Форум сайта 'Гавань Корсаров'
 

Вернуться   Форум сайта 'Гавань Корсаров' > Разное > Музыка

Важная информация

Музыка Обсуждение музыки всех направлений!


  Информационный центр
Последние важные новости
 
 
 
 
 
Ответ
 
Опции темы Опции просмотра
Старый 26.02.2014, 12:25   #1
Валькирия -
Администратор
Corsairs-Harbour.Ru WastelandMutants.Ru
Человек года - 2016
Коммодор
Б.Е.С.
Гаваньский саблемахал
 
Аватар для Валькирия
 
Регистрация: 04.06.2011
Адрес: Санкт-Петербург
Сообщений: 4,410
Нация: Пираты
Пол: Женский
Офицеры Корабли
Репутация: 1177

Награды пользователя:

Стрелка Всё самое интересное о музыкальных инструментах



Удивителен и разнообразен мир музыкальных инструментов - культурного наследия человечества. Интересна и волнующа история создания каждого из них. Мир музыкальных инструментов таит в себе много интересных, а порой и шокирующих фактов…


Список музыкальных инструментов, описание которых размещены в этой теме:

Спойлер:
А
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
Б
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
В
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
Г
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
Д
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
Е
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
Ж
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
З
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
И
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
К
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
Л
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
М
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
Н
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
О
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
П
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
Р
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
С
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
Т
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
У
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
Ф
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
Х
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
Ц
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
Ш
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
Э
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
Ю
* [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

Последний раз редактировалось CLIPER; 07.01.2018 в 09:27.
Валькирия вне форума Ответить с цитированием
13 пользователя(ей) сказали cпасибо:
AVEnsis (26.02.2014), Broken Heart (01.03.2014), Carassius (26.02.2014), dem0n1c (06.07.2014), Fatality (31.12.2016), Henry Morgan (26.02.2014), Mephistopheles (26.02.2014), Natali (05.05.2014), pitblood (19.07.2014), Армеец (26.02.2014), де росс (28.02.2014), Пелагея (28.03.2014), Шепот (28.02.2014)
Реклама
Старый 26.02.2014, 12:26   #2
Валькирия -
Администратор
Corsairs-Harbour.Ru WastelandMutants.Ru
Человек года - 2016
Коммодор
Б.Е.С.
Гаваньский саблемахал
 
Аватар для Валькирия
 
Регистрация: 04.06.2011
Адрес: Санкт-Петербург
Сообщений: 4,410
Нация: Пираты
Пол: Женский
Офицеры Корабли
Репутация: 1177

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Всё самое интересное о музыкальных инструментах

Антонио Страдивари

История мастера струнных инструментов



Антонио Страдивари или Страдивариус (1644 — 18 декабря 1737) — знаменитый мастер струнных инструментов, ученик Николо Амати. Сохранилось около 650 инструментов его работы.
Перебрав много профессий, он всюду испытал неудачу. Хотел стать ваятелем, подобно Микеланджело, линии его статуй были изящны, но лица были не выразительны. Он бросил это ремесло, зарабатывал свой хлеб резьбой по дереву, изготовляя деревянные украшения для богатой мебели, пристрастился к рисованию; с величайшем страданием изучал он орнаментику дверей и стенной живописи соборов и рисунки великих мастеров. Потом его привлекла музыка, и он задумал стать музыкантом. Упорно учился скрипичной игре; но пальцам не хватало беглости и легкости, а звук скрипки был глух и резок. О нем говорили:" Ухо музыканта, руки резчика ". И он бросил ремесло музыканта. Но не забыл его.


Биография
Спойлер:

Антонио Страдивари появился на свет примерно в 1644 году в небольшом поселении около Кремоны в семье Александро Страдивари и Анны Морони. Его родители были родом из Кремона. Но в это время в южной части Италии свирепствовала страшная чума, которая докатилась и до их города. Люди бежали, кто куда мог. Так семья Страдивари осела близ Кремона, больше туда они не возвращались. Там и прошло детство будущего великого мастера. Юный Антонио долго не мог определиться, чем же ему заниматься. Он пробовал быть скульптором, художником, резчиком по дереву, скрипачом. Но для того чтобы серьезно заняться музыкой, ему не хватало подвижности пальцев, не смотря на то, что его музыкальный слух был идеален. Скрипки интересовали его, и в возрасте 18 лет Антонио поступает бесплатным учеником к небезызвестному в Италии скрипичному мастеру Николо Амати. На первом этапе своего пребывания у Амати Страдивари выполнял только самую черновую работу и был, что называется, на побегушках у признанного мастера. Но однажды Николо Амати увидел, как Антонио вырезал эфы на никому ненужном обрубке дерева. И с того момента Антонио стал постигать мастерство Амати, учиться как выбирать дерево, как заставить клен или ель запеть, какой толщины должны быть деки, в чем назначение пружины внутри инструмента, и какую роль в звучании скрипки имеет покрывающий ее лак. С упорством Страдивари добивался совершенства в звучании скрипки. А когда услышал, что его скрипка поет так же, как у мастера Николо, им овладело желание сделать ее другой. Страдивари хотел услышать в ней звуки женских и детских голосов. Но долгое время осуществить свою идею ему не удавалась. В 1680 году Страдивари начинает работать самостоятельно.
Помимо совершенства звука, его инструменты отличались необычным дизайном, как сказали бы сегодня. Все скрипки были разные, одни он делал уже, другие - шире, какие-то были короче, какие-то - длиннее. Страдивари украшал свои инструменты кусочками перламутра, черного дерева, слоновой кости, изображениями цветов или купидонов. Звук у них был особый, современники сравнивали звучание его скрипок с голосом девушки на кремонской площади. Все это говорило о собственном стиле его работ, а значит, выгодно отличало их от многих других. К сорока годам Страдивари был очень богат, и знаменит. Итальянцы говорили: "Богат, как Страдивари".
Личную его жизнь счастливой назвать было трудно. Он рано овдовел и потерял двух взрослых сыновей, которых надеялся сделать опорой собственной старости, открыть им секрет своего мастерства и передать все, чего он добился за всю свою долгую жизнь. Впрочем, у него остались еще четыре сына. Франческо и Омобоно хотя и трудились вместе с ним, но не обладали ни его чутьем, ни тем более талантом. Они лишь старались копировать его. Третий же сын, Паоло, совсем не понимал его ремесла, его увлекала торговля, и от искусства он был чрезвычайно далек. Четвертый сын, Джузеппе, стал монахом. Страдивари было 76 лет. Он дожил до почтенного возраста, добился большого уважения и богатства. Но думая о своей семье Антонио все больше мрачнел. Скрипки понимали и слушались его намного больше, чем собственные сыновья, и он умел их чувствовать, чего нельзя было сказать про его детей. Страдивари оставлял им все нажитое имущество, они обзаведутся хорошими домами; а вот секрет своего мастерства Страдивари оставить было некому. Ибо передать свой опыт и часть своего таланта можно только настоящему мастеру, в своих сыновьях он и крупицы таких способностей не ощущал. Ему не хотелось делиться с ними тонкими способами составления лаков, записями неровностей дек. Считая, что все нюансы, которые он скрупулезно собирал и познавал в течение 70 лет, могут только помочь, научить быть мастером и чувствовать дерево, как живое, никогда. Спокойствие не оставляет Страдивари. Он будет делать инструменты до последних дней своей жизни, рано вставать, часами просиживать в лаборатории и за верстаком. Не смотря на то, что с каждым месяцем ему все труднее докончить начатую скрипку. Обо всем, что не давало ему раньше спокойно спать, он перестал думать. Мастер окончательно решил, что унесет свои секреты с собой в могилу. Пусть лучше они навсегда останутся нераскрытыми, чем передавать знания тем, кто не имеет ни таланта, ни любви, ни смелости. Своей семье он и так дал многое, они богаты, у них остается его знатное имя и его добрая репутация. За свою долгую жизнь он смастерил чуть более тысячи инструментов, которые разошлись по всему миру. Кроме скрипок, Страдивари делал альты, гитары, виолончели, изготовил даже арфу. Он был удовлетворен итогом своего пути, а поэтому уходил спокойно.
18 декабря 1737 года сердце Страдивари остановилось. Облаченные в черные рясы с капюшонами, опоясанные веревками, в грубых сандалиях из дерева за катафалком шли монахи ордена доминиканцев, в церкви которых мастер купил еще при жизни склеп для погребения себя и своей семьи. За гробом торжественно и важно шествовали сыновья, следом - ученики. Никто из них так и не узнал секрета великого мастера Антонио Страдивари.


Тайна Антонио Страдивари
Спойлер:

Скрипка в руках прекрасного музыканта, отвечая его вдохновлению чистым, глубоким голосом. Как живое существо, она рассказывала нам о горе и радости, о трагедии и счастье, и каждый понимал ее по-своему, в душе каждого она находила свой отклик. Светло-золотистая, нарядная, она сверкала всеми гранями, и лишь немногие знали, что на самом деле ее возраст измеряется веками и что выдана она музыканту из Государственной коллекции только на эти гастроли. Эта скрипка не имела цены: как всякий шедевр она была бесценна. Через два с половиной столетия она сохранила все нюансы своего необыкновенного звучания. Она донесла до нас «душу Страдивари»... Его не любили — за скупость, отчужденность. Ему завидовали — его богатству и славе. Когда в 55 лет, через год после смерти жены, он вновь вступил в брак, над ним злословили. Не все его одиннадцать детей остались живы, но когда кто-нибудь из них умирал, к нему не спешили со словами утешения и сочувствия. И еще его боялись, ибо был он страшен в своей одержимости: никто и никогда не видел, чтобы он ничего не делал, ни разу за все девять десятков лет жизни. Вместе с первыми лучами ласкового итальянского солнца появлялся он на крыше своего трехэтажного дома на площади святого Доменика и развешивал инструменты; на закате он выходил их снимать. Уже давно разошлись по домам ученики, легли спать помогающие в работе сыновья, а в окне мастерской на первом этаже светится огонек, то и дело мелькнет высокая худая фигура великого мастера.
Почти два столетия накапливала Кремонская школа скрипичных мастеров опыт создания инструментов, каких еще не знала европейская сцена. Сколько поколений мастеров должно было смениться, передавая друг другу тайны своего ремесла, чтобы наконец появился он, Страдивари, который смог не только вобрать в себя их знания, но и довести общее дело до совершенства!
80 лет напряженного, ни на минуту не прекращающегося труда. Когда уставали руки, продолжал работать мозг. Антонио знал, что должен сделать скрипку, непревзойденную по своим звуковым качествам, и он сделал ее, хотя на это ушла вся жизнь. В 13 лет он склеил свой первый инструмент у гениального Николо Амати, но прошло еще долгих 10 лет, пока, открыв собственную мастерскую, он позволил на скрипичных этикетах не называть себя учеником, и еще 20 лет, когда впервые сделал инструмент, отличающийся от тех, что делал его учитель.

Что он тогда изменил?
Да, он сделал модель длиннее, но чуть уже. Тембр звучания стал ниже. А потом он стал взвешивать детали скрипки. Ему все казалось, что он вот-вот найдет в этом плоском инструменте наилучшую пропорцию между верхней декой и нижней. Потом появилась мысль, что звучание зависит от толщины дек. Сделаны десятки опытных образцов, и выяснилось, что, чем тоньше дека, тем ниже тон. Но разве толщина па всем протяжении может быть одинаковой? А какой она тогда должна быть? Долгие годы вычислений, экспериментов: где-то, в каком-то месте чуть толще, где-то чуть потоньше, всего па доли миллиметра — и уже иной звук. Неужели нужно было прожить 93 года, чтобы установить, наконец, систему, по которой определяют толщину дек в разных местах ее, изменение от центра к краям? Сотни и тысячи вариантов и, наконец, вывод — верхняя жа должна быть из ели, и притом не из саксонской, в которой много смолы, а из тирольской или итальянской. А для внутренней отделки пойдут ольха, липа. Как хорош работе клен! У него такой красивый рисунок среза: инструмент должен быть нарядным. Итальянский клен имеет особый блеск, поверхность его срезов шелковиста, но брать нужно лишь тот ствол, что спилен в январе, иначе в нем будет много соков — это все испортит.
Антонио убежден: его скрипки должны жить века. Дерево Страдивари научился выбирать безошибочно. Но хорошее дерево попадалось ему редко, один ствол он порой использовал целое десятилетие, бережливо отбирая кусочек за кусочком. Лучше подклеить, рискнуть рисунком — лишь бы звучало. И лишь один он знал, какое дерево выбрать: молодое, старое либо вообще с червоточинами. Когда он создал свою окончательную модель? В 1704? Десятилетия труда и поисков, прежде чем была решена задача со многими неизвестными. Да, главное неизвестное он нашел, когда ему было уже 60 лет: он доказал, что от состава лака, которым покрыт инструмент, зависит его «голос». И не только от лака, но и от грунта, которым надо покрыть дерево, чтобы лак в него не впитался. А кто может подсказать их состав — ученые, алхимики? А много ли они знают об этом? Около полутора тысяч инструментов вышло из мастерской великого Антонио Страдивари, и все до единого он сделал своими руками. А сколько же он тогда выбраковал в процессе бесконечных поисков?! Вот на что ушло 80 лет, проведенных, как один день, наедине с поющим деревом. Он добился известности, славы. Ему заказывают инструменты — и не только скрипки, но и альты, и виолы — короли, знатные вельможи. Его творения — лучшее из всего, что создавалось в Европе, именно они утвердили превосходство присущего только им «итальянского тембра»...
Так чем же недоволен мастер, что заставляет его страдать?
Веками мастерство изготовления музыкальных инструментов передавалось по наследству: от деда — к отцу, от отца — к сыну, внуку. В Северной Италии, в Брешиа, работала династия скрипичных мастеров, берущая начало от Гаспаро Бертолотти. Здесь, в Кремоне, уже 200 лет существует династия, заложенная Андреа Амати, внук которого Никола, проживший 88 лет, обучил Страдивари этому ремеслу. Еще жив сын Никола — скрипичный мастер Джиролами Амати, он всего на пять лет младше Страдивари. Даже Андреа Гварнери, с которым Антонио учился у Амати, и тот стал родоначальником династии мастеров, а его внук Джузеппе, по прозвищу дель Джезу, похоже, затмит славу самого Страдивари. И только сам синьор Антонио не оставляет после себя наследников своего таланта. Оба его сына — Франческо и Омобоно — не пошли дальше подмастерий. Для чего же он столько трудился, кому он оставит тайны своего мастерства? Кому он откроет великий смысл таблиц толщин деки, систему точек промера — его точек, состав грунта и лака, способы их приготовления? Унести их с собой в могилу? 80 лет потратил он на то, чтобы добиться совершенства в своем ремесле. Под силу ли это кому-либо другому? Значит, так и предстоит ему остаться в веках непревзойденным?
Прошло почти два с половиной столетия со дня смерти великого мастера Антонио Страдивари. Всего на 5—6 лет пережили отца его нерадивые сыновья. До последних дней 93-летний Страдивари работал над скрипками. Сохранились заготовки инструментов, на этикете которых рядом с традиционным мальтийским крестом стоит имя творца и дата — 1737, год его смерти. Около 800 инструментов насчитывается сейчас в мире, О которых точно известно, что сделаны они рукой великого Страдивари. Среди них знаменитая виолончель под названием «Бас Испании» и крохотные «пошетты» — скрипочки для учителей танцев, самое великолепное создание Мастера — скрипка «Мессия» и скрипка «Мюнц», по надписи на которой вычислили, что мастер родился в 1644 году. Но секреты творчества, внезапно исчезнувшие с его смертью, до сих пор не разгаданы. Промерено все, что можно промерить, скопировано все, что можно скопировать, но заставить скрипку, сделанную по этим промерам, «петь» так, как она делала это у великого Страдивари, никто не может. До наших дней не удается определить химический состав грунта и лака, нанесенных на его инструменты. Вот почему из поколения в поколение передается легенда о «душе Страдивари», заключенной в его скрипках и разговаривающей с потомками.


Секрет скрипок Антонио Страдивари
Спойлер:

Ученые всего мира пытаются разгадать тайну скрипок Страдивари. Еще при жизни мастера говорили, что он продал душу дьяволу - но говорили и что несколько скрипок были сделаны из обломков Ноева ковчега. Свою первую скрипку Страдивари сделал в 1666 году, но более 30 лет он искал собственную модель. Лишь в начале 1700 годов мастер сконструировал свою, до сих пор непревзойденную скрипку. Она была удлинена по форме и имела внутри корпуса изломы и неровности, благодаря чему звук обогащался за счет появления большого количества высоких обертонов. С этого времени принципиальных отклонений от разработанной модели Антонио уже не делал, но экспериментировал до конца своей долгой жизни. Умер Страдивари в 1737 году, но его скрипки до сих пор ценятся очень высоко, они практически не стареют и не меняют своего "голоса". За свою жизнь Антонио Страдивари изготовил около 2500 инструментов, из которых сохранилось бесспорно подлинных 650. Кроме смычковых им были сделаны также одна арфа и две гитары. Общепризнано, что самые его лучшие инструменты были изготовлены с 1698 по 1725 год (а наилучшие в 1715 году). Они особенно редки и потому ценятся очень высоко как музыкантами, так и коллекционерами. Многие инструменты Страдивари находятся в богатых частных коллекциях. Около двух десятков скрипок Страдивари есть в России: несколько скрипок находится в Государственной коллекции музыкальных инструментов, одна - в Музее Глинки и еще несколько - в частном владении. Ученые и музыканты всего мира пытаются разгадать тайну создания скрипок Страдивари. Еще при жизни мастера говорили, что он продал душу дьяволу, говорили даже, что дерево, из которого сделаны несколько самых известных скрипок, - это обломки Ноева ковчега. Существует мнение, что скрипки Страдивари потому так хороши, что настоящий инструмент начинает звучать по-настоящему хорошо лишь через двести-триста лет. Многие ученые проводили сотни исследований скрипок с использованием новейших технологий, но разгадать секрет скрипок Страдивари им пока не удалось. Известно, что мастер вымачивал древесину в морской воде и подвергал ее воздействию сложных химических соединений растительного происхождения.
Одно время считали, что секрет Страдивари - в форме инструмента, позже большое значение стали придавать материалу, который для скрипок Страдивари постоянен: для верхней деки - ель, для нижней - клен. Считали даже, что все дело в лаках; покрывающий скрипки Страдивари эластичный лак позволяет декам резонировать и "дышать". Это придает тембру характерный "объемный" звук.
По преданию кремонские мастера готовили свои смеси из смол каких-то деревьев, росших в те времена в Тирольских лесах и вскоре начисто вырубленных. Точный состав тех лаков не установлен и по сей день - даже самый изощренный химический анализ оказался тут бессилен. В 2001 году биохимик Джозеф Нигиваре из Техасского университета объявил, что разгадал секрет Страдивари. Ученый пришел к выводу о том, что особое звучание смычковых стало следствием усилий мастера защитить их от древоточца. Нигивара выяснил, что во время создания мастером скрипок деревянные заготовки нередко были поражены древоточцем, и Страдивари, чтобы защитить уникальные музыкальные инструменты, прибегал к буре. Это вещество как бы спаивало молекулы дерева, изменяя общее звучание скрипки. Когда Страдивари скончался, победа над древоточцем в Северной Италии была уже одержана, и впоследствии бура для защиты дерева больше не использовалась. Таким образом, по словам Нигивары, мастер унес секрет с собой в могилу.

Источник: RETROBAZAR


Фотографии
Спойлер:



Страдивари пробует один из своих инструментов, XIX в


Ученые всего мира пытаются разгадать тайну скрипок Страдивари


Скрипка работы Антонио Страдивари


Скрипка Страдивари из собрания Мадридского королевского дворца

Последний раз редактировалось Валькирия; 26.02.2014 в 12:45.
Валькирия вне форума Ответить с цитированием
14 пользователя(ей) сказали cпасибо:
AVEnsis (26.02.2014), Broken Heart (01.03.2014), Captain Flint (19.07.2014), Carassius (26.02.2014), CLIPER (26.02.2014), Henry Morgan (26.02.2014), Mephistopheles (26.02.2014), Natali (05.05.2014), pitblood (19.07.2014), Армеец (26.02.2014), де росс (28.02.2014), Касперский 13 (18.08.2014), Пелагея (28.03.2014), Шепот (28.02.2014)
Реклама

Зарегистрированным пользователям показывается меньше рекламы!

Старый 26.02.2014, 15:29   #3
Валькирия -
Администратор
Corsairs-Harbour.Ru WastelandMutants.Ru
Человек года - 2016
Коммодор
Б.Е.С.
Гаваньский саблемахал
 
Аватар для Валькирия
 
Регистрация: 04.06.2011
Адрес: Санкт-Петербург
Сообщений: 4,410
Нация: Пираты
Пол: Женский
Офицеры Корабли
Репутация: 1177

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Всё самое интересное о музыкальных инструментах

Клавесин

Клавесин (от фр. clavecin; итал. cembalo, clavicembalo; англ. harpsichord) — клавишный струнный музыкальный инструмент со щипковым способом звукоизвлечения. Музыканта, исполняющего произведения на клавесине и его разновидностях, называют клавесинистом.

История

Самые ранние упоминания инструмента типа клавесина фигурируют в «Декамероне» Джованни Боккаччо, вышедшем в 1354 году, а также в источнике 1397 года из Падуи (Италия), самое раннее известное изображение — на алтаре в Миндене (1425), первое описание с иллюстрирующими рисунками делает Анри Арно де Цволле в 1436 году. У де Цволле это тот же клавикорд с приданым ему щипковым механизмом. Как солирующий инструмент клавесин сохранялся в обиходе до конца XVIII века. Несколько дольше он использовался для исполнения цифрованного баса, для сопровождения речитативов в операх. Ок. 1810 практически вышел из употребления. Возрождение культуры игры на клавесине началось на рубеже XIX — XX веков.

Клавесины XV века не сохранились. Судя по изображениям, это были короткие инструменты с грузным корпусом. Большинство сохранившихся клавесинов XVI века были изготовлены в Италии, где главным центром их производства была Венеция. Они имели 8 регистр (реже два регистра 8 и 4), отличались изяществом. Их корпус изготовлялся чаще всего из кипариса. Атака на этих клавесинах была отчетливее, а звук — более отрывистым, чем у позднейших фламандских инструментов. Важнейшим центром производства клавесинов в Северной Европе был Антверпен, где с 1579 года работали представители семьи Рюккерс. Их клавесины имеют более длинные струны и более тяжеловесный корпус, чем итальянские инструменты. С 1590-х в Антверпене производились клавесины с двумя мануалами. Французские, английские, немецкие клавесины XVII века сочетают в себе признаки фламандских и нидерландских моделей. Сохранились некоторые французские двухмануальные клавесины с корпусом из орехового дерева. С 1690-х во Франции производились клавесины того же типа, что и инструменты фирмы Рюккерс. Среди французских клавесинных мастеров выделялась династия Бланше. В 1766 году мастерскую Бланше унаследовал Таскин.

