" (Хомяков)-1882 год.
Ор. 8. "Восход солнца" (Тютчев).
Ор. 10. "Из края в край" (Тютчев).
Ор. 15. Два хора a capella для четырёх смешанных голосов (1900): № 1. "Звезды" (Хомяков), "Московскому Синодальному хору; № 2. "Альпы" (Тютчев), И. А. Мельникову.
Ор. 23. Ночи. Три терцета a capella для сопрано, альта и тенора (Тютчев). Могут исполняться также и хором (1907): № 1. "Сонет Микель-Анджело"; № 2. "Рим ночью"; № 3. "Тихой ночью".
Ор. 24. Два квартета a capella для двух сопрано, альта и тенора (Пушкин). Могут исполняться также и хором (1907): № 1. "Монастырь на Казбеке"; № 2. "Адели".
Ор. 27. Двенадцать хоров a capella для смешанных голосов (Полонский). Посвящается хору Московских Пречистенских курсов для рабочих (1909): № 1. "На могиле"; № 2. "Вечер"; № 3. "Развалину башни"; № 4. "Посмотри, какая мгла"; № 5. "На корабле"; № 6. "Молитва"; № 7. "Из вечности музыка вдруг раздалась"; № 8. "Прометей"; № 9. "Увидал из-за тучи утес"; № 10. "Звезды"; № 11. "По горам две хмурых тучи"; № 12. "В дни, когда над сонным морем".
Ор, 35. Шестнадцать хоров a capella для мужских голосов (Бальмонт). Посвящается Хоровому Обществу чешских учителей (1914): № 1. "Тишина"; № 2. "Призраки"; № 3. "Сфинкс"; № 4. "Заря"; № 5. «Молитва»; № 6. «В пространствах эфира»; № 7. «И сон и смерть»; № 8. «Небесная роса»; № 9. "Мертвые корабли"; № 10. "Звуки прибоя"; № 11. "Морское дно"; № 12. "Морская песня"; № 13. «Тишина»; № 14. «Гибель»; № 15. «Белый лебедь»; № 16. «Лебедь».
Посмертные издания - хоры "Сосна" (Лермонтов) и "Фонтан" (Козьма Прутков) - ранние произведения (1877 и 1880), впервые опубликованные в журнале "Советская музыка", 1940, № 7.
Камерно-вокальные ансамбли с фортепиано и a cappella
55 романсов

[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

**CLIPER** · 20.12.2017, 16:51

Станислав Монюшко

Дата рождения: 5 мая 1819
Место рождения: Убель, Игуменский уезд, Минская губерния, Российская империя
Дата смерти: 4 июня 1872 (53 года)
Место смерти: Варшава, Царство Польское, Российская империя
Страна: Российская империя
Профессии:
композитор, дирижёр
Эпоха: романтизм

Станислав Монюшко - польский композитор; автор песен, оперетт, балетов, опер; творец польской национальной оперы, классик вокальной лирики.

Выдающийся польский композитор С. Монюшко - создатель национальной классической оперы и камерной вокальной лирики. Его творчество впитало в себя характерные черты народной музыки поляков, украинцев и белорусов. С детства Монюшко имел возможность познакомиться с крестьянским фольклором славянских народов. Его родители любили искусство, обладали различными художественными талантами. Мать учила мальчика музыке, отец был художником-любителем. Часто устраивались домашние спектакли, и любовь к театру, зародившаяся у Станислава с детства, прошла через всю его жизнь.

Биография

Спойлер:

Родился в фольварке Убель Игуменского уезда Минской губернии (ныне Червенский район Белоруссии), в котором обосновался после русской кампании Наполеона его отец - Чеслав Монюшко, капитан полка литовских конных стрелков, который завершил свою военную карьеру адъютантом при штабе маршала Мюрата. Мать - Елизавета Маджарская, армянка по национальности, правнучка Яна Маджарского (Ованес Маджаренц), создавшего производство слуцких поясов. Музыке Станислав учился у матери. Позднее, обучаясь в школе пиаров в Варшаве, Монюшко брал уроки у Августа Фрейера (фортепиано, орган; 1827-1830). Затем музыкальное образование было усовершенствовано у Доминика Стефановича (композиция) в Минске (1830-1837) и у Карла Фридриха Рунгенхагена (композиция, хоровое дирижирование) в Берлине (1837-1840).
В Вильну приехал впервые в 1836 году. В 1840 году, завершив образование, женился в Вильне на Александре Мюллер. До 1858 года жил в Вильне. Служил органистом в костёле Святых Иоаннов. Его годовое жалованье составляло 100 рублей серебром. Кроме того, Монюшко давал уроки фортепиано и композиции (среди его учеников был и будущий известный композитор Цезарь Кюи). В 1842 году побывал в Санкт-Петербурге, предприняв неудавшуюся попытку получить место придворного композитора в оперном театре. В 1849 и 1856 годах давал в Санкт-Петербурге авторские концерты. Был знаком с русскими композиторами М. И. Глинкой, А. С. Даргомыжским, А. Н. Серовым, которые высоко ценили его творчество. С 1850 года Монюшко дирижировал в виленском городском театре на оперных спектаклях. С 1858 года жил в Варшаве, был дирижёром Большого театра в Варшаве, в 1864-1872 годах профессор Музыкального института. В 1858 году во время поездки в Германию познакомился с Ференцем Листом.
Частые выступления с авторскими концертами в Петербурге сблизили Монюшко с русскими композиторами. Лучшее из созданного Монюшко связано прежде всего с теми жанрами, которые не были затронуты великим польским классиком Ф. Шопеном или не получили у него значительного развития, - с оперой и песней. Монюшко создал 15 опер. Кроме "Гальки", к лучшим его произведениям относится "Зачарованный замок" ("Страшный двор" - 1865). Но особенно важным наряду с оперным творчеством было сочинение песен (ок. 400), которые композитор объединял в сборники - "Домашние песенники". Их название говорит само за себя: это музыка повседневного быта, созданная в расчете не только на профессионалов, но и любителей музыки. "Я не создаю ничего нового. Странствуя по польским землям, я наполняюсь духом народных песен. Из них, помимо моей воли, вдохновение переливается во все мои сочинения". В этих словах Монюшко раскрывается секрет удивительной "общительности" его музыки.

Интересные факты

Спойлер:

Первая любовь на всю жизнь
Когда Станиславу исполнилось 17 лет, Казимир Монюшко повез племянника в Вильно. Он остановились на квартире у полковника Ксаверия Мюллера, где Станислав увидел его дочь, 16-летнюю Александру. Увидел - и полюбил на всю жизнь.
- Удивительно, но родители девушки не воспротивились такой юношеской любви, - говорит Ирина Середа. - Мама Александры Мария Мюллер поставила только одно условие. Станислав должен был получить какое-то образование и профессию.
И Станислав решает стать композитором. Он уезжает в Берлин учиться в Музыкальной академии. Директор академии Карл Фридрих Рунгенхаген был так впечатлен его способностями, что поселил студента на все четыре года учебы у себя дома. И как композитор он дебютировал именно в Берлине, представив три романса на стихи Адама Мицкевича. Посвящены они были, конечно, возлюбленной Александре. После учебы его приглашали остаться в Берлине, но он стремился в Вильно. В 1840 году, когда Станиславу Монюшко был только 21 год, он обвенчался с Александрой. И следующие тридцать лет до самой смерти композитора они были вместе, любовь их не угасла, в любые дни разлуки Станислав писал супруге подробнейшие письма, благодаря которым мы сегодня знаем, к примеру, чем жил Минск середины XIX века. За 18 лет жизни в Вильно у них родилось 10 детей, трое умерли в детстве.
Но несмотря на такое семейное счастье, жизнь Станислава была очень непростой. Чтобы прокормить жену и детей, он устроился органистом в тот же костел Святого Яна, в котором венчался. Для шляхтича это было крайне непрестижно. Он давал частные уроки. И очень много писал. За эти годы Монюшко написал около 300 романсов.
Именно в те годы была написана первая белорусская опера "Идиллия" ("Селянка") на либретто Дунина-Марцинкевича. Премьера прошла в Минске в городском театре, который располагался на нынешней улице Ленина. И в этот вечер белорусский язык впервые прозвучал со сцены. После первого же показа оперу запретили, а сам клавир был утерян. Хотя Монюшко очень трепетно следил за тем, чтобы все его сочинения были изданы, пропала именно белорусская его опера. Уцелела только ария Комиссара. Когда в Купаловском театре в 1993 году поставили "Идиллию", эта ария снова прозвучала со сцены белорусского театра.

Творчество

Спойлер:

Сочинения

Спойлер:

[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

**CLIPER** · 20.12.2017, 20:15

Исаак Альбенис

Дата рождения: 29 мая 1860
Место рождения: Кампродон (Каталония, Испания)
Дата смерти: 18 мая 1909 (48 лет)
Место смерти: Камбо-ле-Бен (департамент Атлантические Пиренеи, Франция)
Страна: Испания
Профессии: композитор, пианист
Эпоха: романтизм

Исаак Альбенис - испанский композитор и пианист, один из основоположников испанской национальной музыкальной школы.

Имя Альбениса неразрывно с новым направлением испанской музыки Ренасимьенто, возникшего на рубеже XIX-XX вв. Вдохновителем этого движения был Ф. Педрель, ратовавший за возрождение испанской национальной культуры. Первые классические образцы новой испанской музыки создали И. Альбенис и Э. Гранадос, а творчество М. де Фальи стало вершиной этого направления. Ренасимьенто охватило всю художественную жизнь страны. В нем участвовали писатели, поэты, художники: Р. Валье-Инклан, X. Хименес, А. Мачадо, Р. Пидаль, М. Унамуно.
"Возвышенную и необычайную музыкальную интуицию Альбениса можно было сравнить с чашей, до краев наполненной чистым вином, согретым средиземноморским солнцем". - Ф. Педрель

Биография

Спойлер:

В четыре года юный Исаак впервые публично выступил в Барселоне, а уже в десять лет он разъезжал с сольными концертами по всей Испании. Обучался в Барселоне (Э. Компта, Х. Пухоль - фортепиано), Брюсселе (Л. Брассен — фортепиано, Ф. Геварт — композиция), Будапеште (Ф. Лист — фортепиано в 1878-79 гг.), Мадриде (Ф. Педрель - композиция). Концертировал во многих странах Европы, Северной и Южной Америки. Был близок к "поколению 98 года". В 1890 покидает Испанию и едет в Лондон, но в 1892 г. возвращается обратно. С 1893 или 1894 жил в Париже. В 1897-1898 Исаак Альбенис занимался в "Схола канторум" (второй парижской консерватории) у крупнейших музыкантов Франции - Венсана д’Энди, Габриэля Форе. Знакомство с К. Дебюсси оказало влияние на его поздние сочинения. Дебюсси так оценил творчество Альбениса: "Никогда ещё музыка не затрагивала столь различные впечатления, такие яркие, что от изобилия образов хочется закрыть глаза, как от яркого солнца".
Поворотным моментом в творческом пути стало обращение Альбениса к испанскому фольклору - "золотым россыпям народного искусства", по словам композитора. В последние годы жизни он возглавлял новое направление испанской музыки - так называемое Ренасимьенто.
Фортепианные сочинения (всего около 300) - лучшая часть наследия композитора. В этих произведениях соединены традиции народных песенно-танцевальных жанров различных областей Испании (хота, сегидилья, сортсико, малагенья и др.) и музыкальной классики. Среди наиболее известных сочинений: "Испанская сюита" (1886), циклы пьес "Испания" (1890), "Два испанских танца", "Испанские напевы" (1892), "Иберия" (1905-09), "Наварра" (завершена французским композитором Деода де Севераком), симфоническая сюита «Каталония» (1899, завершена лишь первая часть). Среди других сочинений Альбениса: сарсуэлы - "Святой Антоний" (1894, театр "Аполо", Мадрид) и др.; оперы "Генри Клиффорд" (1895, театр "Лисео", Барселона), "Пепита Хименес" (1896, театр "Лисео", Барселона); романсы и др.

Умер в 1909 от хронического нефрита). Похоронен на кладбище Монжуик в Барселоне.
Сесилия Саркози, вторая жена французского президента Николя Саркози, является правнучкой композитора.

Творчество

Спойлер:

Сочинения

Спойлер:

[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

**CLIPER** · 20.12.2017, 20:16

Джордже Энеску

Дата рождения: 19 августа 1881
Место рождения: село Ливени, герцогство Буковина, Австро-Венгрия
Дата смерти: 4 мая 1955 (73 года)
Место смерти: Париж, Франция
Страна: Румыния
Профессии: исполнитель, дирижёр, композитор
Эпоха: неоклассицизм

Джордже Энеску - румынский композитор, скрипач, дирижёр и педагог, национальный классик, один из крупнейших музыкантов первой половины XX века.

"Я без колебаний помещаю его в самый первый ряд композиторов нашей эпохи... Это относится не только к композиторскому творчеству, но и ко всем многочисленным аспектам музыкальной деятельности гениального художника - скрипача, дирижера, пианиста... Среди тех музыкантов, которых я знаю. Энеску был наиболее многогранным, достигшим в своих творениях высокого совершенства. Его человеческое достоинство, его скромность и моральная сила вызывали во мне восхищение..." В этих словах П. Казальса дан точный портрет Дж. Энеску - замечательного музыканта, классика румынской композиторской школы.

Биография

Спойлер:

Джордже Энеску родился 19 августа 1881 года в селе Ливени Северной Молдовы, в крестьянской семье. Детские впечатления, связанные с родной природой, жизненным укладом румынского крестьянина, с его трудом, древними обрядами, песнями и плясками заложили основы национального мироощущения, ставшего затем столь характерным для Энеску-художника. В раннем детстве начал играть на скрипке, получив первые уроки уже в 4 года, а учителем был известный лэутер Н.Киору. Сначала Джордже подбирал мелодии, а потом проезжавший через деревню музыкант обучил его нотной грамоте. Затем была Венская консерватория и спектакли оперного театра, которые Энеску любил посещать. Иногда юный музыкант пробовал свои силы в дирижировании студенческим консерваторским оркестром. В 1892 году Энеску окончил консерваторию с золотой медалью. Родные отправили мальчика для усовершенствования в Париж. С 1893 по 1899 годы Энеску учится в Парижской консерватории, а по ее окончанию становится одним из лучших скрипачей Парижа. Новый век Энеску встретил признанным музыкантом. Он выступает в концертах с Сен-Сансом и Казальсом; избирается членом Французского общества музыкантов. Его неоднократно приглашают в члены жюри Парижской консерватории, а главное, он ведет интенсивную концертную деятельность. В 1907-1912 годах Энеску предпринял большие концертные турне по европейским странам.
В 1909 году он впервые посетил Россию, выступал в Петербурге и Москве. В годы Первой мировой войны он продолжает концертировать во Франции, США, подолгу живет в Румынии, играет на фронтах и в лазаретах. Сборы с концертных выступлений жертвует на нужды Красного Креста. Война и последующая инфляция разорили Энеску. Он проводит бесконечные концертные турне по всему миру, покоряет слушателей Старого и Нового Света своей одухотворенностью, безупречной техникой, глубиной мысли и высокой музыкальной культурой. Великие музыканты современности восторгаются Энеску и рады выступить вместе с ним. Он был противником фашизма и принимал деятельное участие в культурном возрождении Румынии. В 1947 году маэстро было уже далеко за шестьдесят, но он продолжал интенсивную концертную деятельность. Зимой 1955 года он, будучи в Париже, тяжело заболел и последние месяцы жизни был прикован к постели. Умер Джордже Энеску в Париже 4 мая 1955 года.

Творчество

Спойлер:

Сочинения

Спойлер:

[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

**CLIPER** · 21.12.2017, 10:19

Александр Егорович Варламов

Дата рождения: 27 ноября 1801
Место рождения: Москва
Дата смерти: 27 октября 1848 (46 лет)
Место смерти: Санкт-Петербург
Страна: Российская империя
Профессии: композитор, учитель, капельмейстер, певец, музыкальный критик
Эпоха: русская народная музыка

Александр Егорович Варламов - русский композитор, капельмейстер, певец и музыкальный критик.

Романсы и песни А. Варламова - яркая страница русской вокальной музыки. Композитор замечательного мелодического дарования, он создал произведения большой художественной ценности, завоевавшие редкую популярность. Кому не известны мелодии песен "Красный сарафан", "Вдоль по улице метелица метет" или романсов "Белеет парус одинокий", "На заре ты ее не буди"? По справедливому замечанию современника, его песни "с чисто русскими мотивами сделались народными". Знаменитый "Красный сарафан" пелся "всеми сословиями - и в гостиной вельможи, и в курной избе мужика", и даже был запечатлен в русском лубке. Музыка Варламова нашла отражение и в художественной литературе: романсы композитора, как характерный элемент быта, введены в произведения многих писателей - Н. Гоголя, И. Тургенева, Н. Некрасова, Н. Лескова, И. Бунина и даже английского автора Дж. Голсуорси (роман "Конец главы"). Но судьба композитора сложилась менее счастливо, чем судьба его песен.

Биография

Спойлер:

Варламов родился в небогатой семье. Его музыкальная одаренность проявилась рано: он самоучкой научился играть на скрипке - подбирал по слуху народные песни. Красивый, звонкий голос мальчика определил его дальнейшую судьбу: в 9 лет он был принят в петербургскую Придворную певческую капеллу малолетним певчим. В этом прославленном хоровом коллективе Варламов занимался под руководством директора капеллы выдающегося русского композитора Д. Бортнянского. Вскоре Варламов стал солистом хора, выучился игре на фортепиано, виолончели, гитаре.
В 1819 г. молодого музыканта посылают в Голландию учителем певчих в русской посольской церкви в Гааге. Перед юношей открывается мир новых разнообразных впечатлений: он часто посещает оперу, концерты. даже сам выступает публично как певец и гитарист. Тогда же, по собственному признанию, он "нарочито учился теории музыки". По возвращении на родину (1823) Варламов преподает в петербургской Театральной школе, занимается с певчими Преображенского и Семеновского полков, затем снова поступает в Певческую капеллу хористом и учителем. Вскоре в зале Филармонического общества он дает свой первый в России концерт, где дирижирует симфоническими и хоровыми произведениями и выступает в качестве певца. Немалую роль сыграли встречи с М. Глинкой - они способствовали формированию самостоятельных взглядов молодого музыканта на развитие русского искусства.
В 1832 г. Варламов был приглашен помощником капельмейстера Московских императорских театров, затем получил место "композитора музыки". Он быстро вошел в круг московской художественной интеллигенции, в среде которой было много талантливых людей, разносторонне и ярко одаренных: актеры М. Щепкин, П. Мочалов; композиторы А. Гурилев, А. Верстовский; поэт Н. Цыганов; писатели М. Загоскин, Н. Полевой; певец А. Бантышев и др. Их сближало горячее увлечение музыкой, поэзией, народным искусством.
"Музыке нужна душа", - писал Варламов, - "а у русского она есть, доказательство - наши народные песни". В эти годы Варламов сочиняет "Красный сарафан", "Ох, болит, да щемит", "Что это за сердце", "Не шумите, ветры буйные", "Что отуманилась, зоренька ясная" и другие романсы и песни, вошедшие в "Музыкальный альбом на 1833 год" и прославившие имя композитора. Работая в театре, Варламов пишет музыку ко многим драматическим постановкам ("Двумужница" и "Рославлев" А. Шаховского - вторая по роману М. Загоскина; "Князь Серебряный" по повести "Наезды" А. Бестужева-Марлинского; "Эсмеральда" по роману "Собор парижской богоматери" В. Гюго, "Гамлет" В. Шекспира). Постановка шекспировской трагедии была выдающимся событием. О переводе Полевого, игре Мочалова в роли Гамлета, о песне безумной Офелии восторженно писал В. Белинский, посетивший этот спектакль 7 раз...
Балет тоже интересовал Варламова. 2 его произведения в этом жанре - "Забавы султана, или Продавец невольников" и "Хитрый мальчик и людоед", написанный совместно с А. Гурьяновым по сказке Ш. Перро "Мальчик-с-пальчик", - шли на сцене Большого театра. Композитор хотел написать и оперу - его увлек сюжет поэмы А. Мицкевича "Конрад Валленрод", но замысел остался нереализованным. На протяжении всей жизни не прекращалась исполнительская деятельность Варламова. Он систематически выступал в концертах, чаще всего как певец. Композитор обладал небольшим, но красивым по тембру тенором, пение его отличалось редкой музыкальностью и задушевностью.
Варламов был широко известен и как вокальный педагог. Его "Школа пения" (1840) - первая в России крупная работа в этой области - и сейчас не утратила своего значения.
Последние 3 года Варламов провел в Петербурге, где надеялся снова поступить учителем в Певческую капеллу. Желание это не осуществилось, жизнь складывалась трудно. Широкая известность музыканта не защитила его от бедности и разочарований. Он умер от туберкулеза в возрасте 46 лет.

Творчество

Спойлер:

Основной, наиболее ценной частью творческого наследия Варламова являются романсы и песни (ок. 200, включая ансамбли). Круг поэтов очень широк: А. Пушкин, М. Лермонтов, В. Жуковский, А. Дельвиг, А. Полежаев, А. Тимофеев, Н. Цыганов. Варламов открывает для русской музыки А. Кольцова, А. Плещеева, А. Фета, М. Михайлова. Как и А. Даргомыжский, он один из первых обращается к Лермонтову; его внимание привлекают также переводы из И. В. Гете, Г. Гейне, П. Беранже.
Варламов - лирик, певец простых человеческих чувств, его искусство отражало думы и чаяния современников, было созвучно духовной атмосфере эпохи 1830-х гг. "Жажда бури" в романсе "Белеет парус одинокий" или состояние трагической обреченности в романсе "Тяжело, не стало силы" - характерные для Варламова образы-настроения. Веяния времени сказались и в романтической устремленности, и в эмоциональной открытости варламовской лирики. Диапазон ее достаточно широк: от светлых, акварельных красок в пейзажном романсе «Я люблю смотреть в ясну ноченьку» до драматической элегии "Тебя уж нет".
Творчество Варламова неразрывно связано с традициями бытовой музыки, с народной песней. Глубоко почвенное, оно тонко отражает ее музыкальные особенности - в языке, в тематике, в образном строе. Многие образы варламовских романсов, а также ряд музыкальных приемов, связанных прежде всего с мелодикой, устремлены в будущее, а умение композитора поднимать бытовую музыку на уровень подлинно профессионального искусства заслуживает внимания и в наши дни.

Сочинения

Спойлер:

[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

**CLIPER** · 21.12.2017, 10:20

Энрике Гранадос

Дата рождения: 27 июля 1867
Место рождения: Льейда
Дата смерти: 24 марта 1916 (48 лет)
Место смерти: пролив Ла-Манш
Страна: Испания
Профессии: композитор, пианист
Эпоха: романтизм

Энрике Гранадос (полное имя Панталеон Энрике Костансо Гранадос-и-Кампинья) - испанский композитор и пианист, один из наиболее заметных деятелей испанской музыкальной культуры конца XIX - начала XX веков.

С творчеством Гранадоса связано возрождение национальной испанской музыки. Участие в движении Ренасимьенто, которое охватило страну на рубеже XIX-XX вв., дало композитору импульс к созданию классических образцов музыки нового направления. Деятели Ренасимьенто, в частности музыканты И. Альбенис, М. де Фалья, X. Турина, стремились вывести испанскую культуру из состояния застоя, возродить ее самобытность, поднять национальную музыку на уровень передовых европейских композиторских школ. Большое влияние на Гранадоса, как и на других испанских композиторов, оказал Ф. Педрель, организатор и идейный руководитель Ренасимьенто, теоретически обосновавший пути создания классической испанской музыки в манифесте "За нашу музыку".

