Дата рождения: 30 апреля 1870 Место рождения: Коморн Дата смерти: 24 октября 1948 (78 лет) Место смерти: Бад-Ишль Страна: Австро-Венгрия, Австрия Профессии: композитор, дирижёр Эпоха: романтизм
Франц (Ференц) Легар - венгерский и австрийский композитор, дирижёр. Наряду с Иоганном Штраусом и Имре Кальманом - крупнейший композитор венской оперетты, основоположник её "неовенского" этапа в начале XX века.
Творчество Легара во многом определило стиль новой венской оперетты, в которой место гротесковых сатирических буффонад заняли бытовая музыкальная комедия и лирическая драма, с элементами сентиментальности. Стремясь приблизить оперетту к опере, Легар углубляет драматические коллизии, развивает музыкальные номера почти до оперных форм, широко применяет лейтмотивы. Эти черты, наметившиеся еще в "Цыганской любви", особенно проявились в опереттах "Паганини" (ее сам Легар считал романтической), "Царевич", "Фридерика, "Джудитта". Современные критики называли лирические оперетты Легара "легариадами". Сам Легар назвал свою "Фридерику" (из жизни Гёте, с музыкальнами номерами на его стихи) зингшпилем.
Оперетты Легара - это глубоко авторский музыкальный театр, отмеченный яркой индивидуальностью композитора, "неконтролируемой лирической силой" его музыки. Отличительной особенностью особенно поздних оперетт Легара является драматизм сюжета, впечатляющий мелодический лиризм, единство музыкально-драматического действия, глубокий, фактически оперный, психологизм музыкальных характеристик. Ещё одна особенность - широкое использование национальной мелодики, австрийской, венгерской и славянской.
Биография
Спойлер:
Франц Легар, сын военного капельмейстера Франца Легара и его жены венгерки Христины Нейбрандт, родился 30 апреля 1870 года в венгерском городке Комморне. Сюда забросила отца кочевая армейская жизнь. Рождение первенца не могло изменить ее уклада. В пять лет он не только знал ноты, но мог импровизировать на заданную тему, даже при накрытой полотенцем клавиатуре - трюк, приписываемый маленькому Моцарту. В шесть лет написал песню с собственным текстом, посвятив ее матери. В 1882 году Легар успешно выдержал довольно трудный экзамен в Пражскую консерваторию. Франц стал учеником профессора Ферстера по теории музыки и директора Беневитца по классу скрипки.
В 1884 году полк отца перевели в Прагу. Теперь Франц-младший мог снова жить в семье. На старших курсах консерватории директор Беневитц познакомил его с Антонином Дворжаком, шестнадцатилетний юноша и семидесятилетний маститый композитор сблизились. Дворжак сыграл юному другу несколько своих новых композиций. Легар рискнул и, замирая от волнения, показал Дворжаку свои. Это были две сонаты, скерцо и каприччио. Дворжак просмотрел их очень внимательно. "Недурно, совсем недурно", - бормотал он. Дойдя до конца последней сонаты, он положил рукопись на стол и веско произнес: "Повесь скрипку на гвоздь и будь композитором!" Легар, давно уже бравший тайком частные уроки композиции у профессора 3. Фибиха, был окрылен. Он твердо решил бросить консерваторию и заниматься только у Фибиха.
Итак, полная самостоятельность и свобода! Конечно, Легар не хотел и думать о том, чтобы рассчитывать на помощь родителей. Представилась возможность поступать в музыкальный театр в Бармен-Эльберфельде первым скрипачом-концертмейстером, на жалованье 150 марок в месяц. Легар считал Бармен-Эльберфельд школой жизни, показавшей ему театр изнутри. Но интенсивная работа не позволяла сочинять. Громадная нагрузка не окупалась маленьким жалованьем.
В это время Легару-старшему удалось получить место военного капельмейстера в Вене. Ему нужен был солист-скрипач. Разумеется, он подумал о сыне. Отец и сын отлично сработались. Они разделили между собой дирижерские обязанности. Здесь, в Вене, Легар провел десять месяцев. Он написал несколько небольших сочинений, из которых вальс "Чары любви" и два марша были изданы. Но желание быть независимым берет верх. Франц, узнав, что освободилось место военного капельмейстера в венгерском городке Лошонце, становится в двадцать лет самым юным капельмейстером в австрийской армии. Стройный, элегантный, в красивом мундире, с маленькими русыми усиками, Легар покорял сердца обывателей Лошонца и, главным образом, разумеется, их дочек. Занятий ему хватало: помимо своих прямых обязанностей - репетиций и выступлений с оркестром, он основал квартет и давал уроки музыки. Но в нем крепла мечта об опере. Осенью 1893 года он начал сочинять две оперы: "Кирасир" и "Родриго". Ни одна из них не двинулась дальше первых сцен, но молодой композитор, что называется, набил руку, освоив многие технические трудности. Затем родилась "Кукушка" - первое крупное музыкально-драматическое произведение Легара.
"Кукушка" должна была решить судьбу Франца, быть ему композитором или же остаться капельмейстером. В вечер премьеры старый рабочий сцены театра в Лейпциге ободряюще похлопал по плечу трепещущего автора: "Поверьте мне, вы будете иметь успех". Это было 27 ноября 1896 года. Действительно, успех был. Однако "Кукушка" выдержала не много представлений. После Лейпцига она прошла в Кенигсберге, Будапеште (под названием "Татьяна"), наконец в Венской опере. «Кукушку» постигла странная участь: она нигде не проваливалась и нигде не имела настоящего успеха. После нескольких спектаклей и благоприятных печатных отзывов публика переставала интересоваться оперой, и произведение исчезало с афиши.
1 ноября 1899 года стало одним из звездных часов Франца Легара. Началась его служба в Вене - столице Австро-Венгрии и мировой оперетты, - пока в качестве капельмейстера 26-го пехотного полка. Когда его полк должны были перевести из Вены, он, не задумываясь, объявил командиру, что остается в Вене и навсегда покидает военную службу. Шел 1902 год.
Легар поступил в театр "Ан дер Вин" дирижером. Но он не оставил мысли о творчестве. Ему хотелось сотрудничать с профессиональным, маститым драматургом. Так он пришел к Виктору Леону - едва ли не самому талантливому и плодовитому театральному писателю того времени, автору либретто многих опер и оперетт. Премьера "Венских женщин" состоялась в театре "Ан дер Вин" в ноябре 1902 года. Наутро Легар прочел в газетах, что он - новая величина современной оперетты. Вскоре оперетта "Венские женщины" пошла в Берлине (под названием "Настройщик роялей") и в Лейпциге, где называлась "Ключ от рая". Премьера "Решетника" состоялась 20 декабря 1902 года. Затем "Решетник" прошел 225 раз подряд! В 1903 году Легар с Леоном и его соавтором Лео Штейном начали работу над опереттой "Божественный супруг". "Божественный супруг" шел и в других странах, в том числе и в России, но успех его был не долгим. Аналогичная судьба постигла и следующее произведение, премьера которого прошла в конце того же 1904 года в театре "Ан дер Вин", - оперетту "Шуточная свадьба".
И вот пришло время "Веселой вдовы". До последнего момента директор театра "Ан дер Вин" Карчаг настаивал на том, что музыка "Веселой вдовы" - это "никакая не музыка", премьеру ждет провал. Репетиции оперетты шли по ночам. Декорации были составлены из фрагментов оформления других оперетт, не было сшито ни одного костюма. Для участников бала в посольстве Карчаг разрешил взять туалеты из "Гейши". Перед самой премьерой директор предложил Легару отказаться от нее, получив некоторое вознаграждение, "лишь бы не позорить театр". Легар со слезами согласился; к счастью, исполнители главных ролей, Мицци Гюнтер и Карл Тройман, уговорили его не сдаваться: "Коли все уже потеряно, хоть раз, но сыграем". Уже первый акт оперетты потряс зрителей, аплодисментам не было конца, после второго акта разразилась овация, неслыханная даже в "Ан дер Вин", публика потребовала выхода авторов, и на сцену вместе с Легаром и актерами вышел раскланиваться улыбавшийся Карчаг - поистине опереточная ситуация. Легар победил: "Веселая вдова" покорила мир.
Новый крупный успех - оперетта "Княжеское дитя", поставленная 7 октября 1909 года в новом "Иоганн Штраус-театре", предназначенном специально для оперетты. Легар сходится с драматургами А. Вильнером и Р. Боданским, которые написали для него пьесу "Цыганская любовь". Не лишенное политических намеков либретто в соединении с первоклассной музыкой обусловили мировой резонанс другой оперетты "Граф Люксембург", которую Легар сочинял почти одновременно с «Цыганской любовью» и написал всего за три недели: Такое возможно только в расцвете творческих сил Композитор не особенно был доволен своей работой, называл ее неряшливой. Пресса назвала лейтмотивы "Цыганской любви" недостаточно своеобразными и упрекнула Легара в чрезмерном эксплуатировании своего таланта. В самом деле - это была его третья премьера в сезоне! Ставили в упрек также недостаток комического элемента. За рубежом успех "Цыганской любви" был большим, нежели на родине. "Ева" ("Фабричная девушка") - так называлось новое произведение. Премьера прошла в "Ан дер Вин" в начале 1914 года, и уже к 8 мая оперетта прошла 100 раз.
Началась Первая мировая война. Для оперетты наступил трудный период. Творческая растерянность чувствовалась и у Легара. Почти десятилетие не появлялось из-под его пера ничего, равного по значению "Веселой вдове" или "Графу Люксембургу". После "Евы", несколько растерявшись от упреков в "социалистических наклонностях", которых у него явно не замечалось, он покончил с "глупостями" и комизмом. Композитор начал писать так называемые "легариады" - оперетты, весьма мало схожие с "опереткой", предъявляющие драматизм, граничащий с трагедийностью, заканчивающиеся - вещь, запрещенная в оперетке, - несчастливо. Как правило, большого успеха "легариады" не имели.
Достигшего мировой славы композитора обвиняли в том, что он исписался. Легар не один преодолевал трудности. В 1923 году он оформил брак с Софи. Уже 20 лет они были вместе, проверили глубокую взаимную привязанность и пришли к решению. Друзья справедливо уверяли, что "Легар женился для того, чтобы быть свободным". Софи умела незаметно заботиться о нем, ни в чем его не стесняя. Легара ожидал новый взлет. За успехом творческим пришел и успех финансовый. В 1931 году Легар купил в Вене просторный дворец постройки 1740 года, принадлежавший моцартовскому либреттисту Людвигу Шиканедеру. Здесь композитор и жил до самой смерти.
Легар умер 24 октября 1948 года в 3 часа дня.
Творчество
Спойлер:
В основе творчества Легара - венгерские интонации и ритмы. Мелодии Легара легко запоминаются, отличаются проникновенностью, им свойственна "чувствительность", но они не выходят за рамки хорошего вкуса. Центральное место в опереттах Легара занимает вальс, однако, в отличие от светлой лирики вальсов классической венской оперетты, вальсы Легара характеризуются нервной пульсацией. Легар находил новые выразительные средства для своих оперетт, быстро осваивал новые танцы). Многие оперетты Легар неоднократно переделывал, обновлял либретто и музыкальный язык, и они шли в разные годы в разных театрах под другими названиями.
Легар придавал большое значение оркестровке, часто вводил народные инструменты, в т.ч. балалайку, мандолину, цимбалы, тарогато, чтобы подчеркнуть национальный колорит музыки. Его инструментовка эффектна, насыщенна и красочна; часто сказывается влияние Дж. Пуччини, с которым Легара связывала большая дружба; черты, родственные веризму и др., проявляются также в сюжетах и характерах некоторых героинь.