Наиболее значительными английскими производителями клавесинов в XVIII веке были Шуди и семья Киркман. Их инструменты имели облицованный фанерой дубовый корпус и отличались сильным звуком богатого тембра. В Германии XVIII века основным центром производства клавесинов был Гамбург; среди изготовленных в этом городе есть инструменты с 2 и 16 регистрами, а также с тремя мануалами. Необычно длинная модель клавесина была разработана Й. Д. Дюлкеном, ведущим нидерландским мастером XVIII века. Во второй половине XVIII века клавесин стал вытесняться фортепиано. Около 1809 фирма Киркман выпустила свой последний клавесин. Инициатором возрождения инструмента стал А. Долмеч. Свой первый клавесин он построил в 1896 году в Лондоне и вскоре открыл мастерские в Бостоне, Париже и Хейслмире. Выпуск клавесинов наладили также парижские фирмы Плейель и Эрар. Плейель начала производить модель клавесина с металлической рамой, несущей толстые, туго натянутые струны; на инструментах этого типа Ванда Ландовска воспитала целое поколение клавесинистов. Так началась эпоха новой клавесинной эстетики.Современный клавесин занял свое место в музыке ХХ века. Бостонские мастера Фрэнк Хаббард (Hubbard) и Уильям Дауд (Dowd) первыми начали копировать старинные клавесины.
Спойлер:

Французский клавесин 17-го века


Двухмануальный франко-фламандский клавесин, построенный в 2004-ом году Титусом Крейненом по исторической модели Рюккерса

Некоторые композиторы, сочинявшие клавесинную музыку:
* Франсуа Куперен
* Вольфганг Амадей Моцарт
* Луи Куперен
* Луи Маршан
* Жан-Филипп Рамо
* Иоганн Себастьян Бах
* Иоганн Пахельбель
* Дитрих Букстехуде
* Джироламо Фрескобальди
* Иоганн Якоб Фробергер
* Георг Фридрих Гендель
* Жоссе Бутми

Известные клавесинисты:
* Андрей Волконский
* Густав Леонхардт
* Ральф Киркпатрик
Устройство

Клавесин имеет форму продолговатого треугольника. Его струны расположены горизонтально, параллельно клавишам.
На конец клавиши опирается толкачик (или прыгунок). В продольном вырезе толкачика крепится лангетта, в которой закреплён плектр (язычок из вороньего пера или, на многих современных инструментах, из пластмассы), чуть выше язычка — демпфер из войлока или мягкой кожи. При нажатии на клавишу толкачик выталкивается вверх, и плектр защипывает струну. Если клавишу отпустить, освобождающий механизм позволит язычку вернуться в исходное положение под струну, не задев её. Вибрация струны заглушается демпфером.

Для регистровки, то есть, изменения силы и тембра звука, используются ручные и ножные переключатели. Плавное увеличение и уменьшение громкости на клавесине невозможно. В XV веке диапазон клавесина составлял 3 октавы (в нижней октаве некоторые хроматические ноты отсутствовали); в XVI веке он расширился до 4 октав.
К устройству защипывания нужно ещё добавить то, что кроме одного плектра из ости вороньего пера делались и сдвоенное латунные плектры, которые располагались один над другим. Два защипывания подряд не улавливались слухом, но свойственную клавесину колючую атаку, то есть острое начало звука, такое устройство делало более мягкой.
Типичный немецкий или нидерландский клавесин XVIII века имеет два мануала (клавиатуры), два набора струн 8 и один набор струн 4 (звучащих октавой выше), которые могут использоваться по отдельности или совместно, а также механизм копуляции мануалов. Ножные и коленные переключатели регистров появились в конце 1750-х.
У большинства инструментов есть так называемый лютневый регистр характерного носового тембра (для его получения струны с помощью специального механизма немного приглушаются кусочками кожи или войлока).

Интересные факты
Спойлер:
«Кошачий клавесин» - музыкальная жестокость

Инквизиция – как много в этом слове. Даже сегодня, при упоминании этого слово, мы одновременно ощущаем и холод сырых камер, и жар пылающих костров. Сотни видов пыток, были изобретены, ради одной цели – продлить мучения обреченного узника. Но участь быть покаранным по воле церкви, к удивлению современного обывателя, в те мрачные времена пала и на кошек. Церковь, объявила кошек посланниками сатаны и помощниками колдунов да ведьм. Результат не заставил себя долго ждать, тысячи хвостатых, беспощадно уничтожались. Именно эта жестокость, породила музыкальный инструмент под названием «кошачий клавесин». Для «работы» клавесина, со всех округ отлавливались коты и кошки. «Настройщик», по очереди наступал на хвосты обреченным животным, выстраивая тональность. В порядке отобранной тональности, кошек рассаживали в специальный ящик с отсеками. Отсеков было от семи до четырнадцати. Не прошедших «кастинг» кошек, просто сжигали. Голова кошки высовывалась в отверстие, а хвост и тело закреплялись. Придворные, на потеху королю, пытались наиграть популярные мелодии. При каждом нажатии клавиши острый шип вонзался в хвост животному, вызывая тем самым дикий кошачий вопль. История «кошачьего клавесина», помнит, что такой инструмент был довольно распространен в Европе. Одним из первых, кошачьим клавесином, обзавелся испанский король Филипп II. Сколько лет минуло с тех пор, и благо что наши уши никогда не услышат адских звуков «кошачьего клавесина»…


[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]


Источник: Википедия
Валькирия вне форума Ответить с цитированием
14 пользователя(ей) сказали cпасибо:
AVEnsis (26.02.2014), Broken Heart (01.03.2014), Captain Flint (19.07.2014), Carassius (26.02.2014), CLIPER (26.02.2014), Henry Morgan (26.02.2014), Mephistopheles (26.02.2014), Natali (05.05.2014), pitblood (19.07.2014), Армеец (26.02.2014), де росс (28.02.2014), Касперский 13 (18.08.2014), Пелагея (28.03.2014), Шепот (28.02.2014)
Старый 27.02.2014, 23:14   #4
Валькирия -
Администратор
Corsairs-Harbour.Ru WastelandMutants.Ru
Человек года - 2016
Коммодор
Б.Е.С.
Гаваньский саблемахал
 
Аватар для Валькирия
 
Регистрация: 04.06.2011
Адрес: Санкт-Петербург
Сообщений: 4,410
Нация: Пираты
Пол: Женский
Офицеры Корабли
Репутация: 1177

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Всё самое интересное о музыкальных инструментах

Балалайка


Балалайка — русский народный трёхструнный щипковый музыкальный инструмент, от 600—700 мм (балалайка прима) до 1,7 метров (балалайка-контрабас) длиной, с треугольным слегка изогнутым (в XVIII—XIX веках также овальным) деревянным корпусом. Балалайка — один из инструментов, ставших наряду с гармонью, символом русского народа.


История развития и бытования русских народных музыкальных инструментов - одна из наименее исследованных областей отечественной музыкальной науки. В то время как народные песенные традиции уже давно стали предметом тщательного изучения, народный музыкальный инструментарий должного внимания к себе не привлек. В области русского народного инструментоведения до сих пор не издано ни одной обобщающей работы, а число опубликованных записей народной инструментальной музыки предельно мало.


История возникновения балалайки

Спойлер:
Собирание и изучение ее в условиях царской России фактически не производилось. Достаточно сказать, что на протяжении всей истории дореволюционной фольклористики был только один пример публикации народного балалаечного наигрыша в 1896 году Н. Пальчиковым. Проблемы русского музыкального инструментария трактуются в единичных исследованиях, посвященных лишь отдельным его представителям, либо в основательно устаревших и ставших к тому же уникальными трудах дореволюционных ученых.

Небольшие масштабы научно-исследовательской работы, посвященной изучению народных инструментов, кажутся необъяснимыми. Вместе с тем, это явление далеко не случайное, оно имеет глубокие корни в исторических условиях существования народной инструментальной музыки в России. В начале ХVII века московские «домерщики» (музыкальные мастера), изготавливавшие домры и другие музыкальные инструменты, населяли целый переулок в Замоскворечье в районе Пятницкой улицы.

Хотя домра и другие инструменты были широко распространены в народе, в среду правящих классов эти инструменты проникали лишь в исключительных случаях. Объясняется это враждебным отношением со стороны церкви, рассматривающей все народные инструменты, а в особенности инструменты струнные, как «сосуд дьявола», «бесовские игры».

Сохранился ряд предписаний церкви, направленных против народных музыкантов, в которых они по своей « вредности » приравнивались к разбойникам и волхвам.

Гонения на народные музыкальные инструменты со стороны церкви и светской власти в середине ХVII века принимает характер массового уничтожения этих образцов народного искусства. Так, например, по свидетельству Адама Олеария, «около 1649 года все «гудебные сосуды» были отобраны по домам в Москве, нагружены на пяти возах, свезены за Москву-реку и там сожжены».

Это было в Москве, а в провинцию следовали строгие царские указы Алексея Михайловича вроде следующего, посланного в том же 1649 году приказчику Верхотурского уезда в Сибири: «А где объявятся домры и сурны, и гудки, и гусли, и хари, и всякие гудебные бесовские сосуды, тебе б то всё велеть выимать и, изломав те бесовские игры, велеть сжечь».

Христианская культура, пришедшая на Русь из Византии, не приняла инструментальной музыки, а использовала почти исключительно вокальное пение (единственным музыкальным инструментом, применявшимся в христианском церковном обряде, был колокол). Главными носителями народного инструментализма были скоморохи, с их бытовым, народно-обрядовым и социально-сатирическим репертуаром.

Это привело к тому, что православная церковь, опиравшаяся на государственную власть, стала полностью отрицать инструментальное искусство. Провозглашение «греховности» инструментальной музыки, многовековая борьба с «бесовскими гудебными сосудами», преследование и уничтожение скоморохов - первых музыкантов-профессионалов, все это определило черную полосу в развитии национального инструментализма.

На протяжении столетий путь русской музыкальной культуры прослеживался в свете развития певческого начала, область инструментального музицирования оставалась в тени. Наличие отдельных народно-инструментальных ансамблей при княжеских и царских дворах, равно как и некоторое, начиная с XVIII столетия, оживление интереса к практике народного музицирования, не меняли положения в научно-теоретической сфере.

В русских печатных источниках, от нотных песенных сборников конца XVIII столетия и до середины следующего века, мы не встречаем никаких упоминаний о народных музыкальных инструментах и инструментальной музыке, ни одного образца народного инструментального исполнения. Теоретические исследования в этой области опирались на вокальную основу, что привело к недооценке инструментального начала русской народной музыки.

Следующим упоминанием о балалайке в печатных источниках был «Реестр», составленный и подписанный Петром I в 1715 году. В Санкт-Петербурге готовилось празднование шуточной свадьбы тайного советника князь - папы Н. М. Зотова. Свадебная церемония должна была сопровождаться грандиозным шествием ряженых, изображавших группы различных народов и племен, населявших в те времена Государство Российское. Каждой группе полагалось нести музыкальный инструмент, наиболее характерный для данной национальности. Помимо большого количества других инструментов, в «Реестр» входило 4 балалайки. Тот факт, что балалайки были отданы участникам, одетым калмыками, говорит, видимо о том, что балалайка в начале XVIII века не имела широкого распространения в русском народе.

Первые специальные описания русских народных инструментов, появившиеся в последней трети XVIII века, принадлежат иностранцам, жившим и работавшим в России.

Уже тот факт, что столь разные по тематике исследования единодушно уделяют внимание народной музыкально-инструментальной практике, говорит о безусловном оживлении интереса к ней со стороны передовых научных деятелей «века русского Просвещения». Трудно переоценить значение этих первых специальных сведений, дающих представление о составе русского инструментария середины XVIII века, устройстве и некоторых названиях, характере звучания, порой и условиях бытования отечественных народных инструментов, приемов игры на них.

Известный хроникер русской музыкальной жизни Якоб Штелин (1712-1785) - Член Санкт-Петербургской академии наук с 1738 г. - посвятил балалайке целый раздел своей книги «Музыка и балет в России XVIII века». Называя балалайку «распространеннейшим инструментом во всей русской стране», и приписывая ей славянское происхождение, Я. Штелин дает наиболее полное и точное для XVIII века описание внешнего вида, манеры игры и картины бытования этого инструмента.

Свидетельства Я. Штелина противоречивы. С одной стороны он считает балалайку «несовершенным и антихудожественным инструментом, мало пригодным для чего-либо иного, кроме бренчания деревенских песен». В то же время он пишет о каком-то слепом придворном бандуристе, который, добавляя к обычной двухструнной балалайке еще одну «иначе настроенную», струну, играя на ней, «не только арии, менуэты и польские танцы, но также и целые отрывки из аллегро, анданте и престо с необыкновенным искусством». Я. Штелин утверждает, что балалайка «в употреблении только у черни» и в то же время пишет о молодом человеке «из знаменитого русского дома, который на этом же инструменте играл новейшие мелодии итальянских арий и изящно себе аккомпанировал при пении». Весьма ценными являются высказывания Я. Штелина о балалайке той эпохи: «Нелегко найти в России дом, - пишет он, - где бы на этом… инструменте молодой работник не наигрывал служанкам своих вещичек. Инструмент этот имеется во всех мелочных лавках, но еще более способствует его распространению то обстоятельство, что его можно самому изготовить».

Противоречивость, сквозящая в оценке Я. Штелиным балалайки, в известной мере не случайна. Она заложена в двойственности самой природы инструмента, которая, как мы видам теперь, привела к расслоению балалаечного искусства на две линии: народной балалайки и профессионального сольного исполнительства. Как позднее скажет В.В.Андреев: «...Балалайка - инструмент любительский: таким он и должен быть, в этом сила балалайки и ее значение; но образцовое исполнение на ней, как показатель игры, должно существовать, иначе не может быть подражания...».

Дальнейшие все более часто встречающиеся свидетельства второй половины XVIII века почти ничего нового к описанию Я. Штелина, не добавляют. Из наиболее интересных описаний балалайки можно отметить одно, - данное М. Гютри в его известной «Диссертации о русских древностях». Повторяя в основных положениях Я. Штелина, М. Гютри дает в своей работе изображение современной ему двухструнной балалайки с полушаровидным кузовом и очень длинной шейкой. Рисунок из «Диссертации» М. Гютри следует признать наиболее научно достоверным изображением балалайки конца XVIII века, хотя необходимо оговорить, что при всей достоверности рисунка М. Гютри, изображенная им балалайка не являлась единственно бытовавшей в конце XVIII века формой инструмента. В то же время материалы иностранных авторов, воспитанных вдалеке от русской культуры, хотя и проявляющих к ней доброжелательность и симпатию, в ряде пунктов грешат ошибками и неточностями. Так М. Гютри, затрагивая вопрос о происхождении русских народных инструментов, идет по пути простого сопоставления их с греко-римскими инструментами. Во многом это объясняется тем, что в XIX веке принято было изучать отечественную музыкальную культуру с позиции ее греческого происхождения. По Гютри получается, что музыкальные инструменты России - лишь повторение перенятых славянами античных образцов, причем не претерпевших никакой эволюции и сохранившихся в первобытном состоянии до описываемой автором эпохи. Эта теория нерусского происхождения национального инструментария, лишающая его самобытности и национальных корней, имела широкое хождение вплоть до ХХ века.

Тем не менее, к концу XVIII века балалайка прочно завоевывает широкое общественное признание и становится одним из самых популярных инструментов русского народа. По видимому, у составителей музыкального словаря в уже упоминавшейся «Карманной книге на 1795 год» были достаточные основания утверждать, что «сей инструмент в великом употреблении в России… между простым народом». На популярность балалайки во второй половине XVIII века указывает также то, что среди ее любителей было немало представителей «высшего сословия». Все это способствовало выдвижению из среды русских музыкантов подлинных мастеров балалаечного исполнительства. К числу таких мастеров в первую очередь следует отнести Ивана Евстафьевича Хандошкина (1747-1804). В его лице не только скрипка, но и балалайка нашли совершенного исполнителя, непревзойденного виртуоза. Сохранились сведения об инструменте, на котором играл И.Е. Хандошкин. Он пользовался балалайкой, с шаровидным кузовом, сделанным из тыквы. Нужно отметить что, кустарное изготовление балалаек из такого, на первый взгляд малопригодного материала, было широко распространено в России. Однако в отличие от обычных кустарных инструментов подобного рода, кузов балалайки И.Е. Хандошкина был проклеен изнутри порошком битого хрусталя, отчего звук, по свидетельству знатока старины М.И. Пыляева становился чистый и серебристый.

В воспоминаниях солиста оркестра Большого театра В. В. Безекирского (Из записной книжки артиста 1850-1910. – Санкт-Петербург, 1910) упоминается имя штаб-ротмистра Радивилова, который в 50-х годах XIX века давал сольные концерты в Москве. Играл он на четырехструнной балалайке, но нередко и на одной струне. Инструмент его, по преданию, был сделан из старой гробовой доски. Радивилова знала и любила вся Москва. Достаточно сказать, что его приглашали участвовать в самых парадных концертах с лучшими артистическими силами - пианистом Т. Лешетицким, скрипачом Гербером, гитаристом М.С. Соколовским и др.

[FLOAT="left"]Существовала ли балалайка в России до XVIII века? Как, когда и откуда появилась она в музыкальном обиходе русского народа? - такие вопросы, естественно, интересовали всех исследователей русского народного инструментария. В вопросе о происхождении балалайки существуют различные точки зрения. В энциклопедическом словаре Брокгауза и Эфрона (1891 г.) говорится что, «...когда и кем изобретена балалайка – неизвестно»

Наиболее обстоятельные исследования А. С. Фаминцына в книге «Домра и сродные ей музыкальные инструменты русского народа» ( Санкт-Петербург, 1891) и Н.И. Привалова о тамбуровидных инструментах сходятся на том, что балалайкапроизошла от домры. Суть рассуждений А. С. Фаминцына сводится к следующему. В XVI - XVII веках в русском музыкальном обиходе, получил распространение тамбуровидный струнный щипковый инструмент с круглым кузовом и очень длинной шейкой. Это была домра, заимствованная русскими от восточных племен - выходцев из Азии. Играли на ней медиатором. На какое-то время домра сделалась излюбленным музыкальным инструментом скоморохов. Однако уже к началу XVIII века «этот инструмент совершенно забылся, вследствие того, что глубоко в жизнь русского народа не проник, так как он был чужестранного происхождения и притом занесен на Русь сравнительно недавно». Действительно, если в XVII веке домра очень часто упоминалась в различных литературных источниках, то в XVIII веке упоминаний о ней мы уже не находили. В то же время балалайка, не встречавшаяся в памятниках литературы XVII столетия, в источниках XVIII века занимает прочное место.

Нельзя не согласиться с выводом А.С. Фаминцына, что балалайка в русском музыкальном обиходе заменила домру, и что произошло это где-то на рубеже двух столетий. Установив этот исторический факт, Фаминцын пошел дальше, утверждая, что балалайка есть не что иное, как видоизмененная домра. Опорой своих рассуждений А. С. Фаминцын избрал треугольную форму кузова балалайки, считая это единственным национальным и самобытным признаком инструмента, отличающим балалайку от азиатского тамбура. Он тщательно собрал все сведения о внешнем виде балалайки XVII - XIX веков и, несмотря на их противоречивость, пришел к следующему выводу, «народ, изготовляя сам свой инструмент, перешел от свойственной тамбуру-домре круглой формы корпуса к треугольной, как более легкой и удобной для самодельного сооружения».

Н. И. Привалов, опираясь на А. С. Фаминцына, пишет: «...соединенными суровыми мерами московского духовенства и правительства домра, в числе некоторых других музыкальных орудий, была изгнана из употребления русского народа». Далее, утверждая вслед за А. С. Фаминцыным, что уже в XVIII столетии упоминание о домре вовсе не встречается, Н. И. Привалов в статье «Тамбуровидные музыкальные инструменты русского народа» («Известия Санкт-Петербургского общества музыкальных собраний». - Вып. V , Санкт-Петербург , 1905) дополняет: «На самом деле этот инструмент народом не был брошен, но только замаскирован другим названием и впоследствии несколько видоизменен и упрощен, так как должен был оставаться в пределах первобытного изготовления. Очевидно, пишет исследователь, русский народ, желая сохранить домру, - инструмент, преданный проклятию и преследуемый, сначала переменил ей название, дав новое, обозначающее предмет не для серьезного занятия, а для забавы, развлечения. Затем, так как приходилось это музыкальное орудие изготовлять домашними средствами и наскоро, то для упрощения работы корпус начали сколачивать не полукруглый, а обрезанный снизу, а потом и вовсе треугольный из простых дощечек. Далее, на балалайку перенесен был и старинный русский прием игры, издавна практиковавшийся на древней форме гуслей, - бряцание по струнам кистью руки, а не плектром".

Позднее А. Новосельский в «Очерках по истории русских народных музыкальных инструментов», разделяя мнение А. С. Фаминцына и Н. И. Привалова о том, что балалайка - это видоизмененная домра, треугольный кузов которой в кустарном изготовлении более прост и удобен, дает еще более упрощенное толкование: «...под неумелыми руками инструмент не ладился, вместо звука получалось какое-то бренчание, и инструмент стал называться вследствие этого брунькой, балабайкой, балалайкой. Так из азиатской домры получилась русская балалайка». Кустарное изготовление балалаек с круглым кузовом сохранилось в отдельных губерниях России до конца XIX века (до реформы В.В. Андреева). Тот же Н. И. Привалов пишет, что ему доводилось видеть на рисунках ситцев Тверской губернии «…изображение пляшущего мужика под звуки балалайки круглой формы, на которой играет другой мужик».

Но существует и другая точка зрения по вопросу о происхождении балалайки. Во многих источниках, вышедших в свет до работы А. С. Фаминцына, балалайке приписывается татарское происхождение. На татарское происхождение указывают почти все словари и словотолкователи конца и первой половины XVIII века. В 1884 г. исследователь-инструментовед Михаил Петухов в работе «Народные музыкальные инструменты музея Санкт-Петербургской консерватории» (Санкт-Петербург, 1884) пишет: «Многие ученые, в том числе и г. Дуров, полагают, что балалайка-инструмент татарского происхождения...». Это же положение он подтверждает спустя четыре года в статье «В.В.Андреев и кружок игроков на балалайке».

В энциклопедическом словаре Брокгауза и Эфрона указывается «…некоторые писатели по музыке полагают, что балалайка изобретена самими русскими во время татарского владычества или заимствована от татар». Можно добавить, что татарское слово «балалар» в переводе на русский язык означает «дети» (лар - признак множественного числа). Если к нему приставить типично русское окончание «ка», то получаемое слово «балаларка» уже настолько приближается к названию "балалайка", что происхождение последнего вряд ли может вызвать какие-либо сомнения. Однако если принять версию о татарском происхождении инструмента, исходя из языковых предпосылок, то становится неизбежным вывод о том, что балалайка появилась в России не в XVIII веке (как утверждает А. С. Фаминцын), а, по крайней мере, лет на 400 ранее, как подчеркивает Б.М. Беляев в статье «История культуры древней Руси» (М.-Л., изд. АН СССР, 1951) - «Наши ранние письменные источники не дают сведений о существовании на Руси в XI - XIII веках балалайки и домры. Эти инструменты получают широкое распространение лишь в XIV - XV веке».

Таким образом, вопрос о происхождении балалайки оказывается сложным. Хотя ни одна из приведенных выше версий не дает убедительного ответа, исследования А. С. Фаминцына мне кажутся более логичными и основательными.