Биография

Спойлер:

Гранадос родился в семье военного. В 1874 семья переехала в Барселону, где он получил первые уроки игры на фортепиано у Франсиско Хурнета и Хуана Пухоля, известного композитора и педагога, среди учеников которого были также Рикардо Виньес и Исаак Альбенис. В этот период Гранадос также изучал теорию музыки у Фелипе Педреля, активно интересовался испанским музыкальным фольклором, оказавшим впоследствии большое влияние на его композиторское творчество. В 1887 Гранадос при поддержке одного из местных предпринимателей смог поехать в Париж, где в течение двух лет посещал в качестве слушателя консерваторию по классу композиции Шарля Берио. Вернувшись в Барселону, он начал выступать как пианист, и в 1890 году в местном театре состоялся его первый сольный концерт. Через некоторое время Гранадос заявил о себе и как о композиторе, включив в программы своих выступлений Испанские танцы собственного сочинения. Они имели большой успех и вскоре были напечатаны, став первыми изданными работами Гранадоса.
В 1898 появляется первое крупное произведение композитора - опера "Мария дель Кармен", которая после постановки в Мадриде приносит автору широкую известность по всей стране. Написанная на испанский сюжет и пронизанная национальным духом, она была восторженно принята публикой, а также членами королевской семьи и лично королём Альфонсом XIII. Опера была через некоторое время также поставлена в Валенсии и Барселоне, однако вскоре вышла из репертуара, так как общественность была достаточно непривычна к сочинениям в национальном духе и отдавала своё предпочтение классическим европейским операм.
На рубеже веков Гранадос увлекается каталонской культурой и пишет ряд произведений для местных театров, которые, однако, практически не были известны за пределами Каталонии. В 1900 он основал в Барселоне Общество классических концертов, в котором иногда выступал как дирижёр, а год спустя, после того, как Общество распалось - музыкальную академию (получившую впоследствии его имя), в которой работал до конца жизни. Уделяя большое внимание вопросам музыкального преподавания, Гранадос написал ряд педагогических работ. Не прекращая концертной карьеры, в этот период он выступает с такими известными музыкантами, как Жак Тибо, Камиль Сен-Санс, Пабло Казальс (с последним его связывала крепкая дружба, ему посвящены несколько сочинений Гранадоса). В начале 1900-х Гранадос записал несколько произведений на Вельте-Миньоне.
К 1907 году имя композитора уже известно за пределами Испании: Габриэль Форе приглашает его в жюри престижного композиторского конкурса. В это же время Гранадос приступает к сочинению самого известного своего сочинения - сюиты "Гойески". Вдохновившись картинами Франсиско Гойи, которые он увидел в музее Прадо в Мадриде, композитор сочинил две тетради фортепианных пьес, первая из которых была исполнена в 1911 году в Барселоне, затем в Париже, а весь цикл - в 1913 в Мадриде. Сюита имела огромный успех, и Гранадос решил написать оперу, основанную на тех же музыкальных источниках. По предложению американского пианиста Эрнеста Шеллинга в качестве сюжета он выбрал произведение Фернандо Перике. Работа над оперой началась в 1913 году, премьера была намечена на 1914 в Париже, но начавшаяся Первая мировая война помешала её осуществить. На протяжении 1914-1915 годов Гранадос дорабатывал сочинение, и 28 января 1916 оно было впервые исполнено в Нью-Йорке. Некоторые критики приняли оперу весьма прохладно, отметив в ней недостаток сценического драматизма и плохую оркестровку. Первым из испанских композиторов, когда-либо посетивших США, Гранадос был приглашен президентом Томасом Вудро Вильсоном в Белый дом, где выступил как пианист.

Опоздав на запланированный прямой морской рейс в Испанию, Гранадос принял решение сесть на корабль, идущий в Англию, где пересел на пароход "Sussex", направлявшийся во Францию, однако 24 марта 1916 года, во время прохода по Ла-Маншу он был атакован торпедой немецкой подводной лодки. Корабль не затонул, однако от сильного удара многие из находившихся на борту (в том числе жена Гранадоса) были выброшены в воду. Гранадос прыгнул за борт, пытаясь спасти жену, и утонул.

Творчество

Спойлер:

Творчество Гранадоса основано на тенденциях европейского искусства своего времени, однако испытывает сильное влияние испанской и каталонской народной музыки. Многие его фортепианные сочинения написаны в духе народных танцев, причём как широко известных (например, хота), так и менее популярных (васконгада, парранда). С другой стороны, в фортепианных циклах Гранадоса ("Романтические картины", "Юношеские рассказы", "Эскизы", "Часослов") заметно некоторое влияние Шумана как в гармоническом языке, так и в заявленной программности пьес.
Сюита "Гойески" - самое известное сочинение Гранадоса, попытка объединить стилистические приёмы, использовавшиеся композитором в своих произведениях. Интересной чертой этих пьес является широкое употребление мелизмов в духе Доменико Скарлатти. В них Гранадос использует как настоящие народные мелодии, так и сочинённые самостоятельно их имитации. Некоторые из этих пьес изобилуют приёмами, похожими по звучанию на гитарные, благодаря чему они получили популярность в переложении для этого инструмента.
Важное место в творчестве Гранадоса занимают произведения для музыкального театра. Из одиннадцати работ этого жанра четыре могут считаться настоящими операми, остальные содержат обширные разговорные фрагменты и приближаются по духу к сарсуэлам или обыкновенным театральным постановкам. Перу Гранадоса также принадлежат камерно-инструментальные и оркестровые сочинения, вокальные циклы и др. Многие произведения композитора были найдены и исполнены спустя много лет после его смерти. Ряд своих планов Гранадос не успел осуществить, некоторые рукописи утеряны.

Сочинения

Спойлер:

[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

**CLIPER** · 21.12.2017, 10:20

Цезарь Антонович Кюи

Дата рождения: 18 января 1835
Место рождения: Вильна, Российская империя
Дата смерти: 26 марта 1918 (83 года)
Место смерти: Петроград
Страна: Российская империя
Профессии: инженер-генерал композитор
Эпоха: романтизм

Цезарь Антонович Кюи (при рождении Цезарий-Вениамин Кюи) - русский композитор и музыкальный критик, член "Могучей кучки" и Беляевского кружка, профессор фортификации, инженер-генерал.

Ц. Кюи - русский композитор, член балакиревского содружества, музыкальный критик, активный пропагандист идей и творчества "Могучей кучки", крупный ученый в области фортификации. Во всех сферах своей деятельности достиг значительных успехов, внес весомый вклад в развитие отечественной музыкальной культуры и военной науки. Музыкальное наследие Кюи чрезвычайно обширно и разнообразно: 14 опер (из них 4 детских), несколько сот романсов, оркестровые, хоровые, ансамблевые произведения, сочинения для фортепиано. Он автор свыше 700 музыкально-критических работ.
Поразительная работоспособность, помноженная на выдающееся дарование, глубокая убежденность в правоте идеалов, сформировавшихся еще в молодости, - бесспорные свидетельства большой и незаурядной личности Кюи.

Биография

Спойлер:

Родился 6 января 1835 года в городе Вильна (современный Вильнюс). Его отец, Антон Леонардович Кюи, выходец из Франции, служил в наполеоновской армии. Раненный в 1812 году под Смоленском во время Отечественной войны 1812 года, обмороженный, он не вернулся с остатками разбитых войск Наполеона во Францию, а остался навсегда в России. В Вильне Антон Кюи, женившийся на Юлии Гуцевич, дочери знаменитого литовского архитектора Лауринаса Гуцявичюса, преподавал французский язык в местной гимназии. С отцом Цезарь Кюи общался на французском, с другими членами семьи на литовском либо на польском, а с братьями-гимназистами с 5 лет общался на русском. Старший брат Цезаря, Александр (1824-1909), стал впоследствии известным архитектором.
В возрасте 5 лет Кюи уже воспроизводил на фортепиано мелодию слышанного им военного марша. В десять лет сестра начала его учить фортепианной игре; затем учителями его были Герман и скрипач Дио. Учась в виленской гимназии, Кюи, под влиянием мазурок Шопена, оставшегося навсегда любимым его композитором, сочинил мазурку на смерть одного учителя. Живший тогда в Вильне Монюшко предложил давать талантливому юноше бесплатно уроки гармонии, продолжавшиеся, впрочем, всего семь месяцев.
В 1851 году Кюи поступил в Главное инженерное училище и через четыре года был произведён в прапорщики. В 1857 году окончил Николаевскую инженерную академию с производством в поручики. Был оставлен при академии репетитором топографии, а потом преподавателем фортификации; в 1875 году получил чин полковника. В связи с началом Русско-турецкой войны Кюи, по просьбе его бывшего ученика Скобелева, в 1877 году был командирован на театр военных действий. Производил обзор фортификационных работ, участвовал в укреплении русских позиций под Константинополем. В 1878 году, по результатам блестяще написанной работы о русских и турецких укреплениях, был назначен адъюнкт-профессором, занимая кафедру по своей специальности одновременно в трёх военных академиях: Генерального штаба, Николаевской инженерной и Михайловской артиллерийской. В 1880 году стал профессором, а в 1891 году заслуженным профессором фортификации Николаевской инженерной академии, был произведён в генерал-майоры.
Кюи первым среди русских инженеров предложил применение бронебашенных установок в сухопутных крепостях. Он приобрёл большую и почётную известность как профессор фортификации и как автор выдающихся трудов по этому предмету. Был приглашён для чтения лекций по фортификации наследнику престола, будущему императору Николаю II, а также нескольким великим князьям. В 1904 году Ц. А. Кюи был произведен в чин инженер-генерала.
Самые ранние романсы Кюи написаны около 1850 года ("6 Польских песен", изданы в Москве, в 1901 г.), но серьёзно развиваться композиторская его деятельность начала лишь после окончания им академии. На тексты Крылова написаны романсы: "Тайна" и "Спи, мой друг", на слова Кольцова - дуэт "Так и рвётся душа". Громадное значение в развитии таланта Кюи имела дружба с Балакиревым, являвшимся в первом периоде творчества Кюи его советником, критиком, учителем и отчасти сотрудником (главным образом, по части оркестровки, оставшейся навсегда наиболее уязвимой стороной фактуры Кюи), и близкое знакомство с его кружком: Мусоргским, Римским-Корсаковым и Бородиным, а также с Даргомыжским, оказавшим большое влияние на выработку вокального стиля Кюи.
19 октября 1858 года Кюи женился на Мальвине Рафаиловне Бамберг, ученице Даргомыжского. Ей посвящено оркестровое скерцо F-dur, с главной темой, В, А, В, Е, G (буквы её фамилии) и упорным проведением нот С, С (Cesar Cui) - идея, явно навеянная Шуманом, имевшим вообще большое влияние на Кюи. Исполнение этого скерцо в Петербурге в симфоническом концерте Императорского Русского Музыкального Общества было публичным дебютом Кюи как композитора. К тому же времени относятся два фортепианных скерцо C-dur и gis-moll и первый опыт в оперной форме: два акта оперы "Кавказский Пленник" (1857-1858), позже переделанной в трёхактную и поставленной в 1883 году на сцене в Петербурге и Москве. Тогда же написана одноактная комическая опера в лёгком жанре "Сын Мандарина" (1859), поставленная на домашнем спектакле у Кюи при участии самого автора, его жены и Мусоргского, а публично - в Клубе Художников в Петербурге (1878).
Цезарь Кюи участвовал в Беляевском кружке. В 1896-1904 годах Кюи состоял председателем петербургского отделения, а в 1904 г. выбран почётным членом Императорского Русского Музыкального Общества.

В Харькове именем Цезаря Кюи названа улица.

Творчество

Спойлер:

Замечательный лирик, способный воплощать в музыке самые возвышенные и глубокие чувства, он как художник наиболее раскрылся в миниатюре и прежде всего в романсе. В этом жанре Кюи достиг классической стройности и гармонии. Истинной поэзией и вдохновением отмечены такие романсы и вокальные циклы, как "Эоловы арфы", "Мениск", "Сожженное письмо", "Истомленная горем", 13 музыкальных картинок, 20 поэм Ришпена, 4 сонета Мицкевича, 25 стихотворений Пушкина, 21 стихотворение Некрасова, 18 стихотворений А. К. Толстого и др.
Ряд значительных произведений создал Кюи в области инструментальной музыки, в частности сюиту для фортепиано "В Аржанто" (посвященную Л. Мерси-Аржанто - популяризатору русской музыки за границей, автору монографии о творчестве Кюи), 25 фортепианных прелюдий, скрипичную сюиту "Калейдоскоп" и др. С 1864 г. и почти до самой смерти продолжалась музыкально-критическая деятельность Кюи. Темы его газетных выступлений чрезвычайно разнообразны. Он с завидным постоянством рецензировал петербургские концерты и оперные спектакли, создавая своеобразную музыкальную летопись Петербурга, анализировал творчество русских и зарубежных композиторов, искусство исполнителей. Статьи и рецензии Кюи (особенно в 60-е гг.) в значительной степени выражали идейную платформу балакиревского кружка.

Оперы

Спойлер:

Награды

Спойлер:

[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

**CLIPER** · 21.12.2017, 10:21

Джованни Пьерлуиджи

Дата рождения: ок. 17 декабря 1525
Место рождения: Палестрина
Дата смерти: 2 февраля 1594 (68 лет)
Место смерти: Рим
Страна: Папская область
Профессии: композитор, органист, хоровой дирижёр, педагог
Эпоха: ренессанс

Джованни Пьерлуиджи да Палестрина (встречается прозвище "Джаннетто") - итальянский композитор, один из крупнейших полифонистов эпохи Ренессанса. Наиболее значительный представитель Римской школы музыки.

Выдающийся итальянский композитор XVI в., непревзойденный мастер хоровой полифонии Дж. Палестрина наряду с О. Лассо является одной из самых крупных фигур в музыке позднего Возрождения. В его творчестве, чрезвычайно обширном как по объему, так и по богатству жанров, достигло своего высшего совершенства искусство хоровой полифонии, развивавшееся в течение нескольких столетий (главным образом композиторами так называемой франко-фламандской школы). В музыке Палестрины достигнут высший синтез технического мастерства и требований музыкальной выразительности. Сложнейшие переплетения голосов полифонической ткани складываются тем не менее в гармонически ясную и стройную картину: искусное владение полифонией делает ее подчас незаметной для уха. Со смертью Палестрины ушла в прошлое целая эпоха в развитии западноевропейской музыки: наступивший XVII в. принес и новые жанры, и новое мировоззрение.

Биография

Спойлер:

Точные дата и место рождения Палестрины неизвестны. Предположительно, Палестрина родился между 3 февраля 1525 и 2 февраля 1526, вероятно, в городке Палестрина (близ Рима). Считается, что от названия города происходит его имя, хотя в сохранившихся письмах он обычно подписывался как Джованни Петралойзио. С детских лет Палестрина пел в церковном хоре мальчиков. Сначала в хоре родного города, а в 1537-40 гг. в римской церкви Санта-Мария-Маджоре. В 1544-49 гг. служил органистом и капельмейстером церкви св. Агапита г. Палестрина. Там же в 1547 г. Палестрина женился на Лукреции Гори.
Своего первого могущественного покровителя Палестрина нашёл в лице папы Юлия III, и с 1551 года его карьера была связана с Римом. Папе Юлию III Палестрина посвятил в 1554 сборник 4-голосных месс, первое своё напечатанное произведение. В сентябре 1551 года он был приглашён на должность magister puerorum (учителя пения и руководителя хора мальчиков) в капелле Юлия Собора св. Петра. В январе 1555 Палестрина стал певчим самой престижной Сикстинской капеллы, при этом он был освобождён от обычного строгого экзамена, не обращали внимания и на то, что он был женат и имел детей. Сменивший Юлия III в апреле 1555 года папа Марцелл II покровительствовал Палестрине ещё будучи кардиналом. Хотя Марцелл II возглавлял Ватикан меньше месяца, с его именем связано одно из самых знаменитых сочинений Палестрины - так называемая "Месса папы Марчелло". Преемник Марцелла II, папа Павел IV, известный своим консерватизмом, потребовал от певчих Папской капеллы соблюдения целибата, и в сентябре 1555 года Палестрина лишился своего места, хотя ему и назначили скромную пенсию. Уже в октябре 1555 Палестрина был назначен капельмейстером епископской церкви Сан-Джованни-ин-Латерано и оставался в этой должности до 1560. В 1561-65 Палестрина был руководителем певческой школы при церкви Санта-Мария-Маджоре, в 1567-71 возглавлял домашнюю капеллу кардинала Ипполита II д’Эсте в Тиволи. В 1571 году, уже при папе Пии V, после смерти своего коллеги и одноклассника Джованни Анимуччи, Палестрина стал капельмейстром Сикстинской капеллы и занимал этот пост до 1586; после этого до своей кончины он продолжал исполнять обязанности композитора в Сикстинской капелле и одновременно занимал пост капельмейстера Капеллы Юлия.
Эпидемии, разразившиеся в Риме в 1572 и 1575 гг., унесли его сыновей Родольфо и Анджело, а также брата Силлу. В 1578 сам Палестрина тяжело болел и был вынужден отложить очень выгодный заказ на мессы от мантуанского герцога Гульельмо Гонзаги. В 1580 умерла жена Палестрины Лукреция. Убитый горем, композитор решил принять священный сан, но накануне рукоположения познакомился с состоятельной вдовой Вирджинией Дормоли и в 1581 вторично женился. Последние годы жизни Палестрина успешно сочетал деятельность на музыкальном поприще с инвестициями в бизнес жены, занимавшейся торговлей недвижимостью в окрестностях Рима.

2 февраля 1594 года Палестрина скончался в своём доме на Via dell’Armellino и в тот же день был похоронен с почестями в Новой капелле (Cappella Nova) близ Собора Святого Петра. В эпитафии на надгробии были начертаны слова, получившие позднее всемирное распространение в характеристиках композитора - "князь музыки" (Joannes Petraloysius Praenestinus musicae princeps). При реконструкции собора в 1615 г. Cappella Nova была снесена, и саркофаг Палестрины (где также были захоронены его первая жена Лукреция, двое его сыновей и другие родственники) был утрачен.
О прижизненной славе композитора свидетельствуют многие факты. Ещё в 1565 за особые заслуги перед Ватиканом папа Пий IV удостоил его почётного звания папский композитор, а в конце жизни, в 1592 в честь Палестрины был выпущен сборник мотетов "Sacra omnium solemnitatum psalmodia vespertina", с пространным хвалебным адресом. После смерти Палестрины, в 1613 году, Пьетро Чероне поставил его музыку выше всех других современных ему композиторов.

Творчество

Спойлер:

Сочинения

Спойлер:

[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

14.12.2017, 08:10	#80
CLIPER Помним... Ветеран гвардии Старпом Пиратский зубоскал Покровитель: Пиратский Барон Регистрация: 05.03.2013 Адрес: у самого синего моря Сообщений: 14,845 Нация: Пираты Пол: Мужской Офицеры Корабли Репутация: 1278 Награды пользователя: Всего наград: 14	Re: Великие композиторы и музыканты *Ян Сибелиус* Дата рождения: 8 декабря 1865 Место рождения: Тавастгус, Российская империя Дата смерти: 20 сентября 1957 (91 год) Место смерти: Вилла Айнола, Ярвенпяа Страна: Финляндия, Российская империя Профессии: композитор, дирижёр, музыковед, преподаватель университета, скрипка Эпоха: романтизм *Юхан Юлиус Христиан Сибелиус* (более известный как Ян Сибелиус) - финский композитор шведского происхождения. "Ян Сибелиус принадлежит к тем нашим композиторам, кто наиболее правдиво и без всяких усилий передает своей музыкой характер финского народа", - так писал о замечательном финском композиторе в 1891 г. его соотечественник, критик К. Флодин. Творчество Сибелиуса - не только яркая страница в истории музыкальной культуры Финляндии, известность композитора вышла далеко за пределы его Родины. Расцвет творчества композитора приходится на конец XIX - начало XX в. - время растущего национально-освободительного и революционного движения в Финляндии. Это небольшое государство входило в то время в состав Российской империи и испытывало те же настроения предгрозовой эпохи социальных перемен. Примечательно, что в Финляндии, как и в России, этот период отмечен подъемом национального искусства. Сибелиус работал в разных жанрах. *Биография* Спойлер: Ян Сибелиус родился 8 декабря 1865 года в Тавастгусе в Великом княжестве Финляндском. Был вторым из троих детей доктора Кристиана Густава Сибелиуса и Марии Шарлотты Борг. Он рано потерял отца, провёл детские годы с матерью, братом и сестрой в доме бабушки в своём родном городе. В семье говорили на шведском языке и поддерживали шведские культурные традиции. Однако родители отдали Яна в финноязычную среднюю школу. С 1876 года по 1885 он учился в Нормальном лицее Хямеэнлинны. Следуя семейной традиции, детей обучали игре на музыкальных инструментах. Сестра Линда занималась на рояле, брат Кристиан - на виолончели, Ян - вначале на рояле, но после предпочёл скрипку. Уже в десять лет Ян сочинил небольшую пьесу. Впоследствии, его влечение к музыке возрастало и он начал систематические занятия под руководством руководителя местного духового оркестра Густава Левандера. Полученные практические и теоретические знания позволили написать юноше несколько камерно-инструментальных сочинений. В 1885 год поступил на юридический факультет Императорского университета в Хельсинки, но его не привлекала профессия юриста, и вскоре он перешёл в Музыкальный институт, где стал самым блестящим учеником Мартина Вегелиуса. Многие из его ранних сочинений для камерных ансамблей исполнялись студентами и преподавателями института. В 1889 году Сибелиус получил государственную стипендию для обучения композиции и теории музыки у Альберта Беккера в Берлине. В следующем году брал уроки у Карла Гольдмарка и Роберта Фукса в Вене. По возвращении Сибелиуса в Финляндию состоялся его официальный дебют как композитора: была исполнена симфоническая поэма "Куллерво", ор. 7, для солистов, мужского хора и оркестра - по одному из сказаний финского народного эпоса Калевала. Это были годы невиданного патриотического подъёма, и Сибелиуса немедленно провозгласили музыкальной надеждой нации. Вскоре он женился на Айно Ярнефельт, отцом которой был знаменитый генерал-лейтенант и губернатор, принимавший участие в национальном движении - Август Александер Ярнефельт. За Куллерво последовали симфоническая поэма "Сказка", ор. 9 (1892); сюита "Карелия", ор. 10 и 11 (1893); "Весенняя песня", ор. 16 (1894) и сюита "Лемминкяйнен", ор. 22 (1895). В 1897 Сибелиус участвовал в конкурсе на замещение должности преподавателя музыки в университете, но потерпел неудачу, после чего друзья убедили сенат учредить для него ежегодную стипендию в 3000 финских марок. Заметное влияние на раннее творчество Сибелиуса оказали два финских музыканта: искусству оркестровки его обучал Роберт Каянус, дирижёр и основатель Ассоциации хельсинкских оркестров, а наставником в области симфонической музыки был музыкальный критик Карл Флодин. Премьера Первой симфонии Сибелиуса состоялась в Хельсинки (1899). В этом жанре композитор написал ещё 6 сочинений - последней была Седьмая симфония, ор. 105, впервые исполненная в 1924 году в Стокгольме. Международную известность Сибелиус приобрёл именно благодаря симфониям, но популярностью пользуются и его скрипичный концерт, и многочисленные симфонические поэмы, такие, как "Дочь Похьёлы", "Ночная скачка и восход солнца", "Туонельский лебедь" и "Тапиола". Большинство сочинений Сибелиуса для драматического театра (всего их шестнадцать) - свидетельство его особой склонности к театральной музыке: в частности, это симфоническая поэма "Финляндия" (1899) и "Грустный вальс" из музыки к пьесе шурина композитора Арвида Ярнефельта "Смерть"; пьеса была впервые поставлена в Хельсинки в 1903 году. Многие песни и хоровые произведения Сибелиуса часто звучат у него на родине, но за её пределами почти неизвестны: очевидно, их распространению мешает языковой барьер, а кроме того, они лишены характерных достоинств его симфоний и симфонических поэм. Сотни фортепианных и скрипичных пьес и несколько сюит для оркестра также уступают лучшим сочинениям композитора. Творческая деятельность Сибелиуса фактически завершилась в 1926 симфонической поэмой "Тапиола", ор. 112. Более 30 лет музыкальный мир ждал от композитора новых сочинений - особенно его Восьмой симфонии, о которой столько говорилось (в 1933 году была даже анонсирована её премьера); однако ожидания не сбылись. В эти годы Сибелиус писал лишь небольшие пьесы, в том числе масонскую музыку и песни, ничем не обогатившие его наследие. Впрочем, существуют свидетельства, что в 1945 году композитор уничтожил большое количество бумаг и рукописей, - возможно, среди них были и не дошедшие до окончательного воплощения поздние сочинения. Его творчество получает признание главным образом в англо-саксонских странах. В 1903-1921 он пять раз приезжал в Англию дирижировать своими произведениями, а в 1914 посетил США, где под его управлением в рамках музыкального фестиваля в Коннектикуте прошла премьера симфонической поэмы "Океаниды". Популярность Сибелиуса в Англии и США достигла своего пика к середине 1930-х годов. Такие крупные английские писатели, как Роза Ньюмарч, Сесил Грей, Эрнест Ньюмен и Констант Ламберт, восхищались им как выдающимся композитором своего времени, достойным преемником Бетховена. Среди наиболее пылких приверженцев Сибелиуса в США были О. Даунс, музыкальный критик "Нью-Йорк Таймс", и С. Кусевицкий, дирижёр Бостонского симфонического оркестра; в 1935, когда музыка Сибелиуса прозвучала по радио в исполнении Нью-йоркского филармонического оркестра, слушатели избрали композитора своим "любимым симфонистом". С 1940-х интерес к музыке Сибелиуса заметно падает: раздаются голоса, подвергающие сомнению его новаторство в области формы. Сибелиус не создал своей школы и не оказал прямого влияния на композиторов следующего поколения. В наши дни его обычно ставят в один ряд с такими представителями позднего романтизма, как Р. Штраус и Э. Элгар. При этом в Финляндии ему отводили и отводят гораздо более важную роль: здесь он признан великим национальным композитором, символом величия страны. Ещё при жизни Сибелиус удостоился почестей, которые воздавались лишь немногим художникам. Достаточно упомянуть многочисленные улицы Сибелиуса, парки Сибелиуса, ежегодный музыкальный фестиваль "Неделя Сибелиуса". В 1939 "альма матер"» композитора, Музыкальный институт, получил название Академии имени Сибелиуса. Умер Сибелиус в Ярвенпяя 20 сентября 1957 года. *Творчество* Спойлер: Хотя Сибелиус и не создал свою школу, у него были последователи, как на родине, так и за рубежом. В ранний период в Финляндии ими стали Тойво Куула и Лееви Мадетоя. В дальнейшем под влиянием тематического, композиционного и оркестрового мышления Сибелиуса оказались многие финские композиторы, в том числе Йоонас Кокконен, Эйноюхани Раутаваара, Аулис Саллинен и Эркки Салменхаара. Влияние Сибелиуса испытали на себе некоторые британские (в частности, Ральф Воган Вильямс), а также американские композиторы (Говард Хансон и Сэмьюэль Барбер). Для многих исследователей и историков музыки было совсем не просто определить место Сибелиуса в истории музыки. Одной из причин было представление о необходимости прогресса, господствовавшее в 20 в. и понимаемое весьма ограниченно: атональность трактовалась как элемент современности, при этом тональность клеймилась как признак консерватизма. Таким образом, музыку Сибелиуса можно было считать реакционным продолжением позднего романтизма. На протяжении своего творчества Сибелиус использовал элементы музыкального языка романтизма, сочинял иногда даже салонные пьесы-пастиччо в стиле 19 в. Но, с другой стороны, он расширил традиционную тональность модальными элементами. Более того, использование Сибелиусом оркестра, когда различные типы эпизодов совмещаются и перекрывают друг друга, было революционным для своего времени. В этом отношении Сибелиус служит примером и для современных композиторов, таких как Магнус Линдберг, Тристан Мюрей, Дэвид Мэтьюз. Точно также и композиционное мышление Сибелиуса, в котором традиционные формы используются только как отправные точки для новых решений, является одним из наиболее современных в музыке 20 в. Его техника мотива и темы, основывающаяся на свободном развитии этих элементов, также является неподражаемой. В конечном счете, дальнейшее развитие симфонического жанра на новом этапе истории музыки стало уникальным достижением Сибелиуса. *Сочинения* Спойлер: *Основные произведения композитора:* *Балет-пантомима* Скарамуш (по пьесе П.Кнудсена, ор.71, 1913); *Для солистов, хора и оркестра* Куллерво-симфония (ор. 7, 1892), Песня афинян (Atenarnes sang, для хора мальчиков и мужского хора, септета труб и ударных, на текст Рюдберга, ор. 31, 1899); *Для оркестра* симфонии: № 1 (e-moll, ор. 39, 1898-99), N 2 (D-dur, op. 43, 1900-02), № 3 (C-dur, op. 52, 1904-07), №4 (a-moll, op. 63, 1910-II), № 5 (Es-dur, op. 82, 1914-15, окончательная редакция 1919), № 6 (d-moll, op. 104, 1922-23), № 7 (C-dur, op. 105, 1924), симфонические поэмы- Caгa (En Saga, op. 9, 1892, окончательная редакция 1901), Весна (Varsang, op. 16, 1894), сюита Лемминкяйнен (Lemminkais-sarja, 4 легенды, ор. 22, 1893-96: 1. Лемминкяйнен и девушки на острове Саари (Lemminkainen jа Saaren neidot); 2. Лемминкяйнен в Туонеля (Lemminkainen Tuonelassa); 3. Туонельский лебедь (Tuonelan joutsen); 4. Возвращение Лемминкяйнена (Lemminkainen kotunpaluu)), Финляндия (op. 26, 1899), Дриада (Skogszaet, op. 45, 1910), Дочь Севера (Pohjolan tytar, op. 49, 1906), Ночная скачка и восход солнца (Nattlig ritt och solupp-gang, op. 55, 1907), Бард (op. 64, 1913-14), Океаниды (op. 73, 1914), Тапиоля (Tapiola, op. 112, 1926); Любовная сюита для струпных, литавр и треугольника (Rakastava, ор. 14, 1911; первоначальный вариант-для хора a cappella, 1893); для инструмента с оркестром концерт для скрипки (d-moll, ор. 47, 1903, 2-я редакция 1905), 2 серенады (d-moll, op. 69 и g-moll, 1912, 1913), 6 юморесок (op. 87 и 89, 1917); струнный квартет Внутренние голоса (Voces intimae, d-moll, op. 56, 1909); для фортепиано соната (F-dur, ор. 12, 1893), 3 сонатины (op. 67, 1912), цикл Кюлликки (Kyllikki, 3 лирич. пьесы, ор. 41, 1904), около 130 пьес, в том числе цикл 5 пьес (ор. 75, 1914); более 50 пьес для скрипки с фортепиано; *Для голоса с оркестром* Невесты паромщика (Koskenlaskijan morsiamet, ор. 33, 1897), Дочери природы (Luon-notar, для сопрано и оркестра, ор. 70, 1913); Около 100 песен с фортепиано; *Оркестровые сочинения* из музыки к спектаклям драматического театра и "живым картинам" Карелия (увертюра и оркестр сюита, ор. 10 и 11, 1893), Исторические сцены 1 и II (ор. 25 и 66, 1899, 1912), Король Кристиан II (Kung Christian II, сюита, op. 27, 1898), Грустный вальс (Valse triste, из музыки к драме А. Ярнефельта "Смерть" - Kuolema, ор. 44, 1903), Пеллеас и Мелизанда (сюита из музыки к драме М. Метерлинка, 1905), Белый, как лебедь (Svanevit, сюита из музыки к пьесе Ю. А. Стриндберга, 1909), Буря (Myrsky, по Шекспиру, 2 сюиты, 1930). [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] __________________