Сочинения
Спойлер:
Список оперетт:
Кукушка (Kukuschka) 27 ноября 1896, Stadtheater, Лейпциг
Венские женщины (Wiener Frauen), 21 ноября 1902, Театр Ан дер Вин, Вена
Решетник (Der Rastelbinder, название переводилось также как "Плетельщик корзин" или "Лудильщик"), 20 декабря 1902, Carltheater, Вена
Божественный супруг (Der Gottergatte), 20 января 1904, Carltheater. Вена
Шуточная свадьба (Die Juxheirat), 21 декабря 1904, Театр Ан дер Вин
Весёлая вдова (Die lustige Witwe), 30 декабря 1905, Театр Ан дер Вин
Троеженец (Der Mann mit den drei Frauen), январь 1908, Театр Ан дер Вин
Княжеское дитя (Das Furstenkind), 7 октября 1909, Театр Иоганна Штрауса, Вена
Граф Люксембург (Der Graf von Luxemburg), 12 ноября 1909, Театр Ан дер Вин, Вена
Цыганская любовь (Zigeunerliebe), 8 января 1910, Carltheater, Вена
Ева (Eva), 24 ноября 1911, Театр Ан дер Вин, Вена
Наконец одни (Endlich allein), 30 января 1914, Театр Ан дер Вин, Вена
Звездочёт (Der sterngucker), 1916
Там, где жаворонок поёт (Wo die Lerche singt), 1 февраля 1918, Королевская опера, Будапешт
Голубая мазурка (Die blaue Mazur), 28 мая 1920, Театр Ан дер Вин, Вена
Фраскита (Frasquita), 12 мая 1922, Театр Ан дер Вин, Вена
Танец стрекоз (Der Libellentanz), сентябрь 1922, Милан (переделка "Звездочёта")
Жёлтая кофта (Die gelbe Jacke), 9 февраля 1923, Театр Ан дер Вин, Вена
Кло-Кло (Clo-clo), 8 марта 1924, Burgertheater, Вена
Паганини (Paganini), 30 октября 1925, Театр Иоганна Штрауса, Вена
Царевич (Der Zarewitsch), 26 февраля 1926, Deutsches Kunstlertheater, Берлин
Жиголетта (Gigolette), 1926 (ещё одна переделка "Звездочёта")
Фридерика (Friederike), 4 октября 1928, театр "Метрополь", Берлин
Страна улыбок (Das Land des Lachelns), 10 октября 1929, театр "Метрополь", Берлин (новая редакция "Жёлтой кофты")
Как чуден мир (Schon ist die Welt), 3 декабря 1930, театр "Метрополь", Берлин (новая редакция оперетты "Наконец одни")
Джудитта (Giuditta), 20 января 1934, Вена, Государственная опера
Основные инструментальные произведения:
Фортепианные сонаты фа мажор и ре минор
Фантазия для фортепиано (1887-1888)
Концертино для скрипки с оркестром (1888)
Il Guado. Симфоническая поэма для фортепиано с оркестром (1894)
Вальс "Золото и серебро" (Gold und Silber). Opus. 79 (1902)
Eine Vision. Meine Jugendzeit. Увертюра для оркестра (1907)
Вальс "На сером Дунае" (An der grauen Donau) (1921)
Венгерская фантазия. Opus. 45 для скрипки с оркестром (1935)
Дата рождения: 10 декабря 1822 Место рождения: Льеж, Объединённое королевство Нидерланды Дата смерти: 8 ноября 1890 (67 лет) Место смерти: Ницца Париж, Франция Страна: Бельгия, Франция Профессии: композитор, органист, педагог Эпоха: романтизм
Сезар Франк (Сезар Огюст Жан Гийом Юбер Франк) - французский композитор и органист бельгийского происхождения.
Франк - необычная фигура во французском музыкальном искусстве, незаурядная, своеобразная личность. Р. Роллан писал о нем от имени героя романа Жана Кристофа: "...этому неземному Франку, этому святому от музыки удалось пронести через жизнь, полную лишений и всеми презираемого труда, немеркнущую ясность терпеливой души, и отсюда - та смиренная улыбка, что осеняла светом добра его творчество". К. Дебюсси, не избежавший обаяния Франка, вспоминал о нем: "Этот человек, который был несчастным, непризнанным, обладал детской душой настолько неистребимо доброй, что он мог созерцать всегда без горечи недоброжелательность людей и противоречивость событий". Сохранились свидетельства многих крупных музыкантов об этом человеке редкой душевной щедрости, удивительной ясности и простодушия, которые вовсе не говорили о безоблачности его жизненного пути.
Биография
Спойлер:
Франк родился в немецко-бельгийской семье, его мать была родом из Ахена, отец из бельгийской деревни Геммених. В 1830 году Франк поступил в Льежскую консерваторию, которую спустя четыре года окончил с отличием по классам сольфеджио и фортепиано. С 1833 по 1835 год он брал частные уроки гармонии у профессора Дассуаня, племянника Этьена Мегюля, который преподавал в Парижской консерватории. Вдохновлённый музыкальными успехами сына, отец Франка смог организовать весной 1835 года серию концертов в Ахене, Льеже и Брюсселе. В том же году семья перебралась в Париж, где Франк поступил в консерваторию в класс профессора Антонина Рейхи. В 1838, 1839 и 1841 году Франк получил первые премии на выпускных экзаменах по классам фортепиано, контрапункта и органа соответственно. У Франка была возможность участвовать в конкурсе на получение Римской премии, однако по настоянию отца он вернулся в Бельгию, где успешно выступал как пианист и органист-виртуоз.
В Бельгии Франк создаёт первые сочинения: Фортепианное трио (1843) и наброски к оратории "Руфь". Два года спустя Франк против воли отца вновь уезжает в Париж, где пишет симфоническую поэму "Что слышно на горе" и начинает работу над оперой "Слуга напрокат". В 1853 году он получает место органиста в церкви Сен-Жан-Сен-Франсуа дю Маре. Вдохновлённый искусством известного органиста Жака Лемменса, Франк начинает работать над совершенствованием своего исполнительского мастерства, в частности, техники педалей и импровизации. 1 декабря 1859 года Франку было доверено первое исполнение на только что построенном органе работы знаменитого мастера Аристида Кавайе-Колля в церкви Святой Клотильды. На должности органиста в этой церкви Франк работал до конца жизни. В 1871 году Парижскую консерваторию покинул руководитель класса органа Франсуа Бенуа, освободившееся место было предложено Франку. Для этого требовалось наличие французского гражданства, и композитор согласился его принять. Официально Франк возглавил класс в феврале 1872 года. Среди его учеников - ряд известных органистов и композиторов, в том числе Венсан д’Энди, Эрнест Шоссон и Ги Ропарц.
С 1874 года Франк создавал многочисленные произведения в различных жанрах - оратории, камерные ансамбли, фортепианные и органные сочинения и др. В 1885 году композитор был награждён Орденом Почётного легиона, а год спустя стал президентом Национального музыкального общества.
Франк умер в 1890 году от плеврита, возникшего после гриппа, похоронен на кладбище Монпарнас.
Творчество
Спойлер:
Франк - один из крупнейших композиторов XIX века. Его творчество оказало влияние на последующее поколение французских композиторов, в том числе на Эрнеста Шоссона, Клода Дебюсси, Мориса Равеля. Франк применял в своих сочинениях принцип так называемого "сквозного развития", основанный на использовании нескольких тем, развивающихся из одной и проводимых во всех частях, и их объединении в финале, что придавало структуре произведения большу?ю устойчивость и законченность. Неотъемлемую часть наследия Франка составляют сочинения для органа — инструмента, которым композитор прекрасно владел. Многие называют его величайшим из композиторов для этого инструмента после Баха. Органные композиции Франка, написанные в типичном позднеромантическом стиле, с многочисленными модуляциями и элементами импровизации, послужили предшественниками масштабных сочинений Шарля Видора, Луи Вьерна, Марселя Дюпре.
Всеобщим было посмертное признание композитора. Один из прозорливых его современников писал: "Г-н Сезар Франк... будет считаться в XX веке одним из самых великих музыкантов XIX-го". Произведения Франка украшали репертуар таких крупнейших исполнителей, как М. Лонг, А. Корто, Р. Казадезюс. Э. Изаи исполнял Скрипичную сонату Франка в мастерской скульптора О. Родена, лицо его в момент исполнения этого удивительного произведения было особенно вдохновенно, и известный бельгийский скульптор К. Менье воспользовался этим при создании портрета знаменитого скрипача. Традиции музыкального мышления композитора преломились в творчестве А. Онеггера, частично отразились в произведениях русских композиторов Н. Метнера и Г. Катуара. Вдохновенная и строгая музыка Франка убеждает в ценности этических идеалов композитора, которые позволили ему стать примером высокого служения искусству, беззаветной преданности своему делу и человеческому долгу.
Сочинения
Спойлер:
Оперы
"Страделла" (1841)
"Слуга напрокат" (1851-1853)
"Гульда" (1879-1885)
"Гизелла" (1888-1890)
Сочинения для хора и оркестра Оратории:
"Руфь" (1845)
"Искупление" (1871)
"Заповеди блаженства" (1869-1879)
Торжественная месса
Сочинения для оркестра
Большая симфония G-dur (1840)
Симфония d-moll (1883)
Симфонические поэмы:
"Эолиды" (1876)
"Проклятый охотник" (1882)
"Джинны" (1884)
"Психея" (с хором; 1886-1888)
Симфонические вариации для фортепиано с оркестром (1885)
Сочинения для органа
Фантазия C-dur
Большая симфоническая пьеса
Прелюдия, фуга и вариация
Пастораль
Молитва
Финал
Хорал E-dur
Хорал h-moll
Хорал a-moll
Фантазия A-dur
Кантабиле
Героическая пьеса
Сочинения для фортепиано
Эклога
Большое каприччио
Прелюдия, хорал и фуга
Прелюдия, ария и финал
Камерные сочинения
Соната для скрипки и фортепиано (1886)
Струнный квартет D-dur
Фортепианное трио (1843)
Квинтет для фортепиано, двух скрипок, альта и виолончели (1879)
Дата рождения: 10 июля 1895 Место рождения: Мюнхен Дата смерти: 29 марта 1982 (86 лет) Место смерти: Мюнхен Страна: Германская империя, Третий рейх, Веймарская республика, ФРГ Профессии: композитор, органист, педагог Эпоха: неоклассицизм
Карл Орф (Карл Генрих Мария Орф) - немецкий композитор и музыкальный педагог. Прославился сочинениями для музыкального театра, наиболее известна его сценическая кантата "Carmina Burana".
На фоне музыкальной жизни XX в. искусство К. Орфа поражает своей самобытностью. Каждое новое сочинение композитора становилось предметом споров и дискуссий. Критики, как правило, обвиняли его в откровенном разрыве с той традицией немецкой музыки, которая исходит от Р. Вагнера к школе А. Шенберга. Однако искреннее и всеобщее признание музыки Орфа оказалось лучшим аргументом в диалоге композитор - критика. Книги о композиторе скупы биографическими данными. Сам Орф считал, что обстоятельства и подробности его личной жизни не могут представлять никакого интереса для исследователей, а человеческие качества автора музыки вообще нисколько не помогают понять его произведения.
Биография
Спойлер:
Дед Орфа (по линии отца) был крещёным евреем, остальные предки баварцы. Отец Карла Орфа, офицер, музицировал на фортепиано и нескольких струнных инструментах. Мать, которая была пианистом-любителем, рано обнаружила у сына талант к музыке и занялась его обучением. В возрасте девяти лет Орф уже писал длинные и короткие музыкальные отрывки для своего собственного кукольного театра.
В 1912-1914 годах Орф обучался в Мюнхенской музыкальной академии. В 1914 году продолжил обучение у Германа Зильчера. В 1916 году работал капельмейстером в Мюнхенском камерном театре. В 1917 году во время Первой мировой войны Орф отправился на добровольную службу в армию в Первый Баварский Полевой Артиллерийский полк. В 1918 году его пригласили на должность капельмейстера в Национальный Театр Мангейма под руководством Вильгельма Фуртвенглера, а затем он стал работать в Дворцовом Театре Великого Герцогства Дармштадта.
В 1920 году Орф женился на Алисе Зольшер, через год родился его единственный ребёнок, дочь Годела, в 1925 году состоялся его развод с Алисой. В 1923 году он познакомился с Доротеей Гюнтер и в 1924 году совместно с ней создал школу гимнастики, музыки и танца "Гюнтершуле" в Мюнхене. С 1925 года и до конца своей жизни Орф являлся главой отделения в этой школе, где работал с начинающими музыкантами. Имея постоянный контакт с детьми, он разработал свою теорию музыкального образования.
Кантата "Кармина Бурана" (лат. Carmina Burana) была весьма популярна в Третьем рейхе (премьера прошла во Франкфурте в 1937 году). Одни нацистские критики называли её "дегенеративной", в то время как другие (Геббельс) считали "образцом немецкой музыки". В годы нацизма Орф был единственным из композиторов, кто отреагировал на официальный призыв написать новую музыку для пьесы Шекспира "Сон в летнюю ночь", после того как музыка Феликса Мендельсона была запрещена. Для написания Орф использовал свои прежние заготовки. Орф был близким другом гауляйтера Вены и одного из руководителей гитлерюгенда Бальдура фон Шираха. Также Орф был близким другом Курта Хубера, одного из основателей движения сопротивления "Белая роза", приговорённого к смерти Народной судебной палатой и казнённого нацистами в 1943 году. После Второй мировой войны Орф заявил, что был участником движения и был сам вовлечён в сопротивление, но нет никаких доказательств, кроме его собственных слов, поэтому некоторые источники оспаривают это заявление. Заявление Орфа было принято американскими денацификационными властями, позволившими ему продолжать заниматься любимым делом - сочинением музыки. Известно, что Орф не решился использовать свой авторитет и дружбу с фон Ширахом для защиты Хубера, мотивируя это опасениями за собственную жизнь. При этом он не делал каких-либо публичных заявлений и в поддержку режима.
Орф похоронен в барочной церкви Андексского аббатства к юго-западу от Мюнхена.
Творчество
Спойлер:
Орф наиболее известен как автор сценической кантаты "Carmina Burana", что в переводе значит "Песни Бойерна". Это первая часть трилогии, которая также включает "Песни Катулла" и "Триумф Афродиты". "Carmina Burana" отражает его интерес к средневековой немецкой поэзии. Все части трилогии вместе называются "Trionfi". Композитор охарактеризовал это произведение как праздник победы человеческого духа через равновесие плотского и вселенского. Музыка создана на стихи, написанные голиардами, из рукописи XIII в., найденной в 1803 году в баварском бенедиктинском монастыре Бойерн; этот сборник известен как "Carmina Burana" и назван так по имени монастыря. Несмотря на элементы модерна в некоторых композиционных техниках, в этой трилогии Орф выразил дух средневекового периода с заразительным ритмом и простыми тональностями. Средневековые поэмы, написанные на немецком языке в его ранней форме и на латыни, часто не вполне пристойны, но не опускаются до вульгарности.