В начале XIX века по популярности балалайки был нанесен удар распространением в России семиструнной русской гитары. Необычайный успех семиструнной гитары и проникновение ее во все слои русского общества объясняются резким изменением эстетических вкусов и запросов на рубеже XVIII - XIX веков. Балалайка вытесняется из городского домашнего музицирования, а с распространением гитары в деревне (через помещичье-усадебную культуру) и «подлаживанием гитары под русскую песню» вскоре начинается процесс постепенного исчезновения балалайки и в народном музыкальном быту. Затем серьёзный ущерб популярности балалайки, был нанесен «голосистой тальянкой», широко распространившейся в России в пятидесятых годах XIX века. Конечно, балалайка не исчезла совсем из музыкального обихода русского народа, однако ее популярность продолжала падать. Из повсеместно распространенного, живого инструмента балалайка все больше превращалась в «предмет музыкальной археологии».
Неизвестно, как бы в дальнейшем сложилась судьба балалайки, не окажись на ее пути страстного любителя русской народной музыки Василия Васильевича Андреева. 1886 год, когда состоялось первое публичное выступление Андреева, можно смело назвать годом второго рождения балалайки, а период активной творческой деятельности Андреева - началом расцвета национальной инструментальной музыки.


Начало расцвета русской народно-инструментальной музыки

Спойлер:

В. В.Андреев родился 3(15) января 1861 года в г. Бежецке Тверской губернии Проводя детские года в небольшом родовом имении в Вышневолоцком уезде, он рано познакомился с народной песней, глубоко ее прочувствовал и полюбил. Там же он научился у сельского виртуоза крепостного крестьянина Антипа Васильева играть на балалайке. Вот что рассказывал В.В.Андреев, вспоминая об этом «Был тихий июньский вечер. Я сидел на террасе и наслаждался тишиной деревенского вечера. Вдруг совершенно неожиданно услыхал дотоле еще неведомые для меня звуки. Я сорвался с места и подбежал к флигелю, откуда неслись звуки. Передо мной на ступеньках крыльца сидел крестьянин и играл на ...балалайке!... Я уже видел раньше этот инструмент в маленьких лавках на окнах, но никогда еще не слыхал игры на нем. Я был поражен ритмичностью и оригинальностью приема игры и никак не мог постичь, как такой убогий с виду, несовершенный инструмент только с тремя струнами, может давать столько звуков». Здесь необходимо добавить, что к этому времени Андрееву было 22 года. Он уже путешествовал по Европе и видел в Испании - гитару, в Италии – мандолину. К концу ХIХ века это были весьма совершенные инструменты.

Что же представляла собою балалайка, бытовавшая тогда в народе и так заинтересовавшая В.В. Андреева? По своей форме и музыкальным качествам старинная народная балалайка существенно отличалась от современной. Она представляла собой «длинный двухструнный инструмент», имела корпус около полутора пядей длины (примерно 27 см.) и одной пяди ширины (примерно 18 см) и шейку (гриф), по крайней мере, в четыре раза более длинную».

Встреча в 1883 году с Антипом сыграла огромную роль в жизни Андреева. Услышав игру замечательного народного музыканта-виртуоза, он понял, что балалайка, более чем любой другой русский народный инструмент, способна в совершенстве передавать характер русских народных плясовых песен, что в ней таятся такие потенциальные возможности, о которых никто даже и не подозревает. Но как раскрыть эти возможности - вот вопрос, который ему нужно было решить, во что бы то ни стало. Неужели же он, Андреев, с его знанием скрипичной игры, с его работоспособностью и увлечённостью, не добьется этого?!

Настойчиво и целеустремленно овладевает Андреев балалайкой, добавляя к советам Антипа приемы скрипичной техники, свои музыкальные знания и опыт игры на других народных инструментах. Не прошло и двух недель, как ученик уже догнал своего учителя, переняв весь его незатейливый репертуар, состоявший из нескольких народных песен.

Однако вскоре перед молодым энтузиастом балалайки возникли серьезные препятствия, казавшиеся ему непреодолимыми. Андреев не только превзошел Антипа, но и достиг того «потолка» виртуозности, которыми обладала кустарная Антипова балалайка. Пока он не умел еще играть, то все недочеты и недостатки звука можно было относить за счет техники, но когда он овладел инструментом, то стало ясно, что секрет здесь не в игре, а в несовершенстве балалайки. Ее передвижные жильные навязки, заменяющие лады, ее слишком слабый, невыразительный звук ограничивали исполнительскую технику, обедняли возможности вариационного развития народных мелодий. В быстром темпе фигурации сливались в какую-то дребезжащую кашу, исполнение утрачивало техническую четкость и точность интонирования. Становилось все яснее и яснее, что дальнейшие усилия бесплодны.

Положение казалось безвыходным, но Андрееву помог случай. В 1884 году он услышал, что в соседнем уездном городе Вышнем Волочке проживает помещик по фамилии Паскин, страстный любитель балалайки. Разыскать чудака-помещика, увлекающегося игрой на балалайке, оказалось делом несложным. Первый же встречный указал Андрееву богатый особняк А. С. Паскина, который прославился на весь город мастерским исполнением на балалайке русских песен.

Александр Степанович Паскин был в полном смысле этого слова виртуозом. Его игра, отличавшаяся огненным темпераментом и безудержной стремительностью темпов, буквально ошеломила Андреева. Слушая русские песни в исполнении Паскина, наблюдая его смелые и оригинальные приемы игры, молодой музыкант снова поверил в балалайку.

Общие интересы очень скоро сблизили двух музыкантов-энтузиастов, и Паскин за несколько уроков ознакомил Андреева с новыми техническими приемами и своим репертуаром. По совету А. С. Паскина Андреев заказывает у местного столяра более совершенную балалайку, отличающуюся от Антиповой размерами кузова, тщательностью отделки и пропорциональностью своих частей. Кроме того, балалайка была сделана из хорошо выдержанного дерева, дававшего чистый и приятный тон.

Вернувшись в Марьино, Андреев еще настойчивее оттачивает свое исполнительское мастерство на новой балалайке, открывшей ему более широкие перспективы. Вместе с тем он не оставляет мысли о дальнейших усовершенствованиях мечтая о такой балалайке, которая могла бы прозвучать в любом столичном салоне, на любой эстраде, о балалайке красивой и звучной, концертной и в то же время подлинно народной.

Если простой вышневолоцкий столяр, рассуждал Андреев, мог смастерить вполне приличную балалайку, то какой же инструмент изготовят столичные инструментальные мастера?! К тому же и Паскин говорил, что лет тридцать назад любители балалайки, а их тогда, как мы знаем, было немало среди интеллигенции, делали себе инструменты по особому заказу у музыкальных мастеров.

Для того, чтобы превратить эти мечты в действительность, молодой музыкант-энтузиаст знакомится с законами акустики, штудирует русские и иностранные исследования по истории изготовления музыкальных инструментов, собирает и изучает образцы кустарных балалаек из различных губерний России. Его поражает многообразие форм народных балалаек: одни имеют маленький кузов и очень длинную узкую шейку, другие - большой кузов и широкий, но короткий гриф, одни инструменты имеют три и даже четыре струны, другие - только две. Балалайки делают из ели, сосны, березы, бука, а украинские народные мастера для изготовления балалаечного кузова обычно употребляют высушенные тыквы. В особенности заинтересовали Андреева балалайки Вятской губернии. Там, в глуши Вятских лесов, сохранились еще традиции, восходящие чуть ли не к концу XVIII века. Вятские балалайки своим круглым, вернее, полушаровидным кузовом очень напоминали Андрееву мандолины. Однако играли на них обычным народным баллаечным приемом - бряцанием.

Вскоре Андреев приходит к важному выводу: треугольный кузов и три струны наиболее типичны для народных балалаек. Что же касается соотношения частей и пропорций, то они не играют существенной роли и могут в известных пределах изменяться, не нарушая народной сущности инструмента. И Андреев решает сам попробовать набросать на бумаге чертеж будущей концертной балалайки, стараясь найти те оптимальные формы, которые отвечали бы требованиям акустики и эстетики, были бы удобны при игре и в то же время не слишком отдалялись от традиционных форм кустарных балалаек.

В. В.Андреев писал: «Главной задачей я ставил, найдя прототип инструмента, сохранение все основ, данных ему самим народом, т.е. внешний вид, форму, количество струн, приемы игры, строй. Строителем и автором инструмента как был русский народ, так и остался; я же его только реставрировал и, развив народные принципы, привел в надлежащий порядок все его разновидности».

Закончив чертежи усовершенствованной концертной балалайки, Андреев едет в Петербург с твердим намерением заказать ее у одного из лучших инструментальных мастеров. В Петербурге молодого музыканта постигло горькое разочарование. Он знал, что высшее общество с пренебрежением относится к народной музыке. Но, что балалайку, его любимую балалайку, которой он отдал столько сил, времени, внимания, ради которой он вступил в серьезный конфликт с матерью, здесь, в Петербурге до такой степени презирают, - этого он не мог предположить.

Первый же музыкальный мастер, к которому обратился Андреев, встретил его предложение ядовитой усмешкой: «Что вы, молодой человек. Да разве стану я позорить свою солидную фирму изготовлением мужицкого инструмента?! Пойдите в любую табачную лавку и купите себе там балалайку, если она уж вам так нужна. А вы еще хотите вынести этот, с позволения сказать инструмент на концертную эстраду? Да ведь его место в кабаках, в лакейских, в конюшнях и подворотнях, а никак не в концертных залах». Но чем больше трудностей вставало на пути Андреева, тем настойчивее добивался он осуществления своей цели. Целыми днями он ходит по музыкальным мастерским Петербурга упрашивает, доказывает, убеждает, сулит мастерам огромные оптовые заказы и баснословные барыши в самом ближайшем будущем. В некоторые мастерские он приносит с собой свою балалайку и тут среди верстаков, заготовок и ворохов стружек подкрепляет свои доводы виртуозной игрой.

Мастера дивятся оригинальной затее, восхищаются его владением инструментом, но в рентабельность этого дела, не верят: зачем изготовлять дорогие балалайки, когда каждый желающий может и так их купить за две-три гривны в любой мелочной лавочке? Неожиданно для Андреева принять заказ соглашается один из лучших в городе смычковых мастеров Владимир Васильевич Иванов. О встрече с ним Андреев рассказывает: «Когда в 1880-х годах я обратился впервые к инструментальному мастеру, очень талантливому, известному особой выделкой смычков и починкой старинных инструментов, с просьбой сделать по моим указаниям из лучших сортов дерева балалайку, то вначале он принял мое предложение за шутку; когда же я уверил его, что говорю совершенно серьезно, он так обиделся, что перестал со мной разговаривать, вышел в другую комнату, оставив меня одного. Я был очень смущен, но, тем не менее, решил настаивать на своем; в конце концов, мне удалось убедить его не словами, а делом... Я принес ему простую деревенскую балалайку, стоившую 35 коп, на которой в то время играл сам, сделанную из простой ели, с навязанными ладами, и сыграл... несколько песен. Моя игра его настолько удивила, что он согласился сделать мне балалайку с тем, чтобы я дал ему слово никому и никогда о том не рассказывать, так как такая работа для него унизительна и может серьезно повредить его репутации. Я долгими часами просиживал у него, следя за работой, делая необходимые указания, касающиеся размеров частей, выбора дерева и т.д., и неоднократно был свидетелем, как при каждом звонке он быстро вскакивал и накрывал верстак тут же лежащим наготове платком, чтобы кто-нибудь из его заказчиков или посторонних не увидел находившейся на верстаке балалайки.

Изготовленная В. В. Ивановым первая концертная балалайка отвечала самым строгим требованиям. Она буквально пела под пальцами, раскрывая новые, безграничные, как казалось Андрееву, горизонты своих возможностей. Ее отличная дека и кузов, сделанный из горного клена, позволили исполнителю расширить динамический диапазон от тончайшего пианиссимо до мощного форте. В то же время это был инструмент со всеми его наиболее характерными народными особенностями - способом звукоизвлечения, количеством струн и формой. Андреев ничего нового не изобрел. Он только привел созданное народом и бывшее в народе в соответствие с современным уровнем музыкальной культуры.

Петербургское общество того времени было избаловано многочисленными русскими и иностранным виртуозами-гитаристами, мандолинистами, гармонистами, чуть ли не ежедневно выступавшими в столичных салонах и на эстрадах. И, тем не менее, успех Андреева превзошел все ожидания. Его виртуозная игра не только восхитила слушателей, но и вызывала желание подражать.
Где взять такой инструмент и как на нем научиться играть? - с таким вопросом обращаются к Андрееву многие из его слушателей. Но он не может пока дать удовлетворительного ответа. Своим искусством он обязан Антипу, Паскину и тем марьинским пастухам, которые научили его понимать и любить народную инструментально музыку, а его балалайка - пока единственная в России, да и та, как показал опыт столичных выступлений, еще не вполне отвечает требованиям высшего исполнительского мастерства. Можно и нужно еще многое сделать для ее дальнейшего усовершенствования.

И снова Андреев садится за чертежи, внося в первоначальный проект конструктивные изменения. Все должно быть учтено в новой балалайке и большая сила звучания, необходимая для концертных помещений, и внешняя отделка, способная удовлетворить эстетические запросы самого требовательного слушателя. Но главная забота Андреева - передвижные лады, неуклюжие, жильные перетяжки на грифе, крайне неудобные при игре. Они теперь стали непреодолимым препятствием на пути развития виртуозности. Проще всего было бы заменить их постоянными врезанными ладами, как у гитар или мандолин. Сомнения одолевают музыканта: вправе ли он произвести такую замену? Не уведет ли это усовершенствование в сторону от народного прообраза? Ведь все народные балалайки оснащены жильными перетяжками - это один из важнейших типовых признаков. Однако Андреев решает все же заменить лады, успокаивая себя такими соображениями; если бы в России народные инструменты, в том числе и балалайки, не «закоснели в своем убожестве», под влиянием целого ряда исторических причин, а прошли бы естественный путь развития, как это имело место в Западной Европе, то нет сомнения в том, что русский народ сам додумался и до постоянных ладов и до более совершенных форм. Эти мысли, еще недостаточно оформившиеся в период реконструирования балалайки, впоследствии были развиты Андреевым, стройную теорию усовершенствования народных инструментов, входивших в состав великорусского оркестра.

Новая балалайка, изготовленная весной 1887 года в мастерской петербургского мастера Франца Станиславовича Пасербского, вошла в историю русского балалаечного искусства под названием "пятиладовой". На пятиладовой балалайке молодой музыкант продолжает оттачивать технику игры, разрабатывает новые технические приемы, обогащает свой репертуар блестящими вариациями на русские песни. Но проходит пора шумного успеха и всплывает непонимание со стороны столичной публики "чудака", играющего на мужицком инструменте. Необходим был новый толчок в развитии инструмента. Чтобы доказать жизнеспособность балалайки, рассуждал Андреев, надо еще настойчивее оттачивать исполнительское мастерство и заниматься усовершенствованием конструкции
У могилы В. В. Андреева. 1918 год. С удвоенной энергией работает он над развитием своей исполнительской техники, неустанно думает о дальнейшем улучшении инструмента. Мастер Ф. С. Пасербский делает ему концертную балалайку, на этот раз с двенадцатью постоянными ладами, позволяющими исполнять более виртуозные пассажи и, что особенно важно, хроматические последовательности и гаммы.
К этому времени вокруг В.В. Андреева сплотился круг учеников и последователей его дела. Андреева уже не удовлетворяет звучание одной балалайки. Он, стремясь возродить фольклорные традиции коллективного музицирования на народных инструментах, создает "Кружок любителей игры на балалайке", первое выступление, которого состоялось 20 марта 1888 г. Именно для этого ансамбля в 1887 г. Ф.С. Пасербский изготовил разновидности балалайки: пикколо, альт, бас, контрабас, а в 1888 г. - дискант и тенор. Контакт В.В. Андреева с Ф.С. Пасербским продолжался около десяти лет, но большой творческой дружбы между ними не получилось.
Совсем иначе сложились отношения В.В. Андреева с С.И. Налимовым, который талантливо претворил в жизнь все проекты Андреева по усовершенствованию балалайки.


Виртуозы-балалаечники
Спойлер:
Амиров Шаукат Сабирович
Андреев Василий Васильевич
* Архиповский Алексей Витальевич
* Белинский Дмитрий Геннадьевич
* Блинов, Евгений Григорьевич[6]
* Воинов, Леонид Иванович
* Вязьмин, Николай Николаевич
* Горбачев Андрей Александрович
* Зажигин Валерий Евгеньевич
* Ельчик, Валерий Анатольевич
* Калинин, Дмитрий Анатольевич (балалаечник, дирижёр)
* Михель, Роман Сергеевич
* Налимов, Семён Иванович (выдающийся мастер струнных русских народных инструментов)
* Нечепоренко, Павел Иванович
* Прошко, Николай Викентьевич
* Рожков, Михаил Федотович
* Сенин Игорь Илларионович
* Трояновский Борис Сергеевич (1883—1951)
* Феоктистов, Борис Степанович
* Фомин, Николай Петрович (композитор, сподвижник В. В. Андреева)
* Урбанович Владимир Георгиевич

Фотографии
Спойлер:
Контрабас-балалайка


П. Е. Заболотский. Мальчик с балалайкой (1835).
Форма корпуса балалайки была изначально округлой.




[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

Последний раз редактировалось CLIPER; 24.11.2017 в 22:39.
Валькирия вне форума Ответить с цитированием
12 пользователя(ей) сказали cпасибо:
AVEnsis (06.07.2014), Broken Heart (01.03.2014), Captain Flint (19.07.2014), Carassius (27.02.2014), CLIPER (28.02.2014), Henry Morgan (28.02.2014), Natali (05.05.2014), pitblood (19.07.2014), Армеец (27.02.2014), де росс (28.02.2014), Пелагея (28.03.2014), Шепот (28.02.2014)
Старый 05.05.2014, 21:28   #5
Валькирия -
Администратор
Corsairs-Harbour.Ru WastelandMutants.Ru
Человек года - 2016
Коммодор
Б.Е.С.
Гаваньский саблемахал
 
Аватар для Валькирия
 
Регистрация: 04.06.2011
Адрес: Санкт-Петербург
Сообщений: 4,410
Нация: Пираты
Пол: Женский
Офицеры Корабли
Репутация: 1177

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Всё самое интересное о музыкальных инструментах

Окарина

Окарина — это древний духовой музыкальный инструмент, представляющий собой глиняную свистковую флейту. Он похож на небольшую камеру в форме яйца с отверстиями для пальцев. Название инструмента происходит от итальянского слова «ocarina», что означает «гусенок», поскольку своей формой он очень напоминает птицу.

Современные сведения об окарине довольно противоречивы, но мы упомянем лишь те, которые не вызывают сомнения и соответствуют истине. Во-первых, наиболее распространенная форма окарины – конический сосуд. Во-вторых, отверстий для добывания гаммы может быть от четырех до тринадцати. В-третьих, инструмент используется как любителями, так и профессионалами. Ярким примером последнего утверждения может служить известный ансамбль «Песняры». Итак, это основные отличительные особенности окарины.

История возникновения

Спойлер:
Предшественницы этого удивительного инструмента появились еще в период до нашей эры, и археологи находят их в самых разных странах - в Перу, в Китае, на африканском континенте и даже в России, где большое распространение получили знаменитые дымковские игрушки или филимоновские свистульки.

К окариновидным относят древнейшие инструменты – свистульки, которые имели разнообразную окраску и специальное свистковое устройство и три-четыре игровых отверстия, дающее различные звуковые комбинации. В глубокой древности эти примитивные инструменты сопровождали разнообразные обряды и праздники.

Конечно, они мало были похожи на современную окарину по диапазону. Иногда древняя окарина позволяла извлечь только один звук, но по своему устройству она мало отличалась от тех инструментов, которые есть сейчас. По некоторым оценкам, инструменты, подобные окарине, появились примерно двенадцать тысяч лет назад. Важно отметить, что такие инструменты-сосуды, сделанные из жженой глины и своей формой напоминающие птицу, были известны с глубокой древности в Египте, Китае, у некоторых других народов Азии и Африки. Они играли важную роль в культурной жизни страны.

В европейскую культуру окарина вошла в 1860 году, когда итальянец Джузеппе Донати из города Будрио изобрёл современную форму этого инструмента. Форма окарина поражает своим большим разнообразием - птички, рыбки, черепашки, жуки, лягушки… И это еще не весь список тех окарин, которые ловкие мастера готовы сделать. Окарина может быть также любой геометрической формы, например круглой, прямоугольной или в виде морковки. Материалы, из которых делался и делается сейчас этот инструмент, тоже очень разнообразны. Обычно окарина выполнена в керамике, но иногда ее изготавливают также из пластика, древесины, стекла или металла. Иными словами, годится всё, что легко обрабатывается или имеет полость, именно поэтому в мире можно встретить окарины не только из традиционных материалов, но даже из кости или раковины. Использование полимеров и современных технологий обработки позволяет сделать окарины недорогими и при этом весьма качественными, очень хорошо держащим музыкальный строй.


В чем же заключается основное отличие окарины от других инструментов?

Спойлер:
Основное отличие состоит в том, что окарина представляет собой некий закрытый объем со свистком. Интересный факт - обычный свисток, которым пользуются судьи и тренеры, устроен точно так же, как и окарина, и является по своей сути окариной. Если вы хотите быстро и сравнительно недорого сделать свою собственную окарину, вот вам совет - можно вынуть шарик из свистка, просверлить по бокам пару отверстий и получите инструмент.

В окарине свистковое устройство помещается в специальном поперечном отводе. Десять игровых отверстий дают необходимый звукоряд. Полутона извлекают, частично прикрывая пальцами игровые отверстия. Некоторые разновидности окарины снабжены клапанами и поршневым устройством, позволяющим менять строй инструмента. Существуют даже семейства окарин, из которых составляют ансамбли и оркестры.

Окарина распространена в мире гораздо шире, чем может показаться на первый взгляд. Например, на окарине играет музыку аниме хранитель леса Тоторо в знаменитом аниме «Мой сосед Тоторо». Окарина присутствует в некоторых видеоиграх, в частности, в игре The Legend of Zelda: Ocarina of Time, вышедшей в 1998, и её продолжении The Legend of Zelda: Majora's Mask.

К окаревидным инструментам относятся всякого рода керамические свистульки в виде птичек, рыбок, раковин и т.д..






[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
Валькирия вне форума Ответить с цитированием
12 пользователя(ей) сказали cпасибо:
AVEnsis (06.07.2014), Captain Flint (19.07.2014), Carassius (05.05.2014), CLIPER (05.05.2014), Henry Morgan (05.05.2014), Natali (05.05.2014), Oldbarel (06.05.2014), pitblood (19.07.2014), Армеец (06.07.2014), Касперский 13 (05.05.2014), Пелагея (06.05.2014), Шепот (20.07.2014)
Старый 06.07.2014, 12:37   #6
Валькирия -
Администратор
Corsairs-Harbour.Ru WastelandMutants.Ru
Человек года - 2016
Коммодор
Б.Е.С.
Гаваньский саблемахал
 
Аватар для Валькирия
 
Регистрация: 04.06.2011
Адрес: Санкт-Петербург
Сообщений: 4,410
Нация: Пираты
Пол: Женский
Офицеры Корабли
Репутация: 1177

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Всё самое интересное о музыкальных инструментах

Буллрорер

Название: Австралийский свисток
Семейство: Духовые
Материал: Дерево или кость
Происхождение: Буллрорер появился еще в каменном веке (3 500 ООО - 5000 лет д.н.э.) . В наши дни обычно встречается в Тихоокеанском регионе, Австралии и среди индейцев Южной Америки.
Классификация: Аэрофон, инструмент, производящий звуки в результате вибрации воздуха.