14.12.2017, 08:13	#81
CLIPER Помним... Ветеран гвардии Старпом Пиратский зубоскал Покровитель: Пиратский Барон Регистрация: 05.03.2013 Адрес: у самого синего моря Сообщений: 14,845 Нация: Пираты Пол: Мужской Офицеры Корабли Репутация: 1278 Награды пользователя: Всего наград: 14	Re: Великие композиторы и музыканты *Жоскен Депре* Дата рождения: ок. 1450 Место рождения: Боревуар Дата смерти: 27 августа 1521 (71 год) Место смерти: Конде-сюр-л’Эско, Нор, Нор - Па-де-Кале, Франция Страна: Бельгия Профессии: композитор Эпоха: возрождение *Жоскен Депре* (Жоскен де Пре) - французский композитор, один из ведущих представителей франко-фламандской полифонической школы. Жоскен Депре - выдающийся представитель нидерландской школы полифонистов. Место его рождения с точностью не установлено. Одни исследователи считают его фламандцем, хотя во многих документах XVI в. Жоскен назван французом. Не сохранилось достоверных сведений и об учителях композитора. Скорее всего, одним из них был великий И. Окегем. Слава, которой пользовался Жоскен Депре, затмевает славу всех других композиторов-профессионалов предшествующих эпох. И в самом деле, до Жоскена Депре трудно указать композитора, творчество которого обладало бы свойствами классического искусства. Как ни значителен был вклад разных выдающихся композиторов в развитие музыкального искусства своей эпохи, уже следующее поколение обязательно оттесняло его на задний план, "поглощало" или перекрывало. Но Жоскен был гением не только при жизни. Изумительное внешнее совершенство его музыки, ее глубокая выразительность, непосредственная красота, небывалое дотоле сочетание в ней возвышенно-религиозного с трогательно-человеческим заставляло и композиторов следующего поколения оценивать творчество Жоскена Депре как высший идеал в музыке. В лице этого композитора вся франко-фламандская музыка начала оцениваться как самое великое, что когда-либо было создано в области музыкального творчества Характерно, что в то время как церковные теоретики усматривали в творчестве Жоскена совершенное воплощение идеи христианства в музыке, светские писатели-гуманисты провозгласили его творчество идеалом ренессансных стремлений. Не одна теория в те годы стремилась доказать, что только сейчас, в творчестве последней франко-фламандской школы, пришел конец "варварскому" средневековому искусству и музыка вновь вернулась к высотам античности. *Биография* Спойлер: Первое документальное свидетельство о жизни Жоскена, где говорится о нем как о певце Миланского кафедрального собора, относится только к 1459 г. В миланском соборе он прослужил с небольшими перерывами с 1459 по 1472 г. Вероятно, находился также при дворе влиятельного кардинала Асканио Сфорцы. Следующее по времени точно документированное упоминание о Жоскене относится к 1486 г., когда он был певчим папской капеллы в Риме. В возрасте примерно 60 лет Жоскен возвращается во Францию. Выдающийся музыкальный теоретик XVI в. Глареан рассказывает историю, которая, возможно, подтверждает связь Жоскена с двором Людовика XII. Король заказал композитору многоголосную пьесу с условием, чтобы он сам в качестве певца мог участвовать в ее исполнении. У монарха был неважный голос (а вероятно, и слух), поэтому Жоскен написал партию тенора, состоящую из... одной ноты. Истинна эта история или нет, она во всяком случае свидетельствует о большом авторитете Жоскена как среди музыкантов-профессионалов, так и среди высших кругов светского общества. В 1502 г. Жоскен поступает на службу к герцогу Феррарскому. (Любопытно, что герцог в поисках руководителя своей придворной капеллы некоторое время колебался между Г. Изаком и Жоскеном, но все же сделал выбор в пользу последнего.) Однако уже через год Жоскен вынужден был покинуть выгодное место. Его внезапный отъезд был, возможно, вызван разразившейся в 1503 г. эпидемией чумы. Герцог и его двор, а также две трети городского населения покинули Феррару. Место Жоскена занял Я. Обрехт, который пал жертвой чумы в начале 1505 г. Последние годы жизни Жоскен провел в северофранцузском городе Конде-сюр-л'Эско, где он служил настоятелем местного собора. Сочинения этого периода указывают на связь Жоскена с нидерландской полифонической школой. Жоскен был одним из крупнейших композиторов позднего Возрождения. В его творческом наследии основное место отведено духовным жанрам: 18 месс (самые известные - "Вооруженный человек", "Pange lingua" и "Месса о благословенной Деве"), более 70 мотетов и др. менее масштабные формы. Жоскену удавалось органическое сочетание глубины и философичности замыслов с виртуозной техникой музыкальной композиции. Наряду с духовными произведениями он писал также в жанре светской многоголосной песни (в основном на французские тексты - т. н. шансон). В этой части своего творческого наследия композитор ближе подходит к жанровым истокам профессиональной музыки, нередко опирается на народные песню и танец. Жоскен был признан уже при жизни. Слава его не угасала и в XVI в. Хвалы ему воздавали такие крупнейшие литераторы, как Б. Кастильоне, П. Ронсар и Ф. Рабле. Жоскен был любимым композитором М. Лютера, который писал о нем: "Жоскен заставляет ноты выражать то, что он хочет. Другие же композиторы, наоборот, вынуждены делать то, что им диктуют ноты". *Творчество* Спойлер: Многообразное по жанрам и формам творчество Жоскена - типичный образец музыки раннего Возрождения, а его полифоническая техника - вершина строгого стиля XV века. Жоскен написал около 40 мотетов, преимущественно на латинские тексты, в том числе грандиозный семичастный цикл "Vultum tuum deprecabuntur" ("[Богатейшие из народа] будут умолять лице Твое"); мотет "Illibata Dei Virgo" с акростихом, в котором заключено имя композитора; мотет "Absalon fili mi" ("Авессалом, сын мой!") - редкий эксперимент в области музыкальной риторики и гармонии - написан в необычайно низкой тесситуре и дерзкими бемольными модуляциями; "Praeter rerum seriem" ("Вопреки обычному ходу вещей"), "Nymphes de bois" ("Нимфы лесные", дань памяти великому И.Окегему, 1497). Три мотета политекстовые (наподобие практики, распространённой ещё в XIII—XIV веках): тенор латинский (в функции cantus firmus), а верхние голоса французские, например, "Que vous madame / In pace". Некоторые музыковеды выделяют их (из-за наличия светских французских текстов) в особую жанровую категорию "мотеты-шансон". Центральная часть наследия Жоскена - 18 четырёхголосных месс (авторство некоторых из них современная наука оспаривает), считающихся высшими достижениями полифонической мессы эпохи Возрождения. Наиболее известны две мессы на тему популярной песни "L’homme armé" ("Вооружённый человек"), "La sol fa re mi", где в основу композиции положена одна настойчиво повторяющаяся фраза, "Hercules dux Ferrarie" ("Геркулес, герцог Феррарский", посвящена патрону Жоскена Эрколе д’Эсте), "Pange lingua" ("Воспой, язык"), "De Beata Virgine" ("О блаженной Деве", была самой популярной мессой Жоскена на протяжении XVI века). Жоскена считают родоначальником техники пародии в мессе, образцы которой находятся в мессах "Malheur me bat", "Mater Patris" и "Fortuna desperata". Яркая отличительная особенность полифонической фактуры Жоскена - двухголосные каноны. Наиболее удивительная стилевая особенность месс: логика специфически музыкальная (естественное интонационное развёртывание мелодии, её формальное и метроритмическое строение) иногда доминирует над логикой "текстовой" и литургической, вплоть до пренебрежения нормами латинского ударения. Некоторые исследователи усматривают в мессах Жоскена христианскую (и прочую) символику. Доля светских сочинений в творческом наследии Жоскена невелика, при этом многие его многоголосные (на 3-6 голосов, чаще на 4 голоса) песни (преимущественно на французские стихи) доныне популярны благодаря простоте и выразительности мелодии, умеренному и эффектному использованию контрапунктической техники. *Сочинения* Спойлер: Наследие Жоскена состоит из 20 месс и ряда отдельных песнопений из этой службы, около сотни мотетов, псалмов и гимнов, 52 светских произведений на французские и 3 на итальянские тексты. Широкому распространению произведений Жоскена способствовало изобретение О. Петруччи нового способа печатания нот. Начиная с 1501 и до конца века Петруччи и другие издатели опубликовали значительную часть наследия композитора, причем многие произведения неоднократно переиздавались. Научная публикация полного собрания сочинений композитора была начата в 1921 доктором А.Смиджерсом (Голландия) и завершена в 1969. [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] __________________