Успех "Carmina Burana" отодвинул на второй план все предыдущие работы Орфа, за исключением "Catulli Carmina" и "Entrata", которые были переписаны в приемлемом, с точки зрения Орфа, качестве. С исторической точки зрения "Carmina Burana", вероятно, самый известный пример музыки, сочинённой и впервые исполненной в нацистской Германии. В действительности "Carmina Burana" была настолько популярна, что Орф получил заказ во Франкфурте сочинить музыку для пьесы "Сон в летнюю ночь", которая должна была заменить запрещённую в Германии музыку Феликса Мендельсона. После войны Орф заявил, что не удовлетворен сочинением, и переработал его в финальную версию, которая была впервые представлена в 1964.
Орф сопротивлялся тому, чтобы какую-либо из его работ просто называли оперой в традиционном смысле слова. Свои работы "Луна" и "Умница", например, он относил к "сказочным операм". Особенность обоих произведений состоит в том, что в них повторяются одни и те же лишённые ритма звуки, не используются никакие музыкальные техники периода, когда они были созданы, то есть о них невозможно судить как об относящихся к какому-то конкретному времени. Мелодии, ритмы и вместе с ними текст этих произведений проявляются только в союзе слов и музыки. О своей опере "Антигона" (1949) Орф говорил, что это не опера, а "переложение на музыку" древней трагедии. Текст оперы является превосходным переводом Фридриха Гёльдерлина на немецкий язык одноименной трагедии Софокла. Оркестровка в значительной степени основана на ударных. Считается, что Орф запечатлел в своей опере историю об Антигоне, так как она имеет заметное сходство с историей жизни Софи Шолль, героини "Белой розы".
Последнее сочинение Орфа - "Комедия на конец времени" . Его премьера прошла на Зальцбургском музыкальном фестивале 20 августа 1973 года в исполнении Симфонического оркестра Кёльнского радио и хором под управлением Караяна. В этом сочинении Орф использовал "мистические" тексты на греческом, немецком и латинском языках. Дидактические идеи Орфа, развитые в творческом содружестве с Г. Кетман, были воплощены в новаторском подходе к музыкальному обучению детей, известному как "Орф-Шульверк". Термин "Schulwerk" - немецкое слово, означающее "школьная работа". Музыка является основой и соединяет вместе движение, пение, игру и импровизацию.
Сочинения
Спойлер:
Музыкально-сценические произведения (все тексты - Орф): "Кармина Бурана" (сценическая кантата, 1937 г., Франкфурт-на-Майне), "Луна" (музыкальная пьеса, 1939 г., Мюнхен; 2-я редакция - 1950 г., там же), "Умница" (музыкальная пьеса, 1943 г., Франкфурт-на-Майне), "Катулли кармина" (сценическая кантата, 1943 г., Лейпциг), "Бернауэрин" (музыкально-драматическая пьеса, 1947 г., Штутгарт), "Антигона" (трагедия Софокла, 1949 г., Зальцбург), "Триумф Афродиты" (сценический концерт, 1953 г., Милан), "Комедия о воскресении Христа" (мистерия, 1957 г., Штутгарт), "Царь Эдип" (трагедия Софокла, 1959 г., там же), "Игра о рождении младенца" (мистерия, 1960 г., там же), "Прометей" (трагедия Эсхила, 1968 г., там же), "Комедия о конце времени" (мистерия, 1973 г., Зальцбург); сценический триптих "Плачи" (обработка сочинений К. Монтеверди, в т. ч. оперы "Орфей" и фрагмента "Плач Ариадны", окончательная редакция 1940 г.; постановка 1958 г., Шветцинген)
Произведения для хора с инструментальным сопровождением: в т. ч. "Музыка для детей" (1950–1954 гг.)
Дата рождения: 15 августа 1787 Место рождения: Тобольск, Российская империя Дата смерти: 6 марта 1851 (63 года) Место смерти: Москва, Российская империя Страна: Российская империя Профессии: композитор Эпоха: романтизм
Александр Александрович Алябьев - русский композитор, пианист, дирижёр.
Бывают композиторы, обретающие славу и бессмертие благодаря единственному произведению. Таков А. Алябьев - автор знаменитого романса "Соловей" на стихи А. Дельвига. Этот романс поют во всем мире, ему посвящают стихи и рассказы, он существует в концертных обработках М. Глинки, А. Дюбюка, Ф. Листа, А. Вьетана, а количество безымянных его переложений безгранично.
Однако помимо "Соловья" Алябьев оставил большое наследие: 6 опер, балет, водевили, музыку к спектаклям, Симфонию, увертюры, сочинения для духового оркестра, многочисленные хоровые, камерные инструментальные произведения, более 180 романсов, обработки народных песен. Многие из этих сочинений исполнялись при жизни композитора, пользовались успехом, хотя издано было немногое - романсы, несколько фортепианных пьес, мелодрама "Кавказский пленник" по А. Пушкину.
Биография
Спойлер:
Александр Александрович Алябьев родился в семействе дворян в Тобольске в семье губернатора Александра Васильевича Алябьева (17461822). В 1801 году начал службу унтер-шихтмейстером 3 класса в Берг-коллегии в Санкт-Петербурге, затем шихтмейстером 14 класса в Москве. В 1810 году опубликовал первые музыкальные сочинения.
Александр Алябьев участвовал в Отечественной войне 1812 и заграничных походах русской армии в 1813-14 (3-й Украинский казачий полк - 1812, Иркутский и Ахтырский гусарский полк - 1813-1814 гг.). Участвовал во взятии Дрездена, организованном партизаном и известным поэтом Денисом Давыдовым. При взятии Дрездена был ранен. Принимал участие в сражении под Лейпцигом, боях на Рейне и взятии Парижа. Награждён двумя орденами св. Анны 3-й степени, орденом св. Владимира 4-й и медалью в память войны 1812 г. Окончил войну в чине ротмистра. Продолжил военную службу в Петербурге, где он сочинил, в 1815 году, одно из самых ранних своих произведений - гусарскую песню "Один ещё денёк". В 1823 году Алябьев, в чине подполковника, вышел в отставку с мундиром и полным пенсионом. Проживал в Москве и Санкт-Петербурге. В это время сблизился с писателем Михаилом Загоскиным, композитором Алексеем Верстовским.
В начале 1825 Алябьев был арестован по подозрению в убийстве помещика Т. М. Времева и, несмотря на недоказанность обвинения, приговорён к ссылке в Сибирь с лишением всех прав и дворянского звания. Основной причиной сурового приговора послужила, по-видимому, близость Алябьева к декабристским кругам. Николай I неоднократно отклонял ходатайства о смягчении участи Алябьева. В 1828, после 3-летнего заключения в крепости, Алябьев был направлен в Тобольск. Здесь он организовал симфонический оркестр "казачьей музыки", руководил симфоническими и хоровыми концертами, выступал как дирижёр и пианист. К этому времени относятся широко известные романсы Алябьева, опубликованные в сборнике "Северный певец" (1828, 1831), и ряд оркестровых произведений.
В 1832-33 Алябьев жил на Кавказе, в 1833-34 в Оренбурге, затем в Московской губернии. Живо интересуясь музыкой народов России, композитор записал кавказские, башкирские, киргизские, туркменские, татарские народные песни, составил и опубликовал (совместно с историком-фольклористом М. А. Максимовичем) сборник "Голоса украинских песен" (1832, издан 1834). Лишь в 1843 Алябьев получил разрешение проживать в Москве под надзором полиции. Здесь он снова входит в театральную среду, пишет музыку к драматическим спектаклям. В 1847 завязывается его дружба с А. С. Даргомыжским. Алябьев - автор музыки ко многим операм-водевилям: "Путешествующая танцовщица-актриса, или Три сестры-невесты" П. Н. Арапова, "Забавы Калифа, или Шутки на одни сутки" А. И. Писарева.
Алябьев был женат с 1840 года на Екатерине Александровне Офросимовой, урожд. Римской-Корсаковой (1803-1854), с которой композитора связывала давняя симпатия. Своих детей у Алябьевых не было, но они заботились о Леониле Пассек (сестре Вадима Пассека, историка Симонова монастыря), которую будущая жена композитора взяла на воспитание около 1831 года.
Умер композитор в Москве 22 февраля 1851 года, похоронен в Симоновом монастыре в усыпальнице Алябьевых. В 1920-1930-е годы некрополь Симонова монастыря был разрушен. 24 февраля 2009 года состоялась торжественная церемония открытия памятного креста на символической могиле композитора Александра Алябьева состоялась в Москве, у стен храма Рождества Пресвятой Богородицы в Старом Симонове.
Творчество
Спойлер:
Романсы Александр Алябьев писал на стихи самых лучших поэтов: своего любимого командира Давыдова, Жуковского, Вяземского, Козлова, Кольцова, Лермонтова. Двадцать два романса написаны на стихи Александра Пушкина, и пятнадцать из них - ещё при жизни поэта. В конце жизни его более других вдохновляли стихи Огарёва.
Написал Алябьев и много симфонической музыки, и камерной, и инструментальной: симфония ми минор очень хороша, трагичная увертюра фа минор, несколько концертных увертюр, множество концертов для различных инструментов соло с оркестром, танцевальные сюиты. До сих пор многие камерные ансамбли Алябьева изучаются в музыкальных училищах и консерваториях, а также звучат и в концертном исполнении.
Известные сочинения
Спойлер:
Романсы
На стихи Пушкина: "Два ворона", "Зимняя дорога", "Певец";
На слова Антона Дельвига: "Соловей" (1826 г.), "Кудри";
"Вечерний звон" (слова Ивана Козлова),
"Дубрава шумит" (слова Василия Жуковского),
"Жаль мне и грустно" (слова Ивана Аксакова),
"Нищая" (слова Беранже в переводе Дмитрия Ленского),
"Пахитос" (слова Ивана Мятлева),
"Тайная скорбь" (слова Александра Вельтмана),
"Что поешь, краса-девица" (слова В. Домонтовича),
"Я вижу образ твой" (слова А. Бистрома),
"Ясны очи"» (слова Дмитрия Ознобишина).
Оперы
Лунная ночь, или Домовые (1822, пост. 1823, Большой театр в Петербурге)
Буря (1830-е гг.)
Эдвин и Оскар (1830-е гг., не окончена)
Волшебная ночь (1838-39, не окончена)
Рыбак и русалка, или Злое зелье (1841-43)
Аммалат-Бек (1842-47)
Оперы-водевили
Новая шалость, или Театральное сражение (совм. с А. Н. Верстовским и Л. В. Маурером, 1822, Большой театр, Петербург)
Деревенский философ (1823, театр на Моховой, Москва)
Хлопотун, или Дело мастера боится (совм. с Верстовским, 1824, Малый театр, Москва)
Проситель (совм. с Верстовским, Мих. Ю. Виельгорским и Ф. Е Шольцем, 1824, театр на Моховой, Москва)
Встреча дилижансов (совм. с Верстовским, 1825, Большой театр, Москва)
Забавы калифа, или Шутки на одни сутки (совм. с Верстовским и Шольцем, 1825, там же)
Три десятки, или Новое двухдневное приключение (совм. с Верстовским, 1825, там же)
Утро и вечер, или Ветер переменился (1826) и др.
балет Волшебный барабан, или Следствие Волшебной флейты (1827)
пролог Торжество муз. на открытие Большого театра (совм. с Верстовским и Шольцем, 1824, исп. 1825)
мелодрама Кавказский пленник (на текст одноим. поэмы А. С. Пушкина, 1828?)
Кантаты
для орк., в том числе симфония e-moll (1850), увертюра, танцы
для дух. орк., в том числе увертюры
Инструментальные ансамбли
3 струн. квартета (ь 1, Es-dur, 1815; No 3, g-moll, 1825)
2 фп. трио (Es-dur, 1815?; a-moll, 1834)
фп. квинтет (1815?)
соната для скр. и фп. (1834)
квартет для 4 флейт
квинтет для флейты, гобоя, кларнета, фагота и валторны, и др.
пьесы и циклы вариаций для разных инструментов
фп. пьесы, в том числе соната, танцы
хоры и хор. обработки собств. соч.
романсы для голоса с фп. (св. 150)
Вокальные ансамбли
обр. нар. песен, в том числе
Голоса украинских песен, изданные Михаилом Максимовичем. Аранжировка Александра Алябьева (1832, изд. 1834, М., 1961)
Азиатские песни (1833-35?)
и др.
музыка к драм. спектаклям.
Дата рождения: 14 сентября 1760 Место рождения: Флоренция, Великое герцогство Тосканское Дата смерти: 15 марта 1842 (81 год) Место смерти: Париж, Июльская монархия Страна: Италия, Франция Профессии: композитор, дирижёр, педагог Эпоха: романтизм
Луиджи Керубини (Мария Луиджи Карло Зенобио Сальваторе Керубини) - итальянский композитор, педагог и музыкальный теоретик, главный представитель жанра опера спасения.
В 1818 г. Л. Бетховен, отвечая на вопрос, кто ныне является величайшим композитором (исключая самого Бетховена), сказал: "Керубини". "Выдающимся человеком" назвал итальянского маэстро Дж. Верди. Керубиниевскими произведениями восхищались Р. Шуман и Р. Вагнер. Брамс испытывал сильное влечение к музыке Керубини, называл оперу "Медея" "прекрасным произведением", которое его необычайно захватило. Ему отдавали должное Ф. Лист и Г. Берлиоз.