История возникновения
Спойлер:
Буллрорер относится к семейству свистков. Его второе название – австралийский свисток.
Свисток — устройство с отверстием, которое издаёт звук высокой частоты (свист или писк) при продувании через него воздуха, вид газоструйных излучателей. Свисток — древний музыкальный инструмент. На нём основано множество других аналогичных духовых инструментов. Также иногда он в чистом виде используется в оркестрах народных инструментов. В сухопутных войсках употребляется для подачи сигнала в цепи; сверх того, свисток полагается иметь часовому на посту для вызова из караульного дома разводящего. На военных судах наиболее употребительные приказания команде передаются свистками посредством особой дудки (в несколько тонов), имеющейся у нижних чинов унтер-офицерских званий. Свистки нашли широкое применение для подачи сигналов арбитрами спортивных соревнований. Ультразвуковой свисток применяется в кинологии для призывания собак.

Роберт Бернс воспел обычный свисток в своих стихах:
"Пою про свисток я, про дивный свисток,
Чей вид благороден, а голос высок!..."


Подлинная прозаическая история свистка весьма любопытна. Когда Анна Датская с супругом своим Иаковом Шестым прибыли в Шотландию, в её свите прибыл и некий датчанин – джентльмен громадного роста, великой удали и к тому же несравненный поборник Бахуса. У него был маленький свисток чёрного дерева. В начале всякой оргии датчанин выкладывал его на стол; кто был в состоянии дунуть в свисток последним, тот и забирал свисток в качестве трофея. Датчанин предъявил свисток как свидетельство своих побед. Сей джентльмен и сам, в конце концов, понёс урон от сэра Роберта Лоури из Максвельтона, который, одержав верх в нелёгком состязании, длившемся три дня и три ночи, отправил бравого скандинава под стол, и тем самым отнял трофей у врага-чужака. С тех пор свисток – это синоним силы в различных испытаниях.

Свистки - это акустические излучатели, преобразующие энергию струи в энергию акустических колебаний. В свистках нет движущихся частей, поэтому они более просты в изготовлении и удобны в эксплуатации. По типу рабочего тела и среды, для которой они предназначены, свистки делятся на газоструйные и жидкостные. Буллролер не относится к описанным свисткам, поскольку прост в изготовлении и не применяется по тому назначению, которое мы привыскли вкладывать в слово «свисток». В него не свистят, не прикладывают его к губам. В случае с буллрорером все не так просто.

Для чего же используется буллрорер? Его назначение – религиозное. До девятнадцатого века в Восточной Европе буллрорер использовался как средство защиты от грозовых ураганов. Кроме того, племена Буро на Соломоновых островах верят, что звуки буллрорера являются голосами их предков. Таким образом , буллрорер является той нитью, которая связывает мир живых и мертвых и при желании может приподнять завесу потустороннего мира и помочь общению тех, кто уже потерял свою земную оболочку.

Буллрорер делается из дерева или кости. Он может быть разной длины. Как правило, это не больше пятидесяти сантиметров. Буллрорер относится к классу аэрофонов. Это означает, что инструмент производит звуки в результате вибрации воздуха. Буллрорер состоит из двух составляющих. Это, во-первых, планка. Во-вторых, это шнур. Он крепится к планке при помощи отверстия в ее задней части. Шнур протягивается в это отверстие и завязывается в узелок, что удерживает его и не дает ему выпасть. Шнур выполняет важную функцию. Держа его, надо вращать буллрорер над головой. Планка рассекает воздух и издает пронзительный ревущий звук. Планка свистка украшена резьбой. Зачастую резьба нанесена только на одну из поверхностей инструмента.

История буллрорера насчитывает тысячелетия. Он появился еще в каменном веке. Его активно использовали в Древней Греции. В наши дни буллрорер не потерял своей значимости. Он встречается в Тихоокеанском регионе, в Австралии, а также среди индейцев Южной Америки. Свисток вполне мог быть прообразом многих музыкальных инструментов. Его роль многогранна. Слушая отдельные звуки, производимые самой природой, человек вдохновлялся на нечто большее. Так простой свисток помогал становлению мировой музыкальной культуры.
Спойлер:


[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
Валькирия вне форума Ответить с цитированием
10 пользователя(ей) сказали cпасибо:
AVEnsis (06.07.2014), Captain Flint (19.07.2014), CLIPER (06.07.2014), Henry Morgan (06.07.2014), Natali (13.07.2014), Oldbarel (07.07.2014), pitblood (19.07.2014), Армеец (06.07.2014), Пелагея (06.12.2014), Шепот (20.07.2014)
Старый 13.07.2014, 15:33   #7
Валькирия -
Администратор
Corsairs-Harbour.Ru WastelandMutants.Ru
Человек года - 2016
Коммодор
Б.Е.С.
Гаваньский саблемахал
 
Аватар для Валькирия
 
Регистрация: 04.06.2011
Адрес: Санкт-Петербург
Сообщений: 4,410
Нация: Пираты
Пол: Женский
Офицеры Корабли
Репутация: 1177

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Всё самое интересное о музыкальных инструментах

Волынка

Волынка — традиционный музыкальный духовой инструмент многих народов Европы и Азии. Представляет собой воздушный резервуар, который, обыкновенно, делается из воловьей (откуда и название), телячьей или козьей шкуры, снятой целиком, в виде бурдюка, зашитой наглухо и снабженной сверху трубкой для наполнения меха воздухом, с прикрепленными снизу одной, двумя или тремя игральными язычковыми трубками, служащими для создания многоголосия.

Одна из этих трех трубок с боковыми отверстиями (чантер) и служит для наигрывания какой-либо мелодии, а другие две (бурдоны) — басовые, которые настраиваются между собой в чистую квинту. Бурдон подчёркивает остов октавного лада (ладового звукоряда), на основе которого сочиняется мелодия. Высота звучания бурдонных трубок может быть изменена посредством находящихся в них поршней.



Устройство волынки
Спойлер:
В данном случае, примером служит галисийская гайта – эта волынка лучше всего дает представление об инструменте вообще. Волынка, как правило, состоит из мешка (собственно, bag) и набора разнообразных трубок (pipes), в него вставляемых.

Элементы волынки делятся на:
основные (звучащие)
Чантер – это та трубка, на которой собственно играют мелодию. Чантер может представлять собой как простую дудочку, так и сложное устройство с клапанами и механизмами настройки, как у ирландской волынки (Uilleann).

Дроны (их также называют бурдонами) – это трубы, которые тянут фоновый басовый (как правило) звук, сопровождающий основную мелодию, что также называют “бурдонное звучание”. Их может быть от 1-ого до 4-х штук. В Ирландии нашли способ и из них сделать довольно сложный инструмент. Uilleann pipes (ирландская волынка) имеет, помимо трех основных дронов, три, по своей сути, чантера, именуемых регуляторами (regulators). Они вставлены в тот же сток, что и дроны, но издают звук только при открывании специальных клапанов, которыми они оснащены.

Вдувалка (blowpipe) – трубка, через которую надувают волынку. Как правило, оснащается клапаном, не позволяющим воздуху выходить из мешка обратно, а с другой стороны – удобным для играющего мундштуком. Если волынка с сухой подачей воздуха, то вдувалка оснащается штуцером, вставляющимся непосредственно в лягушку (bellows).
Трубки вставляются в мешок при помощи стоков. Это деревянные цилиндры, которые герметично ввязываются в мешок.

Второстепенные (заменяемые)
Мешок (bag) – резервуар для воздуха, в который ввязаны все стоки. Мешок необходим для поддержания постоянного давления: воздух равномерно и непрерывно подаётся на трости чантера и дронов. В древности изготавливался из шкур домашних животных, причем снятых “чулком”. Позднее мешки стали шить из специально выделанной кожи: овечьей, коровьей и даже лосиной. Для большей герметичности мешки пропитывают специальными составами, которые продлевают срок службы мешка.
В наши дни несколько фирм в Европе, Канаде и Австралии изготавливают мешки для различных видов волынок из высокотехнологичных мембранных тканей (GoreTex) технологи не остановились на одном виде мешков, для большего удобства и “управляемости” мешка они стали ламинировать кожу вместе с GoreTex . Для обслуживания конденсирующих влагу сепораторов, внутри мешка, такой мешок снабжен еще и мощной молнией выдерживающей большое давление воздуха.

Лягушка (bellows) – меха, схожие по устройству своему и виду с кузнечными. Лягушка одним ремнем закрепляется на поясе волынщика, а другим пристегивается к локтю. Имеет впускной клапан на внешней стороне. На внутренней – специальное гнездо для вставления штуцера вдувалки. Лягушка обеспечивает подачу сухого воздуха в мешок: из-за прецизионного устройства тростей таких инструментов влажный воздух абсолютно неприемлем.

Ковер (cover) На мешок сверху принято надевать нарядный чехол из благородной ткани, который называется ковер. Дроны украшаются бахромой и кистями (в зависимости от традиции).

Трости (reeds) – эти детали волынки скрыты от глаз публики внутри стоков. Они и являются элементами, издающими звук. Трости вставляются внутрь дронов и чантера, длина которых обуславливает высоту звучания и тембр каждого элемента волынки.

История волынки
Спойлер:
Самая популярная и распространенная в мире волынка — безусловно шотландская: Great Highland Bagpipe. При упоминании о волынке большинство людей представляют себе именно ее. Многие до сих пор продолжают пребывать в уверенности, что волынку вообще придумали в Шотландии.
Однако, волынка в целом, конечно, — не специфически шотландский инструмент.
Хотя ранняя история волынки пока еще остается не вполне ясной, можно с большой долей уверенности утверждать, что зародилась она на Востоке. Скорее всего, ее предшественниками были инструменты типа гобоя или рожка. Во многих музыкальных традициях волынка до сих пор используется в ансамбле с этими инструментами. Когда и кому впервые пришло в голову приделать к ним надуваемый мех – остается загадкой. Первые упоминания волынки в письменных источниках встречаются в 400г. до н.э. у Аристофана.
Вообще, сам принцип волынки — голос, в сопровождении монотонной гармонии — несомненно одна из самых древних форм исполнения музыки. Один голос, даже если он ведет замечательную, прекрасную мелодию — все-таки один. Если же есть хоть что-то его дополняющее — слушается гораздо более живо. У человека только 2 руки, и при хоть сколь-нибудь значительном диапазоне инструмента они обе заняты. Волынка же дает возможность подключить один или несколько бурдонных элементов (перманентных басов).
Когда именно волынка появилась на берегах Англии и Ирландии – до сих пор является предметом споров. Кто-то предполагает, что идея была завезена Римлянами, кто-то находит и более древние пути. Однако на протяжении всех средних веков Шотландская Волынка развивалась довольно обособлено и закрыто, оставаясь неизменным и традиционным инструментом кланов.
Экспансия инструмента началась в 12-13 веках, когда Европа начала переживать период подъема культуры связанный с крестовыми походами и сопутствующим расширением культурных горизонтов и обмена. Однако, как и раньше, волынка оставалась «народным» инструментом. Это связано с тем, что изначально инструмент был спроектирован для звучания на открытом воздухе – звук обязан был быть громким.
Вносить волынку в помещения начали в 17 – начале 18 века и в это же время появились многочисленные варианты более камерных модификаций Great Highland Bagpipe.
В этот период появились Northumbrian smallpipes, Uilleann pipes, Scottish smallpipes и французский мюзет. Видимо в этот же период обрела свой окончательный вид и испанская Гайта (или Gaita gallega) являющаяся ближайшим родственником французского Вёза (Veuze)– сочетающая в себе лучшие качества как кельтских, так и восточноевропейских волынок.
Однако даже в таком виде популярность волынки была недолгой. С развитием западноевропейской музыки, идущей по пути усложнения, оттачивания как музыкальной техники, так и инструментов, волынка постепенно вышла из употребления, как обладающая слишком ограниченным диапазоном и функциями.
Это падение интереса продолжалось с начала 19 и вплоть до 20 века. В начале 20 века бытовало мнение, что Great Highland Bagpipe — это варварский инструмент, непонятно каким образом доживший до наших дней.
Однако в Шотландии никто и не думал отказываться от национального инструмента и традиции исполнения и изготовления волынок передавались из поколения в поколение. Это сослужило хорошую службу в те времена, когда с ростом Британской империи Английская армия стала активно формировать шотландские полки. Волынка, разумеется была непременным атрибутом каждого такого подразделения и в таком виде распространялась по свету.
Кстати:
Одним из крупнейших мировых экспортеров волынок является, как это ни странно, Пакистан. Долгое время Пакистан был английской колонией. Поскольку колония была весьма неспокойной, в ней постоянно дислоцировались Шотландские полки. Местные жители наловчились изготавливать для англичан седла, музыкальные инструменты, аксессуары – материалы и рабочая сила были дешевы и колонисты охотно покупали изделия и делились технологиями изготовления. После обретения независимости пакистанцы продолжили заниматься этим промыслом. Однако, сегодня качество большинства пакистанских изделий оставляет желать лучшего.
А в период первой и второй мировых войн, когда шотландские полки уже приобрели отличную репутацию, большое количество волынщиков было обучено специально для них.
Это время совпало также и с подъемом популярности многих национальных традиционных форм волынки в Европе.
Сегодня волынка – официальный инструмент военных оркестров и церемоний для англоязычных стран. Кроме того, с ростом интереса к стилю «фолк» и национальной музыке и танцу, многие виды волынок снова стали популярны. Они снова играют на свадьбах и танцевальных вечеринках Европы, а традиции их изготовления бережно реконструируются. В Великобритании, Ирландии, Испании возрождены традиционные Pipe Bands – небольшие оркестры национальных инструментов с волынками в основном составе.
Однако развитие волынки не застыло на уровне 19 века – на данный момент разработаны несколько вариантов электронных волынок. Существуют специализированные клавишные MIDI-волынки, некоторые из них позволяют переключать варианты звучания нескольких разных типов волынок.

Нортумбрийская волынка
Спойлер:
Большие волынки, предназначенные для исполнения на открытом воздухе (например – Great Highland) были известны в Европе как минимум с 12 века. Первое использование мехов (лягушки) в сочетании с волынкой зарегистрировано около 1530 г., однако лишь к концу 16 в. появилась настоящая малая волынка с цилиндрическим каналом чантера. Французская версия – мюзет, с особенными цилиндрическими челночными дронами (“shuttle drones”) завоевала большую популярность в кругах аристократии и просуществовала до 1770-х. Североевропейская версия, известная в Германии под многими названиями, включая hummelschen, сначала надувалась как обычно, ртом, но стала использоваться с лягушкой примерно во второй половине 17 в. – начале 18 в. Ее вариация с тремя отдельными дронами, объединенными в один сток, видимо и послужила прототипом современной Нортумбрийской малой волынки (Northumbrian smallpipes). Это выглядит еще более вероятным, если учесть тесные связи между Ньюкастлом и балтийскими портами. Подобные инструменты наверняка были известны и в Британии, по крайней мере, если судить по сохранившемуся упоминанию о них в неопубликованном трактате о музыкальных инструментах, составленном Джеймсом Тальботом (James Talbot) примерно в 1694г.
Так или иначе, самые ранние из сохранившихся Нортумбрийских волынок, возраст которых возможно определить, были изготовлены в конце 18 в., когда среди высших классов появилась мода на “домашние” музыкальные инструменты, как флажолет или малая арфа (dital harp). Самые ранние делались из слоновой кости и имели чантер без клапанов. В первом десятилетии 19 в., возможно, в результате сотрудничества мастера Джона Данна (John Dunn) и профессионального волынщика Джона Пикока (John Peacock) на чантере появились 4 или 5 клапанов. Вскоре после этого количество клапанов увеличилось до 7, почти наверняка это было сделано мастером Робертом Рейдом (Robert Reid 1784 – 1837), который после этого стал первым мастером на всем Северо-востоке Англии. Он продолжал работать над клапанами и прочими усовершенствованиями малой волынки. Скорее всего, именно он разработал семнадцатиклапанный чантер, дающий две хроматические октавы, хотя обычно эту работу приписывают его сыну Джеймсу (James Reid 1813 – 1874).
В середине 19 в. малые волынки пережили некоторый упадок, хотя и никогда не бывали до конца забыты. Они оставались, по большому счету, предметом узкого академического интереса. В первой половине 20 в. интерес к ним был возрожден в среде фермерских и шахтерских общин Нортумберленда. Еще большее внимание к инструменту привлекла общая волна популярности фолк-направления в 60-х. Сейчас интерес к ним носит интернациональный характер и не идет ни в какой сравнение с глубоким, но локальным и узкоспециальным развитием первой половины 19 в.

Ирландская волынка
Спойлер:
Тот вид, который ирландская волынка Uilleann pipes (Na Pib Uilleann – гэл.) имеет сейчас, был полностью сформирован только к концу 18го века. Это самая сложная по всем параметрам волынка. Она имеет чантер с двойной тростью, обладающий диапазоном двух октав, плюс, если на чантере стоят 5 клапанов, то и полной хроматикой. Так же и сток чантера, который часто изготавливается из металла, оснащен клапаном, отключающим подачу воздуха на трость. Он удобен для настройки дронов и регуляторов. Воздух нагнетается в мешок с помощью лягушки (bellows). Такой набор – чантер, мешок и лягушка – называется Practice set. [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться].
Три дрона этой волынки вставлены в один сток (коллектор) и настраиваются в октаву относительно друг друга. При включении их специальным клапаном (stop key) они дают превосходный богатый количеством обертонов плотный звук. Stop key или выключатель удобен для того, чтобы выключить дроны или включить их в определенный момент игры, скажем, во время модуляции. Причем выключить и включить дроны можно не прерывая мелодическую линию – так удобно на коллекторе расположен выключатель. Некоторые мастера делают Uilleann с четвертым интервальным дроном Ля-Соль для сета в строе Ре. Такой инструмент – Practice set и дроны – в свою очередь, называется Halfset. [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться].
Но и это еще не все: в коллекторе над дронами находятся еще два отверстия, которые у Half set заткнуты, обычно, пробками. В них вставляются регуляторы: тенор и баритон. Бас-регулятор накладывается на коллектор сбоку и имеет свой собственный сток.
Регуляторы имеют в общей сумме 13 или 14 клапанов, которые обычно закрыты и молчат. Звучат они только тогда, когда играющий нажимает их во время игры ребром ладони или пальцами в Slow air. Хотя регуляторы и похожи на дроны, но, по сути, это три видоизмененных чантера, имеющих коническое сверление, двойную чантерную трость. Тенор и баритон настроены в терцию, а бас в октаву, то есть он на октаву ниже тенора. Так же встречаются инструменты с четырьмя регуляторами, к бас регулятору добавляется контрабас, настроен он на октаву ниже, чем бас. Весь инструмент в сборе называется Fullset.
Uilleannpipes уникален тем, что музыкант может извлекать из него до 7-ми звуков одновременно. По своей сложности, многочастности и аристократичности он имеет полное право называться венцом творения волыночной мысли.

Малая шотландская волынка или Smallpipes
Спойлер:
Малая шотландская волынка The Scottish smallpipes (A’ Phiob Bheag – гэл.) появилась на основе нортумбрийской волынки (Northumbrian smallpipes) и нескольких сохранившихся до наших дней образцов Smallpipes 17-19веков, благодаря таким людям как Колин Росс (Colin Ross), Хемиш Мур (Hamish Moore) и другим мастерам. Они, фактически, возродили этот замечательный инструмент в 70-ые годы двадцатого столетия.
Аппликатура этой волынки (французская полузакрытая) соответствует большой шотландской волынке (the Great Highland Bagpipe). Мелизматика также полностью соответствует Great Highland Bagpipe, но еще к ней добавляются трели. Устройство инструмента интересно тем, что конец чантера остается не закрытым; клапана отсутствуют, и в звучании преобладает легато, реже стаккато, диапазон измеряется только 9 нотами (лад миксолидийский) в отличие от почти двух октав нортумбрийской волынки (the Northumbrian smallpipes).
Очевидно, малая шотландская волынка явилась результатом соединения принципа нортумбрийской волынки (the Northumbrian smallpipes) и аппликатуры the Great Highland bagpipes.
Инструмент имеет цилиндрический канал, обычно настроенный в Ля, также еще существуют в строе Ре, До, и Си бемоль. Из-за этого, чантер звучит на октаву ниже, чем такой же по размеру, но с коническим каналом.
Малая шотландская волынка обычно изготавливается без вдувалки, так же, как и нортумбрийская волынка, и бордер (Border pipe). Варианты со вдувалкой тоже возможны, но они встречаются реже, так как не могут обеспечить должное звучание из-за прецизионного устройства трости. Чантер, в большинстве случаев, делается без клапанов, но встречаются модели с клапанами – Соль диез, Фа бекар и До бекар (речь идет о чантере в строе Ля). В принципе, можно сделать чантер с таким количеством клапанов, как у современной Нортумбрийской волынки, но так как 95% музыки написано для 9ти нотного диапазона, это себя не оправдывает на практике. [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться].
Инструмент обычно имеет 3 дрона в общем стоке(коллектор), которые настраиваются по нижнему Ля на чантере, в тонику. Баритон настраивается в квинту от Ля, в Ми (или на кварту вниз), он же может перестраиваться на тон. Бас настраивают на октаву ниже, чем нижнее Ля на чантере. Для мелодий в строе Ре доминантный дрон может быть выключен или включен, если он перестроен из Ми в Ре.
Малая шотландская волынка очень популярна среди волынщиков играющих на большой шотландской волынке (the Great Highland bagpipes), многие из которых имеют эту волынку как второй инструмент. Также сравнительно тихий smallpipes с его нежным и бархатистым звучанием удобен для разучивания мелодий и репетиций. Очень часто smallpipes звучит с такими инструментами, как гитара, арфа, скрипка, клавесин и фортепиано.


Ещё примеры некоторых разновидностей волынок

Спойлер:
Белорусская волынка
Дуда — белорусский народный инструмент (разновидность волынки).
Самым ранним историческим свидетельством существования волынок на территории Белоруссии можно считать образ дударя в составе скоморохов с Радзивиловского летописи 12 века, играющего на безбурдонной волынке, вроде польской siersienki, типу волынки, распространенным по всей средневековой Европе — однако, упомянутая миниатюра не может быть полностью вероятным свидетельством в силу отсутствия информации о происхождении самого художника (он мог быть родом и не из Белоруссии), отсутствие этнографических фактов более поздних времен. Первое упоминание дуды в старинных белорусских текстах относится к 15-му веку. До середины 19 столетия дуда была самым распространённым инструментом и активно использовалась в белорусской народной музыке. В XXI веке дударское движение в Белоруссии пользуется чрезвычайной популярностью, постепенно появляются новые музыкальные группы, которые используют волынки в своем творчестве. [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться].