14.12.2017, 08:14	#82
CLIPER Помним... Ветеран гвардии Старпом Пиратский зубоскал Покровитель: Пиратский Барон Регистрация: 05.03.2013 Адрес: у самого синего моря Сообщений: 14,845 Нация: Пираты Пол: Мужской Офицеры Корабли Репутация: 1278 Награды пользователя: Всего наград: 14	Re: Великие композиторы и музыканты *Родион Константинович Щедрин* Дата рождения: 16 декабря 1932 Место рождения: Москва, СССР Страна: СССР, Германия, Литва Профессии: композитор, пианист, педагог Эпоха: неоромантизм *Родион Константинович Щедрин* - советский и российский композитор и пианист, педагог. Народный артист СССР, Лауреат Ленинской премии, Государственной премии СССР и Государственной премии РФ. Большая музыка должна быть доступна большой аудитории – под таким девизом творит великий композитор второй половины XX столетия и современности Родион Щедрин. Никому из его современников не удалось так широко развить в своем творчестве тематику родной страны. Почти все его балеты и оперы написаны на сюжеты выдающихся писателей – Чехова, Гоголя, Набокова, Толстого, Лескова, а профессиональные музыканты называют Щедрина королем современного оркестра. *Биография* Спойлер: Родился будущий композитор в Москве. Его отец - Константин Михайлович, был музыкальным деятелем – теоретиком и педагогом. А вот мама – Конкордия Ивановна не имела к музыке никакого отношения. Дед Родиона по отцу был православным священником в Тульской губернии, в местечке Алексино. Тропинка, которая вела к той церкви, где он проводил службу, была окрещена прихожанами "щедринкой". Одним словом, отец композитора, Константин, все свое детство провел в маленьком провинциальном городке Алексино. Он обладал редкостными музыкальными данными, абсолютным слухом, мог запомнить музыку с одного прослушивания. Однажды в Алексино приехала актриса В. Н. Пашенная, она заметила талант мальчика и отправила его за свой счет в Москву, на учебу в консерваторию. *Детство* Родившись в семье музыкального теоретика, Родин Щедрин с самого раннего детства был окружен музыкой. Его отец и дяди виртуозно владели игрой на музыкальных инструментах и часто давали домашние концерты. В 1941 году, несмотря на то, что страна находилась в состоянии войны, мальчика отдали в Центральную музыкальную школу при консерватории г. Москвы. Кроме этого, он начал брать частные уроки по игре на фортепиано у М. Л. Гехтман. Однако вскоре школа была вынужденно закрыта, а семья Щедриных отправилась в эвакуацию в Куйбышев - город, который имел строго засекреченное значение, поскольку там был построен огромный тайный бункер для вождя и членов ЦК. Сюда для завершения работы над Седьмой симфонией приехал Дмитрий Шостакович, который в то время был председателем Союза композиторов СССР, а отец был ответственным секретарем Союза. В Самару были также переброшены многие деятели культуры, в том числе труппа большого театра. Мальчику часто приходилось находиться на репетициях оркестра Шостаковича. В 1943 году у них появилась возможность вернуться в Москву и Родион Щедрин, вновь стал посещать Центральную музыкальную школу. Однако у него самого на свой счет были совершенно другие планы. Он считал, что не должен заниматься пустым делом – изучением гамм, а должен защищать Родину. 11-летним мальчишкой он дважды убегал на фронт, и ему однажды даже удалось дойти до Кронштадта. Родители решили не заставлять сына учиться в музыкальной школе, а определили его в Нахимовское морское училище, которое находилось в Ленинграде. В то время казалось, что мечта отца видеть своего сына музыкантом провалилась, но позже произошли события, которые предопределили его дальнейшую судьбу и изменили жизнь Родиона Щедрина невероятным образом. В начале 1945 годов в Союзе открылось Московское хоровое училище, куда брали одних мальчиков. Его основателем и директором был известный хормейстер А. Свешников. Он пригласил в свое учебное заведение Константина Михайловича Щедрина преподавать музыкально-теоретические предметы, а также историю музыки. А тот, в свою очередь, решил привести сюда учиться своего Родю, у которого, как и у отца, был идеальный музыкальный слух и неплохой голос. К этому времени он уже не учился в Нахимовке. *Становление в качестве композитора* С первых же дней учебы в училище хоровое пение захватило Р. Щедрина. Позже первые его произведения были связаны именно с хором. Кстати, уже во время учебы в училище многие из воспитанников делали опыты в музыкальной композиции, а их директор давал юным композиторам возможность сразу же исполнять сочиненные ими произведения. В 1947 даже был проведен конкурс будущих композиторов, причем председателем жюри был сам Арам Ильич Хачатурян. И вот победителем конкурса стал Родион Щедрин – композитор хоть и совсем юный, но, безусловно, талантливый. К великому счастью многих студентов училища, для них организовывались встречи с великими отечественными композиторами: Шостаковичем, Хачатуряном, Флиером, Гинзбургом, Рихтером, Гилельсом, И. Козловским и др. Кроме этого, в училище особое внимание обращалось на владение студентами игры на фортепиано. К окончанию учебного заведения, Родион мог бы соперничать с именитыми пианистами. Его педагог считал его невероятно одаренным юношей и стал готовить его к поступлению в консерваторию. В 1950 году Родион Щедрин поступил в Московскую консерваторию, причем сразу на два факультета – фортепианный и теоретико-композиторский. Его учителем стал профессор Яков Владимирович Флиер. Юноша так увлеченно занимался игрой на любимом инструменте, что даже подумывал уйти с композиторского факультета, однако его педагог не одобрял этого решения юноши. За период учебы он получил огромный запас знаний, а также развил свой музыкальный вкус. В композиторском же классе его учителем был Юрий Александрович Шапорин. Здесь царила прекрасная атмосфера. От него студенты учились не только профессиональным навыкам, но и приобретали множество знаний обо всем. Шапорин был настоящим эрудитом, интересным рассказчиком и острословом и просто очень душевным человеком. Он рассказывал ребятам подробности знакомства и общения с такими великими личностями, как Блок, Толстой, Горький, Бенуа, Петров-Водкин. *Творчество раннего периода* К великому удивлению многих преподавателей, Родиона Щедрина – сына музыкального теоретика - стала интересовать русская фольклорная музыка, элементы которой он использовал в своих произведениях. Он органично синтезировал различные отрывки из народных песен и частушек, в результате чего у него получалась весьма своеобразная и очень красочная музыка. Родион Щедрин участвовал в фольклорных экспедициях, записывал на магнитофон народные песни, которые с удовольствием для него исполняли сельские жители. Особенно нравились Щедрину частушки, и он любовь к ним пронес через всю свою жизнь. Кстати, Первый концерт для оркестра, который он написал в 1963 году, был назван "Озорные частушки". А через 33 года, в 1999 году, он представил ценителям его искусства его новый вариант - "Частушки", сольный концерт для фортепиано. Первый концерт для фортепиано, созданный студентом консерватории Родионом Щедриным в 1954 году, по счастливому стечению обстоятельств был включен в концертную программу одного из пленумов ЦК КПСС. Его виртуозно исполнил сам автор, а вскоре получил письмо о том, что его приняли в члены Союза композиторов. Для студента 4-го курса это было невероятной удачей. После окончания консерватории он поступил в аспирантуру по композиции, а его руководителем стал Ю. Шапорин. *Личная жизнь* В 1958 году в жизни молодого композитора началась романтическая полоса. Он познакомился с известной балериной, примой Большого театра Майей Плисецкой. А случилось это вот как. Родион был вхож в круг знакомых Лилии Брик, музы Владимира Маяковского, и был частым посетителем ее знаменитых вечеров. Однажды хозяева дома дали Родиону Константиновичу прослушать запись, сделанную на магнитофонной пленке, где Майя Плисецкая пела мелодию балета "Золушка" (Прокофьева). Композитор был просто изумлен: он знал Майю как талантливую балерину, но то, что она умеет так правильно и точно воспроизводить сложнейшие мелодии, даже не мог предположить. Ее нежный голос запал ему в душу, и вот однажды он получил приглашение от Лилии на вечер, который она устраивала в честь приезда в Россию Жерара Филиппа. Среди приглашенных была также Плисецкая. Родион Щедрин, конечно же, при первом же удобном случае познакомился с ней. В этот день он играл на фортепьяно только для нее, хотя в будуаре собрался весь московский бомонд. Затем он вызвался развести ее и других почетных гостей на своем авто по домам. В конце поездки в автомобиле остались только он и Майя. Некоторое время они беседовали о том о сем. Затем, прощаясь, она попросила его записать для нее ноты мелодии из фильма "Огни рампы". Он с радостью взялся сделать это для нее, ведь благодаря этому он должен был еще раз встретиться с ней. Начало отношений Двух талантливых людей окончательно сблизил балет "Конек-Горбунок", написанный Щедриным и включенный в репертуар Большого театра. Он приходил на репетиции не только для того, чтобы руководить оркестром, но и посмотреть на Майю. Будучи известной балериной, она часто бывала на гастролях по миру, поэтому постоянно находилась под пристальным наблюдением КГБ. Заметив интерес Щедрина к ней, друзья из верхов предупредили его об этом, однако ему было все равно, и он продолжал всюду следовать за ней. В том же 1958 году они стали жить вместе, но не зарегистрировали отношения. Затем они провели поистине райское лето в Доме отдыха творчества Композиторов в Сортавале, на Ладожском озере. Продолжением свадебного месяца стало путешествие из Москвы в Сочи на автомобиле Щедрина. Однако в Сочи их ждало разочарование. Согласно советскому закону, незарегистрированным парам не предоставлялись совместные номера. По возращении в Москву Родион Щедрин решил узаконить свои отношения с Майей. Это был настоящий брак по искусству, который сохранился на всю жизнь. Брак Плисецкой и Щедрина был зарегистрирован в Москве 2 октября 1958 года. *Творчество зрелого композитора* Большинство балетов Щедрина были связаны с его супругой, Майей Плисецкой. К окончанию аспирантуры в 1959 году Щедриным были созданы следующие произведения: несколько фортепианных сочинений, хоры, Первая симфония, "Веселый марш монтажников-высотников" - песня из кинофильма "Высота" и т. д. В 60-х было создал самое исполняемое сочинение, которое создал Родион Щедрин – "Кармен сюита". К этому периоду также относится написанная им первая опера "Не только любовь" (он посвятил ее Плисецкой). Были созданы концерты для оркестра - "Звоны" и "Озорные частушки", а также две крупные оратории "Ленин в сердце народном" и "Поэтория" и, пожалуй, самое масштабное из его произведение для фортепиано – 24 прелюдии и фуги, которые входили во Второй концерт для фортепиано. Параллельно с сочинительством он преподавал в Консерватории. В новом десятилетии Щедрин Родион Константинович стал работать над оперой "Евгений Онегин", которая была предназначена для Большого театра. Затем в творчестве Р.К.Щедрина приходит полоса сатиры и юмора. Именно к этому периоду "Озорные частушки" и "Бюрократиада". В академических кругах "Частушки" не особо были приняты, зато их очень полюбил народ. Это произведение пришлось ко вкусу американскому дирижеру композитору Л. Бернстайну. Среди известных произведений, написанных им в 70-х, были либретто для сценических произведений: опер - "Мертвые души", "Лолита", балетов - "Дама с собачкой", "Чайка", "Анна Каренина", которые он посвящает своей супруге. В 1981 году Щедрин создает шесть хоров на стихи Алескадра Сергеевича Пушкина, "Казнь Пугачева", "Тетрадь для юношества", а также 15 пьес для фортепиано, "Концертино" и др. Середина 80-х ознаменовалась для него созданием произведений, посвященных юбилею его кумира, 300-летию И. С. Баха. Его произведение для органа, шлейт, фаготов и тромбонов "Музыкальное приношение" поразило всех масштабностью. *Прощание с музой* С 1991 года супруги Щедрин-Плисецкая поселились в Мюнхене. Здесь они занимались свободным творчеством. Это была прекрасная пара, которая уже давно стала одним целым. Вместе они прожили 57 лет. Майи не стало в мае 2015 года. Для ее супруга это было страшной потерей, особенно с учетом того, что ничто не предвещало ее кончины. За месяц до этого они приехали в Россию на премьеру его "Левши". Всемирно известная балерина чувствовала себя прекрасно и до утра сидела рядом с мужем во время премьерного банкета. Родион Щедрин после смерти Плисецкой сообщил о том, что они вместе составили завещание, в котором записана их последняя воля. Похорон ни у нее, ни у него не должно быть. Они желают, чтобы их тела были кремированы, пепел смешан друг с другом, а затем развеян над Россией. Как понимаете, это должно быть тогда, когда произойдет смерть Родиона Щедрина. А пока урна с ее прахом хранится в доме композитора. *Творчество* Спойлер: Многообразное по жанрам и формам творчество Жоскена - типичный образец музыки раннего Возрождения, а его полифоническая техника - вершина строгого стиля XV века. Жоскен написал около 40 мотетов, преимущественно на латинские тексты, в том числе грандиозный семичастный цикл "Vultum tuum deprecabuntur" ("[Богатейшие из народа] будут умолять лице Твое"); мотет "Illibata Dei Virgo" с акростихом, в котором заключено имя композитора; мотет "Absalon fili mi" ("Авессалом, сын мой!") - редкий эксперимент в области музыкальной риторики и гармонии - написан в необычайно низкой тесситуре и дерзкими бемольными модуляциями; "Praeter rerum seriem" ("Вопреки обычному ходу вещей"), "Nymphes de bois" ("Нимфы лесные", дань памяти великому И.Окегему, 1497). Три мотета политекстовые (наподобие практики, распространённой ещё в XIII—XIV веках): тенор латинский (в функции cantus firmus), а верхние голоса французские, например, "Que vous madame / In pace". Некоторые музыковеды выделяют их (из-за наличия светских французских текстов) в особую жанровую категорию "мотеты-шансон". Центральная часть наследия Жоскена - 18 четырёхголосных месс (авторство некоторых из них современная наука оспаривает), считающихся высшими достижениями полифонической мессы эпохи Возрождения. Наиболее известны две мессы на тему популярной песни "L’homme armé" ("Вооружённый человек"), "La sol fa re mi", где в основу композиции положена одна настойчиво повторяющаяся фраза, "Hercules dux Ferrarie" ("Геркулес, герцог Феррарский", посвящена патрону Жоскена Эрколе д’Эсте), "Pange lingua" ("Воспой, язык"), "De Beata Virgine" ("О блаженной Деве", была самой популярной мессой Жоскена на протяжении XVI века). Жоскена считают родоначальником техники пародии в мессе, образцы которой находятся в мессах "Malheur me bat", "Mater Patris" и "Fortuna desperata". Яркая отличительная особенность полифонической фактуры Жоскена - двухголосные каноны. Наиболее удивительная стилевая особенность месс: логика специфически музыкальная (естественное интонационное развёртывание мелодии, её формальное и метроритмическое строение) иногда доминирует над логикой "текстовой" и литургической, вплоть до пренебрежения нормами латинского ударения. Некоторые исследователи усматривают в мессах Жоскена христианскую (и прочую) символику. Доля светских сочинений в творческом наследии Жоскена невелика, при этом многие его многоголосные (на 3-6 голосов, чаще на 4 голоса) песни (преимущественно на французские стихи) доныне популярны благодаря простоте и выразительности мелодии, умеренному и эффектному использованию контрапунктической техники. *Сценические произведения* Спойлер: *Балеты* «Конёк-Горбунок» (по одноимённой сказке П. П. Ершова, 1960) «Кармен-сюита» (транскрипция фрагментов оперы Ж. Бизе «Кармен», 1967) «Анна Каренина» (лирические сцены по роману «Анна Каренина» Л. Н. Толстого, 1972) «Чайка» (по мотивам одноимённой пьесы А. П. Чехова, 1980) «Дама с собачкой» (по одноимённому рассказу А. П. Чехова, 1985) *Оперы* «Не только любовь», лирическая опера в 3-х действиях с эпилогом (по мотивам рассказов С. П. Антонова, либретто В. А. Катаняна, 1961) «Мёртвые души», оперные сцены (по роману «Мёртвые души» Н. В. Гоголя, либретто Р. Щедрина, 1977) «Лолита» (по одноимённому роману В. В. Набокова, либретто Р. Щедрина, 1992) «Очарованный странник» (по одноимённой повести Н.С. Лескова, либретто Р. Щедрина, 2002) «Боярыня Морозова» (русская хоровая опера для 4 солистов, смешанного хора, трубы, литавр и ударных, либретто Р. Щедрина по мотивам «Жития протопопа Аввакума» и «Жития боярыни Морозовой», 2006) «Левша» (Сказ о тульском косом Левше, опера в 2 действиях по одноимённой повести Н. С. Лескова, либретто Р. Щедрина, 2013) «Рождественская сказка» (опера-феерия в 2 частях по мотивам сказки Божены Немцовой «О двенадцати месяцах» в переводе Н. С. Лескова и русских народных сказок, либретто Р. Щедрина, 2015) *Другое* «Нина и 12 месяцев», мюзикл (на японском языке по сказке С. Я. Маршака, 1988) *Сочинения для оркестра* *Симфонии* Первая симфония. Для большого симфонического оркестра. В трех частях (1958) Вторая симфония (25 прелюдий). Для большого симфонического оркестра. В пяти частях (1965) Третья симфония «Лица русских сказок». Symhonie concertante. Для симфонического оркестра. В пяти частях (2000) *Концерты для оркестра* «Озорные частушки» (1963) «Звоны» (1968) «Старинная музыка российских провинциальных цирков» (1989) «Хороводы» (1989) «Четыре русских песни» (1998) Концерты для солирующих инструментов с оркестром[править \| править код] Концерт № 1 для фортепиано с оркестром. В четырёх частях (1954) Концерт № 2 для фортепиано с оркестром. В трех частях (1966) Концерт № 3 для фортепиано с оркестром. «Вариации и тема» (1973) Концерт № 4 для фортепиано с оркестром. «Диезные тональности», в 2-х частях (1991) Концерт № 5 для фортепиано с оркестром. В трех частях (1999) Концерт № 6 для фортепиано и струнных. Concerto lontano (2003) Концерт для трубы с оркестром в трех частях(1993) Концерт для виолончели с оркестром. Sotto voce concerto. В четырёх частях (1994) Parabola Concertante. Для виолончели соло, струнного оркестра и литавр (2001) Концерт для скрипки и струнного оркестра. Concerto cantabile. В трех частях(1997) Концерт для альта и струнного оркестра с арфой. Concerto dolce (1997) Концерт для скрипки, трубы и струнного оркестра. Concerto parlando (2004) Концерт для гобоя с оркестром (2009) Двойной концерт «Романтическое приношение» (Romantic offering). Для фортепиано, виолончели и оркестра (2010) *Другое* «Конек-Горбунок». Две сюиты для оркестра (1955, 1965) «Не только любовь». Симфоническая сюита для большого симфонического оркестра и меццо-сопрано (1964) «Симфонические фанфары». Праздничная увертюра для оркестра (1967) Камерная сюита. Для двадцати скрипок, арфы, аккордеона и двух контрабасов (1961) «Кармен-сюита». Для струнных и ударных инструментов (1967) «Анна Каренина». Романтическая музыка для оркестра (1972) «Торжественная увертюра». Для большого симфонического оркестра (1982) «Автопортрет». Вариации для оркестра (1984) «Музыка для города Кётена». Для камерного оркестра (1984) «Геометрия звука». Для камерного оркестра (1987) «Чайка». Сюита из балета для большого симфонического оркестра. В пяти частях (1984) Музыка для струнных, двух гобоев, двух валторн и челесты (1985) «Стихира к тысячелетию Крещения Руси». Для симфонического оркестра (1988) «Хрустальные гусли» Для симфонического оркестра (1994) «Российские фотографии». Для струнного оркестра (1994) «Вологодские свирели» (в честь Б. Бартока). Для гобоя, английского рожка, валторны и струнных инструментов (1995) «Величание». Для струнного оркестра (1995) «Два танго Альбениса». Для симфонического оркестра (1996) «Slava, Slava!». Для симфонического оркестра. К 70-летию Мстислава Ростроповича (1997) «Preludium к девятой симфонии Бетховена». Для симфонического оркестра (1999) «Лолита-серенада». Симфонические фрагменты из оперы «Лолита» (2001) «Диалоги с Шостаковичем». Симфонические этюды для оркестра (2001) «Гейлигенштадтское завещание Бетховена». Симфонический фрагмент для оркестра (2008) «Симфонический диптих». По мотивам оперы «Очарованный странник». Для большого оркестра (2008) «Vivat!». Санкт-Петербургская увертюра. Для симфонического оркестра (2008) «Литовская сага». Симфоническая фреска для оркестра (2009) *Вокальные сочинения* «Маленькая кантата». Из оперы «Не только любовь» для солистов, смешанного хора и оркестра (1961) «Бюрократиада». Курортная кантата для солистов, хора и оркестра на тексты инструкции для отдыхающих в пансионате «Курпаты». Либретто Р. Щедрина (1963) «Поэтория». Концерт для поэта в сопровождении женского голоса, смешанного хора и оркестра на слова А. Вознесенского (1968) «Ленин в сердце народном». Оратория для солистов, смешанного хора и симфонического оркестра на народные слова в шести частях (1969) «М. Мусоргский. Детская». Вокальный цикл в семи частях с прелюдией и постлюдией. Оркестровая транскрипция Р. Щедрина, слова М. Мусоргского (1964) «Моление». Кантата для смешанного хора и оркестра на слова И. Менухина (1991) «Многая лета». Для фортепиано, смешанного хора и ударных (1991) *Для голоса* «Три сольфеджио». Для голоса и фортепиано (1965) «Страдания». Для голоса и фортепиано. Слова народные в изложении В. Бокова (1965) «Таня-Катя». Песни без слов в народном стиле для сопрано и струнного оркестра (2002) «Таня-Катя II». Песни без слов в народном стиле для женского голоса и скрипки (2002) «Век мой, зверь мой!». Вокальный цикл на слова О. Мандельштама для тенора, рассказчицы и фортепиано (2003) «Клеопатра и Змея». Драматическая сцена для женского голоса и симфонического оркестра на текст заключительной сцены трагедии У. Шекспира «Антоний и Клеопатра» в переводе Б. Пастернака (2012). Премьера прошла 28 мая 2012 года на Зальцбургском фестивале; солистка — М. Эрдманн, оркестр Мариинского театра под управлением В. Гергиева. Российская премьера прошла в Мариинском театре 23 декабря 2012 г. (солистка — Екатерина Гончарова). *Хоры a cappella* Два хора на стихи А. Пушкина. Для смешанного хора (1950) «Ива, Ивушка». Вокализ. Для смешанного хора (1954) Четыре хора на стихи А. Твардовского. Для смешанного хора (1968) Четыре хора на стихи А. Вознесенского. Для смешанного хора (1971) «Русские деревни». Для смешанного хора на слова И. Харабарова (1973) «Стирала женщина белье». Для смешанного хора на слова И. Ляпина (1975) «Строфы „Евгения Онегина“». Шесть хоров на стихи А. Пушкина из романа в стихах «Евгений Онегин» для смешанного хора (1981) «Казнь Пугачева». Поэма для смешанного хора на стихи А. Пушкина из «Истории Пугачёва» (1981) «Концертино». В четырёх частях для смешанного хора (1982) «Запечатленный ангел». Русская литургия. Хоровая музыка по Николаю Лескову для смешанного хора и свирели (флейты) (1988) «Алый парус». Для детского хора на слова А. Грина (1997) «Серенада». Для смешанного хора (2003) Диптих на стихи А. Вознесенского (2003) Два русских хора (2008) «Царская кравчая». По мотивам хоровой оперы «Боярыня Морозова» Эпиграф графа Толстого к роману «Анна Каренина». Для смешанного хора *Фортепианные сочинения* «Поэма» (1954) «Токкатина» (1954) «Юмореска» (1957) «В подражание Альбенису» (1959) «Тройка» (1959) 2 полифонические пьесы: Basso ostinato и Двухголосная инвенция (1961) 2 сонаты (1962, 1996) 24 прелюдии и фуги (1964—1970) Полифоническая тетрадь (25 прелюдий) (1972) Тетрадь для юношества (1981) «Частушки». Концерт для фортепиано соло (2001) «Дневник». 7 пьес для фортепиано (2002) «Вопросы». 11 пьес для фортепиано (2003) Sonatine Concertante для фортепиано (2005) Alla Pizzicato для фортепиано (2005) Hommage a Chopin. Для четырёх фортепиано (2005) «Романтические дуэты». Семь пьес для фортепиано в четыре руки (2007) «Простые страницы». Семь экспромтов для фортепиано (2009) «Концертный этюд» («Чайковский-этюд») для фортепиано (2010) *Камерно-инструментальные сочинения* Сюита для кларнета и фортепиано (1951) «Фрески Дионисия». Для камерного ансамбля (1981) «Музыкальное приношение». Для органа, трёх флейт, трёх фаготов и трёх тромбонов (1983) «Эхо-соната». Для скрипки соло (1984) «Три пастуха». Для флейты, гобоя и кларнета (1988) «Русские наигрыши». Для виолончели соло (1990) «Эхо на Cantus Firmus Орландо ди Лассо». Для органа и сопранино блокфлейты (1994) Фортепианный терцет для скрипки, виолончели и фортепиано (1995) «Ледяной дом». Русская сказка для маримбафона соло (1995) «Музыка издалека». Для двух басовых блокфлейт (1996) Соната для виолончели и фортепиано (1996) «Балалайка». Для скрипки соло без смычка (1997) «Пастораль». Для кларнета и фортепиано (1997) «Вариации и тема». Для скрипки соло (1998) «Менухин-соната». Для скрипки и фортепиано (1998) «Дуэты». Для скрипки соло (1999) «Гамлет баллада». Для тысячи (или ансамбля) виолончелей (2005) «Старинные мелодии русских народных песен». Мелодии из сборника Н. А. Римского-Корсакова «100 русских народных песен». Для виолончели и фортепиано (2006) «Лирические сцены». Для струнного квартета (2006) «Цыганская мелодия». Для скрипки соло (2006) «На посошок». Памяти М. Л. Ростроповича. Для шести виолончелей и альтовой блокфлейты (или для флейты, гобоя, кларнета, трубы и виолончели) (2007) «Бельканто на русский лад». Для виолончели и фортепиано (2007) «Поездка в Эйзенштадт». Для скрипки и фортепиано (2009) Dies irae по гравюрам на дереве Альбрехта Дюрера «Апокалипсис» для 3 органов и 3 труб (2009/2010) Музыка для театра[править \| править код] «Они знали Маяковского». Пьеса В. Катаняна, постановка Н. Петрова (Александринский театр, Ленинград, 1954) «Первая симфония». Комедия А. Гладкова (Театр ленинского комсомола, 1956) «Мистерия-буфф». Пьеса В. Маяковского, режиссёр В. Плучек (Московский театр сатиры, 1957) «Дамоклов меч». Пьеса Н. Хикмета, режиссёр В. Плучек (Московский театр сатиры, 1959) «Гроза». Пьеса А. Островского (Малый театр, 1961) «Баня». Пьеса В. Маяковского (1962) «Теркин на том свете». Поэма А. Твардовского, режиссёр В. Плучек (Московский театр сатиры, 1965) *Музыка к фильмам* «Петушок — Золотой гребешок» (мультфильм), режиссёры: П. Носов, Д. Анпилов (1955) «Колобок» (мультфильм), режиссёр Р. Давыдов (1956) «Высота». Режиссёр А. Зархи (1957) «Коммунист». Режиссёр Ю. Райзман (1958) «Люди на мосту». Режиссёр А. Зархи (1959) «Нормандия — Неман». Режиссёр Ж. Древиль (1960) «А если это любовь?». Режиссёр Ю. Райзман (1961) «Баня» (мультфильм), Режиссёр С. Юткевич (1962) «Анна Каренина». Режиссёр А. Зархи (1967) «Сюжет для небольшого рассказа». Режиссёр С. Юткевич (1969) *Награды и звания* Спойлер: Награждение орденом «За заслуги перед Отечеством» II степени, 29 апреля 2008 года Орден «За заслуги перед Отечеством» II степени (3 декабря 2007 года) — за выдающийся вклад в развитие отечественного музыкального искусства и многолетнюю творческую деятельность Орден «За заслуги перед Отечеством» III степени (2 декабря 2002 года) — за большой вклад в развитие музыкального искусства Орден «За заслуги перед Отечеством» IV степени (13 декабря 2012) — за большой вклад в развитие отечественной музыкальной культуры и многолетнюю творческую деятельность Орден Ленина (16 декабря 1982 года) Орден Трудового Красного Знамени (1971 год) Орден «Знак Почета» (27 октября 1967 год) Государственная премия Российской Федерации в области литературы и искусства 1992 года (25 декабря 1992 года) — за хоровую музыку «Запечатлённый ангел» по Н. Лескову Ленинская премия (1984 год) — за оперу «Мёртвые души» (1977 год), поэму для хора «Казнь Пугачёва» (1981 год), «Торжественную увертюру» для симфонического оркестра Государственная премия СССР (1972 год) — за ораторию «Ленин в сердце народном» и оперу «Не только любовь» (61, новая редакция) Заслуженный деятель искусств РСФСР (1970) Народный артист РСФСР (1976 год) Народный артист СССР (1981 год) Премия имени Д. Д. Шостаковича (Россия, 1992 год) Премия Crystal Award Всемирного экономического форума (Давос, 1995 год) Член-корреспондент Баварской академии изящных искусств (1976 год) Почётный член Общества Ф. Листа (США, 1979 год) Почётный член Академии изящных искусств ГДР (1982 год) Почётный член Международного Музыкального совета при ЮНЕСКО(1985 год) Член Берлинской Академии искусств (1989 год) Почётный профессор Московской консерватории (1997 год) Почётный профессор Санкт-Петербургской государственной консерватории имени Н. А. Римского-Корсакова (2005 год) Почётный профессор МГУ им. М. В. Ломоносова (2007 год) Почётный профессор Пекинской консерватории (2008 год) Приз «Золотой диск» фирмы «Мелодия» Номинант GRAMMY в номинации «Лучшее сочинение в современной академической музыке» за Concerto cantabile (1997 год) Композитор года Питтсбургского симфонического оркестра (2002 год) Немецкая музыкальная премия «Echo Klassik 2008» — за оперу «Боярыня Морозова» (2008 год) Премия «Овация» (2008 год) Золотая медаль Министерства культуры Армении (2008 год) Российская Национальная театральная премия «Золотая маска» — за оперу «Очарованный странник» (2009 год) Номинант GRAMMY в номинации «Лучшее произведение современного композитора в области академической музыки» за оперу «Очарованный странник» (2009 год) Кавалер ордена Св. Анны 3-й степени (12 февраля 2010) (указ № 1/АII-III-2010, грамота № 12/AIII-2010, подписаны в Мадриде), в воздаяние заслуг перед Отечеством. Премия города Москвы — за создание русской хоровой оперы «Боярыня Морозова» (2012 год) Почётная премия РАО «За вклад в развитие науки, культуры и искусства». Международная премия за развитие и укрепление гуманитарных связей в странах Балтийского региона «Балтийская звезда» (Министерство культуры и массовых коммуникаций РФ, Союз театральных деятелей РФ, комитет по культуре правительства Санкт-Петербурга, 2013) В честь Родиона Щедрина астроном Крымской Астрофизической Обсерватории Людмила Карачкина назвала открытый ею 20 октября 1982 г. астероид (4625) Shchedrin. Астероид 4626 назван ею в честь Майи Плисецкой. [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] __________________

14.12.2017, 08:15	#83
CLIPER Помним... Ветеран гвардии Старпом Пиратский зубоскал Покровитель: Пиратский Барон Регистрация: 05.03.2013 Адрес: у самого синего моря Сообщений: 14,845 Нация: Пираты Пол: Мужской Офицеры Корабли Репутация: 1278 Награды пользователя: Всего наград: 14	Re: Великие композиторы и музыканты *Жан-Батист Люлли* Дата рождения: 28 ноября 1632 Место рождения: Флоренция, Великое герцогство Тосканское Дата смерти: 22 марта 1687 (54 года) Место смерти: Париж, Королевство Франция Страна: Королевство Франция Профессии: композитор, скрипач, танцор, дирижёр и педагог Эпоха: барокко *Жан-Батист Люлли* - французский композитор, скрипач, дирижёр. Люлли - один из крупнейших оперных композиторов XVII в., основоположник французского музыкального театра. В историю национальной оперы Люлли вошел и как создатель нового жанра — лирической трагедии (так называлась во Франции большая мифологическая опера), и как выдающийся театральный деятель — именно под его началом Королевская академия музыки стала первым и главным оперным театром Франции, который позднее обрел всемирную известность под названием Grand Opera. *Биография* Спойлер: Родился в семье флорентийского мельника Лоренцо ди Мальдо Лулли и его жены Катерины дель Серо. Рано научился играть на гитаре и скрипке, разыгрывал комические интермедии, превосходно танцевал. Первые уроки музыки получил у францисканского монаха. Во Францию Люлли приехал в марте 1646 года в свите герцога де Гиза в качестве слуги королевской племянницы, мадемуазель де Монпансье, которая практиковалась с ним в итальянском. Он быстро завоевал доверие хозяев и был приставлен к де Монпансье пажом. В 1653 году в борьбе против Людовика XIV потерпела поражение Фронда, в которой мадемуазель де Монпансье принимала активное участие. Её ожидала ссылка в замок Сен-Фаржо. Люлли, чтобы остаться в Париже, попросил освободить его от должности, а спустя три месяца выступил в качестве танцора при дворе в "Балете Ночи" Исаака де Бенсерада. В то же время учился у Н. Метрю, Н. Жиго, Ф. Роберде и, возможно, у Ж. Кордье (скрипка). Произведя благоприятное впечатление на короля, он в 1661 году заменил итальянца Ладзарини в должности "главного инспектора инструментальной музыки". Свою службу при дворе Люлли начал, сочиняя музыку к балетам и танцуя в них вместе с королём и придворными. Изначально он отвечал только за инструментальную часть, но вскоре взял в свои руки работу над вокалом. Среди произведений Люлли 1650-60-х годов - балеты Времени, Флоры, Ночи, Времен года, Альцидианы и др. Все они следуют традиции, чрезвычайно популярной при французском дворе в первой половине XVII века и восходящей ещё к "Комическому балету королевы" 1581 г. Балеты, в которых выступали как члены королевской семьи, так и простые танцоры (и даже музыканты - играя на скрипках, кастаньетах и т. п.), представляли собой последовательность песен, вокальных диалогов и собственно антре, объединённых общей драматургией или развёрнутой аллегорией (Ночь, Искусства, Удовольствия). Порой, особенно при Людовике XIII, темы их могли быть весьма экстравагантными ("Балет конторы знакомств", "Балет невозможностей"»), однако при новом дворе и в новую эпоху, тяготевшую к более ясным и классическим образам, Люлли как музыкант проявил себя, не столько изображая нечто необычное, сколько целым рядом формальных нововведений. В 1658 году в балете "Альцидиана" впервые прозвучала так называемая "французская увертюра" (в противоположность итальянской увертюре), ставшая визитной карточкой Люлли и впоследствии - всей национальной школы. В 1663 году, в "Балете Флоры", также впервые в истории, композитор ввёл в оркестр трубы, исполнявшие до того лишь функцию фанфар. В 1655 году Люлли возглавил оркестр "Малые скрипки короля". Его влияние при дворе постепенно возрастало. В 1661 году он перешёл во французское подданство (именуя притом своего отца "флорентийским дворянином") и получил должность "композитора камерной музыки". В 1662 году, когда Люлли женился на Мадлен (дочери композитора Мишеля Ламбера), свадебный контракт скрепили Людовик XIV и королева-мать Анна Австрийская. Брак был заключён по требованию короля, которому надоело отчитывать придворного композитора за гомосексуальные "шалости". В 1658 году в Париже дебютировал Мольер. В 1663 году Людовик XIV назначил ему пенсию в 1000 ливров как "превосходному комическому поэту" и заказал пьесу, где он сам желал танцевать. Мольер сочинил комедию-балет "Брак поневоле". Под его руководством работали хореограф Бошан и Люлли. С этой постановки началось многолетнее сотрудничество Люлли и Мольера. На либретто Мольера написаны "Брак поневоле" (1664), "Принцесса Элиды" (1664), "Любовь-целительница" (1665), "Жорж Данден" (1668), "Господин де Пурсоньяк" (1669), "Блистательные любовники" (1670) и "Психея" (1671, в сотрудничестве с Корнелем). 14 октября 1670 года в замке Шамбор впервые была представлена самая знаменитая совместная работа Люлли и Мольера - "Мещанин во дворянстве". Объём материала, принадлежащего в комедии собственно Люлли, сопоставим по размеру с мольеровским и состоит из увертюры, танцев, нескольких интермедий (в том числе турецкой церемонии) и завершающего пьесу большого "Балета наций". "Кадм и Гермиона" - первая опера Люлли написана на либретто Филиппа Кино на сюжет, выбранный королём из нескольких вариантов. Премьера состоялась 27 апреля 1673 года в театре Пале-Рояль. Одной из главных черт новой оперы стала особая выразительность мелодекламации. По свидетельству современников, Люлли часто ходил слушать игру великих трагических актёров. Причем оттенки этой игры - паузы, повышение и понижение тона и пр. - тут же стенографировал в своем блокноте. Люлли сам подбирал музыкантов и певцов, воспитывал их, руководя репетициями и дирижируя со скрипкой в руках. 15 февраля 1686 года была впервые исполнена последняя опера Люлли "Армида". В качестве либреттиста выступил Кино, взявший сюжет из "Освобожденного Иерусалима" Т.Тассо. Премьера "Армиды" состоялась в Париже. После брака с Ф. де Ментенон, сторонившейся театра и оперы, как и вообще - светских развлечений, король отдалился от композитора. 8 января 1687 года, дирижируя своим произведением Te Deum по случаю выздоровления короля, Люлли поранил ногу наконечником трости-баттуты, которой в то время отбивали такт. Рана развилась в нарыв и перешла в гангрену. 22 марта 1687 года композитор скончался. *Творчество* Спойлер: В своих операх, носивших название "трагедия, положенная на музыку", "трагедия под музыку"; в русском музыковедении часто используется менее точный, но более благозвучный термин "лирическая трагедия", Люлли стремился усилить музыкой драматические эффекты и придать верность декламации, драматическое значение - хору. Оперы Люлли пользовались большой славой во Франции и Европе и продержались на сцене около 100 лет. Они оказали большое влияние на развитие французской оперной школы. При Люлли певцы в операх впервые стали выступать без масок, женщины - танцевать в балете на публичной сцене; трубы и гобои впервые в истории были введены в оркестр. Кроме лирических трагедий перу Люлли принадлежит большое число балетов, симфоний, трио, арий для скрипки, дивертисментов, увертюр и мотетов. *Основные произведения* Спойлер: Театр. муз.: "Кадм и Гермиона" (Cadmus et Hermione, 1673); "Тесей" (Thesee, 1675); "Альцеста" (Alceste, 1674); "Атис" (Atys, 1676); "Исида" (Isis, 1677); "Персей" (Persee, 1682); "Фаэтон" (Phaeton, 1683); "Амадис" (Amadis, 1684); "Роланд" (Roland, 1685); "Армида" (Armide, 1686); 3 др. лирические трагедии; 36 балетов (в т. ч. в соавторстве с др. композиторами); 14 комедий-балетов, в т. ч. "Любовь-целительница" (L'amour medecin, 1665), "Блистательные любовники" (Les amants magnifiques, 1670), "Мещанин во дворянстве" (Le bourgeois gentilhomme, 1670), Турецкая церемония. Духовная муз.: 13 "больших мотетов" (grands motets), в т. ч. Miserere (1664); Те Deum (1677); De profundis (1683); 14 "малых мотетов" (petits motets). Инстр. муз.: танцы, увертюры ("симфонии"), арии [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] __________________