Именно оперы Керубини помогли Бетховену в выборе главной темы и сюжета его единственной и знаменитой оперы "Фиделио", в её музыкальном воплощении. Их черты мы узнаем в опере Г. Спонтини "Весталка", обозначившей начало эпохи большой романтической оперы.
Биография
Спойлер:
Луиджи родился в семье музыканта - Бартоломео Керубини и под его руководством получил начальное музыкальное образование; продолжил в Болонье у Джузеппе Сарти, под его руководством изучал контрапункт и полифоническое письмо, осваивал жанры духовной музыки - мессы, литании и мотета, и наиболее распространённые в то время светские жанры: оперы-seria и оперы-buffa, из которых первая считалась аристократической, а вторая пользовалась наибольшей популярностью.
Музыку Керубини сочинял с детства; поначалу преимущественно церковную: к 18 годам на его счету было уже 38 опусов; к жанру оперы впервые обратился в 15 лет, написав комическое интермеццо "Игрок". Его первая полномасштабная опера - "Квинт Фабий", поставленная в 1779 году, сразу же привлекла внимание к молодому композитору: заказы приходили не только из итальянских городов - Рима, Флоренции, Венеции и др., но и из Лондона. В начале 80-х Керубини покинул Италию и поселился в Лондоне, где в 1784-1786 годах занимал пост придворного композитора Георга III. После недолгого пребывания в Италии, где в туринском театре «Реджо» была поставлена его опера-сериа "Ифигения в Авлиде", Керубини в 1788 году обосновался в Париже, где жил до конца своих дней. Первой поставленной в Париже оперой стал "Демофонт", написанный на либретто Ж.-Ф. Мармонтеля (1788); в 1789 году Керубини сменил Никколо Пиччини на посту руководителя Итальянской оперы.
Увлечённый идеями Великой французской революции, Керубини стал одним из главных её композиторов, создавал гимны, песни, марши, пьесы для торжественных шествий и траурных церемоний Революции, в их числе "Республиканская песнь", "Гимн братства", "Гимн Пантеону", Траурный марш. В эти же годы операми "Лодоиска" (1791) и "Элиза" (1794) Керубини создал новый оперный жанр - так называемую "оперу спасения", героическую, остросюжетную музыкальную драму, основной темой которой была борьба с тиранией. В этот период Керубини уже становится убеждённым последователем Глюка, не только в его понимании назначении оперы, но и в выборе музыкальных средств, отдавая предпочтение классической простоте, законченности формы, мелодической ясности. Эти принципы Керубини развивал и в следующих своих операх: "Медея" (1797), "Два дня" (или "Водовоз", 1800), "Анакреон" (1803), "Фаниска" (1806)…
В 1795 году Керубини стал одним из основателей Парижской консерватории и много сил отдал её организации и совершенствованию. С первых дней он был преподавателем и инспектором, с 1816 года профессором, а в 1822 году был назначен директором и занимал этот пост до 1841 года. Он воспитал немало учеников, среди которых Даниэль Франсуа Обер, Фроманталь Галеви, оставил несколько научно-методических трудов, в том числе учебник по вокалу, благословил совсем юного Феликса Мендельсона и предрёк ему большое будущее. Пришедший к власти в 1799 году Наполеон находил музыку Керубини "слишком громкой", однако ценил его как музыкального деятеля и дирижёра, - положение Керубини не ухудшилось. Оно не ухудшилось и в период Реставрации: к 1815 году Керубини был уже настолько признан, как во Франции, так и за её пределами, что именно ему, бывшему композитору Революции, была заказана коронационная месса для Людовика XVIII, а затем и Реквием памяти казнённого в 1793 году Людовика XVI. В 1816 году Керубини был назначен верховным интендантом музыки и возглавил Королевскую капеллу.
После "Абенсераги", поставленной на сцене Королевской академии музыки в 1813 году, Керубини уже крайне редко обращался к жанру оперы, больше внимания уделяя консерватории, а в области композиции отдавая предпочтение духовной музыке, камерной и симфонической. Если верить М. Морамарко, Керубини был масоном, членом масонской ложи "Сен-Жан де Палестин" Великого востока Франции.
Творчество
Спойлер:
Керубини оставил богатое музыкальное наследие. Он не только отдал дань практически всем современным ему музыкальным жанрам, но и активно способствовал формированию новых.
В 1790-е гг. вместе со своими современниками - Ф. Госсеком, Э. Мегюлем, И. Плейелем, Ж. Лесюэром, А. Жаденом, А. Бертоном, Б. Сарретом - композитор создает гимны и песни, марши, пьесы для торжественных шествий, празднеств, траурных церемоний Революции.
Однако главное творческое достижение композитора, определившее место художника в истории музыкальной культуры, связано с оперным театром. Оперы Керубини 1790-х гг. и первых десятилетий XIX в. суммируют наиболее яркие черты итальянской оперы-seria, французской лирической трагедии (разновидности пышного придворного музыкального спектакля), французской комической оперы и новейшей музыкальной драмы реформатора оперного театра К. В. Глюка. Они провозглашают рождение нового оперного жанра: "оперы спасения" - остросюжетного спектакля, прославляющего борьбу с насилием и тиранией за свободу и справедливость.
Сочинения
Спойлер:
Оперы Интермеццо (итальянские)
Amore artigiano (то есть Ремесленная любовь; Фьезоле, 1773).
"Игрок" (Il giocatore; Флоренция, 1775?; утерян).
Без названия (Флоренция, 1778). Итальянские
"Квинт Фабий" (Il Quinto Fabio; Алессандрия, 1779; вторая версия - Рим, 1783).
"Армида" (Armida abbandonata, то есть Армида отверженная; Флоренция, 1782).
"Адриан в Сирии" (Ливорно, 1782).
"Мезенций, царь Этрурии" (Флоренция, 1782).
Lo sposo di tre e marito di nessuna (то есть Обрученный с тремя и не женатый ни на одной; Венеция, 1783)
"Александр в Индиях" (Мантуя, 1784).
"Идалида" (Флоренция, 1784).
"Деметрий" (Лондон, 1785).
"Мнимая принцесса" (Лондон, 1785).
"Юлий Сабин" (Лондон, 1786).
"Ифигения в Авлиде" (Турин, 1788).
"Олимпиада" (неоконченная). Французские
"Демофон" (Париж, 1788).
"Лодоиска" (Париж, 1791).
"Элиза" (Элиза, или путешествие на ледники горы Сен-Бернард; Париж, 1794).
"Медея" (Париж, 1797).
"Португальский трактир" (Париж, 1798).
"Наказание" (Париж, 1799).
"Узница" (Париж, 1799).
"Два дня, или Водовоз" (Париж, 1800).
"Эпикур" (Париж, 1800).
"Анакреонт, или мимолетная любовь" (Париж, 1803).
"Фаниска" (Вена, 1806).
"Пигмалион" (Париж, 1809).
"Крещендо" (Париж, 1810).
"Абенсераги" (Абенсераги, или гранадское знамя; Париж, 1813).
"Баярд в Мезьере" (Париж, 1821).
"Бланш из Прованса, или суд фей" (Париж, 1821).
"Маркиза де Бренвилье" (Париж, 1831).
"Али-Баба, или Сорок разбойников" (Париж, 1833). Прочее
"Конгресс королей" (Париж, 1794; совместно со множеством других композиторов).
Koukourgi (1792-1793; вновь открытая опера, впервые поставлена в 2010 году).
Духовная музыка Мессы
От Керубини сохранилось одиннадцать месс, четыре и них были опубликованы при его жизни и имеют номера.
Месса D-dur (Kyrie и Gloria) для солистов (SATB), четырёхголосного хора и оркестра (Флоренция, 1773).
Месса C-dur (Kyrie и Gloria) для солистов (SATB), четырёхголосного хора и оркестра (Флоренция, 1774).
Месса C-dur (Kyrie и Gloria) для солистов (SATB), четырёхголосного хора и оркестра (Флоренция, 23 августа 1775).
Месса № 1 F-dur (для принца Шиме) для солистов (STB), трёхголосного хора и оркестра (1808-1809, 1810).
Месса № 2 d-moll (для князя Эстерхази) для солистов (SATB, дополнительно в одном номере вторые сопрано и тенор), четырёхголосного хора и оркестра (1811).
Торжественная месса (№ 4) C-dur (1816).
Торжественная месса Es-dur (1816).
Торжественная месса E-dur для солистов (SATB), четырёхголосного хора и оркестра (1818).
Торжественная месса G-dur, для коронации Людовика XVIII (1819).
Торжественная месса (краткая) B-dur (1821).
Месса № 3 A-dur, для коронации Карла X (1825). Утерянные и спорные
Месса для хора и оркестра (Флоренция, 3 августа 1776; утеряна).
Месса "Te laudamus Domine", op. 20.
Petite messe de la Sainte Trinité d-moll (ок. 1817). Реквиемы
Реквием № 1 c-moll для четырёхголосного хора и оркестра (1816; Сен-Дени, 21 января 1817), написан для годовщины гибели Людовика XVI.
Реквием № 2 d-moll для трёхголосного мужского хора (1836; Парижская консерватория, 23 марта 1838). Прочее
38 мотетов.
Антифоны.
Произведения для оркестра
Симфония D-dur (1815).
Концертная увертюра (1815).
Траурный марш к Реквиему № 1 (1820).
Marche religieuse к мессе № 3 A-dur (1825).
Камерные произведения
Шесть сонат для клавесина (1780):
№ 1 F-dur.
№ 2 C-dur.
№ 3 B-dur.
№ 4 G-dur.
№ 5 D-dur.
№ 6 Es-dur.
Шесть струнных квартетов:
№ 1 Es-dur (1814).
№ 2 C-dur (1829).
№ 3 d-moll (1834).
№ 4 E-dur (1834—1835).
№ 5 F-dur (1835).
№ 6 a-moll (1835—1837).
Струнный квинтет (для двух скрипок, альта и двух виолончелей) e-moll (1837).
Дата рождения: 24 января 1776 Место рождения: Кёнигсберг, Восточная Пруссия, королевство Пруссия Дата смерти: 25 июня 1822 (46 лет) Место смерти: Берлин, Бранденбург, Германский союз Страна: королевство Пруссия Профессии: писатель, композитор, художник Эпоха: романтизм
Эрнст Теодор Вильгельм Гофман - немецкий писатель-романтик, композитор, художник и юрист. Из уважения к Амадею Моцарту в 1805 году сменил имя "Вильгельм" на "Амадей".
Крупный писатель-прозаик, Гофман открыл новую страницу в истории немецкой романтической литературы. Велика его роль и в области музыки как зачинателя жанра романтической оперы и особенно - как мыслителя, впервые изложившего музыкально-эстетические положения романтизма. В качестве публициста и критика Гофман создал новый художественный вид музыкальной критики, развитый затем многими крупными романтиками (Вебер, Шуман, Лист, Берлиоз и другие). Псевдоним в качестве композитора - Иоганн Крайслер.
Жизнь Гофмана, его творческий путь - это трагическая история выдающегося, разносторонне одаренного художника, непонятого современниками.
Биография
Спойлер:
Судьба Гофмана сложилась трагически. Сценарий был прост. Одаренный художник-разночинец стремится выстроить новую культуру и этим возвысить Родину, а в ответ получает оскорбления, нужду, доходящую до нищеты, и заброшенность.
В Кёнигсберге у адвоката Людвига Гофмана и его супруги-кузины в холодный январский день рождается в 1776 году сын – Эрнст Теодор Вильгельм Гофман. Через два года с небольшим родители разведутся из-за невыносимо тяжелого характера матери. Трехлетний Теодор Гофман, биография которого начинается с изломов, попадает в добропорядочную бюргерскую семью своего дяди-юриста. Но его воспитатель не чужд искусству, фантастике и мистике. С шести лет мальчик начинает учебу в реформаторской школе. В семь лет он приобретет верного друга Готлиба Гиппеля, который будет помогать Теодору в трудные периоды и сохранит ему верность до самой смерти. Музыкальные и живописные данные Гофмана проявляются рано, и его отдают учиться органисту-композитору Подбельскому и художнику Земану.
Под влиянием дяди Эрнст поступает на юридическое отделение Кёнигсбергского университета. В это время там преподает Иммануил Кант, но его лекции не привлекают внимания такой личности, как Гофман. Биография говорит, что все его устремления – это искусство (фортепиано, живопись, театр) и любовь. Семнадцатилетний юноша глубоко увлечен замужней женщиной, которая старше его на девять лет. Однако он с отличием оканчивает учебное заведение. Его влюбленность и связь с замужней женщиной раскрываются, и во избежание скандала молодого человека отправляют в 1796 году в Глогау к дяде.
Некоторое время он служит в Глогау. Но все время хлопочет о переводе в Берлин, в который он попадает в 1798 году. Молодой человек сдает очередной экзамен и получает звание асессора. Но занимаясь юриспруденцией по необходимости, Гофман, биография которого показывает глубокое увлечение музыкой, изучает одновременно принципы музыкальной композиции. В это время он напишет спектакль и будет стараться поставить его на сцене. Его отравляют на службу в Познань. Там он напишет еще один музыкально-драматический спектакль, который поставят в этом небольшом польском городке. Но серая повседневность не удовлетворяет душу художника. В качестве отдушины он использует карикатуры на местное общество. Случается очередной скандал, после которого Гофмана ссылают в захолустный Плоцк.