Болгарская волынка
(болг. Гайда ) Она состоит из бурдюка (козьей шкуры), в который вшита трубка, куда дует музыкант. У гайды есть и еще две трубки — басовая (бурдон) и мелодическая, с отверстиями. Волынщик держит бурдюк под мышкой и дует в трубку, выталкивая воздух через бурдон и мелодическую трубку. Характерной особенностью гайды является блошиная дырка — отверстие в бурдюке, которое музыкант обычно затыкает указательным пальцем.

Народные певцы нередко поют под аккомпанемент каба-гайды — большой волынки с низким звучанием. Существуют оркестры из 60-100 волынщиков - они называются сто каба-гайд. Горы Родопы считаются родиной старейшего направления в народной музыке Болгарии. Центральное место в нем занимает гайда — болгарская волынка.

Мордовская волынка
В Мордовии в прошлом волынка также была популярным музыкальным инструментом. Она имела не только музыкальное, но и ритуальное значение: считалось, что игра на ней оберегает присутствующих от сглаза, а также может умилостивить добрых духов.

Мордовская волынка имела две разновидности, имеющие одинаковые названия: мокш. фам, уфам, эрз. пувама.

Первая разновидность — с воздушным резервуаром из телячьей шкуры, трубкой для вдувания воздуха и тремя голосовыми трубками: одна бурдонная, без отверстий, изготовлялась из липы или берёзы, и две тростниковые игровые, каждая с 3 голосовыми отверстиями. На одной из игровых трубок исполнялась мелодия, вторая использовалась для извлечения бурдонного звука, высоту которого можно менять. Иногда игровые трубки делались съёмными, чтобы их можно было использовать в качестве самостоятельных музыкальных инструментов.
Вторая разновидность мордовской волынки изготовлялась из бычьего, коровьего или свиного пузыря. В мордовских сёлах существовал обычай отдавать музыкантам пузыри жертвенных животных для изготовления волынок. В пузырь вставлялись две тростниковые трубки с 3 голосовыми отверстиями каждая. Трубки для вдувания воздуха не было, поэтому музыкант надувал пузырь, вынув игровые трубки, и играл, пока запас воздуха не кончится, после чего снова надувал пузырь. Часто волынщики играли вдвоём: пока один исполнитель играл мелодию, второй надувал резервуар своей волынки.

Русская волынка
Волынка была некогда очень популярным на Руси народным инструментом. Делалась из бараньей или воловьей (отсюда и название) сырой кожи, сверху была трубка для нагнетания воздуха, снизу — две басовые дудки, создающие однообразный фон, и третья маленькая дудочка с отверстиями, с помощью которой наигрывали основную мелодию. Высшими кругами общества волынка игнорировалась, так как её мелодию считали негармоничной, невыразительной и однообразной, она обычно считалась «низким», простонародным инструментом.
Царь Алексей Михайлович Романов во второй половине 17 века уничтожал русские народные инструменты и в том числе русскую волынку. И только в конце 19 века госпоже Вольской удалось воссоздать ее вновь, но она не была принята царем. Поэтому мы до сих пор ничего и знаем о истории русской волынке и часто на это слово говорим, что это шотландский инструмент. Однако англичане на слово волынка четко говорят, что это русский инструмент, и вся Европа за нас активно его развивает. Древние славяне были и есть самый песенный народ в мире. Еще И.С. Бах писал, что хоральные произведения он создавал на основе духовных песнопений славян. Благодаря древнеславянской волынке фактически сделан Орган. Именно под волынку в древности славянский народ распевал свои песни. Русский, белорусский, украинский народы это единый и не разделимый восточнославянский народ. Этот народ всегда в древности имел волынку, как главный для себя музыкальный духовой инструмент. В советское время волынка напрочь отвергалась властью. Было видимо не до волынки. В СССР же в основном развивались народные инструменты: гармошка, балалайка, домра, баян, гусли, которые появились у русского народа гораздо позже, а вместо русской волынки успешно всем позировала ее игровая трубка под названием «жалейка». Только сегодня русский народ постепенно просыпается и многое узнает о своей волынке. Возможно правы были те люди, которые говорили что история развивается по спирали. А это значит, что в русском человеке волынка до сих пор была, жила и будет жить всегда! И не надо нам тащить к себе все западное, когда у нас с древности было и есть все свое. Поэтому предлагаю учиться на современной русской волынке. Сегодня в России ее изготавливают многие мастера: А. Велин, А.Анистратов, А.Палагин, А.Агеев, А. Брызгунов и многие другие. [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться].

Французские волынки

Мышь играет на волынке. Лубок «Мыши кота погребают»1760
Во Франции существует множество типов волынки — это связано с большим разнообразием музыкальных традиций районов страны. Вот лишь некоторые из них:

Центральнофранцузская волынка (musette du centre, cornemuse du Berry), распространенная в местностях Берри и Бурбонне. Представляет собой двухбурдонный инструмент. Бурдоны — большой и малый, малый расположен с низу, возле чантера, настроены друг с другом в октаву. Трость чантера двойная, бурдонные — одинарные; воздух нагнетается через вдувалку. Звукоряд хроматический, диапазон 1,5 октавы, аппликатура полузакрытая. Существуют более поздние варианты этого инструмента с 3мя бурдонами и мехами для нагнетания воздуха. Традиционно используется в дуэте с колесной лирой.
Кабретта (фр.: chabrette, овернск. окситан.: cabreta) — однобурдонная волынка локтевого типа, появившаяся в XIX столетии в среде парижских овернцев и быстро распространившаяся в самой провинции Овернь и в окрестных регионах Центра Франции, практически вытеснив из обихода местные, более архаичные типы инструмента, например, лимузенскую шабретту (chabreta limousina).
Бодега (окситан.: bodega) — волынки с мехом из козьей шкуры, вдувалкой и одним бурдоном, распространенные в южных окситаноговорящих департаментах Франции.
Мюзет де кур (фр.: musette de cour) — «салонная» волынка, широко использовавшаяся в XVII—XVIII веках в придворной барочной музыке. Этот тип волынки отличается двумя игровыми трубками, бурдонным бочонком и мехом для нагнетания воздуха.


Источники: Википедия, PipesLand
Валькирия вне форума Ответить с цитированием
12 пользователя(ей) сказали cпасибо:
AVEnsis (19.07.2014), Captain Flint (19.07.2014), Carassius (13.07.2014), CLIPER (13.07.2014), Henry Morgan (13.07.2014), Natali (13.07.2014), Old Nick (13.07.2014), Oldbarel (14.07.2014), Армеец (14.07.2014), Пелагея (06.12.2014), Шепот (20.07.2014), Эдвин Тилль (05.10.2016)
Старый 19.07.2014, 01:13   #8
Валькирия -
Администратор
Corsairs-Harbour.Ru WastelandMutants.Ru
Человек года - 2016
Коммодор
Б.Е.С.
Гаваньский саблемахал
 
Аватар для Валькирия
 
Регистрация: 04.06.2011
Адрес: Санкт-Петербург
Сообщений: 4,410
Нация: Пираты
Пол: Женский
Офицеры Корабли
Репутация: 1177

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Всё самое интересное о музыкальных инструментах

Гусли

Гусли — древнейший струнный щипковый музыкальный инструмент, под названием которого в России понимаются несколько разновидностей лежачих арф. Гусли псалтированные имеют сходство с греческим псалтирем и еврейским киннором; к ним относятся: гусли чувашские, гусли черемисские, гусли клавирообразные и гусли, имеющие сходство с финским кантеле, латышским куклес и литовским канклес.

Речь идёт об инструментах, существовавших на территории Белоруссии, России, Украины, Литвы, Латвии, Эстонии, Польши, Финляндии и некоторых других европейских стран. Объединяет эти инструменты исключительно конструктивный признак: веер струн, струнодержатель, колковый ряд и резонатор, расположенный под струнами на всю длину струны. В конструкции каждого отдельного инструмента возможны особенности, исключения, но перечисленные четыре части как правило присутствуют.

История инструмента
Спойлер:
Происхождение
История и славянских гуслей, и финского кантеле, и эстонской каннели, и латышских кокле, и литовского канклеса и всех неупомянутых здесь инструментов из того же списка сводится к одним корням на каком-то этапе. Только на каком? Никто не располагает точной информацией. В литературе слишком много предположений о «где» и «когда» этого этапа. Но только предположений, только догадок.

Встречаются и мнения, что струнные инструменты такого плана пришли с востока (Китай — струнный инструмент гуцинь известен ещё задолго до Рождества Христова), и версии того, что римляне завезли лироподобные инструменты далеко на север во время колонизации… А сколько мнений высказывается в разных странах о самобытности местных видов инструмента! Финны говорят, что впервые кантеле сделал Веймемёйнен (источник «Калевала»). Научные работники Белоруссии и России утверждают, что гусли это слегка модернизированный «музыкальный лук» (примитивный народный музыкальный инструмент, известный во всех странах) и возникнуть гусли, как музыкальный лук со многим числом струн могли где угодно, довольно давно и совершенно самобытно.

В глубокой древности упругая струна лука называлась иначе — «гусла». Вот Вам одна из гипотез возникновения названия инструмента. А приставив к струне полый сосуд — получим примитивный музыкальный инструмент. Итак: струны и резонатор, усиливающий их звучание — основной принцип этого щипкового инструмента.

В древнерусской рукописи, «Повести о белоризце человеке и монашестве», миниатюрист изобразил в буквице «Д» фигуру царя (возможно, псалмопевца Давида), играющего на гуслях. Их форма соответствует инструменту, бытовавшему в те времена на Руси. Это, так называемые «шлемовидные» гусли. Форма их корпуса действительно, напоминает шлем. В дальнейшем форма плоской резонаторой коробки менялась. Появились гусли трапецивидной формы. Уменьшилось количество струн на инструменте, — изменилась и форма корпуса. Так появились гусли крыловидные.

Славяне еще в IX веке удивляли игрою на гуслях царей Византии. В те далекие времена гусли делались из долбленой сухой доски ели или клена. Клен «Явор» особенно любим у музыкальных дел мастеров. Отсюда происходит и название гуслей — «Яровчатые»./ А как только струны стали тянуть из металла, гусли зазвенели и стали называться «звончатыми».

Судьба этого инструмента надолго связалась с народной песенной и эпической традицией. Мастера — умельцы столетиями передавали секреты изготовления гуслей. Гусельные наигрыши, песни певцов, были любимы и народом и царями. Но часто народные певцы нелестно пели о властях.

Гонения на гуслистов (так правильно звучит это слово), или , как их пренебрежительно стали называть гусляров — сослужили недобрую службу в судьбе инструмента. Интерес к его совершенствованию не был таким, каким он был в судьбе скрипки. Но время изменяло этот древний инструмент. Его конструкция, форма корпуса, технология обработки дерева, лаки, декоративная отделка — все это уже давно вывело гусли из разряда архаичного, чисто народнго инструмента, превратив его в сценический профессиональный инструмент, с богатейшим уникальным звучанием.

Гусли в наше время
Сегодня каждый оркестр народных инструментов имеет в своем составе гусли щипковые — столовидные и гусли клавишнве. Звучание этих инструментов придает оркестру неповторимый колорит древних гусельных звонов.

В настоящее время интерес к гуслям заметно вырос. Появились современные гусляры — сказители, задавшиеся целью воссоздания древней традиции как игры на гуслях, так и пения под гусли. Наряду с щипковыми гуслями трех видов, основным приемом игры на которых является щипок и бряцание, появились и гусли клавишные. Механика, установленная на них, при нажатии на клавиши открывает струны, и дает возможность выбрать нужный аккорд. Это заметно упрощает игру на гуслях как на аккомпонирующем инструменте.
Типы гуслей

Гусли трапецевидные
Гусли с игровым окном. Гусли или лира?
Археологи находят такие инструменты в слоях XI-XIII века. Известные мне находки были сделаны в трёх городах: Гданьск (Польша), Ополе (Польша) и Новгород (Россия). Что объединяет эти места? Все три города стоят на крупных водных торговых путях. Гданьск — на берегу Балтийского моря, Ополе — на Одре, Новгород (Великий, естественно) — на Волхове.

Конструктивно, этот инструмент, казалось бы, соответствует определению гуслей: веер струн, колковый ряд, струнодержатель, резонатор.

Присмотримся:
1) Форма струнодержателя: перекладина струнодержателя закреплена в утицах. Это переходная форма между архаичной, встречающейся на лироподобных смычковых и щипковых (перекладина струнодержателя держится на кожаных ремешках, закреплённых на корпусе), и более поздней формой струнодержателя, уникальной гусельной, не встречающейся на других музыкальных инструментах (деревянная скоба с перекладиной струнодержателя).

2) Колковый ряд: расположен под углом к струнодержателю, постепенно укорачивая струны от басов к верхам (в отличие от лироподобных инструментов, где длина всех струн относительно равная). Колковый ряд не во всех экземплярах расположен по прямой линии, часто изогнут дугой. Очень сильно напоминает колковый ряд шлемовидный гуслей (уже распространённых в рассматриваемые XI-XIII вв.).

3) Веер струн: типичный гусельный, т.е. струны идут не параллельно, а расстояние между струнами ближе к колкам увеличивается.

4) Корпус и резонатор: корпус долблёный, закрыт со стороны струн резонаторной доской, но резонатор не доходит до колкового ряда. Между корпусом и колковым рядом находится область игрового окна. Она достигает в отдельных экземплярах 1/3 длины струны. Эта конструктивная особенность присуща лирам, но не гуслям. Однако в отличие от многих лироподобных инструментов, вирбельбанк (уплотнение для вкручивания колков) и опоры вирбельбанка (стороны игрового окна) являются частью корпуса (сделаны с корпусом из одного куска дерева).

Выводы и предположения
Очень напрашивается предположение о том, что гусли с игровым окном это потомок северных лироподобных инструментов. Легко проследить эту эволюцию: со временем гусельная манера игры (гусли на коленях, прислонены к животу) вытесняет лирную (вертикальную). По археологическим находкам просматривается, что со временем роль окна уменьшается, оно приобретает больше декоративное значение и, наконец, гусли с игровым окном исчезают совсем, уступая своё место крыловидным гуслям, просуществовавшим уже в неизменном виде в народной традиции до XX века.

Были ли такие гусли в Белоруссии? Скорее всего были. Прямых указаний на это нет, зато есть косвенные. Первое упоминание о гуслях на белорусских землях датируется XII веком (в работах Кириллы Туровского, и то, что имелись в виду именно гусли, а не любой другой инструмент, названный этим «универсальным словом» ясно из контекста). Это могли быть либо гусли шлемовидные, либо с игровым окном. Только эти типы гуслей существовали в XII веке. Где бы гусли с игровым окном на Беларуси могли встречаться? По аналогии с городами: Новгород, Ополе, Гданьск, — в Беларуси это могли бы быть города на берегах судоходных рек, торговых путях: Днепр, Западная Двина, Припять, Неман, Буг.

Итак, гусли или лира? Сомнения, как вы видите, вполне обоснованные. То, что этот инструмент — переходный этап между гуслями и лирой, — очевидно. Конструктивно и по звучанию — это всё-таки лира, но по репертуару и техникам игры — гусли. Т.к. однозначно называть этот инструмент лирой не получается, рекомендую называть гуслями, однако всегда выделяя их при этом в отдельный класс и подчёркивая наличие игрового окна.

Шлемовидные гусли
Тут сведения сплошь косвенные. Археологических находок очень мало. Все известные мне находки — Новгородские. Основным косвенным источником, подтверждающим существование этого инструмента, являются изображения в рукописях и храмах. Большинство изображений гуслей в этих источниках, с той или иной степенью достоверности, — изображения именно шлемовидных гуслей. Известна буквица «Д» Новгородского служебника с изображением царя Давида, играющего на таких гуслях. Может, поэтому у меня проскакивает ассоциация именно со шлемовидными гуслями, когда я встречаю цитаты из работ церковных деятелей про запрещение в храмах «в гусли гудеть»…

Гусли без открылка. Гусли или кантеле?
Со времён исчезновения в гуслях-лирах игрового окна и практически по наши дни. Во всех странах, в которых распространены гусли. Этот этап эволюции и у гуслей, и у финских кантеле, и у латышских кокле, и у эстонской каннели, и т.д. по списку — уже доказан реально существующими по сей день инструментами. Касательно современных народных инструментов такая форма типична больше для прибалтийских и скандинавских гуслей.

Конструктивно, этот инструмент, появляется как отдельная разновидность гуслей, тогда, когда гусли для игры уже однозначно кладутся на колени музыканта. Игровое окно постепенно исчезает за ненадобностью, колковый ряд выстраивается в прямую линию, и колки верхних струн всё ближе и ближе подбираются к струнодержателю. Утицы (для крепления струнодержателя) просуществовали некоторое время и на таких гуслях, но постепенно уступили своё место деревянным скобам с перекладиной струнодержателя.

Почему «кантеле»? В принципе (да простят учёные мужи такое обобщение), гусли и кантеле — два названия одного и того же инструмента, пережившего и в Прибалтике, и в Скандинавии, и в России, и в других европейских странах, свои уникальные этапы эволюции. И по причине многообразия видов каждого названия и многообразия названий каждого вида, показать конкретный инструмент и сказать: «вот это — гусли», показать другой: «вот это — кантеле», — невозможно. Но в литературе, вопреки здравой исследовательской логике, такой шаг всё-таки был сделан. Получилось это случайно, но эффект мне нравится. Дело в том, что кантеле, стараниями отечественных переводчиков, стало названием не менее популярным, чем гусли.

Сами носители языков, в которых словом «кантеле» называются всякие гуслеподобные инструменты, акцентируют необходимость применения этого термина к их собственным национальным инструментам. И вот как раз такие гусли без открылка составляют основной процент этих «кантеле». А так как хороших, «раскрученных» терминов не хватает, то почему бы не воспользоваться тем, который и искать не надо. Кажется, объяснил. Я полностью за то, чтобы закрепить термин «кантеле» за инструментами без открылка. Т.е. если гусли с игровым окном смело можно назвать «гусли-лира», и все поймут, — то гусли без открылка с таким же успехом могут назваться «гусли-кантеле» или просто «кантеле».

Крыловидные гусли — гусли с открылком. Куокле (куоклес)
Эти гусли были распространены начиная с XIV-XV вв. в Латгалии (совр. Латвия), Новгородщине и Псковщине (совр. Россия) о других регионах ничего с уверенностью сказать нельзя, хоть и хочется. Этот инструмент считается самым часто встречающимся, из сохранившихся по сей день в народном быту гуслей.

Как ясно из названия, этот инструмент отличает наличие открылка. Открылок — тонкая часть корпуса, выступающая за колковый ряд. Открылок — дополнительная «площадка» для отражения звука, дополнительная резонирующая дека (хоть и некорректно применять термин «дека» к открылку, зато понятно объяснил). Благодаря открылку эти гусли ощутимо громче и резче, чем, например, гусли-кантеле. Открылки бывают разных форм и размеров, и даже если эта площадочка открылка всего 1-2 сантиметра шириной — даже тогда уже целесообразно называть её открылком.

Почему «крыловидные»?
Термин «крыловидные» гордые знатоки языков расшифровывают как «в виде (форме) крыла». И под это определение попадает всё, что у исследователя ассоциируется с крылом. Это напоминает известный анекдот про Вовочку, у которого всё ассоциируется с голыми женщинами. Гораздо логичнее закрепить термин крыловидный за гуслями с открылком или не использовать его как термин вовсе, а то по мере использования он всё больше напоминает обычный гусельный эпитет, такой как «звончатые» или «яровчаты».

Почему проскакивает название «куоклес»?
«Куоклес» так называют свои гусли латыши (латгальский язык; по латышски будет — коклес). Одним из основных видов латышских гуслей являются именно гусли с открылком. Особенно когда русские начинают грызню из-за термина «крыловидные», который часто применяется чуть ли не ко всему, на что струны натянуты, всегда можно пояснить, что речь идёт о куоклес или латгальских гуслях — и тебя поймут.

Интересные факты
Спойлер:

Горький и Скиталец (с гуслями)
* Гусляром-любителем был известный в конце XIX – начале XX века русский писатель С. Г. Скиталец, научившийся игре на гуслях от своего отца-столяра.
* На пятиструнных гуслях с игровым окном, найденных в Новгороде на Троицком раскопе в 1975 году в слоях середины XI века, имеется кириллическая надпись «Словиша».
* В синодальном переводе Библии гусли упомянуты 12 раз.


[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
Источники: Википедия, [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
Валькирия вне форума Ответить с цитированием
10 пользователя(ей) сказали cпасибо:
AVEnsis (19.07.2014), Carassius (19.07.2014), CLIPER (19.07.2014), Henry Morgan (19.07.2014), Oldbarel (19.07.2014), pitblood (19.07.2014), Армеец (19.07.2014), Касперский 13 (18.08.2014), Пелагея (06.12.2014), Шепот (20.07.2014)
Старый 06.12.2014, 16:14   #9
Валькирия -
Администратор
Corsairs-Harbour.Ru WastelandMutants.Ru
Человек года - 2016
Коммодор
Б.Е.С.
Гаваньский саблемахал
 
Аватар для Валькирия
 
Регистрация: 04.06.2011
Адрес: Санкт-Петербург
Сообщений: 4,410
Нация: Пираты
Пол: Женский
Офицеры Корабли
Репутация: 1177

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Всё самое интересное о музыкальных инструментах

Систрум

На свете существует множество неизведанного и магического. Это касается не только археологии, но и музыки, поскольку множество инструментов дошло до нас из глубокой древности. Эти инструменты несут в себе энергетику, которую передали ей наши предки и которая завораживает нас до сих пор. Одним из таких инструментов является систрум.

Систрум – это погремушка в форме буквы «У», использовавшаяся в древнем Египте, Греции и Риме. Само слово «систрум» происходит от латинского «sistrum» и греческого «seistron» – «то, чем потрясают». Систрум предназначен для того, чтобы напомнить нам, что каждая вещь должна быть в постоянном напряжении и никогда не может прекратить движение. Вещи надо поднимать и потрясать всякий раз, когда они впадают в покой и поникают. Звуки систрума, как и звуки колокольчика, прогоняют прочь негативную энергию. Согласно поверьям, ручка изображает путь луны, охватывающий вселенную, а четыре трещотки являются указанием на четыре стихии. Кроме того, систр символизирует движение крыльев ангелов.

Систрум – олицетворения беспрерывного движения Вселенной. Как и колокольчик, систрум почти во всех традициях более всего ассоциируется со стихиями воздуха и воды и с женским началом.

Систрум не является основным магическим инструментом, но, тем не менее, весьма широко используется. Особенно это, конечно, относится к Египетской и Греко-Римской традициям. Его часто применяют в ритуалах Низведения Луны, в ритуалах, так или иначе посвященных Богине или любому из ее проявления. Помимо этого, при помощи звука систрума очищается и избавляется от негатива магический круг. Также систрум широко используется в ритуалах плодородия, преувеличения благосостояния, а также для исцеляющей, тотемной, защитной и любовной магии.