15.12.2017, 09:59	#84
CLIPER Помним... Ветеран гвардии Старпом Пиратский зубоскал Покровитель: Пиратский Барон Регистрация: 05.03.2013 Адрес: у самого синего моря Сообщений: 14,845 Нация: Пираты Пол: Мужской Офицеры Корабли Репутация: 1278 Награды пользователя: Всего наград: 14	Re: Великие композиторы и музыканты *Александр Николаевич Серов* Дата рождения: 23 января 1820 Место рождения: Санкт-Петербург, Российская империя Дата смерти: 1 февраля 1871 (51 год) Место смерти: Санкт-Петербург, Российская империя Страна: Российская империя Профессии: композитор, педагог, юрист Эпоха: романтизм *Александр Николаевич Серов* - русский композитор и музыкальный критик; действительный статский советник; отец живописца Валентина Александровича Серова. Серов - известный русский композитор, выдающийся музыкальный критик, один из основоположников отечественного музыкознания. Его перу принадлежат 3 оперы, 2 кантаты, оркестровые, инструментальные, хоровые, вокальные произведения, музыка к драматическим спектаклям, обработки народных песен. Он автор значительного числа музыкально-критических работ. В его операх немало эклектики, хотя в лучших эпизодах, особенно изображающих народную жизнь, он достигает большой выразительности и красочности. Со временем Серов-критик затмил Серова-композитора. Однако это никак не может перечеркнуть то ценное, что есть в его музыке действительно талантливого и оригинального. *Биография* Спойлер: Александр Серов родился в Петербурге. Дед Серова был известным ученым-естествоиспытателем, отец - юристом, блестяще образованным человеком. С раннего детства Серов был приобщен к естественным наукам, живописи, классической литературе. В 1835 году отец Серова, предназначавший сыну юридическую карьеру, отдал его в Училище правоведения. Еще в училище Серов начал серьезно увлекаться музыкой, что очень сильно повлияло на его дальнейшую судьбу; он занимался игрой на фортепиано и виолончели, изучал гармонию, контрапункт, постоянно посещал симфонические концерты и оперные спектакли. Серов сблизился с другим молодым правоведом - Владимиром Васильевичем Стасовым, питавшим также любовь к музыке. Общность интересов и стремлений связала их на долгие годы. Стасов был первым, поддержавшим в Серове вспыхнувшее влечение к музыке и утвердившим в нем веру в свои силы. В 1840 году Серов окончил училище правоведения и вынужден был поступить на службу в Министерстве юстиции. Но, затаив в глубине души мечту стать композитором, он упорно продолжал свое музыкальное образование. В начале 1842 года Александр Серов познакомился с Михаилом?Ивановичем?Глинкой, личность которого произвела на него сильное впечатление; он во многом определил художественные взгляды и вкусы Серова. До тех пор относившийся довольно равнодушно и к русской музыке вообще, и к произведениям Глинки в частности, Серов стал смотреть на эти явления другими глазами. Даже когда первый пыл увлечения "Жизнью за царя" и "Русланом и Людмилой" несколько остыл, когда Серов начал подмечать кроме достоинств также и недостатки в этих произведениях, он все же и к ним, и к их автору продолжал относиться с глубоким уважением. Значительное влияние на формирование Серова как музыканта имело и состоявшееся вскоре знакомство с Даргомыжским. Переехав в 1850 году в Петербург, он стал музыкальным критиком: его первые статьи появились в 1851 году в журналах "Современник", "Сын?отечества", "Библиотека?для?чтения"; затем в "Пантеоне". В 1858 году во время поездки за границу Серов познакомился с Листом и Вагнером, встречи с которыми описал в опубликованных в 1858—1859 годах "Письмах из-за границы". В этом же году он впервые в России провёл цикл публичных лекций о музыке, не имевших успеха. Однако, повторенные в 1860 году лекции, заинтересовали общество. Как указывал Ф. М. Толстой, Серов-композитор был выше Серова-критика. В 1863 году с огромным успехом прошла премьера его оперы "Юдифь". В этом же году он женился на своей ученице, одаренной музыкантше - Валентине?Бергман. В 1867 году А. Н. Серов предпринял вместе с женой попытку издания (впервые в России) специальной музыкальной газеты "Музыка и театр" - газета, не найдя поддержки в обществе, просуществовала недолго - до 1868 года. В 1868 году Серов снова прочитал цикл лекций в Москве; теперь он пропагандировал творчество А. С. Даргомыжского, М. И. Глинки, В. А. Моцарта, Л.?Бетховена и других выдающихся композиторов; Серов первым употребил термин "симфонизм". В 1870 году Русское?музыкальное?общество командировало его в Вену на торжества по поводу столетия со дня рождения Бетховена. Александр Николаевич Серов умер в Санкт-Петербурге 1 февраля 1871 года. *Творчество* Спойлер: Большое внимание уделял Серов в своих аналитических статьях и симфонической музыке. Открытые им принципы тематического анализа крупных инструментальных произведений изложены в статье об увертюре Бетховена "Леонора" ("Тематизм увертюры "Леонора". Этюд о Бетховене"). Эти принципы также оплодотворили современную музыкальную науку. Велико значение статьи "Девятая симфония Бетховена, ее склад и смысл". Серов первым раскрыл связь творчества Бетховена с революционными идеями его времени. Он разъяснил высокий демократический смысл Девятой симфонии, показал воплощенные в ней идеи борьбы за свободу и счастье человечества. В статьях Серова освещается творчество Моцарта, Глюка, Вебера, Мейербера, Берлиоза, Россини, Спонтини и ряда других композиторов. Особое место занимает в его литературном наследии книга "Воспоминания о М. И. Глинке". Серов подчеркивает основополагающую роль Глинки для развития русской национальной музыки, его всемирно-историческое значение: "Когда-нибудь узнают же нашего Глинку в Европе... и отведут ему то место в искусстве, которое он занял в силу своего гения". *Сочинения* Спойлер: *Сочинения:* оперы - Юдифь (1861-62, пост. 1863,. Мариинский т-р, Петербург), Рогнеда (1863-65, пост. 1865, там же), Вражья сила (завершена В. С. Серовой и Н. P. Соловьёвым, пост. посмертно, 1871, там же); для солистов, хора и орк. - 2 кантаты (1846), Pater Noster (1860), Stabat Mater (1870); для орк. - Фантазия (1847), Гопак и Гречаники (пляски из симф. пантомимы Ночь перед Рождеством, 1866), Пляска запорожцев (из музыки к "Тарасу Бульбе", 1867) и др.; камерно-инстр. ансамбли - соната для скр. и фп. (1849), 2 пьесы для влч. и фп., фп. трио (1849); для фп. - 2 сонаты (1844), 3 фуги (1849), пьесы; хоры; 20 романсов и песен; обр. нар. песен - 5 укр. песен для хора и орк., 6 малороссийских песен для хора a cappella; музыка к спектаклям драм. т-ра - водевили "Мельничиха в Марли" (1845), "Записки демона" (1846), мелодрама "Отец и дочь" (1846), трагедия "Смерть Иоанна Грозного" А. К. Толстого (1867), драма "Нерон" А. А. Жандра (1869) и др. *Литературные сочинения:* Музыка и виртуозы, "Библиотека для чтения", 1851, т. 106, No 4; Спонтини и его музыка, "Пантеон", 1852, т. 1, кн. 1; Бетховен и его три стиля, там же, 1852, т. 2, кн. 4; Письма о музыке к А. Д. Улыбышеву, по случаю толков о Моцарте и Бетховене, там же, 1852, т. 3, кн. 6, т. 4, кн. 7-8; Моцартов "Дон Жуан" и его панегиристы, там же, 1853, т. 8, кн. 4, т. 9, кн. 5-6; Музыка и толки о ней, "Музыкальный и театральный вестник", 1856, 8 янв.; Девятая симфония Бетховена, там же, 1856, 8 и 29 апр.; Курс музыкальной техники, там же, 1856, 22 апр., 13, 20 и 27 мая, 3, 17 июня, 12 авг.; "Русалка", опера А. С. Даргомыжского, там же, 1856, 17 июня, 1 и 15 июля, 12, 19 и 26 августа, 9, 16, 23 и 30 сент.; Малоизвестное произведение М. И. Глинки, там же, 1857, 10 и 17 ноября, 8 и 15 дек.; М. И. Глинка. Некрологический очерк, "Сын отечества", 1857, No 12; Музыка. Обзор современного состояния музыкального искусства в России и за границей, "Иллюстрация", 1858, 6 и 13 февр.; Наш Глинка перед судом немецких фельетонистов, "Театральный и музыкальный вестник", 1858, 18 мая; Песни и романсы М. А. Балакирева, там же, 1859, 1 ноября; Роль одного мотива в целой опере: "Жизнь за царя", там же, 1859, 13 дек.; Опера и её новейшее направление в Германии, "Русское слово", 1859, No 1 и 7; Воспоминания о М. И. Глинке, "Искусства", 1860, No 1-5; "Жизнь за царя" и "Руслан и Людмила", "Русский мир", 1860, 1 сент.; Р. Вагнер и его реформа в области оперы, "Искусства", 1860, No 1-2; Музыка южно-русских песен, "Основа", 1861, (No 3 и 4); Der Thematismus der Leonoren-Ouverture. Eine Beethoven-Studie, "NZfM", 1861, Bd 54, No 10- 13 (рус. пер. - Тематизм увертюры к опере "Леонора". Этюд о Бетховене, в кн.: Серов А. Н., Критические статьи, т. 3, СПБ, 1895); "Волшебный стрелок". Бенефис О. А. Петрова, "Иллюстрация", 1862, 6 дек.; Верстовский и его значение для русского искусства, там же, 1862, 20 дек.; Der Status quo der Beethoven-Literatur und die Betheiligung Russlands an derselben, "NZfM", 1863, No 1-5; "Нибелунгов перстень", "Якорь", 1863, 20 и 27 июля, 10, 17, 21 авг., 22 и 28 сент., 12 и 26 окт., 9 ноября; Музыка, музыкальная наука, музыкальная педагогика, "Эпоха", 1864, No 6 и 12; Судьбы оперы в России, "Русская сцена", 1864, т. 1, No 2, т. 4, No 7; К читателям, "Музыка и театр", 1867, No 1; "Руслан" и русланисты, там же, 1867, No 1, 2, 4, 5, 7, 8, 10; Девятая симфония Бетховена, её склад и смысл, "Современная летопись", 1868, 12 мая; Rossini. (Coup d'oeil critique), "Journal de St.-Petersbourg", 1869, 23 Janvier (рус, пер. - Россини. Критический очерк, в кн.: Серов А. Н., Критические статьи, т. 4, СПБ, 1895); Hector Berlioz. (Esquisse critique), "Journal de St.-Petersbourg", 1869, 11 (23), 16 (28), 17 (29) mai, 21 mai (2 juin) (рус. пер. - Г. Берлиоз. Критический набросок, в кн.: Серов А. Н., Критические статьи, т. 4, СПБ, 1895); Русская народная песня как предмет науки, "Музыкальный сезон", 1870, 19 марта, 26 ноября, 1871, 21 янв. Критические статьи, т. 1-4, СПБ, 1892-1895; Избр. статьи, под общей ред., со вступ. статьей и прим. Г. Н. Хубова, т. 1-2, М.-Л., 1950-57. [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] __________________

24.02.2014, 13:59
Валькирия Администратор Corsairs-Harbour.Ru WastelandMutants.Ru Человек года - 2016 Коммодор Б.Е.С. Гаваньский саблемахал Регистрация: 04.06.2011 Адрес: Санкт-Петербург Сообщений: 4,410 Нация: Пираты Пол: Женский Офицеры Корабли Репутация: 1177 Награды пользователя: Всего наград: 40	Великие композиторы и музыканты Биографии и истории из жизни великих классиков. *информационная тема* *Список великих классиков, чьи биографии размещены в теме:* Спойлер: А * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] Б * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] В * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] Г * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] Д * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] И * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] К * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] Л * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] М * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] О * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] П * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] Р * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] С * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] Т * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] Ф * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] Х * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] Ч * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] Ш * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] Щ * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] Э * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] Я * [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] * Обсудить произведения выдающихся композиторов и музыкантов можно в [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]. Последний раз редактировалось CLIPER; 07.01.2018 в 09:35.

Реклама
Зарегистрированным пользователям показывается меньше рекламы!

15.12.2017, 10:00	#85
CLIPER Помним... Ветеран гвардии Старпом Пиратский зубоскал Покровитель: Пиратский Барон Регистрация: 05.03.2013 Адрес: у самого синего моря Сообщений: 14,845 Нация: Пираты Пол: Мужской Офицеры Корабли Репутация: 1278 Награды пользователя: Всего наград: 14	Re: Великие композиторы и музыканты *Генрих Шютц* Дата рождения: 18 октября 1585 Место рождения: Кёстриц Дата смерти: 6 ноября 1672 (87 лет) Место смерти: Дрезден Страна: Германия Профессии: композитор, органист, капельмейстер Эпоха: барокко *Генрих Шютц* - немецкий композитор, органист и педагог. Ныне известен, главным образом, как автор духовной хоровой музыки. Генрих Шютц рассматривается как один из наиболее крупных и плодовитых композиторов немецкого барокко. Г. Шютц занимает в немецкой музыке почетное место патриарха, "отца новой немецкой музыки" (выражение его современника). С него начинается галерея великих композиторов, которые принесли мировую славу Германии, а также намечается прямой путь к И. С. Баху. Шютц жил в эпоху, редкую по насыщенности событиями европейского и мирового масштаба, период перелома, начало нового отсчета в истории и культуре. Его жизнь вместила такие вехи, говорящие о разрыве времен, концах и началах, как сожжение Дж. Бруно, отречение Г. Галилея, начало деятельности И. Ньютона и Г. В. Лейбница, создание "Гамлета" и "Дон-Кихота". Позиция Шютца в это время перемен - не в изобретении нового, а в синтезе богатейших пластов культуры, восходящей еще к средневековью, с новейшими достижениями, которые шли тогда из Италии. Он прокладывал для отсталой музыкальной Германии новый путь развития. *Биография* Спойлер: Генрих Шютц родился в городе Бад-Кестрице в Тюрингии. Он был старшим сыном из восьми детей Кристофа Шютца и Ефросиньи Бигер. В 1590 году семья переехала в город Вайсенфельс в южной Саксонии, где отец стал владельцем трактира. В 1599 году его музыкальный талант был замечен главой немецкого княжества Гессен-Кассель ландграфом Морицем Гессен-Кассельским, который был музыкантом-любителем, и Генрих Шютц начал петь в Кассельской придворной капелле. В 1609-12 жил в Венеции, где учился у Джованни Габриели. Там же в 1611 Шютц опубликовал свой первый опус - сборник ("книгу") пятиголосных мадригалов, главным образом, на тексты Дж. Гварини и Дж. Марино. В целом современные техники и стиль итальянской музыки оказали на Шютца сильное впечатление и отразилась на его позднейшем творчестве. В 1613 вернулся в Кассель, где занял место второго придворного органиста. В 1627 году в Торгау была исполнена пасторальная трагикомедия "Дафна" на текст Мартина Опица, считающаяся первой немецкой оперой, а точнее, зингшпилем (музыка утеряна). В числе учеников Шютца были Генрих Альберт, Иоганн Пауль фон Вестхоф, Елизавета София Мекленбургская, Карло Фарина, Иоганн Шелле и др. Генрих Шютц умер от инсульта в 1672 в возрасте 87 лет. Был похоронен в дрезденской Фрауэнкирхе. В 1727 старое здание Фрауэнкирхе было снесено, а вместе с ним была утрачена и могила композитора. Ныне о нём напоминает лишь врезанная в полу современной Фрауэнкирхе памятная табличка. *Творчество* Спойлер: Генрих Шютц - один из самых известных немецких композиторов XVII века. Он автор многих духовных (преимущественно вокальных) сочинений, среди которых оратории, кантаты, страсти (пассионы), хоровые концерты, мотеты, "Немецкий магнификат". Ряд сочинений Шютца, в том числе, балеты "Орфей и Эвридика" (1638) и "Парис и Елена" (1650), а также две пасторали "с музыкой и танцами" утрачены во время пожара в дрезденской библиотеке в 1760 году. Творческое наследие композитора очень велико. Сохранилось около 500 композиций, и это, как предполагают специалисты, только две трети им написанного. Шютц сочинял вопреки многим невзгодам и потерям до глубокой старости. В возрасте 86 лет, находясь на пороге смерти и даже позаботившись о музыке, которая будет звучать на его погребении, он создал одно из лучших своих сочинений "Немецкий магнификат". Хотя известна только вокальная музыка Шютца, его наследие удивляет разнообразием. Он автор изысканных итальянских мадригалов и аскетических евангелических историй, страстных драматических монологов и пышных величественных многохорных псалмов. Ему принадлежат первые немецкие опера, балет (с пением) и оратория. Главное направление его творчества, однако, связано с духовной музыкой на тексты Библии (концерты, мотеты, песнопения и др.), что соответствовало особенностям немецкой культуры того драматического для Германии времени и потребностям самых широких слоев народа. Ведь значительная часть творческого пути Шютца протекала в период фантастической по своей жестокости и разрушительной силе Тридцатилетней войны. По давней протестантской традиции он выступал в своих произведениях в первую очередь не как музыкант, а как наставник, проповедник, стремящийся пробудить и укрепить в слушателях высокие этические идеалы, противопоставить ужасам действительности стойкость и человечность. Объективно-эпический тон многих сочинений Шютца порой может показаться чересчур аскетичным, суховатым, однако лучшие страницы его творчества и сейчас трогают чистотой и экспрессией, величием и человечностью. В этом они перекликаются с полотнами Рембрандта - художника, по мнению многих, знакомого с Шютцем и даже сделавшим его прототипом своего "Портрета музыканта". *Список сочинений* Спойлер: (выборка) Мадригалы. Книга I (Il primo libro de madrigali; Венеция, 1611; на итал.) Псалмы Давидовы (Psalmen Davids; Дрезден, 1619) История Воскресения Христова (Historia der… Auferstehung… Jesu Christi; Дрезден, 1623) Духовные песни (Cantiones sacrae; Фрайберг, 1625; на латыни) Музыка к рифмованной Псалтири К.Беккера (Beckerscher Psalter; Фрайберг, 1628; 2-я ред. Дрезден, 1661) Духовные симфонии. Книга I (Symphoniae sacrae I; Венеция, 1629; на латыни) Поминальная музыка (Musikalische Exequien; Дрезден, 1636) Маленькие духовные концерты. Книга I (Kleine geistliche Konzerte; Лейпциг, 1636) Маленькие духовные концерты. Книга II (Kleine geistliche Konzerte; Лейпциг, 1639) Духовные симфонии. Книга 2 (Symphoniae sacrae II; Дрезден, 1647) Духовная хоровая музыка (Geistliche Chor-Music; Дрезден, 1648) Духовные симфонии. Книга 3 (Symphoniae sacrae III; Дрезден, 1650) Двенадцать духовных песен (Zwolf geistliche Gesange; Дрезден, 1657) Семь слов Иисуса Христа (Die sieben Worte Jesu Christi; ок.1660) История Рождества Христова (Historia der… Geburt… Jesu Christi; Дрезден, 1664) Страсти по Матфею, Страсти по Иоанну, Страсти по Луке (1666) Псалом 119, с приложением Псалма 100 и немецкого магнификата (Hundert und Neunzehender Psalm, nebenst dem Anhange des 100. Psalms… und eines deutschen Magnificats: 1671) [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] __________________