Через время находит все-таки свое счастье Гофман. Биография его изменяется благодаря женитьбе на тихой, доброжелательной, но далекой от бурных устремлений мужа девушке Михалине, или сокращенно Мише. Она будет терпеливо сносить все выходки и увлечения супруга, а дочь, рожденная в браке, умрет в двухлетнем возрасте. В 1804 году Гофмана переводят в Варшаву. Служить-то он служит, но все свободное время и мысли отдает музыке. Здесь он пишет очередной музыкальный спектакль и меняет свое третье имя. Так появляется Эрнст Теодор Амадей Гофман. Биография говорит о преклонении перед творчеством Моцарта. Мысли заняты музыкой и живописью. Он расписывает дворец Мнишек для "Музыкального общества" и не замечает, что в Варшаву вступили войска Наполеона. Служба прекращается, денег взять неоткуда. Он отправляет жену в Познань, а сам старается выбраться в Вену или Берлин.
Но в итоге жизнь приводит Гофмана в городок Бамберг, где он получает должность капельмейстера. Туда же он перевозит и жену. Здесь возникает замысел первой повести "Кавалер Глюк". Этот период длится недолго, но он воистину страшен. Нет денег. Маэстро продает даже старый сюртук, чтобы поесть. Гофман просто перебивается уроками музыки в частных домах. Он мечтал посвятить жизнь искусству, а в результате глубоко отчаялся, что, видимо, сказалось на здоровье и слишком ранней смерти.
В 1809 г. выходит иррациональная повесть "Кавалер Глюк" », в которой свободная личность художника противопоставляется затхлому обществу. Так в жизнь творца входит литература. Всегда стремясь к музыке, Гофман, биография которого полна и многогранна, оставит неизгладимый след в другом виде искусства. После продолжительных и непоследовательных, как у всякого большого художника, метаний по совету школьного друга Гиппеля Гофман переезжает в Берлин и снова "впрягается" в работу на поприще судебного ведомства. Он, по его собственным словам, снова "в тюрьме", что не мешает ему быть отличным знатоком права. К 1814 году издаются его работы "Золотой горшок" и "Фантазии в манере Калло".
Теодор Гофман (биография это показывает) признан как литератор. Он посещает литературные салоны, где ему оказывают знаки внимания. Но до конца своей жизни он сохранит восторженную любовь к музыке и живописи. К 1815 году нужда уходит из его дома. Но он клянет свою собственную судьбу, как судьбу человека одинокого, маленького, раздавленного и слабого. Эрнст Гофман, биография которого продолжается весьма прозаически, по-прежнему служит юристом и свой ненавистный труд сравнивает с бессмысленной, бесконечной и безотрадной работой Сизифа. Отдушиной становится не только музыка и литература, но и стакан вина. Когда он забывается за бутылкой в кабачке и потом возвращается домой, у него возникают пугающие фантазии, которые ложатся на бумагу. Но совершенством становятся "Житейские воззрения Кота Мурра", который живет у него дома в любви и холе. Герой романа Крейслер, жрец "чистого искусства", меняет города и княжества страны в поисках уголка, где можно найти гармонию между обществом и художником. Крейслер, автобиографичность которого не подвергается сомнению, мечтает поднять человека из бесцветной повседневности к высотам божественного духа, в высшие сферы.
Сначала умрет любимый кот Мурр. Не пройдет и года, как от паралича скончается в 46 лет великий романтик, у которого уже намечался новый реалистический путь в литературе, – Эрнст Теодор Амадей Гофман. Биография его – это путь поисков выхода из "игры мрачных сил" к "кристальным струям поэзии".
Творчество
Спойлер:
Гофман был выдающимся композитором. Его музыкальные произведения оказали существенное влияние на многих композиторов: К. М. Вебера, Р. Шумана, Р. Вагнера, П.И. Чайковского. По литературным произведениям Гофмана написаны музыкальные композиции "Крейслериана" Шумана, "Летучий Голландец" Вагнера, "Щелкунчик" Чайковского, "Жизель" А. Ш. Адана, "Коппелия" Л. Делиба, "Выбор невесты" Ф. Бузони, "Кардильяк" П. Хиндемита. Сам Гофман стал поэтическим персонажем опер Ж. Оффенбаха "Сказки Гофмана" и Г. Лаччетти "Гофман". Гофман является автором опер "Ундина" - первая в своем роде немецкая романтическая опера, "Аврора", а также множества симфонических, хоровых и камерных композиций.
Сочинения
Спойлер:
Основные музыкальные произведения
зингшпиль "Веселые музыканты" (либретто: Клеменс Брентано) (1804)
музыка к трагедии Захариаса Вернера "Крест на Балтийском море" (1805)
сонаты для фортепиано: A-Dur, f-moll, F-Dur, f-moll, cis-moll (1805-1808)
балет "Арлекин" (1808)
Miserere b-moll (1809)
"Большое трио для фортепиано, скрипки и виолончели" (1809)
мелодрама "Дирна. Индийская мелодрама в 3-х актах" (либретто: Юлиус фон Зоден) (1809)
опера "Аврора" (либретто: Франц фон Хольбайн) (1812)
опера "Ундина" (либретто: Фридрих де ла Мотт Фуке) (1816)
Балеты по произведениям Гофмана
Балет П. И. Чайковского "Щелкунчик" (первая постановка в 1892 году).
Коппелия (Коппелия, или Красавица с голубыми глазами) - комический балет французского композитора Лео Делиба. Либретто написано по новелле Э. Гофмана "Песочный человек" Ш. Нюитером и балетмейстером спектакля А. Сен-Леоном.
Балет С. М. Слонимского "Волшебный орех" (первая постановка в 2005 году).
Дата рождения: 19 ноября 1859 Место рождения: Гатчина, Российская империя Дата смерти: 28 января 1935 (75 лет) Место смерти: Москва, РСФСР, СССР Страна: Российская империя, СССР Профессии: композитор, дирижёр Эпоха: романтизм
Михаил Михайлович Ипполитов-Иванов (настоящая фамилия - Иванов) - русский композитор, дирижёр.
Когда думаешь о советских композиторах старшего поколения, к которым принадлежал М. Ипполитов-Иванов, невольно поражаешься многогранности их творческой деятельности. И Н. Мясковский, и Р. Глиэр, и М. Гнесин, и Ипполитов-Иванов активно проявили себя в различных областях в первые годы после Великой Октябрьской социалистической революции.
Личность композитора, проявившего разносторонность своего дарования в симфонической, хоровой, оперной и камерной музыке, редко удостаивается внимания современных исследователей. В лучшем случае, они ограничиваются обзором творческого наследия, не найдя благодатной почвы, «нерва» проблемы в жизни автора. Действительно, в отличие от драматических судеб Мусоргского, Прокофьева или Шостаковича, жизнь Ипполитова-Иванова можно было бы назвать образцом стабильности и благополучия: родился – в пригороде столицы, в хорошей семье, учился у лучших музыкальных педагогов, женился на сокурснице по консерватории.
Биография
Спойлер:
Михаил Иванов родился в Гатчине под Санкт-Петербургом, творческий псевдоним Ипполитов-Иванов появился в годы обучения в консерватории. В семье, где весьма приветствовалось увлечение музыкой, мальчик получает хорошее базовое домашнее музыкальное образование, потом в 1872-1875 гг. посещает классы для малолетних певчих при Исаакиевском соборе Петербурга, и затем поступает в Петербургскую консерваторию, где его учителями становятся Н.А. Римский-Корсаков, Ю.И. Иогансен, И.О. Ферреро, К.Ю. Давыдов.
Римский-Корсаков выделяет способного юношу из числа студентов и знакомит его с другими участниками "Могучей кучки", что во многом предопределяет его музыкальные воззрения. Под руководством своего учителя Ипполитов-Иванов пишет первое серьезное оркестровое произведение – увертюру "Яр-Хмель". Здесь же в консерватории он знакомится с вокалисткой Варварой Зарудной - представительницей известного рода Зарудных, давшего России немало талантливых и знаменитых людей.
Поначалу отношения будущего композитора и певицы были чисто дружескими и профессиональными. Нередко на музыкальных вечерах у Римского-Корсакова, Ипполитов-Иванов слушал в исполнении Зарудной фрагменты новых опер Римского-Корсакова, Бородина, Кюи. Симпатия молодых людей крепла, но, что называется, не переходила за рамки. Однако не зря говорят, что разлука для любви как ветер для огня: слабый огонь погасит, а сильный – только раздует. Расставшись летом 1881 года на каникулы, студенты вступают в активную переписку, и зародившаяся симпатия перерастает в глубокое чувство, которое им было суждено пронести через всю жизнь. Молодые люди заканчивают консерваторию в 1882 году: он - по классу композиции Римского-Корсакова, а она – по классу вокала Камилло Эверарди. А в 1883 году Михаил Михайлович и Варвара Михайловна обвенчались.
Молодой выпускник консерватории сразу получает место директора Музыкального училища в Тифлисе и дирижера симфонических собраний Тифлисского отделения Императорского Русского Музыкального Общества. С 1884 года он также становится дирижером местного оперного театра. Там же начинает оперную карьеру и Зарудная, солируя не только в первых оперных опусах своего супруга "Руфь" и "Азра", но и в операх Чайковского, Гуно, Верди. Впоследствии, после отъезда из Тифлиса, Зарудная больше не вернется на оперную сцену, перейдя в камерный жанр и развернув большую научно-педагогическую работу (в частности, она была одним из основателей оперной студии Московской консерватории).
Грузинский период в творчестве молодого Ипполитова-Иванова без преувеличения можно назвать "золотым", именно тогда были написаны две всемирно знаменитые оркестровые сюиты "Кавказские эскизы" и "Иверия", а также многочисленные произведения в других жанрах. В Грузии он реализует себя не только как композитор и дирижер, но и как музыкальный теоретик и исследователь грузинской народной музыки. Вдохновленный непривычной, экзотической красотой природы Кавказа и местных народных обрядов, Ипполитов-Иванов решает не просто продолжить дело записи и обработки фольклора, начатое еще Глинкой и композиторами "могучей кучки", но и стремится придать ему большую широту, системность и ответственность. Зарисовка "В ауле" из "Кавказских эскизов" - в этом смысле самое показательное произведение. Горными ручейками стекает мелодия, имитирующих грустную кавказскую песню, постепенно в нее вплетаются другие инструменты, и мягкая оркестровка подчеркивает основную мелодическую идею. Другая часть из той же сюиты - "Шествие сардара" показательна с точки зрения особенности личности композитора. Вообще слово "сардар" означает титул военачальника, командующего действующей армией в Османской империи. Однако здесь и близко нет музыкального напора, агрессии, необходимых для военных маршей. Азиатская роскошь, выразительное буйство красок есть, а реальной агрессии воина – нет. Легкая, тонкая и воздушная, как прозрачный шелк, и звенящая, как монисто восточной красавицы музыка.
В 1893 году по рекомендации Чайковского Ипполитова-Иванова приглашают в Москву на должность профессора музыкально-теоретических дисциплин и композиции Московской консерватории. Спустя годы, он еще несколько раз вернется в Тифлис для решения организационных задач Тифлисской консерватории. Его до сих пор чтят как одного из основателей собственной музыкально-педагогической школы Грузии. Скоропостижная смерть Чайковского в октябре 1893 года возлагает на Ипполитова-Иванова негласные моральные обязательства продолжать его традиции.
К периоду 1900-1915 гг. относятся лучшие хоровые произведения Ипполитова-Иванова, которые еще в большей мере, чем оркестровые, следуют музыкальной традиции Чайковского, в том числе получившая широкую известность Литургия св. Иоанна Златоуста и другие духовные хоры.
В мае 1896 года состоялась коронация Николая II , по случаю которой Ипполитов-Иванов пишет свою "Коронационную кантату". А в 1899 году его приглашают к сотрудничеству со знаменитой театральной антрепризой – Товариществом русской частной оперы Саввы Мамонтова, правда, переживавший в тот момент не лучшие свои времена. Затем, после распада проекта Мамонтова, он становится музыкальным руководителем частной оперы С.И.Зимина, объявившего себя продолжателем традиций Товарищества. В распоряжении Ипполитова-Иванова оказывается огромный, по меркам частного театра, творческий коллектив: 80 человек хора, 80 человек оркестра и 30 человек балетной труппы, кроме того, сильной стороной театра стало сотрудничество с ведущими художниками, включая П.П.Кончаловского, А.М.Васнцова, В.Д.Поленова, В.А.Серова и др.
В 1906 году занял пост ректора Московской консерватории закрепился и проработал более полутора десятка лет, проявив неординарные организаторские и административные способности. Руководящая работа, хотя и существенно ограничивает Ипполитова-Иванова во времени, тем не менее, не заставляет его прекратить композиторскую деятельность, в том числе в 1907 году выходит его единственная симфония. Продолжает работу он и в камерном жанре. Создается немало произведений для камерного ансамбля, как лирических романсов общепринятой стилистики, так и достаточно нетрадиционных по инструментальному составу. Нельзя отрицать влияние, которое оказала на камерные сочинения супруга композитора – первая исполнительница многих произведений, обладавшая камерным лирическим сопрано. Легкий, полетный стиль исполнения певицы стал общим стилем вокальных миниатюр Ипполитова-Иванова.