Рассмотрим основные составляющие систрума. Основными частями инструмента являются рамка и рукоятка. Рамка изготавливается из металла – бронзы или меди. За рукоятку держится исполнитель. Внутри рамки находятся два стержня в виде горизонтальных палочек. На них надеты погремушки. Это свободно закрепленные металлические диски, позвякивающие при встряхивании.

Систрум отличается довольно компактными размерами, что вполне естественно – его должно быть удобно держать в руке. Общая длина погремушки не превышает двадцати пяти сантиметров.

Систрум относится к классу идиофонов. Это означает, что инструмент производит звуки при помощи тех же материалов, из которых изготовлен корпус. Многим другим инструментам для воспроизведения звуков требуются дополнительные составляющие, как то струны или натянутая кожа животных. Так, например, чтобы играть на скрипке, нужны струны на ее корпусе, а чтобы барабан начал «петь», на его поверхность необходимо натянуть кожу. В случае с систрумом все гораздо проще. Никаких дополнительных частей этому инструменту не нужно, он самодостаточен.

История возникновения систрума уходит своими корнями глубоко в прошлое. Первые упоминания о нем датируются третьим тысячелетием до нашей эры. Систрум этой эпохи был найден в Малой Азии. Однако следует отметить, что интерес к систруму не угас и в наши дни. До сих пор он используется представителями христианской секты коптов, а также христианской церковью в Эфиопии.

Систрум – это не просто интересная игрушка, пришедшая к нам из глубокой древности. Это магический музыкальный инструмент, изгоняющий злых духов. И кто знает, может он действительно помогает освободить мир от всякой нечести.

[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

Последний раз редактировалось Валькирия; 07.12.2014 в 00:12.
Валькирия вне форума Ответить с цитированием
7 пользователя(ей) сказали cпасибо:
AVEnsis (06.12.2014), Carassius (06.12.2014), CLIPER (06.12.2014), Henry Morgan (06.12.2014), Армеец (06.12.2014), Пелагея (06.12.2014), Эдвин Тилль (15.12.2015)
Старый 23.07.2015, 18:20   #10
SkyReg11
VIP
Corsairs-Harbour.Ru Team
Модератор
Гвардеец Гавани Корсаров
Баталер
Береговое Братство
 
Аватар для SkyReg11
 
Покровитель:
Пиратский Барон Пираты
Регистрация: 19.05.2011
Адрес: Жемчужина Севера
Сообщений: 3,314
Нация: Пираты
Пол: Мужской
Офицеры Корабли
Репутация: 769

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Всё самое интересное о музыкальных инструментах


История первой электрогитары

Спойлер:

В начале 20-го века музыканты, исполняющие блюз, соул или кантри, могли обойтись обычными акустическими гитарами. Но уже в 30-е годы джазовые гитаристы ощутили необходимость усилить звучание своих инструментов.

История электрогитары относит нас к 1930 году, когда будучи уволенным из национальной компании струнных инструментов (National String Instrument Company) Джордж Бишамп (George Beauchamp) начал работу по поиску новых методов увеличения громкости струнных инструментов. Популярным решением такой проблемы было следующее:

Проводник, колеблющийся в поле, создаваемом одним или несколькими постоянными магнитами производит изменение в магнитном поле, которое в свою очередь производит переменный ток в проволоке намотанной вокруг этих магнитов. Сила электрического тока, пропорциональна величине колебаний проводника в магнитном поле. Такой же принцип лежит в основе электромоторов, генераторов, игл фонографа и акустических динамиков.

Уже в 1925 году Бишамп экспериментировал с использованием иголок от фонографа на электрогитаре из одной струны и рассчитывал, что разработанное устройство может «снимать» вибрации с каждой отдельной струны, и преобразовывать эти вибрации в эквивалент электрических колебаний. Потом их можно было бы усилить одним из ламповых усилителей, которые широко применялись в радиотехнике того времени. После нескольких месяцев проб и ошибок Бишамп совместно с Полом Бартом (Paul Barth) разработали действующий звукосниматель (pickup) из двух подковообразных магнитов и шести магнитоводах. Каждая струна проходила над отдельным магнитоводом, колеблясь в индивидуальном магнитном поле. Для обмотки катушки была использован мотор от стиральной машины Бишампа. Убедившись в работе устройства, Бишамп связался с Гарри Уотсоном (Harry Watson), управляющим завода National String Instrument Company и высококвалифицированным мастером. Он, при помощи ручных инструментов, всего за несколько часов вырезал на кухонном столе Бишампа гриф и корпус первой в мире электрогитары. Ее назвали «сковорода» (Frying Pan).

Готовый прототип Бишамп представил Адольфу Рикенбакеру (Adolph Rickenbacher). Рикенбакер, являющийся родственником героя первой мировой войны, пилота-аса Эдди Рикенбакера (Eddie Rickenbacker), владел производственной компанией, занимающейся выпуском металлических корпусов, для резонаторов. Используя влияние Рикенбакера и его финансовую поддержку, они основали компанию, назвав ее «Instruments Rickenbackers». Компания немедленно начала производство «сковородок», которые очень быстро обрели популярность и направили компанию Рикенбакера на славный путь первого в истории производителя электрогитар. Вероятно одним из первых людей создавших электрогитару в знакомом «испанском» стиле был Ллойд Лоар (Lloyd Loar). Лоар работал инженером на легендарной фирме Gibson, и одной из его заслуг относится к дизайну и разработке мандолин.

Еще с 1920-х годов Лоар занимался проблемой электрического усиления гитар. В 1933 году он организовал фирму Vivi-Tone, как независимое отделение компании Gibson. Vivi-Tone занималась производством одной единственной вещи: электрогитары в «испанском» стиле. Через год Vivi-Tone закрылась, но ее основное ядро снова переместилось в компанию Gibson. Электрическая испанская являла собой будущее гитары, и опыт Vivi-Tone продолжал подталкивать компанию Gibson к созданию электрогитары, устроившей настоящую революцию и во много повлиявшей на всю историю этого инструмента, модели ES-150.



Electrical Stringed Musical Instrument
Gibson-ES 150

Даже не смотря на огромный успех ES-150, этот инструмент обладал характеристиками, весьма далекими от идеальных. Вибрации резонирующего корпуса могли также попадать в выходной сигнал и усиливаться, к тому же возникали проблемы с обратной связью (это когда микрофон подносят к динамику и раздается жуткий свист) а также со множеством нежелательных обертонов. Известный джазовый гитарист и изобретатель Лес Пол (Les Paul) видел решение этих проблем в отказе от полого, резонирующего корпуса и замене его корпусом из сплошной древесины. Результатом его труда стало появление модели The Log. Она состояла из двух простейших звукоснимателей сконструированных Полом установленных на 4"x4" дюймовом куске сосны. Чтобы придать вид гитары, Пол склеил с конструкции два полых куска резонирующего корпуса. В результате была получена очень неплохая джазовая гитара, без эффекта обратной связи и нежелательных обертонов и в 1946 году Лэс Пол представил свою новую гитару компании Gibson.

Руководство Gibson новый инструмент восприняло прохладно, убежденное в том, что покупатели ее не примут. Все предыдущие попытки представить публике гитару без резонирующего корпуса были не успешны, но не смотря на это, один человек по имени Лео Фендер (Leo Fender) был твердо убежден, что будущее рынка стоит за гитарами имеющими сплошной корпус.



Fender Special Edition Lite Ash Telecaster (left) and Fender American Vintage '52 Telecaster

Калифорнийский изобретатель, Лео Фендер владел собственной радио-мастерской, в которой создал один из первых прототипов гитары со сплошным корпусом из дуба, который в 1943 году сдал в аренду музыкантам в обмен на предложения по совершенствованию конструкции. 1949 год стал поворотным для истории электрогитар, когда Лео Фендер выпустил продукт, ставший одной из самых успешных гитар со сплошным корпусом. Esquire, позднее переименованный в Broadcaster, в конце концов превратившийся в Telecaster - имел все преимущества гитары Лэса Пола, отсутствие эффекта обратной связи, отсутствие нежелательных гармоник, долгий сустейн (длительность звучания струны), но при этом он нашел немного поклонников среди джаз-гитаристов.

Джаз гитаристы предпочитали более мягкий, округлый звук, скорее акустический, как у ES-150. Несмотря на это Telecaster пользовался бешеной популярностью среди кантри, блюз, а позднее в 1950-x и 1960-x годах, рок’н’ролл музыкантов.

Увидев успех фендеровских гитар со сплошным корпусом, руководство Gibson повторно вернулось к модели предложенной Лэсом Полом, и в 1952 было принято решение о создании гитары, ставшей в последствии индустриальным стандартом. Поскольку основным идейным вдохновителем этой модели был Лэс Пол, то новый инструмент был назван в его честь. Большая часть дизайна нового инструмента была предложена новым президентом компании Тедом МакКарти (Ted McCarty). В конструкции были использованы датчики P-90, разработанные в 1946 году и имевшие теплый, мягкий саунд. Эти оригинальные Лэс Полы стали одними из самых продаваемых моделей за всю историю гитары.



1954 Gibson Les Paul Standard Goldtop

Приблизительно в 1961 году Тед Мак Карти представил новую ES-335, гитару с полу - резонирующим корпусом. Созданную с целью объединения лучших качеств как полого, так и сплошного корпуса, она быстро набрала популярность и стала использоваться такими влиятельными гитаристами, как B.B. King и Chuck Berry.



Gibson ES-335 (1964)

Обе фирмы, Gibson и Fender представили футуристические дизайны инструментов. Gibson SG (solid guitar) и Fender Stratocaster стали стандартными гитарами для рок-артистов в 60-е годы. Свою пиковую популярность набрал Stratocaster, после того как стал любимой гитарой Jimi Hendrix.

__________________

[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

SkyReg11 вне форума Ответить с цитированием
Пользователь сказал cпасибо:
Валькирия (11.11.2017)
Старый 10.11.2017, 21:44   #11
CLIPER
VIP
Помним...
Ветеран гвардии
Старпом
Пиратский зубоскал
 
Аватар для CLIPER
 
Покровитель:
Пиратский Барон Пираты
Регистрация: 05.03.2013
Адрес: у самого синего моря
Сообщений: 14,845
Нация: Пираты
Пол: Мужской
Офицеры Корабли
Репутация: 1278

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Всё самое интересное о музыкальных инструментах

Никельхарпа


Никельхарпа - (нюкельхарпа, никельарфа, швед. nyckelharpa) - шведский народный музыкальный инструмент.
Первое свидетельство существования никельхарпы датируемое приблизительно 1350 годом, это изображение двух музыкантов на воротах церкви Щелюнге на острове Готланд.
Название этого инструмента состоит из двух частей. В переводе со шведского nyckel (или knaver) означает "клавиша, ключ". Ещё в древнеримском монохорде под обозначением "ключи" понимали жёстко закреплённые расположения подставки под натянутой струной. Слово harpa имеет множество толкований. Например, клавикорд, родственный монохорду инструмент, своё название заработал именно от слова clavis, и греческого струна — χορδη. Harpsichord - английское название клавикорда даёт право предполагать, что это общее видовое название всех струнных инструментов, таких как гитара или скрипка, которые в своей основе используют принцип монохорда для извлечения мелодии – harp.
Никельхарпа была широко распространена на территории от севера Швеции до Дании и южных границ Германии уже с 16 века. Что же касается теорий происхождения никельхарпы, то можно сказать, что их множество. Бывает, что никельхарпу называют "шведской клавишной скрипкой". Несомненно, можно смело утверждать, что никельхарпа - это шведский музыкальный инструмент, но если верить легендам – каждая страна с удовольствием приписала бы рождение этого инструмента к своей истории.
В колёсной лире, по праву считающейся предшественницей никельхарпы и изобретенной в 12 веке, звук получался в результате трения вращающегося деревянного колеса о струны (фрикционным способом), в то время как в никельхарпе роль звукоизвлечения принадлежит уже именно смычку. Наличие клавиатуры отличает никельхарпу и колёсную лиру от остальных смычковых инструментов.
Под струнами расположен ряд деревянных клавиш с выступами — тангентами. Клавиши выглядят как деревянные кулачки особой формы, располагающиеся на небольшом расстоянии от струн. При нажатии на клавишу кулачок, прижимаясь к струне, укорачивает длину её звучащей части, изменяя таким образом высоту тона. Звукоряд инструмента определяется расстоянием между точками соприкосновения игровых струн с тангентами. Возможность тонкой настройки звучания инструмента является важной особенностью клавиатуры никельхарпы. При настройке инструмента точки соприкосновения тангеты со струной могут быть изменены в очень небольших пределах в зависимости от рабочей длины каждой игровой струны и позднее зафиксированы.
Хроматическая никельхарпа имеет три мелодийные струны, одну бурдонную и двенадцать резонансных струн, расположенных ниже игровых. Это достигается путём специального расположения подставки и пазов для струн в ней. При исполнении любой мелодии, так как резонансные струны располагаются ниже игровых, смычок касается только четырёх струн, в результате чего резонансные струны обязательно вибрируют в ответ и получается мощный, объемный звук с характерным гудением.
Идея оснащения инструмента резонансными струнами, согласно одной из теорий, привнесена в Швецию из арабского мира, где инструменты с резонансными струнами имеют широкое распространение. При извлечении звука путем щипка или же трением смычка по струне, такие инструменты производят более объемное и мелодичное звучание.

В настоящее время никельхарпу за её неповторимое звучание используют многие музыканты мира. Например, в Швеции постоянно проводятся фестивали любителей игры на этом удивительном инструменте, а никельхарпе принадлежит право являться одним из символов национальной культурной традиции.




[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

Источник: [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
__________________




Последний раз редактировалось CLIPER; 24.11.2017 в 22:39.
CLIPER вне форума Ответить с цитированием
2 пользователя(ей) сказали cпасибо:
SkyReg11 (12.11.2017), Валькирия (11.11.2017)
Старый 10.11.2017, 23:12   #12
CLIPER
VIP
Помним...
Ветеран гвардии
Старпом
Пиратский зубоскал
 
Аватар для CLIPER
 
Покровитель:
Пиратский Барон Пираты
Регистрация: 05.03.2013
Адрес: у самого синего моря
Сообщений: 14,845
Нация: Пираты
Пол: Мужской
Офицеры Корабли
Репутация: 1278

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Всё самое интересное о музыкальных инструментах

Стеклянная гармоника


Стеклянная гармоника - редкий музыкальный инструмент, состоящий из стекляных полусфер различного размера, нанизаных на металлический стержень, укрепленный в ящик-резонатор с водой и уксусом таким образом, что сферы лишь наполовину в него погружены.
Альтернативные названия на английском: glass harmonica, glass armonica, hydrocrystalophone, simply armonica.

Происхождение, история.
Стеклянная гармоника известна в Европе с середины XVII века. Тогда играли на тридцати-сорока стаканах, прикасаясь к краям которых, исполнитель извлекал такие легкие, неземные звуки, будто на землю падают стеклянные шарики.
В 1744 году ирландец Ричард Пакрич совершил триумфальное турне по всей Англии с новым, усовершенствованным инструментом, который он назвал "серафим" или "музыкальные стаканчики". Успех был так велик, что уже через пару лет в Лондоне выступил солистом на этом инструменте Кристоф-Виллибальд Глюк. Он исполнил "концерт на двадцати шести стаканчиках, настроенных вешней водой".
Прибывший в 1757 году в Лондон в качестве посла Соединенных Штатов Бенджамин Франклин был захвачен всеобщим увлечением стеклянной гармоникой. Его изобретение сделало этот инструмент еще более популярным. Стаканчики Франклин заменил полусферическими чашечками, нанизанными на железный вал. Нижний край чашечек погружался в корытце с водой и при вращении вала, приводимого в движение педалью, равномерно увлажнялся. Прикосновение пальцев к влажным краям чашечек порождало нежный и приятный звук.
Стеклянная гармоника покорила Европу. Слепая музыкантша Марьянна Кирхгеснер, посетив в 1791 году Вену, так пленила своей игрой Моцарта, что он тут же написал сочинение для стеклянной гармоники, флейты, гобоя, альта и виолончели. Для этого инструмента писали Бетховен и Рихард Штраус, его небесным звучанием восхищались Паганини и Гёте.
Но несмотря на это, в те времена считалось, что его звук слишком сильно действует на душевное состояние людей, пугает животных, вызывает преждевременные роды и даже приводит к расстройству рассудка. Поэтому в некоторых городах Германии гармоника была запрещена законом. Зато знаменитый австрийский психиатр Месмер, живший в конце XVIII – начале XIX века, использовал ее для успокоения пациентов перед исследованием.
В начале ХХ века искусство стеклянной гармоники было утеряно, и интерес к ней возродился лишь недавно. Интересно, что в произведении американского композитора XX века Джорджа Крама этому инструменту доверено исполнять не что-нибудь, а голос самого Бога.
Антон Рубинштейн использовал стеклянную гармонику в «Демоне», чтобы создать ощущение необычайного, таинственного и "фантастического" в звучании оркестра. А Михаилу Глинке она пригодилась в опере "Руслан и Людмила" – для достижения сказочного колорита.
Когда секрет игры на стеклянной гармонике был утерян, ее стали заменять другими инструментами. Но недавно питерский режиссер Виктор Крамер поставил оперу Глинки в Большом театре и решил вернуть стеклянную гармонику на ее законное место.




Композиторы, сочинявшие произведения для стеклянной гармоники:
Спойлер:
- Вольфганг Амадей Моцарт (Адажио для стеклянной гармоники до мажор, KV 356; Адажио и рондо для стеклянной гармоники, флейты, гобоя, альта и виолончели, KV 617)
- Карл Филипп Эммануэль Бах
- Иоганн Адольф Хассе
- Людвиг ван Бетховен
- Антонин Рейха
-Чайковский Пётр Ильич (Щелкунчик (балет); Танец Феи Драже
- Михаил Иванович Глинка (Опера "Руслан и Людмила"; Чудеса Черномора)
- Гаэтано Доницетти
- Рихард Штраус
- Philippe Sarde
- Damon Albarn
- Tom Waits
- Thomas Bloch
- Jan Erik Mikalsen
- Michel Redolfi.
- Etienne Rolin
- Regis Campo
- Guillaume Connesson
- Emilie Simon
- KoЯn
- Pink Floyd
В начале 1970-х композитор Филипп Сард выбрал стеклянную гармонику для музыкального сопровождения фильма "Жилец" после того, как увидел в ресторане режиссёра Романа Полански, имитирующего пальцем движение, заставляющее стекло петь. К тому моменту во всём мире остался лишь один исполнитель, способный играть на этом инструменте.
Русский композитор Михаил Глинка в опере "Руслан и Людмила" использовал стеклянную гармонику для озвучивания чудес, которые колдун Черномор творил для Людмилы. Из-за редкости стеклянной гармоники, позднее её заменяли челестой, ныне оригинал нот с партией стеклянной гармоники найден в Берлине и первоначальная версия ставится в Большом театре России. В балете П. И.Чайковского "Щелкунчик" танец Феи Драже изначально озвучивала челеста (в первой версии), во второй — уже стеклянная гармоника.

Современные исполнители:
Спойлер:
- Томас Блох (Франция)
- Дуэт "Glass Duo" (Польша)
- Геральд Шёнфельдингер (Австрия)

Германия
- Мартин Гильмер
- Бруно Гоффман
- Саша Рекерт

США
- Дин Шостак
- Вильям Цайтлер
- Деннис Джеймс
- Глория Паркер
- Сесилия Гневек Брауер
- Джонатан Дэвис

Россия
- Тимофей Винковский
- Александр Лемешев
- Игорь Скляров
Стеклянная гармоника в мультфильмах.
"Стеклянная гармоника" - советский мультфильм 1968 года режиссёра Андрея Хржановского.
В аниме "Темный дворецкий" Ханна Анафероуз играла на стеклянной гармонике, а затем Себастьян Михаэлис начал играть в похожем стиле на бокалах, чтобы нейтрализовать сводящее с ума воздействие гармоники.


[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

Источник: [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
__________________

Последний раз редактировалось CLIPER; 24.11.2017 в 22:40.
CLIPER вне форума Ответить с цитированием
2 пользователя(ей) сказали cпасибо:
SkyReg11 (12.11.2017), Валькирия (11.11.2017)
Старый 11.11.2017, 09:06   #13
CLIPER
VIP
Помним...
Ветеран гвардии
Старпом
Пиратский зубоскал
 
Аватар для CLIPER
 
Покровитель:
Пиратский Барон Пираты
Регистрация: 05.03.2013
Адрес: у самого синего моря
Сообщений: 14,845
Нация: Пираты
Пол: Мужской
Офицеры Корабли
Репутация: 1278

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Всё самое интересное о музыкальных инструментах

Авлос


Авлос (греч. αὐλός - "трубочка") — древнегреческий духовой музыкальный инструмент, далёкий предшественник современного гобоя. Был распространён в Передней Азии и Древней Греции. Исполнитель обычно играл на двух авлосах (или двойном авлосе). Игра на авлосе применялась в античной трагедии, при жертвоприношении, в военной музыке (в Спарте).

Общая характеристика.
Корпус — деревянная или костяная трубка с 3—5 высверленными в ней отверстиями. К трубке крепился мундштук с присоединённой к нему тростью. Технологию изготовления тростей для авлоса подробно описывает Теофраст. Поскольку игра на авлосе требовала изрядного напряжения лицевых мышц, некоторые авлеты использовали кожаные ремешки (др.-греч. φορβειά), которые, охватывая шею, натягивались на щёки.
Авлос, возможно, был заимствован греками из Малой Азии (сами греки считали, что этот инструмент пришёл из Фригии). В Древнем Риме авлос именовался как "тибия" (лат. tibia). Наряду с одинарным широкое распространение имели двойные авлосы: с трубками одинаковой или разной длины.

Мифология.
Согласно мифу, двойной авлос из костей оленя изготовила Афина и решила на пиру богов сыграть на нём. Она не могла понять, почему Гера и Афродита давились от смеха, глядя на неё. Бродя с авлосом возле ручья, Афина увидела в нём своё отражение. Тут ей стало понятно, как глупо она выглядела с напряжённым лицом и безобразно раздутыми щеками. Богиня в гневе отбросила авлос и наложила проклятье на каждого, кто осмелится его поднять. Фригийский пастух Марсий подобрал авлос и не успел поднести его к губам, как инструмент сам заиграл прекрасные мелодии, которые прежде "выдувала" Афина. Уверовав в свой талант, Марсий осмелился вызвать на соревнование самого Аполлона-кифареда. Музы, приглашённые в качестве жюри, не смогли присудить победу ни одному из двоих участников, так как были очарованы звучанием обоих инструментов. Тогда в качестве дополнительного конкурсного условия Аполлон установил играть на инструменте и одновременно петь. Понятно, что на авлосе сделать это невозможно, так что Марсий потерпел сокрушительное фиаско и был жестоко наказан изысканным покровителем искусств: Аполлон содрал с пастуха кожу и прибил её к сосне.