15.12.2017, 10:01	#86
CLIPER Помним... Ветеран гвардии Старпом Пиратский зубоскал Покровитель: Пиратский Барон Регистрация: 05.03.2013 Адрес: у самого синего моря Сообщений: 14,845 Нация: Пираты Пол: Мужской Офицеры Корабли Репутация: 1278 Награды пользователя: Всего наград: 14	Re: Великие композиторы и музыканты *Антонио Сальери* Дата рождения: 18 октября 1585 Место рождения: Кёстриц Дата смерти: 6 ноября 1672 (87 лет) Место смерти: Дрезден Страна: Германия Профессии: композитор, органист, капельмейстер Эпоха: классицизм *Антонио Сальери* - итальянский и австрийский композитор, дирижёр и педагог. Итальянский композитор, педагог и дирижер А. Сальери был одним из наиболее знаменитых деятелей европейской музыкальной культуры рубежа XVIII-XIX вв. Как художник он разделил судьбу тех прославленных в свое время мастеров, чье творчество с наступлением новой эпохи отодвинулось в тень истории. Исследователи отмечают, что известность Сальери тогда превосходила славу В. А. Моцарта, и в жанре оперы-seria он сумел достичь такого качественного уровня, который ставит его лучшие произведения выше большей части современных ему опер. Ученик и последователь К.В. Глюка, автор более чем 40 опер, многочисленных инструментальных и вокально-инструментальных сочинений, Сальери был одним из самых известных и признанных композиторов своего времени и не менее прославленным педагогом: среди его учеников - Л. ван Бетховен, Ф. Шуберт и Ф. Лист. В Вене на протяжении 36 лет (1788-1824) Сальери занимал пост придворного капельмейстера - один из самых важных музыкальных постов в Европе. Проклятием Антонио Сальери стал миф о его причастности к смерти Моцарта, распространившийся, несмотря на постоянные опровержения, в некоторых странах главным образом благодаря "маленькой трагедии" А. С. Пушкина. Состоявшийся в 1997 году суд официально признал его невиновным в смерти коллеги. *Биография* Спойлер: *Детство* О ранних годах своей жизни Сальери написал сам, оставив дневниковую рукопись придворному библиотекарю. Известно, что 18 августа 1750 года в небольшом городке Леньяго неподалеку от Вероны родился мальчик – Антонио Сальери. Биография его изначально не предполагала музыкальной стези. Его семья занималась торговлей, но детям давали образование, и старший брат Антонио, обучавшийся музыке, преподал первые уроки будущему композитору. Однако семейная идиллия длилась недолго. Когда мальчику было 13 лет, скончалась его мать. После этого разорился и умер отец, а детей забрали родственники. Некоторое время Сальери жил в зажиточной семье в Венеции у друзей отца. Они намеревались дать ему серьезное музыкальное образование, так как видели его безусловные способности. Случайно по делам в это время в Венецию приехал Флориан Гассман, придворный композитор, капельмейстер императора Иосифа II. Он увидел в Сальери большие музыкальные задатки и забрал его с собой в Вену, чтобы дать ему подобающее образование. *Новая жизнь в Австрии* 15 июня 1766 года Антонио приехал в Вену, которая стала для него настоящим домом. Ведь здесь он добился славы, стал тем, кем мечтал быть. Гассман рьяно взялся за обучение воспитанника, он пригласил ему учителей, а уроки по контрапункту давал сам. Сальери выучил четыре языка, он обучался нотной грамоте, игре на нескольких музыкальных инструментах. Гассман старался сделать из Антонио не только образованного, но и светского человека. Он обучал его манерам, правилам этикета, умению вести беседу. В конце жизни о Сальери современник скажет, что он был самым образованным музыкантом в Вене. Гассман ввел своего протеже в круг талантливейших людей того времени. Именно он познакомил Сальери с Глюком, который оказал значительное влияние на становление музыканта. Меценат также представил ученика императору Иосифу, который проникся большой симпатией к одаренному юноше. Представитель знаменитой династии Габсбургов очень любил музыку и хорошо в ней разбирался, при дворе сложился музыкальный кружок, в который стал вхож и Сальери. Это стало платформой для его будущей блестящей карьеры при дворе. *Музыкальная карьера* Сальери, еще проживая в Италии, начал сочинять музыку, но о профессиональном творчестве можно говорить только в венский период. Начинающий музыкант стал ассистентом своего покровителя и получал небольшие заказы на аранжировки, вставки в оперы, написание инструментальных пьес. К 20 годам за плечами у начинающего композитора уже была одна опера "Образованные женщины", которую он написал в сотрудничестве с Боккерини. Она имела некоторый успех, и ее поставили не только в Вене, но и в Праге. Также на тот момент Антонио являлся автором несколько инструментальных произведений. Позже Сальери по либретто Боккерини написал еще одну комическую оперу. Он смог заявить о себе достаточно успешным дебютом, и в дальнейшем его карьера шла только вверх. Произведения "Венецианская ярмарка", "Трактирщица", "Армида" обеспечили Сальери устойчивый успех и известность по всей Европе, его опера "Освобожденный Иерусалим" даже была поставлена в Санкт-Петербурге. В 1774 году умер учитель и спонсор Сальери - Флориан Гассман, и Антонио "по наследству" получил место придворного капельмейстера итальянской оперной труппы и должность композитора камерной музыки. Для молодого человека 24 лет это был огромный карьерный скачок. Но придворная служба была не очень надежна, и музыкант зарабатывал на жизнь написанием и постановкой опер для различных театров Европы. Так, в 1778 году знаменитый театр "Ла Скала", восстановленный после пожара в Милане, открыл сезон оперой Сальери. Композитор много работал в угоду современной публике, но также его интересовала реформа оперы, задуманная Глюком. Он даже написал несколько серьезных произведений, развивающих глюковские положения. В 80-х годах Сальери много и плодотворно сотрудничал с парижским театром "Комеди Франсез" и театром Оперы. Он создает оперу "Тарар" по либретто знаменитого Бомарше, которая получила широкую известность, была высоко оценена критиками и оказала значительное влияние на всю европейскую музыку. В 1788 году Сальери Антонио получил должность капельмейстера при дворе Иосифа Второго. Это было знаком высочайшей оценки заслуг и таланта композитора. Ему удалось удержаться при дворе Габсбургов и при следующих двух монархах. Свою придворную карьеру Сальери завершил в 1824 году, когда здоровье уже не позволяло ему исполнять обязанности. Сальери умер 7 мая 1825 года и был похоронен 10 мая на Мацляйндорфском католическом кладбище в Вене. "За гробом, - писал Игнац фон Мозель, шёл весь персонал императорской капеллы во главе с директором, графом Морицем фон Дитрихштейном, а также все присутствовавшие в Вене капельмейстеры и композиторы, толпа музыкантов и множество уважаемых любителей музыки". В 1874 году останки композитора были перезахоронены на Центральном кладбище Вены. *Частная жизнь композитора* Миф об убийстве Моцарта стал настоящим проклятьем для Сальери. Сплетня появилась в последние годы жизни композитора и преследовала его до самой кончины. Миф получил распространение и популярность, в том числе, благодаря талантливой литературной обработке Пушкиным и Шеффером, а в 20 веке и М. Форманом. Однако реальность была предельно далека от выдуманной истории. Сальери плодотворно сотрудничал с Моцартом, дирижировал исполнением его произведений. Они не были дружны, но много общались, и у Сальери совершенно не было никакого основания для убийства, так как при жизни он был гораздо более успешен, чем Моцарт. В обычной жизни Сальери Антонио был так же успешен, как и в творческой. В 1775 году он женился и прожил счастливо всю жизнь с женщиной, которую называл своей главной любовью. У них было 8 детей. Жена Терезия умерла на 18 лет раньше Сальери, и он скучал по ней до самого конца своей жизни. *Творчество* Спойлер: За свою жизнь композитор написал 40 опер, большое количество концертов и инструментальных произведений духовной и камерной музыки. Сальери много сил и средств отдал сохранению и пропаганде творческого наследия своего благодетеля – Флориана Гассмана, он также занимался воспитанием его дочери, из которой вырастил выдающуюся солистку оперной сцены. Если поискать успешного и продуктивного композитора в истории музыки, то одним из таковых будет Антонио Сальери, альбомы с произведениями которого имеются во всех музыкальных библиотеках Европы. Его оперы и сегодня продолжают исполняться, а многие творения композитора являлись новаторскими для своего времени, что позволяет их назвать эволюционным этапом в мировой музыке. Наиболее значительными произведениями Сальери Антонио являются оперы "Тарар", "Данаиды", "Аксур, царь Ормуза", "Фальстаф", а также "Реквием" и некоторые камерные пьесы. Кроме сочинения произведений, Сальери Антонио много сил отдавал работе с учениками. Он создал собственную методику подготовки музыкантов, его отношения с подопечными были душевными и эмоциональными. Знаменитые ученики Антонио Сальери – Лист, Бетховен, Черни, Мейербер, Шуберт. Всего он выпустил около шести десятков музыкантов – композиторов и вокалистов. *Список сочинений* Спойлер: Испанская "Фолия" (1815); Большая месса ре мажор; Концерт для органа с оркестром до мажор; Концерт для скрипки, гобоя и виолончели c оркестром ре мажор (1770); Концерт для флейты и гобоя с оркестром до мажор; Концерт для фортепиано с оркестром до мажор (1773 ?); Концерт для фортепиано с оркестром си-бемоль мажор (1773 ?); Магнификат до мажор; Опера "Данаиды" (1784); Опера-буффа "Мир вверх дном" (1795); Опера-буффа "Пещера Трофонио" (1785); Опера-буффа "Сначала музыка, потом слова" (1786); Опера-буффа "Фальстаф" (1799); Опера-семисериа "Аксур, царь Ормуза" (1788); Опера-сериа "Признанная Европа" (1778); Опера-сериа "Тарар" (1787); Оперные увертюры; Реквием до минор (1804); Симфония "Il giorno onomastico" ре мажор; Симфония "La tempesta di mare" си-бемоль мажор; Симфония "La Veneziana" ре мажор; "Страсти Господа нашего Иисуса Христа" - оратория для солистов, хора и оркестра (1776). [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] __________________

15.12.2017, 10:02	#87
CLIPER Помним... Ветеран гвардии Старпом Пиратский зубоскал Покровитель: Пиратский Барон Регистрация: 05.03.2013 Адрес: у самого синего моря Сообщений: 14,845 Нация: Пираты Пол: Мужской Офицеры Корабли Репутация: 1278 Награды пользователя: Всего наград: 14	Re: Великие композиторы и музыканты *Леош Яначек* Дата рождения: 3 июля 1854 Место рождения: Гуквальды, Фридек-Мистек, Моравскосилезский край, Чехия Дата смерти: 12 августа 1928 (74 года) Место смерти: Острава, Острава-город, Чехословакия Страна: Австрийская империя, Чехословакия Профессии: композитор Эпоха: романтизм *Леош Яначек* - чешский композитор. Член Чешской академии наук и искусства. Л. Яначек занимает в истории чешской музыки XX в. такое же почетное место, как в XIX в. - его соотечественники Б. Сметана и А. Дворжак. Именно эти крупнейшие национальные композиторы, создатели чешской классики, вывели искусство этого музыкальнейшего народа на мировую арену. Чешский музыковед Я. Шеда набросал следующий портрет Яначека, каким он сохранился в памяти соотечественников: "...Горячий, вспыльчивый, принципиальный, резкий, рассеянный, с неожиданными переменами настроений. Был он невелик ростом, коренаст, с выразительной головой, с густыми волосами, лежащими на голове беспорядочными прядями, с насупленными бровями и искрящимися глазами. Никаких потуг на изящество, ничего внешнего. Был он полный жизни и порыва упрямец. Такова и его музыка: полнокровная, лаконичная, изменчивая, как сама жизнь, здоровая, чувственная, горячая, увлекающая за собой". *Биография* Спойлер: Яначек принадлежал к поколению, жившему в угнетенной стране (долго находившейся в зависимости от Австрийской империи) в реакционную эпоху - вскоре после подавления национально-освободительной революции 1848 г. Не с этим ли связано его постоянное глубокое сочувствие угнетенным и страждущим, его страстное, неуемное бунтарство? Композитор родился в краю густых лесов и старинных замков, в небольшой горной деревушке Гуквальды. Он был девятым из 14 детей учителя средней школы. Его отец, кроме других предметов, преподавал музыку, был скрипачом, церковным органистом, руководителем и дирижером хорового общества. Мать также обладала незаурядными музыкальными способностями и познаниями. Она играла на гитаре, хорошо пела, а после смерти мужа исполняла партию Органа в местном костеле. Детство будущего композитора было бедным, но здоровым и привольным. Он навсегда сохранил душевную близость к природе, уважение и любовь к моравским крестьянам, которые были воспитаны в нем с малых лет. Лишь до 11 лет прожил Леош под родительским кровом. Его музыкальные способности и звонкий дискант решили вопрос о том, куда следует, определить ребенка. Отец отвез его в Брно к Павлу Кржижковекому - моравскому композитору и собирателю фольклора. Леош был принят в церковный хор Старобрненского августинского монастыря. Мальчики-певчие жили при монастыре на казенный счет, посещали общеобразовательную школу и проходили музыкальные дисциплины под руководством строгих наставников-монахов. Композицией с Леошем занимался сам Кржижковский. Воспоминания о жизни в Старобрненском монастыре нашли отражение во многих сочинениях Яначека. Атмосфера высокой и древней моравской культуры, осознанная в те годы, воплотилась в одной из вершин творчества композитора - "Глаголической мессе" (1926). Впоследствии Яначек закончил курс пражской Органной школы, совершенствовался в Лейпцигской и Венской консерваториях, но при всем глубоком профессиональном фундаменте, в главном деле своей жизни-творчестве — настоящего большого руководителя у него не было. Все, чего он достиг, было завоевано не благодаря школе и многоопытным советчикам, а совершенно самостоятельно, путем трудных исканий, подчас методом проб и ошибок. С первых шагов на самостоятельном поприще Яначек - не просто музыкант, но и учитель, фольклорист, дирижер, музыкальный критик, теоретик, организатор филармонических концертов и Органной школы в Брно, музыкальной газеты и кружка по изучению русского языка. Долгие годы композитор трудился и боролся в провинциальной безвестности. Пражская профессиональная среда его долго не признавала, только один Дворжак ценил и любил своего младшего коллегу. В то же время укоренившееся в столице позднеромантическое искусство было чуждо моравскому мастеру, опиравшемуся на народное творчество и на интонации живой звучащей речи. С 1886 г. композитор вместе с этнографом Ф. Бартошем каждое лето проводил в фольклорных экспедициях. Он опубликовал множество записей моравских народных песен, создал их концертные обработки, хоровые и сольные. Им двигало стремление противопоставить отвлеченности - жизненность, древности - сегодняшний день, выдуманной легендарной обстановке - конкретность народного быта, обобщенным героям-символам - простых людей с горячей человеческой кровью. Этого удалось достигнуть лишь в третьей опере "Ее падчерица". В этой опере уже нет прямых цитат, хотя вся она - сгусток стилистических черт и признаков, ритмов и интонаций моравских песен, народной речи. Опера была отвергнута Пражским национальным театром, и понадобилось 13 лет борьбы, чтобы великолепное произведение, сегодня идущее в театрах всего мира, проникло наконец на столичную сцену. В начале XX в. у Яначека отчетливо проявляются социально-критические тенденции. Он испытывает сильное влияние русской литературы - Гоголя, Толстого, Островского. Он пишет фортепианную сонату "С улицы" и помечает ее датой 1 октября 1905 г., когда австрийские солдаты разгоняли в Брно молодежную демонстрацию, а затем - трагические хоры на ст. рабочего поэта Петра Безруча "Кантор Гальфар", "Маричка Магдонова", "70000" (1906). Особенно драматичен хор «Маричка Магдонова» о гибнущей, но не покорившейся девушке, вызывавший всегда бурную реакцию зала. К тому же времени относятся первые наброски симфонической рапсодии "Тарас Бульба", полностью завершенной композитором в разгар первой мировой войны, когда правительство Австро-Венгрии гнало чешских солдат воевать против русских. Последнее десятилетие жизни и творчества композитора (1918-28) четко ограничено историческим рубежом 1918 г. (конец войны, конец трехсотлетнего австрийского ига) и одновременно поворотом в личной судьбе Яначека, началом его мировой славы. В этот период его творчества, который можно назвать лирико-филосафским, созданы самая лирическая из его опер "Катя Кабанова" (по "Грозе" Островского, 1919-21). поэтичная философская сказка для взрослых "Приключения лисички-плутовки" (по новелле Р. Тесноглидека, 1921-23), а также оперы "Средство Макропулоса" (по одноименной пьесе К. Чапека, 1925) и "Из мертвого дома" (по "Запискам из мертвого дома" Ф. Достоевского, 1927-28). Кроме этого - многочисленные хоровые и камерно-инструментальные сочинения, в т. ч. 2 квартета. Как сказал в свое время об этих сочинениях Б. Асафьев, Яначек словно молодел с каждым из них. Смерть настигла Яначека неожиданно: во время отдыха летом в Гуквальдах он простудился и умер от воспаления легких. Хоронили его в Брно. Собор Старобрненского монастыря, где он учился и мальчиком пел в хоре, был переполнен толпами взволнованных людей. Казалось невероятным, что ушел тот, над кем словно были не властны годы и старческие недуги. *Творчество* Спойлер: Современники не до конца поняли, что Яначек - один из основоположников музыкального мышления и музыкальной психологии XX в. Его речь с сильным местным акцентом казалась чересчур дерзкой для эстетов, оригинальные творения, философские взгляды и теоретическое мышление подлинного новатора воспринимались как курьез. При жизни он снискал репутацию недоучки, примитива, местечкового фольклориста. Лишь новый опыт современного человека к концу столетия открыл нам глаза на личность этого гениального художника, и начался новый взрыв интереса к его творчеству. Теперь прямолинейность его взгляда на мир не нуждается в смягчении, острота звучания его аккордов не требует шлифовки. Современный человек видит в Яначеке своего соратника, глашатая общечеловеческих принципов прогресса, гуманизма, бережного уважения законов природы. *Избранные сочинения* Спойлер: *Оперы и балет* Шарка (Sarka, 1887-1888; премьера Брно, 1925) Начало романа (Pocatek romfnu, 1891; премьера Брно, 1894) Енуфа (Jenufa, также известна под названием "Ее падчерица" 1894-1903; премьера Брно, 1904) Судьба (Osud, 1903-1904; премьера Брно, 1958) Путешествия г-на Броучека (Vylety pane Brouckovy, 1908-1917; премьера Прага, 1920) Катя Кабанова (Kata Kabanova, 1919-1921, по драме А. Н. Островского "Гроза"; премьера Брно, 1921) Приключения лисички-плутовки, также Лисичка-плутовка (Prihody lisky bystrousky, 1921-1923; премьера Брно, 1924) Средство Макропулоса (Vec Makropulos, 1923-1925, по К. Чапеку; премьера Брно, 1926) Из мёртвого дома (Z mrtveho domu, 1927-1928, по Ф. М. Достоевскому; премьера Брно, 1930) Ракош Ракочи (Rakos Rakoczy), балет с пением (Брно, 1891) *Симфоническая музыка* Сюита для струнного оркестра (1877) Идиллия для струнного оркестра (1878) Лашские танцы (чеш. Lasske tance, 1889-1890) Ганацкие танцы (чеш. Hanacke tance, 1889-1890) Сюита, op.3 (1891) Ревность, увертюра (чеш. Zarlivost, 1894) Дитя бродячего музыканта, баллада для оркестра (чеш. Sumarovo dite, 1912) Тарас Бульба, рапсодия для оркестра, по Гоголю (чеш. Taras Bulba, 1915-1918) Бланицкая баллада, симфоническая поэма (чеш. Balada blanicka, 1920) Симфониетта (1926) *Хоровые сочинения* Господи, помилуй. Для четырёх солистов, двойного смешанного хора, органа, арфы и медных (1896) Amarus. Лирическая кантата для солистов, хора и оркестра (1897) Отче наш. Кантата для тенора, хора и фортепиано (1901) Элегия на смерть моей дочери Ольги. Кантата для тенора, хора и фортепиано (1903) Zdravas Maria для тенора, хора и органа (1904) Na Solani Cartak. Кантата для мужского хора с оркестром (1911) Вечное Евангелие. Легенда для солистов, хора и оркестра (1914) Глаголическая месса. Кантата для солистов, хора и оркестра и органа (1926) *Камерная музыка* Романс для скрипки и фортепиано (1879) Dumka для скрипки и фортепиано (1880) Скрипичная соната (1913-1921) Pohadka для виолончели и фортепиано (1910) Престо для виолончели и фортепиано (1910) Струнный квартет Nr.1, по повести Л. Толстого "Крейцерова соната" (1923) Струнный квартет Nr.2 Личные письма (1928) Mladi. Сюита для духового секстета (1924) Концертино для фортепиано и камерного ансамбля (1926) Каприччио для фортепиано (левая рука) и камерного ансамбля (1926) *Фортепианные сочинения* Zdenciny variace. Тема с вариациями (1880) Narodni tance na Morave (1891-1893) Po zarostlem chodnicku (1901-1908) Sonata 1. X. 1905 "Z ulice" (1905) V mlhach (1912) Vzpominka (1928) *Песни* Jarni pisen (1897; новая редакция - 1905) Zapisnik zmizeleho. Для тенора, альта, трех женских голосов и фортепиано (1917-1919) *Незавершенные сочинения* Дунай. Симфония в 4-х частях (чеш. Dunaj, 1923-1928) Странствия душеньки. Концерт для скрипки с оркестром (чеш. Putovani dusicky, 1926) Месса Es-dur для хора и органа (1907-1908) Шлюк и Яу (чеш. Trunda a Lajda), музыка к фарсу Г. Гауптмана (1928) [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] __________________

20.12.2017, 16:50	#92
CLIPER Помним... Ветеран гвардии Старпом Пиратский зубоскал Покровитель: Пиратский Барон Регистрация: 05.03.2013 Адрес: у самого синего моря Сообщений: 14,845 Нация: Пираты Пол: Мужской Офицеры Корабли Репутация: 1278 Награды пользователя: Всего наград: 14	Re: Великие композиторы и музыканты *Сергей Иванович Танеев* Дата рождения: 25 ноября 1856 Место рождения: Владимир Дата смерти: 19 июня 1915 (58 лет) Место смерти: Дютьково под Звенигородом, Московская губерния Страна: Российская империя Профессии: композитор, пианист, педагог, учёный Эпоха: романтизм *Сергей Иванович Танеев* - русский композитор, пианист, педагог, учёный, музыкально-общественный деятель. В русской музыке рубежа веков С. Танеев занимает совершенно особое место. Выдающийся музыкально-общественный деятель, педагог, пианист, первый в России крупный ученый-музыковед, человек редких нравственных достоинств, Танеев был признанным авторитетом в культурной жизни своего времени. Однако главное дело его жизни, композиторское творчество, далеко не сразу нашло подлинное признание. Причина не в том, что Танеев - новатор-радикал, заметно опередивший свою эпоху. Напротив, многое в его музыке воспринималось современниками как устаревшее, как плод "профессорской учености", сухой кабинетной работы. Странным и несвоевременным казался интерес Танеева к старым мастерам, к И. С. Баху, В. А. Моцарту, удивляла приверженность классическим формам и жанрам. Лишь позднее пришло понимание исторической правоты Танеева, искавшего для русской музыки прочной опоры в общеевропейском наследии, стремившегося к универсальной широте творческих задач. *Биография* Спойлер: Родился 13 ноября 1856 года во Владимире. Принадлежал к роду дворян, ведущему свою историю с XV века. Его отец, Иван Ильич Танеев - помещик, статский советник, магистр словесности, врач, музыкант-любитель. С пяти лет учился игре на фортепиано, сначала у M. А. Миропольской, затем у В. И. Полянской. После переезда в Москву поступил в только что открывшуюся консерваторию (1866). До 1869 занимался в младших классах у Э. Л. Лангера (фортепиано, элементарная теория музыки и сольфеджио). В 1869-1875 годах продолжил занятия в классе фортепиано Н. Г. Рубинштейна, гармонии, инструментовки и свободного сочинения П. И. Чайковского, контрапункта, фуги и музыкальной формы Н. А. Губерта. Был любимым учеником П. И. Чайковского. В 1875 году окончил Московскую консерваторию по классу Н. Г. Рубинштейна (фортепиано) и П. И. Чайковского (композиция) с золотой медалью. Выступал на концертах как пианист-солист и в ансамбле. Первый исполнитель многих фортепианных произведений Чайковского (Второго и Третьего фортепианных концертов, доработал последний после смерти композитора), исполнитель собственных сочинений. С 1878 по 1905 год работал в Московской консерватории (с 1881 года - профессор), где вёл классы гармонии, инструментовки, фортепиано, композиции, полифонии, музыкальной формы. В 1885-1889 годах занимал должность директора Московской консерватории. В это время и до конца своей жизни композитор проживал со своей няней в съёмном доме в Малом Власьевском переулке. В 1905 году в знак протеста против авторитарных методов руководства покинул консерваторию и больше в неё не возвращался, несмотря на просьбы профессоров и учеников. Был одним из основателей и педагогов Народной консерватории (1906 год). Танеев участвовал в работе Пречистенских рабочих курсов для рабочих, изучал музыкальный фольклор, занимался с учениками частным образом (всегда безвозмездно). На похороны А. Н. Скрябина, умершего 14 (27) апреля 1915 года, Танеев пришёл простуженный и получил осложнение, простуда перешла в пневмонию, и через два месяца он скончался. Был похоронен на Донском кладбище в Москве. Позднее останки перенесены на Новодевичье кладбище. *Творчество* Спойлер: Убеждённый последователь классики (в его музыке нашли претворение традиции М. И. Глинки, П. И. Чайковского, а также И. С. Баха, Л. Бетховена), Танеев предвосхитил многие тенденции музыкального искусства XX века. Его творчество отмечено глубиной и благородством замыслов, высокой этичностью и философской направленностью, сдержанностью высказывания, мастерством тематического и полифонического развития. В своих сочинениях он тяготел к нравственно-философской проблематике. Такова, например, его единственная опера - "Орестея" (1894, по Эсхилу) - образец претворения античного сюжета в русской музыке. Его камерно-инструментальные произведения (трио, квартеты, квинтеты) принадлежат к лучшим образцам этого жанра в русской музыке. Один из создателей лирико-философской кантаты в русской музыке ("Иоанн Дамаскин", "По прочтении псалма"). Возродил популярный в отечественной музыке XVII-XVIII веков жанр - хоры a cappella (автор более 40 хоров). В инструментальной музыке особое значение придавал интонационному единству цикла, монотематизму (4-я симфония, камерно-инструментальные ансамбли). Сочинял и романсы. Танеев был прирожденным педагогом. Прежде всего потому, что собственный творческий метод он выработал совершенно сознательно и мог научить других тому, чему научился сам. Центром тяжести при этом становилась не индивидуальная стилистика, а общие, универсальные принципы музыкальной композиции. Поэтому столь различен творческий облик композиторов, прошедших через класс Танеева. С. Рахманинов, А. Скрябин, Н. Метнер, Ан. Александров, С. Василенко, Р. Глиэр, А. Гречанинов, С. Ляпунов, З. Палиашвили, А. Станчинский и многие другие - каждому из них Танеев сумел дать ту общую основу, на которой расцвела индивидуальность ученика. Многообразная творческая деятельность Танеева, безвременно прервавшаяся в 1915 г., имела огромное значение для отечественного искусства. По словам Асафьева, "Танеев... был источником великой культурной революции в русской музыке, последнее слово которой еще далеко не сказано..." *Сочинения* Спойлер: *Основные произведения композитора:* Опера "Орестея" (1-я постановка - 1895, Петербург) Кантаты "Иоанн Дамаскин", "По прочтении псалма", "Cлавa H. Г. Рубинштейнy", "Я памятник себе воздвиг". 4 симфонии (1874-98), увертюры, концерт для фортепиано с оркестром Камерно-инструментальные ансамбли (20) - трио (в том числе фортепианное, 1908), квартеты (в том числе фортепианный, 1906), квинтеты (в том числе фортепианный, 1911) Для фортепиано - Прелюдия и фуга соль-диез минор и др. Канцона для кларнета (виолончели) и оркестра Хоры a cappella Хоры без обозначения opus’a: "Венеция ночью" (Фет), "Ноктюрн" (Фет), "Веселый час" (Кольцов)-1880 год; "Песня короля Регнера" (Языков), "Вечерняя песня" (Хомяков)-1882 год. Ор. 8. "Восход солнца" (Тютчев). Ор. 10. "Из края в край" (Тютчев). Ор. 15. Два хора a capella для четырёх смешанных голосов (1900): № 1. "Звезды" (Хомяков), "Московскому Синодальному хору; № 2. "Альпы" (Тютчев), И. А. Мельникову. Ор. 23. Ночи. Три терцета a capella для сопрано, альта и тенора (Тютчев). Могут исполняться также и хором (1907): № 1. "Сонет Микель-Анджело"; № 2. "Рим ночью"; № 3. "Тихой ночью". Ор. 24. Два квартета a capella для двух сопрано, альта и тенора (Пушкин). Могут исполняться также и хором (1907): № 1. "Монастырь на Казбеке"; № 2. "Адели". Ор. 27. Двенадцать хоров a capella для смешанных голосов (Полонский). Посвящается хору Московских Пречистенских курсов для рабочих (1909): № 1. "На могиле"; № 2. "Вечер"; № 3. "Развалину башни"; № 4. "Посмотри, какая мгла"; № 5. "На корабле"; № 6. "Молитва"; № 7. "Из вечности музыка вдруг раздалась"; № 8. "Прометей"; № 9. "Увидал из-за тучи утес"; № 10. "Звезды"; № 11. "По горам две хмурых тучи"; № 12. "В дни, когда над сонным морем". Ор, 35. Шестнадцать хоров a capella для мужских голосов (Бальмонт). Посвящается Хоровому Обществу чешских учителей (1914): № 1. "Тишина"; № 2. "Призраки"; № 3. "Сфинкс"; № 4. "Заря"; № 5. «Молитва»; № 6. «В пространствах эфира»; № 7. «И сон и смерть»; № 8. «Небесная роса»; № 9. "Мертвые корабли"; № 10. "Звуки прибоя"; № 11. "Морское дно"; № 12. "Морская песня"; № 13. «Тишина»; № 14. «Гибель»; № 15. «Белый лебедь»; № 16. «Лебедь». Посмертные издания - хоры "Сосна" (Лермонтов) и "Фонтан" (Козьма Прутков) - ранние произведения (1877 и 1880), впервые опубликованные в журнале "Советская музыка", 1940, № 7. Камерно-вокальные ансамбли с фортепиано и a cappella 55 романсов [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] __________________