Октябрь 1917 года позиций Ипполитова-Иванова у руля Московской консерватории не поколебал, он прослужил в руководящей должности до 1922 года. Много сил профессор и его супруга отдали становлению оперного класса в Московской консерватории, он же во многом предопределил основы народного театра и принципы развития самодеятельных музыкальных коллективов. А вот от сочинения лирических опер, когда кругом объявлена война всему "мещанскому", пришлось навсегда отказаться. Нельзя было продолжать и сочинение духовной музыки. Хоровое направление работы композитора было не то что совсем приостановлено, но приобрело некоторый вспомогательный характер по отношению к основной деятельности – музыкально-педагогической. В частности, разрабатывая принципы обучения советских хормейстеров, он написал несколько пионерских песен для детского хора - "Два поколения", "Гимн труду" и т.п.
В 1922 году Ипполитов-Иванов получает звание народного артиста Республики и возглавляет Всероссийское общество писателей и композиторов. Он покидает консерваторию, которую в последующие годы возглавляют его бывшие ученики. Наивысшие регалии нового государства представляют ему шанс реализовать давнюю мечту – встать за дирижерский пульт Большого театра, ставшего к тому времени главной столичной музыкальной сценой. Для Большого театра Ипполитов-Иванов делает множество фундаментально значимых вещей. В частности, в инструментовке Ипполитова-Иванова впервые в Москве прозвучала не исполнявшаяся ранее сцена "У Василия Блаженного" из оперы Мусоргского "Борис Годунов". Юбилейный (Ворошиловский) марш, написанный в 1931 году к 50-летнему юбилею героя гражданской войны, наркома обороны Клима Ворошилова, отчасти стал образцом возврата к раннему тифлисскому стилю оркестровых произведений Ипполитова-Иванова. К концу жизни композитор открывает для себя радио как канал популяризации академической музыки, и это дает последний импульс его композиторскому творчеству. Именно для радиозаписи Ипполитов-Иванов завершил и инструментовал неоконченную оперу Мусоргского "Женитьба". Время от времени композитор пытается вернуться к восточной теме, пишет несколько произведений на темы народов Советского Востока, но такого мирового признания, как первые сюиты, они уже не получили.
Умер Ипполитов-Иванов в Москве 28 января 1935 и был похоронен на Новодевичьем кладбище. После смерти некоторые начинания профессора в области оперной педагогики продолжила его вдова В.М.Зарудная. Она же сохранила и передала исследователям архив композитора. Ученики, воспитанные им в разные годы, составили золотой кадровый резерв советской музыкальной культуры. Помимо музыкального наследия, Ипполитов-Иванов оставил и серию опубликованных научных трудов.
Творчество
Спойлер:
Творчество Ипполитова-Иванова развивалось в русле реалистических традиций русской музыкальной классики. Она дышит искренностью, непосредственностью; характерная особенность - светлый лиризм, сердечность ("музыку без сердца я не понимаю". — И.-И.). Преимущественное внимание композитор уделял жанру оперы, однако широкую известность ему принесла симф. сюита "Кавказские эскизы". Немалое значение имела его дирижерская (в т. ч. первые исполнения опер Н. Римского-Корсакова "Царская невеста", "Сказка о царе Салтане", "Кащей Бессмертный") и педагогическая (в числе его учеников С. Василенко, Р. Глиэр, А. Гольденвейзер, К. Игумнов, Ю. Сахновский, Ю. Энгель и др.) деятельность. Музыка Ипполитова-Иванова привлекает своей простотой, искренностью, мягким, светлым лиризмом и гармоничной уравновешенностью. Лучшим образцом оперного стиля Ипполитова-Иванова является опера "Ася". Значительный интерес представляет и опера "Оле из Нордланда" на сюжет из норвежского народного быта. В ее музыке удачно воссоздан национальный норвежский колорит.
Для симфонического творчества композитора характерно стремление к программной музыке.
Сочинения
Спойлер:
Оперы
"Руфь", 1887.
"Азра", 1890.
"Ася", 1900.
"Измена", 1910.
"Оле из Нордланда", 1916.
Произведения для камерно-инструментальных ансамблей
Соната для скрипки и фортепиано.
Струнный квартет.
Фортепианный квартет.
Книги
"Грузинская народная песня и её современное состояние", 1895.
"Учение об аккордах, их построение и разрешение", 1897.
"50 лет русской музыки в моих воспоминаниях", 1934.
Дата рождения: 16 декабря 1775 Место рождения: Руан Дата смерти: 8 октября 1834 (58 лет) Место смерти: Варенн-Жарси Страна: Франция Профессии: композитор Эпоха: романтизм
Франсуа Адриен Буальдьё - французский оперный композитор, имевший большую популярность в Париже, а также служивший придворным композитором в России (1803-1810).
Буальдьё - крупнейший представитель французской комической оперы первой трети 19 в. Многие его произведения пользовались большим успехом, среди них - "Жан Парижский", "Красная шапочка" и др. Однако привлекательные своей наивной простотой комические оперы Буальдьё проигрывали в сравнении с блистательным искусством Дж. Россини.
Наряду с операми существенную область творчества Буальдьё составляет фортепианная музыка, отличающаяся мелодичностью, изяществом. Эти сочинения - ценный вклад во французскую фортепианную литературу.
Биография
Спойлер:
Родился в 1775 г. в Руане, где его отец был секретарем канцелярии архиепископа. Начал музыкальное образование певчим Руанского собора и продолжал свои музыкальные занятия у органиста Броха. В 1793 году написал, на изготовленный его отцом текст, маленькую оперу "La fille coupable", имевшую успех; за ней следовала "Rosalie et Mirza" (1795).
В девятнадцать лет, не имея никаких средств, отправился в Париж, где своей одноактной оперой "La dot de Suzette" (1795) произвёл большое впечатление. Затем следовали оперы: "La famille suisse" (1796), "Mombreuille et Merville" (1797), "L’heureuse nouvelle" (1797), "Zoraime et Zulnare" (1798), "Les meprises espagnoles" (1798), "Beniowski" (1800). В этот промежуток времени состоял профессором фортепианной игры в консерватории. Выдающийся успех имела его опера: "Le Calife de Bagdad", выдержавшая более 700 представлений в Париже, и сделавшая его имя, как композитора, известным и за границей. В 1802 г. появилась опера "Ma tante Aurore".
В 1803 году, вместе с своим другом Роде, отправился в Россию. Император Александр I для первого приветствия славного композитора выслал ему в Мемель патент на место придворного капельмейстера; Буальдьё обязался писать по 3 оперы в год, на готовые либретто из французской жизни. Обласканный императором, был хорошо принят в Петербургском обществе; из написанных им в Петербурге для французской труппы комических опер: "Rien de trop", "Amour et mystere", "La jeune femme coleree", "Aline", "Reine de Golconde", "Telemaque", "Les voitures versees" и др. В 1811 году Буальдьё получил отпуск и отправился в Париж, но по политическим обстоятельствам не мог вернуться. Из опер в России наибольшим успехом пользовались: "Калиф Багдадский", "Красная шапочка" и "Жан Парижский", весьма часто повторявшиеся в оперных репертуарах 30-х и 40-х годов XX века. Нередко шла и "Белая дама". "Немецкая опера", существовавшая в Санкт-Петербурге в 1834-1844, также часто ставила упомянутые оперы.
В Париже Буальдьё написал оперу "Jean de Paris", которая была представлена в 1812 г. и благодаря своей прелестной и свежей музыке имела громадный успех. В 1813 году Буальдье написал оперу: "La fete du village voisin", a в 1818 году вновь появилась весьма удачная опера: "Le chaperon rouge" (Красная шапочка). Следующие годы Буальдьё, вследствие расстроенного здоровья, жил в своем имении Жарси и мало занимался музыкой, продолжая, однако, исполнять обязанности по должности профессора композиции в Консерватории. Только в 1825 году вновь появился перед публикой с оперой "Dame blanche", одним из лучших и популярнейших его произведений. Она шла впервые в 1825 году на сцене Опера-Комик, после значительной обработки и нескольких переделок. Интересный сюжет, прекрасная оркестровка, полные поэтической прелести мотивы были восторженно оценены публикой.
Непомерные занятия в Консерватории, авторство, значительно утомлявшее его в силу привычки петь при сочинениях, и т. п. значительно ослабили его здоровье. Вдобавок, революция 1830 г. лишила его пенсии, и дела его значительно ухудшились. Не помогла и поездка в Пизу, и он скончался 8 октября 1834 года в Жарси, по дороге на юг Франции. Похоронен на Пер-Лашезе.
Творчество
Спойлер:
Высшим достижением Буальдьё явилась "Белая дама" (либр. Э. Скриба по мотивам романов "Гай Маннеринг" и "Монастырь" В. Скотта, 1825), положившая начало романтическому направлению в музыкально-театральном искусстве Франции. Партитура "Белой дамы" - свидетельство большого мастерства (в значительной мере - результат изучения и творческого претворения достижений Дж. Россини). В ней органично соединяются сочно написанные бытовые сцены, элементы фантастики (Буальдьё нашёл новые приёмы для её воплощения), местный колорит (события протекают в Шотландии). Музыкально-драматическое действие изобилует контрастными ситуациями, острыми кульминациями. "Белая дама" имела огромный и длительный успех. Восторженную оценку дал опере К. М. Вебер.
Сочинения
Спойлер:
"La fille coupable" (опера, 1793)
"Rosalie et Myrza" (опера, 1795)
"Les deux lettres" (комич. опера, 1796)
"La famille suisse" (комич. опера, 1797)
"Mombreuil et Merville" ("Le pari", 1797);
"L heureuse nouvelle" (1797)
"Зораима и Зюльнар" ("Zoraime et Zulnare", опера, 1798)
"La dot de Suzette" (1798)
"Les meprises Espagnoles" (1799)
"La prisonniere" вместе с Керубини (1799)
"Beniowsky" (1800)
"Калиф Багдадский" ("Le calife de Bagdad", опера, 1800)
"Тетушка Аврора" ("Ma tante Aurore", 1803)
"Le baiser et la quittance" (1803, вместе с Мегюлем, Крейцером и др.)
"Алина, королева Голкондская" («Aline reine de Golconde», 1804)
"Молодая сердитая женщина" ("La jeune femme colere", 1805)
"Любовь и тайна" ("Amour et mystere", водевиль, 1806)
"Абдерхан" ("Abderkan", 1806)
"Телемак на острове Калипсы" ("Calypso" или "Telemaque")
"Опрокинутые кареты" ("Les voitures versees", 1808 водевиль, позднее переделанный в комическую оперу)
"Un tour de soubrette" (водевиль)
"Женщина-невидимка" ("La dame invisible", 1808)
"Ничего лишнего или двое ширм" ("Rien de trop ou Les deux paravents", водевиль, 1810)
"Наина" (в сотрудничестве с Кавосом и Изуаром)
хоры к "Athalie"
"Жан Парижский" ("Jean de Paris", опера, 1812)
"Красная шапочка" ("Le chaperon rouge", опера, 1818)
"Белая дама" ("La dame blanche", опера, 1825)
"Две ночи" ("Deux nuits", опера, 1829)
"Новый помещик" ("Le nouveau seigneur de village", 1813)
"Bayard a Mezieres" (вместе с Керубини, Кателем и Николо Изуаром, его многолетним соперником)
"Les Bearnais";
"Henri IV en voyage" (1814, вместе с Крейцером)
"Angela" ("L atelier de Jean Cousin", 1814; вместе с г-жей Гай, ученицей Фетиса)
"La fete du village voisin"
"Charles de France" (вместе с Герольдом)
"La France et L’Espagne" (интермеццо)
"Blanche de Provence" ("La cour des fees", 1821; вместе с Керубини, Бертоном и др.)
"Les trois genres" (вместе с Обером)
"Pharamond" (вместе с Керубини, Бертоном и др.)
"La marquise de Brinvilliers" (с Бертоном и др., 1831)
Дата рождения: 13 января 1866 Место рождения: с. Воины, Мценский уезд, Орловская губерния Дата смерти: 11 января 1901 (34 года) Место смерти: Ялта Страна: Российская империя Профессии: композитор Эпоха: романтизм
Василий Сергеевич Калинников - русский композитор.
В. Калинников, талантливый русский композитор, жил и творил в 80-90-е гг. XIX в. Это было время высочайшего подъема русской культуры, когда создавал свои последние шедевры П. Чайковский, одна за другой появлялись оперы Н. Римского-Корсакова, произведения А. Глазунова, С. Танеева, А. Лядова, на музыкальном горизонте возникли ранние сочинения С. Рахманинова, А. Скрябина. Русская литература того времени блистала такими именами, как Л. Толстой, А. Чехов, И. Бунин, А. Куприн, Л. Андреев, В. Вересаев, М. Горький, А. Блок, К. Бальмонт, С. Надсон... И в этом могучем потоке зазвучал скромный, но удивительно поэтичный и чистый голос музыки Калинникова, сразу полюбившийся и музыкантам, и слушателям, покоривший искренностью, сердечностью, неизбывно-русской мелодической красотой. "Кольцовым русской музыки" назвал Калинникова Б. Асафьев.
Биография
Спойлер:
Печальная судьба выпала на долю этого композитора, умершего в самом расцвете творческих сил. "Шестой год борюсь с чахоткой, но она меня побеждает и медленно, но верно берет верх. А всему виною проклятые деньги! И болеть-то мне приключилось от тех невозможных условий, в которых приходилось жить и учиться".