Практика и этос авлоса.
Наряду с кифарой авлос — один из самых распространённых инструментов в античном мире. Игра на авлосе применялась в античной трагедии, в культе Диониса (у римлян — Вакха) и Кибелы, в жертвенных возлияниях (спондеях), во время траурных церемоний, в военной музыке (в Спарте), наконец, для развлечения различных слоёв населения (равным образом во время пира-симпосия аристократии и в бродячих ансамблях менестрелей-бедняков). Соревнования авлетов входили в программу общегреческих и местных игр. Сольное пение в сопровождении авлоса называлось авлодией. Игра на авлосе называлась авлетикой. Наряду с мужчинами (авлетами) на авлосе часто играли женщины (авлетки, иначе авлетриды). О популярности авлоса в античности свидетельствует специальная (греческая и латинская) лексика, отражающая функциональные разновидности профессии авлета: threnaules (от др.-греч. θρῆνος — плач; авлет, обслуживавший похороны), choraules (авлет, аккомпанировавший хору в театре), spondaules (от др.-греч. σπονδή — спондей, авлет на жертвенных возлияниях), trieraules (авлет, работавший на триерах, для синхронизации действий гребцов), ceraules (от др.-греч. κέρας — рог; авлет, играющий на «рогатой» разновидности авлоса), лат. ambubaja — авлетка сирийского происхождения (иммигрантка) в Риме для дешёвого уличного и кабацкого развлечения (иллюстрацию см. в ст. Кимвал), и др. В обязанности девушек, проходивших обучение в школах гетер, входила игра на авлосе во время симпосиев, при этом они должны были выступать обнажёнными.
Предания о знаменитых авлетах (как и о кифаредах) в художественной и историографической литературе передавались греками (и от них римлянами) из века в век. Легендарными родоначальниками авлетического искусства считались фригийцы Олимп и Гиагн. Среди исторических знаменитостей были Сакад Аргосский (1-я пол. VI в.), фиванцы Проном (ок. 440) и Антигенид (ок. 392—353) и др. Гетера Ламия Афинская (ок. 300 г.) скандально прославилась тем, что на Пифийских играх дерзнула состязаться в игре на авлосе с мужчинами.

Авлос и флейта.
По старинной (дореволюционной) традиции русские переводчики с греческого переводят αὐλός словом "флейта", зачастую "свирель" или даже "дудка" ("дуда"), что не совсем верно. Традиция такого перевода в трудах филологов порою приводит к нелепым смысловым противоречиям. Прообразом современной флейты у греков может считаться сиринга. Слово "авлос" легло в основу нескольких позднейших терминов для обозначения греческих инструментов, органологически неродственных авлосу — продольная закрытая флейта суравли (греч. σουραύλι, англ. souravli), двойная флейта дизавли (греч. δισαύλι; англ. disavli; один её ствол — бурдонный — без отверстий), волынка аскавлос (др.-греч. ἄσκαυλος, ἄσκαυλης, англ. askaules, askaulos).




[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

Источник: [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
__________________

Последний раз редактировалось CLIPER; 24.11.2017 в 22:40.
CLIPER вне форума Ответить с цитированием
Пользователь сказал cпасибо:
SkyReg11 (12.11.2017)
Старый 11.11.2017, 10:19   #14
CLIPER
VIP
Помним...
Ветеран гвардии
Старпом
Пиратский зубоскал
 
Аватар для CLIPER
 
Покровитель:
Пиратский Барон Пираты
Регистрация: 05.03.2013
Адрес: у самого синего моря
Сообщений: 14,845
Нация: Пираты
Пол: Мужской
Офицеры Корабли
Репутация: 1278

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Всё самое интересное о музыкальных инструментах



Каягым


Каягым - корейский многострунный щипковый музыкальный инструмент.

Общая характеристика.
Один из самых распространённых в Корее струнных инструментов. Появление каягыма в Корее датируется VI веком: после завоевания государством Силла племенного союза Кая местный музыкант У Рык адаптировал китайский гучжэн и написал для него несколько пьес.

Имеет плоский резонаторный корпус удлинённой формы с двумя отверстиями на одном из концов. Число струн может быть различным; наиболее популярен 12-струнный каягым. Каждой струне соответствует особая передвижная подставка («кобылка»), при помощи которой осуществляется настройка инструмента.
Разновидность каягыма — кахёнгым имеет более короткий и более широкий корпус и более высокую тесситуру.
Играют на каягыме сидя. Инструмент используется соло и в сочетании с поперечной флейтой четтэ. Большой популярностью пользуются ансамбли каягымисток.

Сходные инструменты бытуют в Японии (кото), в Китае (цисяньцинь) и во Вьетнаме (данчань).
Каягым - двенадцатиструнная корейская цитра. Наряду с комунго, каягым является одним из наиболее знаковых для корейской музыкальной культуры инструментов. По современной европейской классификации относится к классу длинных цитр.
Его корпус изготавливается из цельного куска дерева павлонии, а двенадцать струн из шёлка-сырца натянуты на зафиксированный деревянный мостик хёнчим, напоминающий форму облаков и повторяющий изогнутую форму корпуса и поддерживаются подвижными мостиками-кобылками анджок из груши или грецкого ореха в форме лапок дикого гуся, скрепленными шелковым шнуром хваксуль ("колено журавля").

Анджок
Передвигая анджок, можно изменять настройку каягыма. Тольгве — колки для регулирования натяжения струн, помещены внутри на обратной стороне корпуса рядом с янъидо ("уши овцы", узел, в которой собраны шнуры, фиксирующие струны), расположенным на левом конце корпуса. У головной части инструмента джадан ("крайний слева"), на которую в паузе исполнитель кладет правую руку, имеется небольшая "талия", подобно китайскому циню. Левый конец корпуса с двенадцатью отверстиями для струн называется бонми ("хвост феникса").

Янъидо - "уши овцы"
В нижней деке имеется несколько резонаторных отверстий: в центре деки - прямоугольное, а по краям - небольшое круглое отверстие и в форме полумесяца, символизирующие солнце и луну, а вместе - космос. Все декоративные элементы и пропорции также имеют определенный символический смысл. Существует две техники исполнения: нажатие на струну левой рукой, а также различные колебательные движения, производящие различные эффекты: встряхивание, изгибание струны или вибрация.

Правая рука используется в технике защипывания струны или удара по струнам. Исполнитель традиционно сидит на полу, скрестив ноги и положив один конец инструмента на правое колено, а другой - на пол. Струны защипывают справа от мостиков большим пальцем правой руки и тремя следующими пальцами, а левой рукой нажимают на струну или натягивают ее слева от мостиков, изгибая ее или производя разнообразные колебания струны (в диапазоне от микротоновых интервалов до кварты) - создавая особый тип широкого вибрато, весьма характерный для корейской музыки.
В то время как на других дальневосточных цитрах (китайском гучжэн, японском кото, монгольском ятга или вьетнамском дане) для извлечения звука используют когти или плектр, каягым отличается вышеупомянутым широким вибрато, создаваемым с помощью нажатия и натягивания струны непосредственно пальцами. Стоит упомянуть, что само натяжение струн слабее, чем, к примеру, на кото, что также позволяет добиваться более тёплого, подвижного, интимного и мягкого звучания, чем на подобных длинных цитрах.
Существует термины для обозначения техники специфического вибрирующего звучания, применительно именно к струнным инструментам: нонхян (буквально "вибрирующие струны"), а также ё-ым (буквально "оставшийся звук"), которые являются ключевыми моментами для понимания эстетики корейской музыки. В соответствии с Самгук Саги ("Исторические записи Трёх государств", 1145 г.), каягым предположительно возник в VI в., и его появление связывают с именем короля Касиля, правителя королевства Кая (отсюда и название "каягым", т.е. "струнный инструмент государства Кая" или "каяко", "струны Кая").
Спойлер:
У такого каягыма меньше расстояние между струнами, и корпус короче, что позволяет исполнителю играть быстрые пассажи, необходимые в заключающих разделах санджо. Санджо каягым имеет около 142 см в длину, 23 см в ширину и 10 см в высоту. В отличие от попгым каягыма, также сделанного из дерева павлонии, санджо каягым имеет вставки по бокам и на задней части из твёрдых пород дерева, например, каштана.
Каягым, вероятно, можно считать наиболее приспособленным для санджо инструментом: мелодические и ритмические модели санджо каягым наиболее сложны по сравнению с другими инструментами, а раздел танмори, очень быстрый чандан, встречается только в санджо каягым. В наши дни санджо каягым — наиболее распространенный вариант, и в современном музыкальном контексте он широко применяется в чанджак гугак (новосочиненной корейской традиционной музыке). Все традиционные каягымы имели шелковые струны, но в конце XX в. стало возможным заменить их на синтетические (нейлоновые). Современные каягымы часто имеют больше струн (до 25 и даже более).




[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

Источник: [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
__________________

Последний раз редактировалось CLIPER; 24.11.2017 в 22:41.
CLIPER вне форума Ответить с цитированием
Пользователь сказал cпасибо:
SkyReg11 (12.11.2017)
Старый 11.11.2017, 14:10   #15
CLIPER
VIP
Помним...
Ветеран гвардии
Старпом
Пиратский зубоскал
 
Аватар для CLIPER
 
Покровитель:
Пиратский Барон Пираты
Регистрация: 05.03.2013
Адрес: у самого синего моря
Сообщений: 14,845
Нация: Пираты
Пол: Мужской
Офицеры Корабли
Репутация: 1278

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Всё самое интересное о музыкальных инструментах

Бандонеон


Бандонеон - духовой язычковый музыкальный инструмент, разновидность гармоники. Назван так по имени его изобретателя - Генриха Банда.

Поначалу бандонеон использовался для исполнения духовной музыки в церквях в Германии. В конце XIX века был завезён в Аргентину и вошёл в состав танго-оркестров. Именно благодаря бандонеону музыка аргентинского танго получила то пронзительно-щемящее звучание, которое привлекает к ней столько поклонников.
Звук в бандонеоне издают колебания металлических язычков, когда воздух, нагнетаемый мехами во время игры проходит сквозь щели в металлических пластинах. Что интересно — на вдохе мехов и на выдохе одна и таже кнопка бандонеона может играть разные ноты. Кроме того, качество звука можно сделать разным, добавляя в игру колено ноги, на которую кладется бандонеон во время игры. Именно поэтому научиться играть на бандонеоне необычайно сложно.
Бандонеон, состоящий из меха, деревянного корпуса и двух клавиатур поначалу был создан для бытового музицирования саксонцев. Считается также, что бандонеон задуман в качестве альтернативы органу, использующемуся в лютеранской церковной службе. Таким образом, бандонеон унаследовал фамилию своего вероятного создателя. Впрочем, встречались и иные вариации: бандонион, банденеон, бандолион, бандолеон, мандолин, мандолеон и другие.

В 1986 году исследователь бандонеона Мануэль Роман (Manuel Roman) предложил особую точку зрения на происхождение инструмента. Он утверждает, что родным отцом-создателем бандонеона был Карл Циммерманн (Carl Friedrich Zimmermann), а вовсе не Генрих Банд. Мануэль Роман основывается на газетном объявлении, данном Генрихом Бандом в 1850 году, в котором сообщается: "Любителям аккордеона: в нашем магазине представлены новейшего производства аккордеоны, существенно усовершенствованной модели, округлой или восьмиугольной формы, с 88 или 104 тонами...". Исследователь замечает, что наименования "бандонеон" в объявлении Генрихом Бандом не употребляется и не утверждается, что "существенно усовершенствованная модель" является его, Банда, собственным изобретением. Господин Роман также добавляет, что нет сведений о существовании в Крефельде тех лет некой фирмы, названием созвучной со словом "бандонеон" (гипотетической фирмы "Band Union"), что Генрих Банд был индивидуальным предпринимателем, не имевшим наёмных работников, способных помогать ему в делах изобретения и производства. Наконец, что Карл Циммерманн в 1849 году представил собственное изобретение, названное им "карсфельдская концертина" (Carlsfelder Konzertina) на Промышленной ярмарке в Париже и то могла быть пресловутая "существенно усовершенствованная модель", рекламируемая Генрихом Бандом годом позже.
Бандонеонных дел мастер Гарри Гюинс (Harry Geuns) предлагает свое объяснение, не лишённое известного изящества. Он говорит, что дошедшие до наших дней традиционные разновидности инструментов, имеют своих собственных отцов-изобретателей: "карсфельдская концертина" происходит от Карла Циммерманна, бандонеон "рейнской раскладки" (Rheinische tonlage) от Генриха Банда, а "хемницкая концертина" естественным образом - от Карла Улига.
Бандонеону выпала судьба не вполне "светского" музыкального инструмента. Астор Пьяццолла говаривал на сей счёт так: "Бандонеон был изобретён в Германии, чтобы аккомпанировать церковной службе, но очень быстро нашёл себя в публичных домах Буэнос-Айреса". Гениальный вульгаризм от Астора.




Первые образцы прибыли в Буэнос-Айрес в конце XIX века, предположительно около 1870 года и при туманных обстоятельствах. Впрочем, любые спекуляции на эту тему имеют под собой логические объяснения. Одни говорят, что бандонеон был завезён в Аргентину немецким моряком. Другие, что то мог быть англичанин или бразильц. Некоторые уверяют, что это был Хосе Санта-Крус, один из солдатов генерала Бартоломе Митре, который возвращался с победоносной войны Тройственного союза, и был первым, кто овладел бандонеоном, выменяв его на одежду и продовольствие у немецкого матроса торгового судна в порту Рио-де-ла-Плата.
Конструкция первых моделей бандонеонов была проще нынешних - то были инструменты с сорока четырьмя или пятьюдесятью тремя кнопками. На бандонеоне играли без сопровождения - для себя, в кругу семьи и друзей. Первым же, кто включил бандонеон в музыкальный ансамбль, был Доминго Санта-Крус, сын уже знакомого нам солдата. Флейты, гитары и скрипки (изредка мандолины и аккордеоны) составили первые ансамбли с участием бандонеона.
Очень скоро бандонеон стал "вытеснять" любые духовые инструменты, в первую очередь флейты, из музыкальных коллективов, более или менее профессионально исполняющих популярную и фольклорную музыку для увеселения. Первыми же "концертными площадками" для бандонеона по-видимому были внутренние пустыри посреди нагромождений ветхих жилищ линеарно спланированного города, которые назывались el barrios.
Постепенно вносились изменения в конструкцию инструмента - получил распространение бандонеон с семьдесят тремя кнопками (тридцать восемь кнопок на правой клавиатуре и тридцать три на левой). Бандонеон становится диатоническим в том смысле, что на "разжим" и на "сжим" меха звучат различные звуки.

Танго, конечно, будет постарше бандонеона. Дитя рабов, ровесник джаза. Корни его глубоко уходят в фольклорные традиции африко-американского населения и коренных племён долин и плоскогорий - гаучо. Но в тоже время танго есть и плод европейских музыкальных традиций. Я согласен с композитором Густаво Бейтельманом в его мнении, что танго - суть продолжение традиций венского классицизма (Моцарт, Шуберт, Бетховен etc.). В конце концов нельзя в нём не найти сходства с испанскими хабанерой и фанданго, с итальянской вокальной музыкой, главным образом, неаполитанской.
Но в начале был ритм. Бандонеону было суждено насытить его гармониями своего терпкого баритона и мелодиями пронзительного сопрано. Бандонеон в танго - редкий пример совместной эволюции инструмента вместе с жанром музыки, начатой с чистого листа. Поколения Астора Пьяццоллы ещё не было на свете, когда бандонеон обрёл свои основные художественно-выразительные черты и приёмы игры. Равно как не были ещё задуманы методики игры и не записаны нотами первые пьесы для бандонеона. Преимущественно то были черты и приёмы, воспринятые в среде креольского музицирования. Инструмент и первые самобытные исполнители на нём были взаимно восприимчивы и быстро учились друг у друга.
Поскольку не было ещё компетентных учителей и школы игры, то в среде исполнителей на бандонеоне был даже выдуман особый буквенно-цифровой "шифр" написания музыкальной мысли. Этот шифр нашёл отражение на старинных моделях бандонеонов, все кнопки которых подписаны индивидуальным кодом. Сейчас это кажется анахронизмом, однако сто лет назад немногие музыканты портовых кварталов владели музыкальной грамотой.


[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

Источник: [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
__________________

Последний раз редактировалось CLIPER; 24.11.2017 в 22:41.
CLIPER вне форума Ответить с цитированием
Пользователь сказал cпасибо:
SkyReg11 (12.11.2017)
Старый 11.11.2017, 22:52   #16
CLIPER
VIP
Помним...
Ветеран гвардии
Старпом
Пиратский зубоскал
 
Аватар для CLIPER
 
Покровитель:
Пиратский Барон Пираты
Регистрация: 05.03.2013
Адрес: у самого синего моря
Сообщений: 14,845
Нация: Пираты
Пол: Мужской
Офицеры Корабли
Репутация: 1278

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Всё самое интересное о музыкальных инструментах



Калимба


Калимба - древнейший и самый распространенный музыкальный инструмент в Африке (особенно в Центральной и Южной, на некоторых из Антильских островов).

Калимба - национальный инструмент народности шона, племена которой проживают на территории Зимбабве и Мозамбика и именно там можно встретить самых искусных исполнителей на калимбе. Калимба – не единственное название инструмента. Вот только некоторые из них - мбира или мбила, цанца, санса, санза или занза, баивенда или лукембу, кабир, селимба, ндимба, малимба, нданди, ижари, мганга, лала и многие другие. Это лишний раз доказывает широкое распространение инструмента по континенту и его безоговорочную популярность.
Однако есть и европейское название калимбы - "пианино для больших пальцев" (Thumb piano) или "африканское ручное фортепиано". Такое название инструмент получил не случайно. Все дело в способе игры на нем - инструмент находится в ладонях или на коленях. Большими пальцами обеих рук, а также указательными защипывают и отпускают язычки, настроенные на определенный лад, тем самым приводя их в состояние вибрации. Калимба пригодна и для игры аккордами, что ставит ее в один ряд с аккомпанирующими инструментами.

Происхождение
Во времена европейской колонизации Америки калимба была завезена неграми-рабами на Кубу, где бытует до сих пор. Инструмент используется не только в традиционных обрядах, но и профессиональными музыкантами. Музицирование может длиться часами, и часто организуется в ночное время. Согласно поверьям, такое музицирование помогает войти в транс не только музыкантам, но также и всем присутствующим. Ее чудесные звуки можно услышать, например, в музыке группы Earth, Wind & Fire.

Устройство калимбы
На резонаторном корпусе (бывает разной формы) размещается ряд или несколько рядов деревянных, бамбуковых или металлических пластин-язычков, служащих источником звука. У простейших образцов — плоский, у более сложных — полостной резонатор из панциря черепахи, долбленого дерева, полой тыквы и др., на резонаторной доске крепятся язычки (4-30) Высокий порожек ограничивает звучащую часть язычков.
Калимба может быть разных размеров, от чего зависит и ее звучание. Длина корпуса может быть от ста до четырехсот миллиметров, длина язычков – от тридцати до ста миллиметров, а их ширина – до пяти миллиметров. Так, для создания низких звуков нужна большая калимба, а для тонкого и призрачного звучания понадобится маленкий инструмент. Классическая калимба состоит из деревянной дощечки, на которой размещаются от восьми до шестидесяти металлических язычков различной длины. Количество язычков зависит от региона и племени. Язычки сделаны из металлических, бамбуковых или деревянных пластин. Звукоряд калимбы зависит от количества язычков. В нижней части калимбы есть отверстие. Большие калимбы придают неповторимый низкий гул живым басовым ритмам африканской музыки, маленькие издают совершенно призрачное, хрупкое звучание, похожее на музыкальную шкатулку. Калимбы бывают различных размеров; длина корпуса 100—350 мм, длина язычков 30-100 мм, их ширина 3-5 мм. Звукоряд калимбы зависит от количества язычков.
Спойлер:
На инструменте играют двумя руками. Можно играть стоя, сидя или на ходу. Звук извлекается либо большими пальцами обеих рук - движением сверху вниз, либо указательными - снизу вверх. В качестве резонатора иногда используется полая тыква или панцирь черепахи. Сегодня можно встретить калимбы с пластмассовым резонатором.
Калимба настраивается путём регулировки длины пластинок, благодаря чему инструмент можно настроить на любую тональную систему. Соседние по высоте звуки находятся по разные стороны от длинной средней пластины.
Таким образом, две соседние пластинки дают большую терцию. Две пластинки, находящиеся через одну друг от друга, - тритон. Для калимбы более характерно консонансное звучание, так как секундные интервалы можно извлечь только двумя руками.

Применение
При игре (стоя, на ходу, сидя) калимбу зажимают ладонями рук, согнутых под прямым углом и плотно прижатых к бокам, или держат на коленях, большими и указательными пальцами обеих рук защипывают и отпускают свободные (верхние) концы язычков, приводя их в состояние вибрации.

В настоящее время калимба – это не только древний инструмент, на который можно полюбоваться только в музее. Многие народные ансамбли имеют исполнителей на калимбе. Калимба широко используется в эстрадной музыке Зимбабве. Наиболее известные исполнители - Эуфат Муджуру, Думисани Марайре, а также Морис Уайт (Earth, Wind & Fire). В 2001 году в Германии был даже создан вариант калимбы - "Sansula". Ее автор - Петер Хокема. Инструмент состоит из деревянного обода с барабанной кожей, в который встроена калимба. В звучании нового инструмента легко узнаётся калимба, но оно имеет намного больше экспрессивности.

Звукоряды калимбы у разных народов
бакве (Конго): a1, f1, d1, c1, e1, g1, h1;
лемба (Юж. Африка): b1, g1, f1, g, c1, h, d1, c2;
баквенда (Юж. Африка): b, as, f1, f, e1, es, c1, H, d1, des, ges1, ges, b.

[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

Источник: [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
__________________

Последний раз редактировалось CLIPER; 24.11.2017 в 22:41.
CLIPER вне форума Ответить с цитированием
Пользователь сказал cпасибо:
SkyReg11 (12.11.2017)
Старый 12.11.2017, 08:34   #17
CLIPER
VIP
Помним...
Ветеран гвардии
Старпом
Пиратский зубоскал
 
Аватар для CLIPER
 
Покровитель:
Пиратский Барон Пираты
Регистрация: 05.03.2013
Адрес: у самого синего моря
Сообщений: 14,845
Нация: Пираты
Пол: Мужской
Офицеры Корабли
Репутация: 1278

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Всё самое интересное о музыкальных инструментах

Ви́на


Ви́на - старинный индийский щипковый (плекторный) музыкальный инструмент, используемый при исполнении индийской классической музыки. Считается трудным для изучения инструментом и требует многолетней практики.

Инструмент имеет вид лютни, и его форма варьируется в зависимости от конкретной конфигурации. Наиболее распространены следующие разновидности вины:
Рудра-вина (используется в музыке Хиндустани): громоздкий инструмент с двумя большими резонаторами (тумбы), выполненными из особой разновидности тыквы и соединёнными грифом с прикреплёнными к нему ладами.
Сарасвати-вина (используется в музыке Карнатаки): имеет корпус-резонатор и дополнительный резонатор из тыквы, прикреплённый к грифу.
Вичитра-вина (в музыке Хиндустани) или читра-вина (в музыке Карнатаки): безладовая вина с двумя тумбами.
В наиболее распространённой модели 24 лада, 4 главных струны, проходящих через кобылку и 3 дополнительных, которые через кобылку не проходят и используются для ритмического аккомпанемента.
Индийскую богиню Сарасвати, считающуюся покровительницей искусств, часто изображают с виной в руке.