20.12.2017, 16:51	#93
CLIPER Помним... Ветеран гвардии Старпом Пиратский зубоскал Покровитель: Пиратский Барон Регистрация: 05.03.2013 Адрес: у самого синего моря Сообщений: 14,845 Нация: Пираты Пол: Мужской Офицеры Корабли Репутация: 1278 Награды пользователя: Всего наград: 14	Re: Великие композиторы и музыканты *Станислав Монюшко* Дата рождения: 5 мая 1819 Место рождения: Убель, Игуменский уезд, Минская губерния, Российская империя Дата смерти: 4 июня 1872 (53 года) Место смерти: Варшава, Царство Польское, Российская империя Страна: Российская империя Профессии: композитор, дирижёр Эпоха: романтизм *Станислав Монюшко* - польский композитор; автор песен, оперетт, балетов, опер; творец польской национальной оперы, классик вокальной лирики. Выдающийся польский композитор С. Монюшко - создатель национальной классической оперы и камерной вокальной лирики. Его творчество впитало в себя характерные черты народной музыки поляков, украинцев и белорусов. С детства Монюшко имел возможность познакомиться с крестьянским фольклором славянских народов. Его родители любили искусство, обладали различными художественными талантами. Мать учила мальчика музыке, отец был художником-любителем. Часто устраивались домашние спектакли, и любовь к театру, зародившаяся у Станислава с детства, прошла через всю его жизнь. *Биография* Спойлер: Родился в фольварке Убель Игуменского уезда Минской губернии (ныне Червенский район Белоруссии), в котором обосновался после русской кампании Наполеона его отец - Чеслав Монюшко, капитан полка литовских конных стрелков, который завершил свою военную карьеру адъютантом при штабе маршала Мюрата. Мать - Елизавета Маджарская, армянка по национальности, правнучка Яна Маджарского (Ованес Маджаренц), создавшего производство слуцких поясов. Музыке Станислав учился у матери. Позднее, обучаясь в школе пиаров в Варшаве, Монюшко брал уроки у Августа Фрейера (фортепиано, орган; 1827-1830). Затем музыкальное образование было усовершенствовано у Доминика Стефановича (композиция) в Минске (1830-1837) и у Карла Фридриха Рунгенхагена (композиция, хоровое дирижирование) в Берлине (1837-1840). В Вильну приехал впервые в 1836 году. В 1840 году, завершив образование, женился в Вильне на Александре Мюллер. До 1858 года жил в Вильне. Служил органистом в костёле Святых Иоаннов. Его годовое жалованье составляло 100 рублей серебром. Кроме того, Монюшко давал уроки фортепиано и композиции (среди его учеников был и будущий известный композитор Цезарь Кюи). В 1842 году побывал в Санкт-Петербурге, предприняв неудавшуюся попытку получить место придворного композитора в оперном театре. В 1849 и 1856 годах давал в Санкт-Петербурге авторские концерты. Был знаком с русскими композиторами М. И. Глинкой, А. С. Даргомыжским, А. Н. Серовым, которые высоко ценили его творчество. С 1850 года Монюшко дирижировал в виленском городском театре на оперных спектаклях. С 1858 года жил в Варшаве, был дирижёром Большого театра в Варшаве, в 1864-1872 годах профессор Музыкального института. В 1858 году во время поездки в Германию познакомился с Ференцем Листом. Частые выступления с авторскими концертами в Петербурге сблизили Монюшко с русскими композиторами. Лучшее из созданного Монюшко связано прежде всего с теми жанрами, которые не были затронуты великим польским классиком Ф. Шопеном или не получили у него значительного развития, - с оперой и песней. Монюшко создал 15 опер. Кроме "Гальки", к лучшим его произведениям относится "Зачарованный замок" ("Страшный двор" - 1865). Но особенно важным наряду с оперным творчеством было сочинение песен (ок. 400), которые композитор объединял в сборники - "Домашние песенники". Их название говорит само за себя: это музыка повседневного быта, созданная в расчете не только на профессионалов, но и любителей музыки. "Я не создаю ничего нового. Странствуя по польским землям, я наполняюсь духом народных песен. Из них, помимо моей воли, вдохновение переливается во все мои сочинения". В этих словах Монюшко раскрывается секрет удивительной "общительности" его музыки. *Интересные факты* Спойлер: *Первая любовь на всю жизнь* Когда Станиславу исполнилось 17 лет, Казимир Монюшко повез племянника в Вильно. Он остановились на квартире у полковника Ксаверия Мюллера, где Станислав увидел его дочь, 16-летнюю Александру. Увидел - и полюбил на всю жизнь. - Удивительно, но родители девушки не воспротивились такой юношеской любви, - говорит Ирина Середа. - Мама Александры Мария Мюллер поставила только одно условие. Станислав должен был получить какое-то образование и профессию. И Станислав решает стать композитором. Он уезжает в Берлин учиться в Музыкальной академии. Директор академии Карл Фридрих Рунгенхаген был так впечатлен его способностями, что поселил студента на все четыре года учебы у себя дома. И как композитор он дебютировал именно в Берлине, представив три романса на стихи Адама Мицкевича. Посвящены они были, конечно, возлюбленной Александре. После учебы его приглашали остаться в Берлине, но он стремился в Вильно. В 1840 году, когда Станиславу Монюшко был только 21 год, он обвенчался с Александрой. И следующие тридцать лет до самой смерти композитора они были вместе, любовь их не угасла, в любые дни разлуки Станислав писал супруге подробнейшие письма, благодаря которым мы сегодня знаем, к примеру, чем жил Минск середины XIX века. За 18 лет жизни в Вильно у них родилось 10 детей, трое умерли в детстве. Но несмотря на такое семейное счастье, жизнь Станислава была очень непростой. Чтобы прокормить жену и детей, он устроился органистом в тот же костел Святого Яна, в котором венчался. Для шляхтича это было крайне непрестижно. Он давал частные уроки. И очень много писал. За эти годы Монюшко написал около 300 романсов. Именно в те годы была написана первая белорусская опера "Идиллия" ("Селянка") на либретто Дунина-Марцинкевича. Премьера прошла в Минске в городском театре, который располагался на нынешней улице Ленина. И в этот вечер белорусский язык впервые прозвучал со сцены. После первого же показа оперу запретили, а сам клавир был утерян. Хотя Монюшко очень трепетно следил за тем, чтобы все его сочинения были изданы, пропала именно белорусская его опера. Уцелела только ария Комиссара. Когда в Купаловском театре в 1993 году поставили "Идиллию", эта ария снова прозвучала со сцены белорусского театра. *Творчество* Спойлер: Первое изданное сочинение "Три песни" на слова Адама Мицкевича (1838). С 1842 года сочинял песни (всего около 400). Песни Монюшко заложили основы польской национальной вокальной музыки. В ранний период творчества писал водевили, музыкальные комедии, комические оперы. Автор оркестровых сочинений (фантастическая увертюра "Сказка", посвященная Даргомыжскому, 1848; увертюры "Каин", 1856; "Военная", 1857, и другие). Главная заслуга - создание национальной польской оперы (написал свыше 15 опер). Первая опера - "Галька". Впервые в концертном исполнении в Вильне (1848); постановка (1854). В новой редакции в 4 актах поставлена в Варшаве (1858). Либретто оперетт "Рекрутский набор" (1841 или 1842), "Борьба музыкантов" (1840-е годы), опер "Чудесная вода" (1840-е годы), "Сельская идиллия" (1846) написал В. И. Дунин-Марцинкевич. Монюшко писал также музыку к постановкам пьес "Гамлет" и "Венецианский купец" Уильяма Шекспира, "Разбойники" Фридриха Шиллера, "Карпатские горцы" Юзефа Коженёвского, "Лилля Венеда" Юлиуша Словацкого. *Сочинения* Спойлер: *Основные произведения композитора:* *Кантаты* "Мильда" ("Milda", 1848, слова Ю. И. Крашевского) "Ниола" ("Nijoła", 1852, слова Ю. И. Крашевского) "Крумине" (1852, слова Ю. И. Крашевского) "Призраки" ("Widma", 1859, слова А. Мицкевича) "Крымские сонеты" ("Sonety krymskie", 1867, слова А. Мицкевича) *Духовная музыка* "Остробрамские литании" ("Litanie Ostrobramskie") 6 месс, в том числе "Петровинская" *Оперы* "Галька" ("Halka", I версия 1848; II версия 1858) "Bettly" (1852) "Flis" (1858) "Графиня" ("Hrabina", 1860) "Слово чести" ("Verbum Nobile", 1861) "Зачарованный замок" ("Страшный двор", "Straszny dwor", 1865) "Пария" ("Paria", 1869) *Оперетты* "Ночь в Апеннинах" (Nocleg w Apeninach, либретто А. Фредро; 1839) "Ideał czyli Nowa Precyzja" (1841) "Karmaniol czyli Francuzi lubią żartowac" (1841) "Żolta szlafmyca" (1842) "Nowy Don Kiszot czyli Sto szalenstw" (1849) "Loteria" (1843) "Cyganie" (I версия 1852; II версия под названием "Jawnuta" 1858) *Балеты* "Monte Christo" (1866) "Na kwaterunku" (1868) "Figle szatana" (1870) [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] __________________

20.12.2017, 20:15	#94
CLIPER Помним... Ветеран гвардии Старпом Пиратский зубоскал Покровитель: Пиратский Барон Регистрация: 05.03.2013 Адрес: у самого синего моря Сообщений: 14,845 Нация: Пираты Пол: Мужской Офицеры Корабли Репутация: 1278 Награды пользователя: Всего наград: 14	Re: Великие композиторы и музыканты *Исаак Альбенис* Дата рождения: 29 мая 1860 Место рождения: Кампродон (Каталония, Испания) Дата смерти: 18 мая 1909 (48 лет) Место смерти: Камбо-ле-Бен (департамент Атлантические Пиренеи, Франция) Страна: Испания Профессии: композитор, пианист Эпоха: романтизм *Исаак Альбенис* - испанский композитор и пианист, один из основоположников испанской национальной музыкальной школы. Имя Альбениса неразрывно с новым направлением испанской музыки Ренасимьенто, возникшего на рубеже XIX-XX вв. Вдохновителем этого движения был Ф. Педрель, ратовавший за возрождение испанской национальной культуры. Первые классические образцы новой испанской музыки создали И. Альбенис и Э. Гранадос, а творчество М. де Фальи стало вершиной этого направления. Ренасимьенто охватило всю художественную жизнь страны. В нем участвовали писатели, поэты, художники: Р. Валье-Инклан, X. Хименес, А. Мачадо, Р. Пидаль, М. Унамуно. "Возвышенную и необычайную музыкальную интуицию Альбениса можно было сравнить с чашей, до краев наполненной чистым вином, согретым средиземноморским солнцем". - Ф. Педрель *Биография* Спойлер: В четыре года юный Исаак впервые публично выступил в Барселоне, а уже в десять лет он разъезжал с сольными концертами по всей Испании. Обучался в Барселоне (Э. Компта, Х. Пухоль - фортепиано), Брюсселе (Л. Брассен — фортепиано, Ф. Геварт — композиция), Будапеште (Ф. Лист — фортепиано в 1878-79 гг.), Мадриде (Ф. Педрель - композиция). Концертировал во многих странах Европы, Северной и Южной Америки. Был близок к "поколению 98 года". В 1890 покидает Испанию и едет в Лондон, но в 1892 г. возвращается обратно. С 1893 или 1894 жил в Париже. В 1897-1898 Исаак Альбенис занимался в "Схола канторум" (второй парижской консерватории) у крупнейших музыкантов Франции - Венсана д’Энди, Габриэля Форе. Знакомство с К. Дебюсси оказало влияние на его поздние сочинения. Дебюсси так оценил творчество Альбениса: "Никогда ещё музыка не затрагивала столь различные впечатления, такие яркие, что от изобилия образов хочется закрыть глаза, как от яркого солнца". Поворотным моментом в творческом пути стало обращение Альбениса к испанскому фольклору - "золотым россыпям народного искусства", по словам композитора. В последние годы жизни он возглавлял новое направление испанской музыки - так называемое Ренасимьенто. Фортепианные сочинения (всего около 300) - лучшая часть наследия композитора. В этих произведениях соединены традиции народных песенно-танцевальных жанров различных областей Испании (хота, сегидилья, сортсико, малагенья и др.) и музыкальной классики. Среди наиболее известных сочинений: "Испанская сюита" (1886), циклы пьес "Испания" (1890), "Два испанских танца", "Испанские напевы" (1892), "Иберия" (1905-09), "Наварра" (завершена французским композитором Деода де Севераком), симфоническая сюита «Каталония» (1899, завершена лишь первая часть). Среди других сочинений Альбениса: сарсуэлы - "Святой Антоний" (1894, театр "Аполо", Мадрид) и др.; оперы "Генри Клиффорд" (1895, театр "Лисео", Барселона), "Пепита Хименес" (1896, театр "Лисео", Барселона); романсы и др. Умер в 1909 от хронического нефрита). Похоронен на кладбище Монжуик в Барселоне. Сесилия Саркози, вторая жена французского президента Николя Саркози, является правнучкой композитора. *Творчество* Спойлер: Из большого композиторского наследия Альбениса (комическая и лирическая оперы, сарсуэла, произведения для оркестра, голоса) наибольшую ценность представляет фортепианная музыка. Обращение к испанскому музыкальному фольклору, этим "золотым россыпям народного искусства", по выражению композитоpa, оказало решающее влияние на его творческое развитие. В сочинениях для фортепиано Альбенис широко использует элементы народной музыки, сочетая их с современными приемами композиторского письма. В фортепианной фактуре часто слышно звучание народных инструментов - тамбурина, волынки, особенно гитары. Используя ритмы песенно-танцевальных жанров Кастилии, Арагона, Басконии и особенно часто Андалусии, Альбенис редко ограничивается прямым цитированием народных тем. Лучшие его сочинения: "Испанская сюита", сюита "Испания" ор. 165, цикл "Испанские напевы" ор. 232, цикл из 12 пьес "Иберия" (1905-07) - образцы профессиональной музыки нового направления, где национальная основа органично соединяется с достижениями современного музыкального искусства. *Сочинения* Спойлер: *Оперы* "Магический опал" (The Magic Opal) (1893) "Генри Клиффорд" (Henry Clifford) (1895) "Пепита Хименес" (Pepita Jimenez) (1896) Трилогия "Король Артур (Круглый стол) (Le roi Arthus (La table ronde)): "Мерлин" (Merlín) (1898-1902) "Ланселот" (Lancelot) (1902-1903, не завершена) "Гиневра" (Guenevere) (работа над оперой начата не была) *Музыка для фортепиано* 3 "старинные сюиты" (Suites anciennes) Испанская сюита № 1 (Suite española no. 1, 1886). Включает 8 пьес, посвященных различным городам или регионам Испании. Испанская сюита № 2 (Suite espanola no. 2, 1889). Включает 2 пьесы. 2-я (1907): 1.Rondena (Ронденья), 2.Almeria (Альмерия), 3.Triana (Триана - цыганский квартал в Севилье). 3-я (1907): 1.El Albaicin (Альбайсин - цыганский квартал в Гранаде), 2.El Polo (Поло), 3.Lavapies (Лавапьес - пригород Мадрида). 4-я (1908): 1.Malaga (Малага), 2.Jerez (Херес), 3.Eritana. 12 характеристических пьес (12 piezas caracteristicas, 1888). Характеристическая сюита (Suite caracteristica, 1889) Воспоминания о путешествии (Recuerdos de viaje, 1886-1887), сюита для фортепиано. Включает 7 пьес. 7 сонат (2-я утрачена целиком, 1-я и 7-я - частично). Наварра (Navarra, завершена Д. де Севераком и опубл. в 1912). *Сарсуэлы* Святой Антоний (San Antonio de la Florida) (1894). *Сочинения для оркестра* Испанская рапсодия для фортепиано с оркестром (Rapsodia espanola para piano y orquesta). Концерт № 1 для фортепиано с оркестром Concierto fantastico. Концерт № 2 для фортепиано с оркестром. Незавершен. Альгамбра (The Alhambra, 1896-1897), симфоническая поэма. Не завершена. *Не сохранились* Христос (Cristo), оратория. Cuanto mаs viejo …, сарсуэла. Catalanes de Gracia, сарсуэла. El canto de salvacion, сарсуэла. [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] __________________

20.12.2017, 20:16	#95
CLIPER Помним... Ветеран гвардии Старпом Пиратский зубоскал Покровитель: Пиратский Барон Регистрация: 05.03.2013 Адрес: у самого синего моря Сообщений: 14,845 Нация: Пираты Пол: Мужской Офицеры Корабли Репутация: 1278 Награды пользователя: Всего наград: 14	Re: Великие композиторы и музыканты *Джордже Энеску* Дата рождения: 19 августа 1881 Место рождения: село Ливени, герцогство Буковина, Австро-Венгрия Дата смерти: 4 мая 1955 (73 года) Место смерти: Париж, Франция Страна: Румыния Профессии: исполнитель, дирижёр, композитор Эпоха: неоклассицизм *Джордже Энеску* - румынский композитор, скрипач, дирижёр и педагог, национальный классик, один из крупнейших музыкантов первой половины XX века. "Я без колебаний помещаю его в самый первый ряд композиторов нашей эпохи... Это относится не только к композиторскому творчеству, но и ко всем многочисленным аспектам музыкальной деятельности гениального художника - скрипача, дирижера, пианиста... Среди тех музыкантов, которых я знаю. Энеску был наиболее многогранным, достигшим в своих творениях высокого совершенства. Его человеческое достоинство, его скромность и моральная сила вызывали во мне восхищение..." В этих словах П. Казальса дан точный портрет Дж. Энеску - замечательного музыканта, классика румынской композиторской школы. *Биография* Спойлер: Джордже Энеску родился 19 августа 1881 года в селе Ливени Северной Молдовы, в крестьянской семье. Детские впечатления, связанные с родной природой, жизненным укладом румынского крестьянина, с его трудом, древними обрядами, песнями и плясками заложили основы национального мироощущения, ставшего затем столь характерным для Энеску-художника. В раннем детстве начал играть на скрипке, получив первые уроки уже в 4 года, а учителем был известный лэутер Н.Киору. Сначала Джордже подбирал мелодии, а потом проезжавший через деревню музыкант обучил его нотной грамоте. Затем была Венская консерватория и спектакли оперного театра, которые Энеску любил посещать. Иногда юный музыкант пробовал свои силы в дирижировании студенческим консерваторским оркестром. В 1892 году Энеску окончил консерваторию с золотой медалью. Родные отправили мальчика для усовершенствования в Париж. С 1893 по 1899 годы Энеску учится в Парижской консерватории, а по ее окончанию становится одним из лучших скрипачей Парижа. Новый век Энеску встретил признанным музыкантом. Он выступает в концертах с Сен-Сансом и Казальсом; избирается членом Французского общества музыкантов. Его неоднократно приглашают в члены жюри Парижской консерватории, а главное, он ведет интенсивную концертную деятельность. В 1907-1912 годах Энеску предпринял большие концертные турне по европейским странам. В 1909 году он впервые посетил Россию, выступал в Петербурге и Москве. В годы Первой мировой войны он продолжает концертировать во Франции, США, подолгу живет в Румынии, играет на фронтах и в лазаретах. Сборы с концертных выступлений жертвует на нужды Красного Креста. Война и последующая инфляция разорили Энеску. Он проводит бесконечные концертные турне по всему миру, покоряет слушателей Старого и Нового Света своей одухотворенностью, безупречной техникой, глубиной мысли и высокой музыкальной культурой. Великие музыканты современности восторгаются Энеску и рады выступить вместе с ним. Он был противником фашизма и принимал деятельное участие в культурном возрождении Румынии. В 1947 году маэстро было уже далеко за шестьдесят, но он продолжал интенсивную концертную деятельность. Зимой 1955 года он, будучи в Париже, тяжело заболел и последние месяцы жизни был прикован к постели. Умер Джордже Энеску в Париже 4 мая 1955 года. *Творчество* Спойлер: Специфику стиля Энеску составляет синтез народно-национального начала с традициями близкого ему романтизма (особенно сильно сказалось воздействие Р. Вагнера, И. Брамса, С. Франка) и с достижениями французского импрессионизма, с которым он сроднился за долгие годы жизни во Франции (он называл эту страну своей второй родиной). Олицетворением национального для него прежде всего был румынский фольклор, который Энеску глубоко и всесторонне знал, высоко ценил и любил, считая его основой всего профессионального творчества: "Наш фольклор не просто прекрасен. Он - кладезь народной мудрости". В народном музыкальном мышлении коренятся все основы стиля Энеску - мелодика, метроритмические структуры, особенности ладового склада, формообразование. "Его замечательное творчество всеми своими корнями уходит в народную музыку", - эти слова Д. Шостаковича выражают суть искусства выдающегося румынского музыканта. *Сочинения* Спойлер: 2 интермеццо для струнного оркестра op.12 7 песен на слова Клемана Маро op.15 Allegro de concert - for chromatic harp Prelude for solo violin "Впечатления детства" для скрипки и фортепиано op.28 "Далёкая серенада" для фортепианного трио (1903) "Посвящение Форе" для фортепиано "Румынская поэма", симфоническая сюита для оркестра и мужского хора op. 1 "Утренняя серенада" ("Aubade") для струнного трио (1899) Андантино Ария и скерцино (1908) для скрипки соло, 1-й скрипки, 2-й скрипки, альта, виолончели, контрабаса и фортепиано Баллада для скрипки и фортепиано Баллада для скрипки с оркестром op. 4a Децимет для духовых инструментов op.14 Камерная симфония Доступны ноты op.33 Кантабиле и престо для флейты и фортепиано Концертная пьеса для альта и фортепиано (1906) Концертная симфония для виолончели с оркестром си минор op. 8 Концертный экспромт для скрипки и фортепиано соль-бемоль мажор (1903) Легенда (для трубы и фортепиано) Ноктюрн и сальтарелла для виолончели и фортепиано (1895) Октет для струнных до мажор op. 7 Опера "Эдип" op.23 Пастораль, грустный менуэт и ноктюрн для скрипки и фортепиано в 4 руки (1900) Прелюдия и фуга для фортепиано Румынская рапсодия №1 ля мажор op.11 №1 Румынская рапсодия №2 ре мажор op.11 №2 Румынские танцы Симфоническая поэма "Vox maris" для сопрано, тенора и оркестра op.31 Симфония ми-бемоль мажор (1898) Симфония ре минор (1895) Симфония №1 ми-бемоль мажор op.13 Симфония №2 ля мажор op.17 Симфония №3 до мажор для хора, органа и оркестра op.21 Соната для скрипки и фортепиано №1 pе мажор op. 2 Соната для скрипки и фортепиано №2 фа минор op. 6 Соната для скрипки и фортепиано №3 ля минор op.25 Соната для фортепиано №1 фа диез минор op.24 №1 Соната для фортепиано №2 pе мажор op.24 №3 Струнный квартет №1 ми-бемоль мажор op.22 №1 Сюита для фортепиано №1 соль минор ("В старинном стиле") op. 3 Сюита для фортепиано №2 pе мажор op.10 Сюита для фортепиано №3 op.18 Сюита №1 для симфонического оркестра до мажор op. 9 Сюита №2 для симфонического оркестра до мажор op.20 Сюита №3 (Сельская) для оркестра pе мажор op.27 Тарантелла для скрипки и фортепиано (1895) Тема с вариациями для двух фортепиано op. 5 Увертюра на популярные румынские темы ля мажор op.32 Фортепианное трио (1911-16) Фортепианный квартет №1 ре мажор (1909) op.16 Фортепианный квартет №2 ре минор op.30 Фортепианный квинтет ля минор op.29 [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] __________________