Калинников родился в бедной многодетной семье станового пристава, интересы которой резко разнились с нравами захолустной провинции. Вместо карт, пьянства, сплетен - здоровый повседневный труд и музыка. Любительское хоровое пение, песенный фольклор Орловской губернии явились первыми музыкальными университетами будущего композитора, а живописная природа Орловщины, столь поэтично воспетая И. Тургеневым, питала фантазию и художественное воображение мальчика. Музыкальными занятиями Василия в детстве руководил земский врач А. Евланов, преподав ему основы музыкальной грамоты и научив играть на скрипке.
В 1884 г. Калинников поступил в Московскую консерваторию, но через год из-за отсутствия средств на оплату учебы перешел в музыкально-драматическое училище Филармонического общества, где можно было учиться бесплатно в классе духового инструмента. Калинников выбрал фагот, но главное внимание уделял урокам гармонии, которые вел С. Кругликов, разносторонне образованный музыкант. Посещал он также лекции по истории в Московском университете, выступал в обязательных для учеников училища оперных спектаклях, филармонических концертах. Приходилось думать и о заработке. Стремясь как-то облегчить материальное положение семьи, Калинников отказался от денежной помощи из дому, а чтобы не умереть с голоду, зарабатывал перепиской нот, грошовыми уроками, игрой в оркестрах. Конечно, уставал, и лишь письма отца поддерживали его морально.
Смерть отца в 1888 г. явилась для Калинникова тяжелым ударом. Первые сочинения - 3 романса вышли из печати в 1887 г. Один из них, "На старом кургане" (на ст. И. Никитина), сразу стал популярным. В 1889 г. состоялись 2 симфонических дебюта: в одном из московских концертов с успехом прозвучало первое оркестровое сочинение Калинникова - симфоническая картина "Нимфы" на сюжет тургеневского "Стихотворения в прозе", а на традиционном акте в Филармоническом училище он продирижировал своим Скерцо. С этого момента оркестровая музыка приобретает для композитора главный интерес. Воспитанный на песенно-хоровых традициях, до 12 лет не слышавший ни одного инструмента, Калинников с годами все больше испытывает влечение к симфонической музыке. Одно за другим появляются оркестровые произведения: Сюита (1889), заслужившая одобрение Чайковского; 2 симфонии (1895, 1897), симфоническая картина "Кедр и пальма" (1898), оркестровые номера к трагедии А. К. Толстого "Царь Борис" (1898). Однако композитор обращается и к другим жанрам - пишет романсы, хоры, фортепианные пьесы и среди них полюбившуюся всем "Грустную песенку". Он принимается за сочинение оперы "В 1812 году", заказанную С. Мамонтовым, и завершает пролог к ней.
Композитор вступает в период наивысшего расцвета творческих сил, но именно в это время начинает прогрессировать открывшийся несколько лет назад туберкулез. Калинников стойко сопротивляется пожирающему его недугу, рост духовных сил прямо пропорционален угасанию сил физических.
Особенно замечательна Первая симфония, вызывающая в памяти вдохновенные страницы чеховской лирико-пейзажной прозы, тургеневское упоение жизнью, природой, красотой. С большим трудом с помощью друзей Калинникову удалось добиться исполнения симфонии, но стоило ей прозвучать впервые в концерте Киевского отделения РМО в марте 1897 г., как началось ее триумфальное шествие по городам России и Европы. Блестящий успех выпал и на долю Второй симфонии, произведения яркого, жизнеутверждающего, написанного широко, с размахом.
В октябре 1900 г. за 4 месяца до смерти композитора в издательстве Юргенсона вышли партитура и клавир Первой симфонии, доставив много радости композитору. Издатель, правда, ничего не заплатил автору. Полученный им гонорар был мистификацией друзей, которые вместе с Рахманиновым собрали необходимую сумму по подписке. Калинников вообще несколько последних лет вынужден был существовать исключительно на пожертвования близких, что для него, весьма щепетильного в денежных делах, являлось тяжелым испытанием. Но упоение творчеством, вера в жизнь, любовь к людям как-то поднимали его над унылой прозой житейских будней. Скромный, стойкий, доброжелательный человек, лирик и поэт по натуре - таким вошел он в историю нашей музыкальной культуры.
Скончался 11 января 1901, похоронен на Поликуровском кладбище в Ялте. На надгробном памятнике высечены ноты главной темы его первой симфонии g-moll.
Творчество
Спойлер:
Стиль Калинникова продолжает традиции русской музыкальной классики (композиторов "Могучей кучки" и П. И. Чайковского). Наиболее известное сочинение Калинникова - Первая симфония g-moll, написанная в 1895 году и посвящённая Кругликову. Впервые исполненная на концерте Русского музыкального общества в Киеве, она имела огромный успех и вскоре прочно вошла в репертуар как отечественных, так и зарубежных оркестров.
Сочинения
Спойлер:
Основные произведения композитора:
Пролог к неоконченной опере "В 1812 году" (1899-1900)
Музыка к драме А. К. Толстого "Царь Борис" (1898)
Оркестровые произведения
Симфония № 1 g-moll (1894-1895)
Симфония № 2 A-dur (1895-1897)
Интермеццо № 1 fis-moll (1896)
Интермеццо № 2 G-dur (1897)
Фуга d-moll (1889)
"Нимфы", симфоническая картина по Тургеневу (найдена в 1951)
"Былина", увертюра (1892)
"Кедр и пальма", симфоническая картина по Гейне (1897-1898)
"Царь Борис" (1899)
Вокальные и хоровые сочинения
Романсы для голоса и фортепиано на стихи Пушкина, Плещеева, Фофанова и других поэтов.
Хоры a capella и с сопровождением оркестра.
Дата рождения: 10 сентября 1714 Место рождения: Аверса, Казерта, Кампания, Италия Дата смерти: 25 августа 1774 (59 лет) Место смерти: Неаполь, Италия Страна: Италия Профессии: композитор, музыковед Эпоха: романтизм
Никколо Йоммелли - итальянский композитор.
Итальянский композитор, представитель неаполитанской оперной школы. Написал свыше 70 опер, среди них наиболее известны "Меропа" (1741, Венеция), "Артаксеркс" (1749, Рим), "Фаэтон" (1753, Штутгарт). Композитора иногда называют "итальянским Глюком", т. к. он во многом шел тем же путем, что и Глюк, пытаясь преобразовать традиционную оперу-сериа. Интерес к творчеству композитора сохраняется и поныне. В Ла Скала в 1988 поставлена опера "Фаэтон".
Биография
Спойлер:
Никколо Йоммелли родился близ Неаполя, в городке Аверса в регионе Кампания. Начал заниматься музыкой под руководством церковного регента в Аверсе. Учился в одной из неаполитанских консерваторий у Ф. Дуранте. Позднее его учителями по композиции стали Л. Лео, Дж. Мартини. С 1725 учился в консерватории "Сант-Онофрио" (Неаполь) у Ф. Фео, в 1728 перешёл в консерваторию "Делла Пиета деи Туркини", где испытал влияние Л. Лео.
Первую оперу - "Любовная ошибка" - Йоммелли написал в 1737 г., однако она была представлена на суд слушателей под именем одного малоизвестного музыканта (Валентине). Опера имела успех, и второе оперное творение ("Одоардо", 1738) композитор выпустил под собственным именем. Постепенно оперы Йоммелли завоевывают широкую известность. В 1741-47 он был директором консерватории "Инкурабили" в Венеции. В последующие годы работал помощником руководителя папской капеллы в Риме. Написал несколько опер для придворного театра в Вене.
С 1749 г. Йоммелли становится капельмейстером собора Святого Петра в Риме, а в 1753 переезжает в Штутгарт, являвшийся одним из очагов передовых реформаторских течений в музыкальном театре, и занимает должность придворного капельмейстера герцога Вюртембергского. Здесь сформировался зрелый, самостоятоятельный стиль Йоммелли как оперного композитора.
Возвратившись в Неаполь (1769), Йоммелли пишет оперы "Триумф Клелии" (1774), "Ифигения в Тавриде" (1771), отмеченные высокими художественными достоинствами. Однако успеха они не имели, и это обстоятельство ускорило, по-видимому, кончину композитора. Незадолго до смерти Йоммелли написал знаменитое "Miserere" для двух сопрано с оркестром. Всего перу композитора принадлежит 55 опер (по др. источникам, более 70), оратории, магнификаты, гимны, мессы, кантаты, множество двухорных композиций.
В своих ранних произведениях Йоммелли выступил как типичный представитель неаполитанской школы; в его операх мастерское использование возможностей человеческого голоса приходит в противоречие со статической драматургией. После пребывания в Германии, под воздействием музыки немецких композиторов, оперы Йоммелли приобретают новые черты и становятся содержательнее. В его ариях меньше чисто виртуозных эпизодов, гармонии делаются более интересными. Однако новый стиль творчества Йоммелли не пришелся по вкусу итальянской публике, и композитор уже не имел прежнего успеха. Но именно последние его оперы ("Фаэтон" - 2-я ред. постановка 1768г., "Армида" - постановка 1770г. и др.) по своему мастерству, ярко выраженному мелодическому началу, более насыщенному оркестровому сопровождению выделяются среди опер доглюковского периода. Большая часть опер Йоммелли написана на либретто П.Метастазио. Не задолго до смерти Йоммелли написал одно из самых своих известных произведений - "Мизерере" для 2 сопрано в сопровождении оркестра.
Подпав под влияние немецкой музыки, Йоммелли написал около 30 опер в этом направлении, которые имели большой успех в Германии. В это время в Италии он был практически забыт, хотя в 1750 году в Неаполе в его "Дидоне" блестяще солировала Катарина Фатта-Габриелли, что принесло ей европейскую славу и она была приглашена к венкому двору. Творческому развитию Йоммелли способствовали его связи с Мангеймом, а также знакомство с французской театральной музыкой. В 1769 он вернулся в Неаполь, но его новаторство не было признано соотечественниками. Последние годы жизни провёл в уединении в Аверсе.
Никколо Йоммелли умер 25 августа 1774 года в городе Неаполе.
Творчество
Спойлер:
Йоммелли - один из виднейших представителей неаполитанской оперной школы середины XVIII в. Он усилил драматургическое значение оперных ансамблей и хоровых сцен, ввел новые приемы оркестровки, старался избежать столь модных в ту эпоху виртуозных эпизодов в ариях, иными словами, уделил особое внимание содержательности оперного действия. Все это позволило современникам назвать Йоммелли "итальянским Глюком". В его творчестве проявились тенденции, близкие оперной реформе Глюка и отчасти подготовившие её. Не изменяя традиц. форм оперы-сериа, Йоммелли стремился придать им большую гибкость и соответствие драматическому действию. Он отводит важное место аккомпанированному речитативу, усиливает драматургическую роль хора и оркестра, усложняет гармоничный язык и фактуру своих опер. Для его музыки характерна строгая, возвышенная патетика. Наряду с операми-сериа он писал также комические оперы и интермедии, но не внёс крупного вклада в развитие этих жанров. Одна из его интермедий "Дон Фальконе" шла в Петербурге (1779). Оратории Йоммелли, отличающиеся развёрнутой музыкальной драматургией, по стилю близки к его операм серьёзного жанра.
Сочинения
Спойлер:
оперы (более 70), в т.ч. Ричимеро, король готов (Ricimero, re de goti, 1740, театр "Арджентина", Рим), Астианатт (1741, там же), Меропа (1741, Венеция; 2-я ред. 1749, Вена), Узнанная Семирамида (Semiramide riconoesciuta, 1741, театр "Сан-Джованни", Турин), Аэций (Ezio, 1741, театр "Мальвецци", Болонья; 2-я ред. 1748, Неаполь; 3-я ред. 1749, Вена; под назв. Андромаха, 1755, Лондон), Демофонт (1743, театр "Обицци", Падуя), Покинутая Дидона (La Didone abbandonata, 1746, театр "Арджентина", Рим; 2-я ред. 1749, Вена; 3-я ред. 1763, Штутгарт), Ахилл на Скиросе (1749, "Бургтеатр", Вена), Артаксеркс (1749, театр "Арджентина", Рим; 2-я ред. 1756, Штутгарт), Покинутая Армида (Armida abbandonata, 1750, Рим; 2-я ред. 1770, театр "Сан-Карло", Неаполь), Гипермнестра (1751, Сполето), Ифигения в Авлиде (1751, театр "Арджентина", Рим), Баязет (1753, театр "Реджо", Турин), Фаэтон (Fetonte, 1753, Штутгарт; 2-я ред. 1768, Людвигсбург; изд. в серии "Памятники музыкального искусства в Германии", Lpz., 1907), Милосердие Тита (La clemenza di Tito, 1753, театр "Опернхауз", Штутгарт; 2-я ред. 1771), Луций Вер (1753, пост. 1754, театр "Дукале", Милан), Олимпиада (1761, пост. "Опернхауз", Штутгарт, хореограф Ж. Новер), Ифигения в Тавриде (1771, театр "Сан-Карло", Неаполь), Триумф Клелии(1774, театр "Ажуда", Лисабон); балетные дивертисменты; оратории - Исаак (1742, Неаполь), Освобождённая Вефулия (Betulia liberata, 1743, там же), Страсти Иисуса Христа (1749, Рим; в 1779 исп. в Петербурге), Жертвоприношение Авраама (Il sacrificio d'Abramo, 1750, Рим, 1761, Милан), Рождество девы Марии (La Nativita di Maria Vergine, 1759, Болонья) и др.; церк. музыка, в т.ч. Miserere (1774); духовные и светские кантаты, симфонии, увертюры и др.