Устройство

Вариант №1:
Корпус инструмента выдалбливается из куска твердого мореного дерева и имеет плоский верх. Гриф изготавливается из того же дерева. Тыквенный резонатор крепится на гриф снизу, у шейки. Шейку венчает изогнутая книзу голова фантастического дракона. Мелодию играют на 4 основных струнах, а 3 боковые струны служат для аккордов. Мелодию играют с помощью 24 ладов, а сам инструмент имеет диапазон 3,5 октавы.

Вариант №2:

Корпус вина состоит из толстой длинной бамбуковой палки, имеющей 10 сантиметров в диаметре, с натянутыми семью металлическими струнами. Около концов этой палки, на стороне противоположной той, на которой натянуты струны, прикреплены две большие высушенные тыквы для резонанса. Играющий укорачивает левой рукой струны, а правой, щипком, извлекает звуки. Струны настроены так, что дают аккорд ля мажор в пределах малой и большой октав.




Новейший тип ви́на
Новейший тип этого инструмента есть вина, или, точнее, бина бенаресская. Ее длина — 62 сантиметра. Этот инструмент имеет форму лютни, с одной прикрепленной тыквой у верхней части инструмента. Струн в бине 11. В Дели существует еще вина малых размеров с тремя струнами. На всех этих инструментах играющий может добывать хроматическую гамму. В. применяется браминами для сопровождения пения при похоронах и брачных торжествах. В. подробно описана у Фетиса в «Histoire generale de la musique». Кроме того, о ней говорится у W. Jones, «Asiatic Researches», и у De la Fage, «Histoire de la musique».


[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

Источник: [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
__________________

Последний раз редактировалось CLIPER; 24.11.2017 в 22:42.
CLIPER вне форума Ответить с цитированием
Пользователь сказал cпасибо:
SkyReg11 (12.11.2017)
Старый 12.11.2017, 17:15   #18
CLIPER
VIP
Помним...
Ветеран гвардии
Старпом
Пиратский зубоскал
 
Аватар для CLIPER
 
Покровитель:
Пиратский Барон Пираты
Регистрация: 05.03.2013
Адрес: у самого синего моря
Сообщений: 14,845
Нация: Пираты
Пол: Мужской
Офицеры Корабли
Репутация: 1278

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Всё самое интересное о музыкальных инструментах



Кантеле


Кантеле — карельский и финский струнный щипковый музыкальный инструмент, родственный гуслям.
Старинные кантеле имели пять жильных струн, современные снабжаются металлическими струнами и число их доходит до тридцати четырех. Во время игры кантеле держат на коленях в горизонтальном или слегка наклонном положении и пальцами обеих рук защипывают струны. На кантеле играют соло, аккомпанируют рунам народного эпоса "Калевала".
Удивительный инструмент – кантеле. Древний. Загадочный. В нем словно скрыта какая-то тайна, а звучание его завораживает волшебной лиричностью, раскрывая законы мирозданья… С незапамятных времен кантеле играло такую большую роль в жизни людей, что его значение выходит далеко за рамки понятия музыкального инструмента.
Кантеле – это скорее символ, объединяющий в себе и культуру, и трудовую деятельность, и историческое развитие многих поколений людей северного народа. Наиболее явно это запечатлено в знаменитом карело-финском эпосе "Калевала" – собрании рун, которые обработал и издал в 1835 году финский ученый-фольклорист Элиас Лённрот.

Кантеле – один из наиболее архаичных инструментов карелов, вепсов, финнов и жителей Ингерманландии. Это самобытный инструмент с многовековой историей, притягивающий и чарующий своей волшебной лиричностью и неповторимым нежным тембром. В его звонко-серебристом звучании генетически заложена глубоко содержательная образная сфера. Кантеле – это не только уникальный музыкальный инструмент, это, прежде всего, особая эстетика национальной культуры, связанная с исконными духовными традициями коренных народов нашего края.
По классификации Э. Хорнбостеля и К. Закса кантеле относится к классу хордофонов, группе дощечных цитр со струнами, расположенными параллельно корпусу, с резонаторным ящиком.
Родственниками кантеле в большой семье национальных струнных щипковых инструментов являются литовский канклес, латышский кокле, эстонский каннель, русские гусли, удмуртский крезь, китайский цинь, японское кото.

Происхождение
У многих народов мира есть инструменты, родственные кантеле, но, пожалуй, только карелы и финны так поэтизируют и одушевляют его. По давней традиции, само происхождение музыкального инструмента кантеле связывается с именем старца-волшебника Вяйнямёйнена, легендарного прародителя карельского и финского народов, одного из главных героев знаменитого эпоса "Калевала". В национальной эпической поэме в необычайно поэтичной форме рассказана история изготовления кантеле и рождения приемов игры.
Главная особенность кантеле, отмечаемая многими исследователями фольклора, – его древнее ритуальное назначение. Пользоваться инструментом мог только наделенный в роду статусом ведуна старейшина, хранитель высшей духовной мудрости. Потому и служил такой музыкальный инструмент для передачи в песенной форме накопленной поколениями предков философии бытия. Игра на кантеле была своего рода священнодействием. Всякий раз, как отмечается в "Калевале", собиравшиеся слушать мудреца Вяйнямёйнена люди, звери, птицы и рыбы очаровывались волшебными звуками музыки.
Долгое время кантеле оставался инструментом с диатоническим строем, способным воспроизводить лишь определенный круг наигрышей. Для того чтобы «короб многострунный» зазвучал во всей своей силе и красоте и стал полноправным концертным инструментом, нужен был человек с богатым личностно-творческим потенциалом, художник-творец прогрессивного мышления.
Спойлер:
Кантеле

Таким человеком стал Виктор Пантелеймонович Гудков (1899-1942) – поэт, композитор, этнограф, ученый-фольклорист, проявлявший глубокий интерес к искусству и традициям народов северного края.
С его именем связана целая веха в развитии и реконструкции инструмента кантеле. Подхватив идею В.В.Андреева – возродить древнерусские народные инструменты (балалайка, домра, гусли), Гудков переосмысляет подход к традиционному народному инструментарию. Он восстанавливает карельские народные инструменты (кантеле, вирсиканнель, йоухикко, пастушьи рожки и др.) и разрабатывает проект усовершенствования инструмента кантеле и организации кантеле-оркестра.
Благодаря активной творческой деятельности В.П.Гудкова, а также благоприятным условиям в области развития культуры в Карелии появился уникальный по своей значимости коллектив, который в 1936 г. был преобразован в Государственный национальный ансамбль песни и пляски "Кантеле". В.П.Гудков изучил кантеле в совершенстве; с любовью и терпением он обучал исполнительскому искусству деревенских девушек и парней, прививая им любовь к народным традициям.
Благодаря В.Гудкову в наши дни этот инструмент уже является не только народным – он становится в полной мере профессионально-академическим.

Некоторые виды кантеле
Спойлер:
Кантеле традиционное
Карельское кантеле
Кантеле Лённрота
Кантеле Салминена
Кантеле Гудкова
Кантеле Ямщикова
Кантеле Клюхина
Кантеле Александрова
Кантеле Кристала
Кантеле Кашутина
Кантеле Кукка
Кантеле Челомбитько
Кантеле Фролова




[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

Источник: [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
__________________

Последний раз редактировалось CLIPER; 24.11.2017 в 22:42.
CLIPER вне форума Ответить с цитированием
Старый 12.11.2017, 18:49   #19
CLIPER
VIP
Помним...
Ветеран гвардии
Старпом
Пиратский зубоскал
 
Аватар для CLIPER
 
Покровитель:
Пиратский Барон Пираты
Регистрация: 05.03.2013
Адрес: у самого синего моря
Сообщений: 14,845
Нация: Пираты
Пол: Мужской
Офицеры Корабли
Репутация: 1278

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Всё самое интересное о музыкальных инструментах



Гуиро


Гуиро — латиноамериканский ударный музыкальный инструмент, первоначально изготовлявшийся из плодов горлянкового дерева, известного на Кубе и в Пуэрто-Рико под названием "игуэро", с нанесёнными на поверхность засечками.
Слово "гуиро" происходит из языка индейцев таино, населявших Антильские острова до испанского вторжения.

Традиционно в меренге чаще используется металлический гуиро, имеющий более резкий звук, а в сальсе и ча-ча-ча — деревянный либо традиционный, сделанный из игуэро. Другие названия гуиро: калабасо (calabazo), ральядера (ralladera) и раскадор (rascador).
Традиционные гуиро – это неправильной формы продолговатый высушенный плод горлянкового дерева (тыква) с вырезанными параллельными округлыми полосами вдоль короткой части плода, а с противоположной стороны имеющий два отверстия для того, чтобы музыканту было удобно держать его двумя пальцами. Инструмент имеет примерно 20-30 см в длину. Современный гуиро делается из пластика, металла или дерева и имеет более правильную и симметричную форму. Другими, более простыми словами инструмент можно назвать афро-кубинским водяным барабаном.
Этот инструмент широко распространен в афро-карибской музыке. Некоторые искусствоведы считают, что гуиро имеет африканские корни. Считается, что в музыкальной культуре банту (общее название для большой группы народов, проживающих в южной части Африки) в древние времена использовался подобный инструмент. Однако, отмечаются также другие источники, свидетельствующие о наличии инструмента гуиро в индийской культуре, Эквадоре. Не исключено, что гуиро и маракас две этнические группы Таино и Аравак, населяющие Карибский бассейн, также являются одними из первых народов, которые начали использовать тыкву не по ее прямому назначению. Больше историки склоняются к версии происхождения гуиро от племени таино.
Доминиканцы же, в свою очередь, утверждают, что у них в коренных традициях существует некая версия гуиро, где он изготавливался из металла и снабжен ручкой. Следовательно, настоящих корней современного гуиро найти нам пока не удастся.
Самым ранним письменным упоминанием о гуиро как инструменте считается работа Fray Inigo Abbad в тысяча семьсот восемьдесят восьмом году. В работе гуиро было описано одни из инструментов, сопровождающих ансамбль танцоров. Среди других инструментов, использующихся в этом ряде, упоминаются маракас, бубен и одна или несколько гитар.

Использование инструмента гуиро
Гуиро используется в латиноамериканской музыке, чаще в Пуэрто-Рико. Здесь инструмент играет ключевую роль в ритм-секциях таких жанров музыки как кумбия и сон.
На гуиро, как и на маракас играет чаще всего певец. Держа инструмент в левой руке большим и средним пальцами через специальные отверстия, игрок извлекает звук при помощи скребка (деревянной палочки, еще называемой пуа), совершая движения, как бы очищая плод от кожуры. Еще, вместо деревянной пуа могут использоваться гребенки с большим количеством зубьев.
Гуиро имеет ритмичный, скрипучий звук.

Как играть на гуиро
В зависимости от скорости движений руки и направления ее движения вниз, вверх и короткими или сильными продолжительными ударами, из инструмента гуиро можно извлекать различные по высоте звуки. Так, например, медленные движения заставляют издавать сильный глубокий звук, а если провести пуа бестрее, звук будет более высокочастотный.
Скрипучий звук гуиро добавляет контрапункт к народной музыке, в сальсе он используется реже, однако есть музыканты, которые любят добавлять этот спецефический звук.
Деревянные гуиро имеют короткий четкий звук. А, например, другой тип гуиро, существующий в Бразилии, состоит из цилиндрической металлической коробки и двух-трех стальных пружин. Благодаря натянутым пружинам, вибрация сохраняется некоторое время. Следовательно, звук длится значительно дольше и становится более высоким. Для музыки меренге используется чаще всего гуиро с более резким звучанием (металлический), а в сальсе или ча-ча-ча традиционный или сделанный из дерева.

В современном языке существуют разные названия гуиро, такие, как например: калабазо, гуайо, ралладера, раскадор. Гуиро - ударный инструмент.

современное гуиро в виде лягушки



[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

Источник: [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
__________________

Последний раз редактировалось CLIPER; 24.11.2017 в 22:43.
CLIPER вне форума Ответить с цитированием
Старый 13.11.2017, 07:30   #20
CLIPER
VIP
Помним...
Ветеран гвардии
Старпом
Пиратский зубоскал
 
Аватар для CLIPER
 
Покровитель:
Пиратский Барон Пираты
Регистрация: 05.03.2013
Адрес: у самого синего моря
Сообщений: 14,845
Нация: Пираты
Пол: Мужской
Офицеры Корабли
Репутация: 1278

Награды пользователя:

По умолчанию Re: Всё самое интересное о музыкальных инструментах



Колёсная лира


Колёсная лира (органиструм, харди-гарди) — струнный щипковый музыкальный инструмент, по форме напоминающий скрипичный футляр, который по праву считается предшественником никельхарпы.

Исполнитель держит лиру на коленях. Большая часть её струн (6—8) звучит одновременно, вибрируя в результате трения о колесо, вращаемое правой рукой. Одна-две отдельных струны, звучащая часть которых укорачивается или удлиняется с помощью стержней левой рукой, воспроизводят мелодию, а остальные струны издают монотонное гудение.
Звук колёсной лиры мощный, грустный, монотонный, с небольшим гнусавым оттенком. Чтобы смягчить звук, струны в месте контакта с ободом колеса обматывали волокнами льна или шерсти. Качество звучания инструмента также зависело от точной центровки колеса; кроме того, оно должно было быть гладкое и хорошо наканифоленное.
В Англии этот инструмент называют hurdy-gurdy (харди-гарди, встречается и по-русски), в Германии — drehleier, во Франции — vielle a roue, в Италии — ghironda или lira tedesca, в Венгрии — tekero. По-русски он называется колёсная лира, по-белорусски — ліра, по-украински — колісна ліра или реля, а по-польски — lira korbowa.

Устройство
Колёсная лира — трехструнный инструмент с глубоким деревянным корпусом восьмеркообразной формы. Обе деки плоские, обечайки гнутые, широкие. В верхней части имеется головка с деревянными колками для настройки струн. К корпусу прикреплена долбленая или собранная из отдельных досок короткая колковая коробка, нередко заканчивающаяся завитком.
Внутри корпуса, в нижней его части, находится деревянное колесо (оно насажено на ось, пропущенную сквозь обечайку и вращаемую рукояткой), которое выполняет роль "бесконечного смычка". Через прорезь в деке обод колеса выступает наружу. Чтобы уберечь его от повреждений, над ним устанавливается дугообразный предохранитель из луба.
В верхней деке вырезаны резонаторные отверстия в виде скобок или "эфов"; на ней же продольно расположен клавишно-порожковый механизм, состоящий из коробки с 12—13 клавишами, представляющими собой узкие деревянные планки с выступами. При нажатии на клавиши выступы, подобно клавикордным тангентам, прикасаются к струне, деля ее на две части: звучащую (колесо — выступ) и незвучащую (выступ — верхний порожек). Выступы укреплены так, что их можно, поворачивая, смещать влево и вправо и таким путем выравнивать звукоряд при его настройке в пределах полутона.
Лира имеет 3 жильные струны: мелодическую, называемую спиваницей (или мелодией), и 2 бурдонные — бас и пидбасок (или тенор и байорок). Мелодическая струна проходит через коробку, бурдонные — вне ее. Все струны плотно соприкасаются с ободом колеса, который натирается смолой (канифолью) и при вращении приводит их в звучание. Для того чтобы звук был ровным, колесо должно иметь гладкую поверхность и точную центровку. Мелодию исполняют, пользуясь клавишами, вставленными в боковые вырезы коробки. На клавишах имеются выступы (тангенты), которые, прижимаясь к струне, изменяют ее длину, а значит, и высоту звука. Количество клавишей у различных лир колеблется от 9 до 12.
Звукоряд диатонический. Бурдонные струны подстраиваются так: пидбасок — октавой ниже мелодической, бас — квинтой ниже пидбаска. По желанию исполнителя одна или обе бурдонные струны могут быть выключены из игры. Для этого их оттягивают от колеса и закрепляют на штифтах.

Спойлер:
Игра на лире
Перед игрой исполнитель набрасывает себе на плечи ремень, прикрепленный к корпусу, кладет инструмент на колени, колковой коробкой влево и с наклоном от себя, чтобы свободные клавиши под собственной тяжестью отпадали от струны. Правой рукой он равномерно, но не быстро, вращает за рукоятку колесо, а пальцами левой руки нажимает на клавиши. Характер исполнения на лире сходен с игрой на волынке и гудке, у всех трех наличествуют непрерывно звучащие бурдоны. Качество звука в большой степени зависит от фрикционного колеса: оно должно иметь точную центровку, ровную гладкую поверхность и хорошую смазку смолой, иначе звуки станут "плыть" и "подвывать".
Во время игры инструмент кладут на колени головкой влево и с наклоном, благодаря чему клавиши под действием собственной тяжести порожками отпадают от струн. Чтобы инструмент легче было держать, музыкант накидывает на шею ремень, прикрепленный к корпусу лиры. Вращая колесо правой рукой, он пальцами левой руки нажимает на клавиши. Лира звучит сильно, но несколько гнусаво и жужжаще.
При игре сидя инструмент держат на коленях, при игре стоя — подвешивают на ремне через плечо, шейкой влево и с наклоном, чтобы клавиши под действием собственной тяжести выступами отходили от мелодической струны. Вращая правой рукой колесо и нажимая пальцами левой на клавиши, исполняют мелодию; бурдонные струны звучат непрерывно (если они не отключены). Звук лиры жужжащий, гнусавый. Качество его в большой степени зависит от колеса: оно должно иметь точную центровку, совершенно гладкий и хорошо натертый смолой (канифолью) обод. Звукоряд лиры диатонический, объем его около двух октав.

История
В X—XIII вв. колёсная лира представляла собой громоздкий инструмент (органиструм), на котором играли два человека. Инструмент находил применение в монастырях, на нём исполняли церковную музыку. К XV веку колёсная лира потеряла популярность и стала инструментом нищих и бродяг, зачастую слепых и увечных, исполнявших песни, стихи, сказки под незатейливый аккомпанемент. Во времена барокко наступил новый расцвет инструмента. В XVIII веке колёсная лира стала модной игрушкой французских аристократов, увлекавшихся сельским бытом.
Письменные сведения о существовании в России колесной лиры относятся к XVII в. (Сказания современников о Дм. Самозванце). Возможно, она была занесена сюда с Украины. Вскоре лира получила довольно широкое распространение в народной среде, а также в придворном и боярском музыкальном быту. Лирой пользовались главным образом бродячие музыканты-певцы (чаще всего калики перехожие), распевавшие под ее аккомпанемент народные песни, духовные стихи и исполнявшие танцы. В настоящее время лира встречается редко.

Лира была преимущественно распространена среди бродячих профессиональных музыкантов, распевавших под ее аккомпанемент духовные стихи, бытовые и особенно юмористические песни, а иногда и думы. Среди лирников было много слепцов, ходивших с поводырями от села к селу, из города в город, на базарные площади и свадебные пиры. Для игры на свадьбах лира считалась более подходящим инструментом, чем бандура, благодаря ее громкому звучанию и веселому репертуару.
На Украине существовали специальные школы лирников с довольно большим числом учеников. Так, например, в 60-х гг. XIX в. в с. Коссы (на Подоле) у лирника М. Колесниченко занимались одновременно до тридцати человек. Старшие из них проходили практику, играя в соседних селах на базарах и свадьбах, а заработанные деньги и продукты они отдавали наставнику в качестве платы за обучение и содержание, так как находились на его полном иждивении. Закончив обучение, молодой музыкант держал экзамен по знанию репертуара и владению игрой на лире. Экзамен происходил при участии "дедов" — старых опытных лирников. Выдержавшему испытание учитель дарил инструмент и так называемую "визвилку" (очевидно, от слова "визвил" — "освобождение") — право играть самостоятельно. Посвящение в лирники сопровождалось особым обрядом: учитель вешал на себя лиру, предназначенную в награду ученику, ученик прикрывал ее своей свиткой, после чего ремень инструмента перекидывался с шеи учителя на шею ученика, а учитель опускал в резонаторную прорезь корпуса монету — на счастье.
Лирники объединялись в группы (корпорации), и каждая из них, возглавляемая цехмистером (цехмейстером), или кочечурником, имела свою строго определенную территорию деятельности; игра в других местах запрещалась. Нарушители порядка подвергались суровому наказанию (вплоть до лишения права играть), и у них отбирался инструмент.

В советские годы лира была подвергнута различным усовершенствованиям. Весьма оригинальный инструмент сконструирован И. М. Скляром. Он имеет 9 струн, настроенных по малым терциям, и клавишный механизм баянного типа, благодаря чему на нем может легко и быстро научиться играть баянист. Деревянное колесо заменено пластмассовой лентой-трансмиссией, обеспечивающей более ровное звучание. При помощи специального приспособления степень нажима ленты на струну может меняться, чем достигается изменение силы звука инструмента. Лиры усовершенствованных образцов эпизодически находят применение в ансамблях и оркестрах народных инструментов.
Пору необычайного взлета инструмент пережил примерно двести лет назад во Франции, когда им заинтересовались профессиональные музыканты. Было написано немало произведений именно для органиструма.

Колёсная лира в наше время
Сейчас инструмент пратически исчез из народной музыки, однако не все музыканты предали его забвению.
В Беларусии колесная лира входит в состав Государственного оркестра и в оркестровую группу Государственного народного хора Белоруссии, используется музыкантами ансамбля "Песняры". В России на нем играют: музыкант и композитор Андрей Виноградов, мультиинструменталист Митя Кузнецов ("Этно-Кузня"), группа из Рыбинска "Разнотравие" и др.
За рубежом харди-гарди можно услышать, например, на концертах Р. Блэкмора в проекте "Blackmore’s Night".
Колёсную лиру (харди-гарди) использовали бывшие участники группы Led Zeppelin Джимми Пейдж и Роберт Плант в совместном проекте "No Quarter. Unledded". На инструменте играл исполнитель Найджел Итон (Nigel Eaton). В настоящий момент колёсную лиру можно встретить среди арсенала музыкальных инструментов группы In Extremo (в частности, в их песне "Captus Est" с сингла "Nur Ihr Allein").



[Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]

Источник: [Для просмотра данной ссылки нужно зарегистрироваться]
__________________

Последний раз редактировалось CLIPER; 24.11.2017 в 22:43.
CLIPER вне форума Ответить с цитированием
Ответ



Здесь присутствуют: 1 (пользователей: 0 , гостей: 1)
 
Опции темы
Опции просмотра
Комбинированный вид Комбинированный вид

Ваши права в разделе
Вы не можете создавать новые темы
Вы не можете отвечать в темах
Вы не можете прикреплять вложения
Вы не можете редактировать свои сообщения

BB коды Вкл.
Смайлы Вкл.
[IMG] код Вкл.
HTML код Выкл.

Быстрый переход


Текущее время: 05:19. Часовой пояс GMT +3.


Powered by vBulletin®
Copyright ©2000 - 2024, Jelsoft Enterprises Ltd. Перевод: zCarot
© MONBAR, 2007-2024
Corsairs-Harbour.Ru
Скин форума создан эксклюзивно для сайта Corsairs-Harbour.Ru
Все выше представленные материалы являются собственностью сайта.
Копирование материалов без разрешения администрации запрещено!
Рейтинг@Mail.ru Яндекс.Метрика Яндекс цитирования