21.12.2017, 10:19	#96
CLIPER Помним... Ветеран гвардии Старпом Пиратский зубоскал Покровитель: Пиратский Барон Регистрация: 05.03.2013 Адрес: у самого синего моря Сообщений: 14,845 Нация: Пираты Пол: Мужской Офицеры Корабли Репутация: 1278 Награды пользователя: Всего наград: 14	Re: Великие композиторы и музыканты *Александр Егорович Варламов* Дата рождения: 27 ноября 1801 Место рождения: Москва Дата смерти: 27 октября 1848 (46 лет) Место смерти: Санкт-Петербург Страна: Российская империя Профессии: композитор, учитель, капельмейстер, певец, музыкальный критик Эпоха: русская народная музыка *Александр Егорович Варламов* - русский композитор, капельмейстер, певец и музыкальный критик. Романсы и песни А. Варламова - яркая страница русской вокальной музыки. Композитор замечательного мелодического дарования, он создал произведения большой художественной ценности, завоевавшие редкую популярность. Кому не известны мелодии песен "Красный сарафан", "Вдоль по улице метелица метет" или романсов "Белеет парус одинокий", "На заре ты ее не буди"? По справедливому замечанию современника, его песни "с чисто русскими мотивами сделались народными". Знаменитый "Красный сарафан" пелся "всеми сословиями - и в гостиной вельможи, и в курной избе мужика", и даже был запечатлен в русском лубке. Музыка Варламова нашла отражение и в художественной литературе: романсы композитора, как характерный элемент быта, введены в произведения многих писателей - Н. Гоголя, И. Тургенева, Н. Некрасова, Н. Лескова, И. Бунина и даже английского автора Дж. Голсуорси (роман "Конец главы"). Но судьба композитора сложилась менее счастливо, чем судьба его песен. *Биография* Спойлер: Варламов родился в небогатой семье. Его музыкальная одаренность проявилась рано: он самоучкой научился играть на скрипке - подбирал по слуху народные песни. Красивый, звонкий голос мальчика определил его дальнейшую судьбу: в 9 лет он был принят в петербургскую Придворную певческую капеллу малолетним певчим. В этом прославленном хоровом коллективе Варламов занимался под руководством директора капеллы выдающегося русского композитора Д. Бортнянского. Вскоре Варламов стал солистом хора, выучился игре на фортепиано, виолончели, гитаре. В 1819 г. молодого музыканта посылают в Голландию учителем певчих в русской посольской церкви в Гааге. Перед юношей открывается мир новых разнообразных впечатлений: он часто посещает оперу, концерты. даже сам выступает публично как певец и гитарист. Тогда же, по собственному признанию, он "нарочито учился теории музыки". По возвращении на родину (1823) Варламов преподает в петербургской Театральной школе, занимается с певчими Преображенского и Семеновского полков, затем снова поступает в Певческую капеллу хористом и учителем. Вскоре в зале Филармонического общества он дает свой первый в России концерт, где дирижирует симфоническими и хоровыми произведениями и выступает в качестве певца. Немалую роль сыграли встречи с М. Глинкой - они способствовали формированию самостоятельных взглядов молодого музыканта на развитие русского искусства. В 1832 г. Варламов был приглашен помощником капельмейстера Московских императорских театров, затем получил место "композитора музыки". Он быстро вошел в круг московской художественной интеллигенции, в среде которой было много талантливых людей, разносторонне и ярко одаренных: актеры М. Щепкин, П. Мочалов; композиторы А. Гурилев, А. Верстовский; поэт Н. Цыганов; писатели М. Загоскин, Н. Полевой; певец А. Бантышев и др. Их сближало горячее увлечение музыкой, поэзией, народным искусством. "Музыке нужна душа", - писал Варламов, - "а у русского она есть, доказательство - наши народные песни". В эти годы Варламов сочиняет "Красный сарафан", "Ох, болит, да щемит", "Что это за сердце", "Не шумите, ветры буйные", "Что отуманилась, зоренька ясная" и другие романсы и песни, вошедшие в "Музыкальный альбом на 1833 год" и прославившие имя композитора. Работая в театре, Варламов пишет музыку ко многим драматическим постановкам ("Двумужница" и "Рославлев" А. Шаховского - вторая по роману М. Загоскина; "Князь Серебряный" по повести "Наезды" А. Бестужева-Марлинского; "Эсмеральда" по роману "Собор парижской богоматери" В. Гюго, "Гамлет" В. Шекспира). Постановка шекспировской трагедии была выдающимся событием. О переводе Полевого, игре Мочалова в роли Гамлета, о песне безумной Офелии восторженно писал В. Белинский, посетивший этот спектакль 7 раз... Балет тоже интересовал Варламова. 2 его произведения в этом жанре - "Забавы султана, или Продавец невольников" и "Хитрый мальчик и людоед", написанный совместно с А. Гурьяновым по сказке Ш. Перро "Мальчик-с-пальчик", - шли на сцене Большого театра. Композитор хотел написать и оперу - его увлек сюжет поэмы А. Мицкевича "Конрад Валленрод", но замысел остался нереализованным. На протяжении всей жизни не прекращалась исполнительская деятельность Варламова. Он систематически выступал в концертах, чаще всего как певец. Композитор обладал небольшим, но красивым по тембру тенором, пение его отличалось редкой музыкальностью и задушевностью. Варламов был широко известен и как вокальный педагог. Его "Школа пения" (1840) - первая в России крупная работа в этой области - и сейчас не утратила своего значения. Последние 3 года Варламов провел в Петербурге, где надеялся снова поступить учителем в Певческую капеллу. Желание это не осуществилось, жизнь складывалась трудно. Широкая известность музыканта не защитила его от бедности и разочарований. Он умер от туберкулеза в возрасте 46 лет. *Творчество* Спойлер: Основной, наиболее ценной частью творческого наследия Варламова являются романсы и песни (ок. 200, включая ансамбли). Круг поэтов очень широк: А. Пушкин, М. Лермонтов, В. Жуковский, А. Дельвиг, А. Полежаев, А. Тимофеев, Н. Цыганов. Варламов открывает для русской музыки А. Кольцова, А. Плещеева, А. Фета, М. Михайлова. Как и А. Даргомыжский, он один из первых обращается к Лермонтову; его внимание привлекают также переводы из И. В. Гете, Г. Гейне, П. Беранже. Варламов - лирик, певец простых человеческих чувств, его искусство отражало думы и чаяния современников, было созвучно духовной атмосфере эпохи 1830-х гг. "Жажда бури" в романсе "Белеет парус одинокий" или состояние трагической обреченности в романсе "Тяжело, не стало силы" - характерные для Варламова образы-настроения. Веяния времени сказались и в романтической устремленности, и в эмоциональной открытости варламовской лирики. Диапазон ее достаточно широк: от светлых, акварельных красок в пейзажном романсе «Я люблю смотреть в ясну ноченьку» до драматической элегии "Тебя уж нет". Творчество Варламова неразрывно связано с традициями бытовой музыки, с народной песней. Глубоко почвенное, оно тонко отражает ее музыкальные особенности - в языке, в тематике, в образном строе. Многие образы варламовских романсов, а также ряд музыкальных приемов, связанных прежде всего с мелодикой, устремлены в будущее, а умение композитора поднимать бытовую музыку на уровень подлинно профессионального искусства заслуживает внимания и в наши дни. *Сочинения* Спойлер: *Основные произведения композитора:* Балеты Забавы султана, или Продавец невольников (1834), Хитрый мальчик и людоед (совместно с А. С. Гурьяновым, по сказке Ш. Перро "Мальчик-с-пальчик", 1837); около 200 романсов и песен (собрание сочинений в 12 томах., издание Л. Гутхейля); обработки песен русских народных для голоса с фортепиано, в том числе сборник Русский певец (CПБ, 1846, не окончен); вокальные ансамбли; хоры в том числе 3 Херувимские (для хора a cappella, 1828); фортепианные пьесы; музыка к драматическим спектаклям - Рославлев (Шаховского по роману Загоскина; совместно с А. Н. Верстовским, 1832, Большой театр, Москва), Двумужница, или Boлжские разбойники (Шаховского, 1833), Муромские леса, или Выбор атамана (А. Ф. Вельтмана, 1834), Ермак (Хомякова, 1835), Гамлет (Шекспира, 1837), Эсмеральда, или Четыре рода любви (по В. Гюго, 1839), Булат-Темир, татарский богатырь, или Донская битва (В. Р. Зотова, 1833), Майко (П. В. Беклемишева, 1841) и др. [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] __________________

21.12.2017, 10:20	#97
CLIPER Помним... Ветеран гвардии Старпом Пиратский зубоскал Покровитель: Пиратский Барон Регистрация: 05.03.2013 Адрес: у самого синего моря Сообщений: 14,845 Нация: Пираты Пол: Мужской Офицеры Корабли Репутация: 1278 Награды пользователя: Всего наград: 14	Re: Великие композиторы и музыканты *Энрике Гранадос* Дата рождения: 27 июля 1867 Место рождения: Льейда Дата смерти: 24 марта 1916 (48 лет) Место смерти: пролив Ла-Манш Страна: Испания Профессии: композитор, пианист Эпоха: романтизм *Энрике Гранадос* (полное имя Панталеон Энрике Костансо Гранадос-и-Кампинья) - испанский композитор и пианист, один из наиболее заметных деятелей испанской музыкальной культуры конца XIX - начала XX веков. С творчеством Гранадоса связано возрождение национальной испанской музыки. Участие в движении Ренасимьенто, которое охватило страну на рубеже XIX-XX вв., дало композитору импульс к созданию классических образцов музыки нового направления. Деятели Ренасимьенто, в частности музыканты И. Альбенис, М. де Фалья, X. Турина, стремились вывести испанскую культуру из состояния застоя, возродить ее самобытность, поднять национальную музыку на уровень передовых европейских композиторских школ. Большое влияние на Гранадоса, как и на других испанских композиторов, оказал Ф. Педрель, организатор и идейный руководитель Ренасимьенто, теоретически обосновавший пути создания классической испанской музыки в манифесте "За нашу музыку". *Биография* Спойлер: Гранадос родился в семье военного. В 1874 семья переехала в Барселону, где он получил первые уроки игры на фортепиано у Франсиско Хурнета и Хуана Пухоля, известного композитора и педагога, среди учеников которого были также Рикардо Виньес и Исаак Альбенис. В этот период Гранадос также изучал теорию музыки у Фелипе Педреля, активно интересовался испанским музыкальным фольклором, оказавшим впоследствии большое влияние на его композиторское творчество. В 1887 Гранадос при поддержке одного из местных предпринимателей смог поехать в Париж, где в течение двух лет посещал в качестве слушателя консерваторию по классу композиции Шарля Берио. Вернувшись в Барселону, он начал выступать как пианист, и в 1890 году в местном театре состоялся его первый сольный концерт. Через некоторое время Гранадос заявил о себе и как о композиторе, включив в программы своих выступлений Испанские танцы собственного сочинения. Они имели большой успех и вскоре были напечатаны, став первыми изданными работами Гранадоса. В 1898 появляется первое крупное произведение композитора - опера "Мария дель Кармен", которая после постановки в Мадриде приносит автору широкую известность по всей стране. Написанная на испанский сюжет и пронизанная национальным духом, она была восторженно принята публикой, а также членами королевской семьи и лично королём Альфонсом XIII. Опера была через некоторое время также поставлена в Валенсии и Барселоне, однако вскоре вышла из репертуара, так как общественность была достаточно непривычна к сочинениям в национальном духе и отдавала своё предпочтение классическим европейским операм. На рубеже веков Гранадос увлекается каталонской культурой и пишет ряд произведений для местных театров, которые, однако, практически не были известны за пределами Каталонии. В 1900 он основал в Барселоне Общество классических концертов, в котором иногда выступал как дирижёр, а год спустя, после того, как Общество распалось - музыкальную академию (получившую впоследствии его имя), в которой работал до конца жизни. Уделяя большое внимание вопросам музыкального преподавания, Гранадос написал ряд педагогических работ. Не прекращая концертной карьеры, в этот период он выступает с такими известными музыкантами, как Жак Тибо, Камиль Сен-Санс, Пабло Казальс (с последним его связывала крепкая дружба, ему посвящены несколько сочинений Гранадоса). В начале 1900-х Гранадос записал несколько произведений на Вельте-Миньоне. К 1907 году имя композитора уже известно за пределами Испании: Габриэль Форе приглашает его в жюри престижного композиторского конкурса. В это же время Гранадос приступает к сочинению самого известного своего сочинения - сюиты "Гойески". Вдохновившись картинами Франсиско Гойи, которые он увидел в музее Прадо в Мадриде, композитор сочинил две тетради фортепианных пьес, первая из которых была исполнена в 1911 году в Барселоне, затем в Париже, а весь цикл - в 1913 в Мадриде. Сюита имела огромный успех, и Гранадос решил написать оперу, основанную на тех же музыкальных источниках. По предложению американского пианиста Эрнеста Шеллинга в качестве сюжета он выбрал произведение Фернандо Перике. Работа над оперой началась в 1913 году, премьера была намечена на 1914 в Париже, но начавшаяся Первая мировая война помешала её осуществить. На протяжении 1914-1915 годов Гранадос дорабатывал сочинение, и 28 января 1916 оно было впервые исполнено в Нью-Йорке. Некоторые критики приняли оперу весьма прохладно, отметив в ней недостаток сценического драматизма и плохую оркестровку. Первым из испанских композиторов, когда-либо посетивших США, Гранадос был приглашен президентом Томасом Вудро Вильсоном в Белый дом, где выступил как пианист. Опоздав на запланированный прямой морской рейс в Испанию, Гранадос принял решение сесть на корабль, идущий в Англию, где пересел на пароход "Sussex", направлявшийся во Францию, однако 24 марта 1916 года, во время прохода по Ла-Маншу он был атакован торпедой немецкой подводной лодки. Корабль не затонул, однако от сильного удара многие из находившихся на борту (в том числе жена Гранадоса) были выброшены в воду. Гранадос прыгнул за борт, пытаясь спасти жену, и утонул. *Творчество* Спойлер: Творчество Гранадоса основано на тенденциях европейского искусства своего времени, однако испытывает сильное влияние испанской и каталонской народной музыки. Многие его фортепианные сочинения написаны в духе народных танцев, причём как широко известных (например, хота), так и менее популярных (васконгада, парранда). С другой стороны, в фортепианных циклах Гранадоса ("Романтические картины", "Юношеские рассказы", "Эскизы", "Часослов") заметно некоторое влияние Шумана как в гармоническом языке, так и в заявленной программности пьес. Сюита "Гойески" - самое известное сочинение Гранадоса, попытка объединить стилистические приёмы, использовавшиеся композитором в своих произведениях. Интересной чертой этих пьес является широкое употребление мелизмов в духе Доменико Скарлатти. В них Гранадос использует как настоящие народные мелодии, так и сочинённые самостоятельно их имитации. Некоторые из этих пьес изобилуют приёмами, похожими по звучанию на гитарные, благодаря чему они получили популярность в переложении для этого инструмента. Важное место в творчестве Гранадоса занимают произведения для музыкального театра. Из одиннадцати работ этого жанра четыре могут считаться настоящими операми, остальные содержат обширные разговорные фрагменты и приближаются по духу к сарсуэлам или обыкновенным театральным постановкам. Перу Гранадоса также принадлежат камерно-инструментальные и оркестровые сочинения, вокальные циклы и др. Многие произведения композитора были найдены и исполнены спустя много лет после его смерти. Ряд своих планов Гранадос не успел осуществить, некоторые рукописи утеряны. *Сочинения* Спойлер: *Основные произведения* 6 опер, среди них: "Пикароль" (1901) "Лилиана" (1911) *Для оркестра* симфоническая поэма, посвященная Данте (по мотивам "Божественной комедии" Данте, 1908) сюиты, в том числе "Арабская" Для фортепиано и камерного оркестра сюита "Элисенда" серенада для 2 скрипок с фортепиано: фортепианное трио "Ориенталь" (для гобоя и струнных инструментов) *Для фортепиано* "Концертное аллегро" "Арагонская рапсодия" "Испанское каприччио" 6 романтических сцен Поэтические вальсы фортепианные циклы (в том числе 6 пьес на испанские народные напевы) Сказки для молодежи (10 пьес) *Для голоса с фортепиано* песни [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] __________________

21.12.2017, 10:21	#99
CLIPER Помним... Ветеран гвардии Старпом Пиратский зубоскал Покровитель: Пиратский Барон Регистрация: 05.03.2013 Адрес: у самого синего моря Сообщений: 14,845 Нация: Пираты Пол: Мужской Офицеры Корабли Репутация: 1278 Награды пользователя: Всего наград: 14	Re: Великие композиторы и музыканты *Джованни Пьерлуиджи* Дата рождения: ок. 17 декабря 1525 Место рождения: Палестрина Дата смерти: 2 февраля 1594 (68 лет) Место смерти: Рим Страна: Папская область Профессии: композитор, органист, хоровой дирижёр, педагог Эпоха: ренессанс *Джованни Пьерлуиджи да Палестрина* (встречается прозвище "Джаннетто") - итальянский композитор, один из крупнейших полифонистов эпохи Ренессанса. Наиболее значительный представитель Римской школы музыки. Выдающийся итальянский композитор XVI в., непревзойденный мастер хоровой полифонии Дж. Палестрина наряду с О. Лассо является одной из самых крупных фигур в музыке позднего Возрождения. В его творчестве, чрезвычайно обширном как по объему, так и по богатству жанров, достигло своего высшего совершенства искусство хоровой полифонии, развивавшееся в течение нескольких столетий (главным образом композиторами так называемой франко-фламандской школы). В музыке Палестрины достигнут высший синтез технического мастерства и требований музыкальной выразительности. Сложнейшие переплетения голосов полифонической ткани складываются тем не менее в гармонически ясную и стройную картину: искусное владение полифонией делает ее подчас незаметной для уха. Со смертью Палестрины ушла в прошлое целая эпоха в развитии западноевропейской музыки: наступивший XVII в. принес и новые жанры, и новое мировоззрение. *Биография* Спойлер: Точные дата и место рождения Палестрины неизвестны. Предположительно, Палестрина родился между 3 февраля 1525 и 2 февраля 1526, вероятно, в городке Палестрина (близ Рима). Считается, что от названия города происходит его имя, хотя в сохранившихся письмах он обычно подписывался как Джованни Петралойзио. С детских лет Палестрина пел в церковном хоре мальчиков. Сначала в хоре родного города, а в 1537-40 гг. в римской церкви Санта-Мария-Маджоре. В 1544-49 гг. служил органистом и капельмейстером церкви св. Агапита г. Палестрина. Там же в 1547 г. Палестрина женился на Лукреции Гори. Своего первого могущественного покровителя Палестрина нашёл в лице папы Юлия III, и с 1551 года его карьера была связана с Римом. Папе Юлию III Палестрина посвятил в 1554 сборник 4-голосных месс, первое своё напечатанное произведение. В сентябре 1551 года он был приглашён на должность magister puerorum (учителя пения и руководителя хора мальчиков) в капелле Юлия Собора св. Петра. В январе 1555 Палестрина стал певчим самой престижной Сикстинской капеллы, при этом он был освобождён от обычного строгого экзамена, не обращали внимания и на то, что он был женат и имел детей. Сменивший Юлия III в апреле 1555 года папа Марцелл II покровительствовал Палестрине ещё будучи кардиналом. Хотя Марцелл II возглавлял Ватикан меньше месяца, с его именем связано одно из самых знаменитых сочинений Палестрины - так называемая "Месса папы Марчелло". Преемник Марцелла II, папа Павел IV, известный своим консерватизмом, потребовал от певчих Папской капеллы соблюдения целибата, и в сентябре 1555 года Палестрина лишился своего места, хотя ему и назначили скромную пенсию. Уже в октябре 1555 Палестрина был назначен капельмейстером епископской церкви Сан-Джованни-ин-Латерано и оставался в этой должности до 1560. В 1561-65 Палестрина был руководителем певческой школы при церкви Санта-Мария-Маджоре, в 1567-71 возглавлял домашнюю капеллу кардинала Ипполита II д’Эсте в Тиволи. В 1571 году, уже при папе Пии V, после смерти своего коллеги и одноклассника Джованни Анимуччи, Палестрина стал капельмейстром Сикстинской капеллы и занимал этот пост до 1586; после этого до своей кончины он продолжал исполнять обязанности композитора в Сикстинской капелле и одновременно занимал пост капельмейстера Капеллы Юлия. Эпидемии, разразившиеся в Риме в 1572 и 1575 гг., унесли его сыновей Родольфо и Анджело, а также брата Силлу. В 1578 сам Палестрина тяжело болел и был вынужден отложить очень выгодный заказ на мессы от мантуанского герцога Гульельмо Гонзаги. В 1580 умерла жена Палестрины Лукреция. Убитый горем, композитор решил принять священный сан, но накануне рукоположения познакомился с состоятельной вдовой Вирджинией Дормоли и в 1581 вторично женился. Последние годы жизни Палестрина успешно сочетал деятельность на музыкальном поприще с инвестициями в бизнес жены, занимавшейся торговлей недвижимостью в окрестностях Рима. 2 февраля 1594 года Палестрина скончался в своём доме на Via dell’Armellino и в тот же день был похоронен с почестями в Новой капелле (Cappella Nova) близ Собора Святого Петра. В эпитафии на надгробии были начертаны слова, получившие позднее всемирное распространение в характеристиках композитора - "князь музыки" (Joannes Petraloysius Praenestinus musicae princeps). При реконструкции собора в 1615 г. Cappella Nova была снесена, и саркофаг Палестрины (где также были захоронены его первая жена Лукреция, двое его сыновей и другие родственники) был утрачен. О прижизненной славе композитора свидетельствуют многие факты. Ещё в 1565 за особые заслуги перед Ватиканом папа Пий IV удостоил его почётного звания папский композитор, а в конце жизни, в 1592 в честь Палестрины был выпущен сборник мотетов "Sacra omnium solemnitatum psalmodia vespertina", с пространным хвалебным адресом. После смерти Палестрины, в 1613 году, Пьетро Чероне поставил его музыку выше всех других современных ему композиторов. *Творчество* Спойлер: Легенды о Палестрине начали складываться уже при его жизни и продолжали развиваться после его смерти. Судьба его творческого наследия оказалась счастливой - оно практически не знало забвения. Музыка Палестрины полностью сосредоточена в области духовных жанров: он автор свыше 100 месс, более 375 мотетов. 68 офферториев, 65 гимнов, литаний, ламентаций и т. п. Однако он отдал дань и жанру мадригала, чрезвычайно популярному в Италии в эпоху позднего Возрождения. Творчество Палестрины осталось в истории музыки как непревзойденный образец полифонического мастерства: в течение последующих столетий его музыка стала образцовой моделью в практике обучения музыкантов искусству полифонии. *Сочинения* Спойлер: более 100 месс, ок. 180 мотетов, литании, гимны, псалмы, оффертории, магнификаты, духовные и светские мадригалы. Музыка месс композитора в полной мере отвечает величию литургического обряда и становится его органичной составной частью. [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться] __________________

Здесь присутствуют: 1 (пользователей: 0 , гостей: 1)

Опции темы
Версия для печати Отправить по электронной почте
Опции просмотра
Линейный вид Комбинированный вид Древовидный вид