Дата рождения: 10 июня 1913 Место рождения: Елец, Орловская губерния, Российская империя Дата смерти: 14 августа 2007 (94 года) Место смерти: Москва, Россия Страна: Российская империя, СССР, Россия Профессии: композитор, кинокомпозитор, педагог Эпоха: неоклассицизм-неоромантизм
Тихон Николаевич Хренников - советский и российский композитор, пианист, музыкально-общественный деятель, педагог, профессор. Председатель Правления Союза композиторов СССР в 1948-1991 гг.
"О чем я пишу? О любви к жизни. Я люблю жизнь во всех ее проявлениях и высоко ценю в людях жизнеутверждающее начало". В этих словах - главное качество личности замечательного советского композитора, пианиста, крупного общественного деятеля.
В молодости, будучи студентом консерватории, Хренников написал в одном из писем: "Сейчас обратили внимание на повышение культурного уровня... Мне страшно хочется заняться... большой общественной работой именно в этом направлении". Слова оказались пророческими. В 1948 г. Хренников был избран Генеральным, с 1957 г. - первым секретарем правления Союза композиторов СССР.
Биография
Спойлер:
Тихон Хренников родился в Ельце (ныне Липецкая область) десятым ребёнком в купеческой семье; мать - Варвара Васильевна - домохозяйка.
Увлёкся музыкой во время пребывания в Ельце пианиста и композитора В. П. Агаркова, ученика пианиста К. Н. Игумнова, стал заниматься с Анной Федоровной Варгуниной. Зимой 1927-1928 прибыл в Москву и показал свои произведения Агаркову, который отнёсся к нему с симпатией и посоветовал сначала закончить среднее образование в Ельце, а затем учиться в Москве. Весной 1929 года окончил школу-девятилетку; написав письмо Михаилу Гнесину и получив положительный ответ, поступил в число студентов музыкального техникума им. Гнесиных, который окончил 1932 году. В 1936 году окончил Московскую консерваторию, ученик В. Я. Шебалина и Г. Г. Нейгауза. В 1933 году был приглашён работать в Московский детский театр, которым руководила Н. И. Сац. В 1941 году заведовал музыкальной частью театра Красной Армии.
В 1939 году написал оперу "В бурю" (1939), которая стала "первым успешным опытом претворения в музыке революционной темы". Уже в 1930-е гг. Хренников вошёл в официальную обойму советских композиторов, представляя "композиторскую молодёжь".
После смерти И. В. Сталина Хренников сохранил свои позиции и оставался на протяжении более 40 лет единственным руководителем советской музыки. В это время Хренников написал оперы "Мать" (1957), "Золотой телёнок" (1985), балеты "Любовью за любовь" (1976), "Гусарская баллада" (1979), оперетту "Сто чертей и одна девушка" (1963) и т. д. Поддерживал "партийную линию" в музыке, участвовал в гонениях на композиторов, в том числе Софию Губайдулину. Замалчиванию или систематическим нападкам подвергалось наследие русского авангарда, а также его исследователи. Так, многие годы третировался немецкий публицист Детлеф Гойовый (1934-2008), пропагандировавший на Западе "новую советскую музыку 20-х гг.".
С 1961 года преподавал в МГК имени П. И. Чайковского (с 1966 года - профессор).
Умер 14 августа 2007 года в Москве. Похороны прошли в Ельце 17 августа 2007 года. Ещё за несколько месяцев до своей кончины Тихон Николаевич говорил о том, что хотел бы быть похоронен в Ельце, в городе, где он родился, который он очень любил, где были похоронены его родители. Администрация города, посоветовавшись с внуком и дочерью композитора, решила похоронить его в саду его собственного дома-музея, где он родился. По завещанию Хренникова на его могиле был установлен православный крест, однако недалеко от могилы был установлен бюст Хренникова работы Льва Кербеля.
Творчество
Спойлер:
Песенность стала основой музыкального стиля композитора, а театральность во многом определила принципы музыкального развития. Музыкальные темы-образы в его произведениях легко трансформируются, свободно подчиняются законам различных жанров - будь то опера, балет, симфония, концерт. Этой способностью к всевозможным метаморфозам объясняется и такая характерная черта творчества Хренникова, как неоднократное возвращение к одному и тому же сюжету и, соответственно, музыке в различных жанровых вариантах. Например, на основе музыки к спектаклю "Много шума из ничего" создается комическая опера "Много шума из-за... сердец" (1972) и балет "Любовью за любовь" (1982); музыка к спектаклю "Давным-давно" (1942) возникает в фильме "Гусарская баллада" (1962) и в одноименном балете (1979); музыка к кинофильму "Дуэнья" (1978) используется в опере-мюзикле "Доротея" (1983).
Награды и звания
Спойлер:
Премии
Сталинская премия второй степени (1942) - за музыку к к/ф "Свинарка и пастух" (1941)
Сталинская премия второй степени (1946) - за музыку к к/ф "В шесть часов вечера после войны" (1944)
Сталинская премия второй степени (1952) - за музыку к к/ф "Донецкие шахтёры" (1950)
Государственная премия СССР (1967) - за цикл инструментальных концертов (концерт для скрипки с оркестром, концерт для виолончели с оркестром)
Ленинская премия (1974) - за 2-й концерт для фортепиано с оркестром
Государственная премия РСФСР имени М. И. Глинки (1979) - за 2-й концерт для скрипки с оркестром
Премия Президента Российской Федерации (2003)
Звания
Народный артист СССР (1963)
Народный артист РСФСР (1954)
Заслуженный артист РСФСР (1950)
Награды
Герой Социалистического Труда (1973)
Четыре ордена Ленина (1963, 1971, 1973, 1983)
Два ордена Трудового Красного Знамени (1966,1988)
Орден Почёта (1998)
Медаль "За доблестный труд в Великой Отечественной войне 1941-1945 гг." (1946)
Медаль "За оборону Москвы" (1946)
Медаль "За победу над Германией в Великой Отечественной войне 1941-1945 гг." (1946)
Медаль "В память 800-летия Москвы" (1947)
Медаль "Двадцать лет победы в Великой Отечественной войне 1941-1945 гг." (1965)
Медаль "Тридцать лет Победы в Великой Отечественной войне 1941-1945 гг." (1975)
Медаль "Сорок лет Победы в Великой Отечественной войне 1941-1945 гг." (1985)
Медаль "Ветеран труда" (1995)
Медаль "50 лет Победы в Великой Отечественной войне 1941-1945 гг." (1995)
Медаль «В память 850-летия Москвы» (1997)
Медаль "60 лет Победы в Великой Отечественной войне 1941-1945 гг." (2005)
Медаль "За укрепление боевого содружества"
Международные награды и звания
19?? - Нагрудный знак "За заслуги перед польской культурой" (Польша)
19?? - Медаль "Дружба" (Монголия)
1959 - Серебряная медаль Всемирного совета мира
1968 - Орден "Кирилл и Мефодий" 1-й степени (НРБ)
1970 - Член-корреспондент немецкой академии искусств (ГДР)
1970 - Медаль "25 лет Народной власти"
1976 - Академик Тиберийской академии (Италия)
1977 - Премия Международного музыкального совета ЮНЕСКО
1981 - Член "Золотого легиона" (Италия)
1982 - Медаль "100 лет со дня рождения Георгия Димитрова" (1882-1982) (Болгария)
1983 - Орден "Звезда дружбы народов" (ГДР)
1984 - Академик Академии Санта-Чечилия (Италия)
1985 - Орден "За культурные заслуги" (Румыния)
1985 - Медаль Рихарда Штрауса (ГДР)
1994 - Офицер Ордена искусств и литературы (Франция)
2003 - Медаль Моцарта ЮНЕСКО
Награды и премии общественных и иных организаций
1963 - Почётный знак 1-й степени городского совета Софии (Болгария)
1965 - Почётный гражданин города Русе (Болгария)
1969 - Почётная медаль "Борец за мир" Советского комитета защиты мира
1972 - Почётный гражданин города Бургас (Болгария)
1972 - Почётный гражданин города Елец
1972 - Ветеран 4-й гвардейской танковой армии
1980 - Медаль "За вклад культуры и искусства в развитие Чехословацко-советской дружбы" (ЧССР)
1980 - Медаль имени А. В. Александрова
2000 - Памятный знак Академии управления МВД РФ
2002 - Премия МВД РФ
2002 - Почётная премия РАО "За вклад в развитие науки, культуры и искусства"
2003 - Медаль "Достойному" Российской академии художеств
2003 - Премии "Российский национальный Олимп" (Орден "За честь и доблесть" и нагрудный знак "Золотой Олимп")
2004 - Почётный гражданин Липецкой области
2004 - Рубиновый крест Благотворительного фонда "Меценаты столетия"
2005 - Медаль "За особый вклад в развитие Кузбасса" 1-й степени
2005 - Общественная премия "Патриот Москвы"
2006 - Орден миротворца 1-й степени Всемирного благотворительного альянса "Миротворец".
Приз "Золотой диск" фирмы "Мелодия"
Награды кинофестивалей
1951 - Большая премия за к/ф "Кавалер Золотой Звезды" (VI МКФ в Карловых Варах)
1954 - Большая премия за к/ф "Верные друзья" (VIII МКФ в Карловых Варах)
1959 - Премия "Золотой парус" за к/ф "Капитанская дочка" (XII МКФ в Локарно)
2001 - Приз за лучшую музыку к к/ф "Два товарища" (КФ "Литература и кино" в Гатчине)
Сочинения
Спойлер:
Оперы
"В бурю", в 4-х актах, на либретто А. М. Файко по роману "Одиночество" Н. Е. Вирты, 1939, 2-я редакция - 1952;
"Фрол Скобеев" ("Безродный зять"), в 4-х актах, на либретто С. Ценина по мотивам "Комедии о российском дворянине Фроле Скобееве" Д. Аверкиева, 1950, 2-я редакция - 1966;
"Мать", в 4-х актах, на либретто А. М. Файко по одноименному роману М. Горького, 1957;
"Мальчик-великан", в 3-х актах, для детей, на либретто Натальи Сац и Николая Шестакова по пьесе "Мик" Н. Шестакова, 1969;
"Много шума из-за… сердец", в 2-х актах, на либретто Бориса Покровского по мотивам комедии В. Шекспира "Много шума из ничего", 1972;
"Доротея", в 2-х актах, на либретто Я. Халецкого по пьесе Р. Шеридана "Дуэнья", 1983;
"Золотой телёнок", в 2-х актах, на либретто Я. Халецкого по мотивам одноименного романа И. Ильфа и Е. Петрова, 1984;
"Голый король", в 2-х актах, по одноимённой пьесе Е. Шварца, 1988.
Балеты
"Наш двор", одноактный, для детей, 1970
"Любовью за любовь", в 2-х актах, на либретто Веры Боккадоро и Бориса Покровского по мотивам комедии "Много шума из ничего" Шекспира, 1976;
"Гусарская баллада", в 3-х актах, на либретто Олега Виноградова по мотивам пьесы "Давным-давно" А. Гладкова, 1979;
"Наполеон Бонапарт", в 2-х актах, на либретто А. Белинского и А. Петрова по мотивам исторической хроники, 1995;
"Капитанская дочка", в 2-х актах, на либретто В. Бутримовича по одноименной повести А. С. Пушкина, 1999.
Оперетты
"Сто чертей и одна девушка" (1963),
"Белая ночь" (1967);
"Чудеса, да и только!", мюзикл в 2-х действиях для детей (2001)
"В 6 часов вечера после войны", мюзикл (2003) Для оркестра
симфония № 1 (1935)
симфония № 2 (1942, 2-я ред. 1944)
симфония № 3 (1974)
вальс "Татьянин день" к 250-летию МГУ им. Ломоносова (2004)
Сюиты
сюита из музыки к спектаклю "Мик" для малого симфонического оркестра и голоса (1934)
сюита из музыки к спектаклю "Много шума из ничего" (1936)
сюита из музыки к спектаклю "Дон Кихот"
сюита из музыки к балету "Любовью за любовь" (1982)
сюита из музыки к балету "Гусарская баллада" (1983)
Концерты
для фортепиано с оркестром № 1 (1933)
для фортепиано с оркестром № 2 (1972; Ленинская премия)
для фортепиано с оркестром № 3 (1983)
для фортепиано и струнного оркестра с ударными № 4 (1991)
для скрипки с оркестром № 1 (1959)
для скрипки с оркестром № 2 (1975)
для виолончели с оркестром № 1 (1964)
для виолончели с оркестром № 2 (1986)
Для инструментов
Соната для скрипки и виолончели (1932)
5 пьес для фортепиано (1933),
3 пьесы для фортепиано (1935);
3 пьесы для скрипки и фортепиано (1978);
струнный квартет № 1 (1989)
соната для виолончели и фортепиано (1989)
5 пьес для духовых деревянных инструментов (1990)
струнный квартет № 2 (1993)
6 детских пьес для фортепиано (2002)
Для хора
3 поэмы для хора без сопровождения на стихи Н. А. Некрасова (1971);
для хора с сопровождением - "Есть на севере хороший городок" (сл. В. М. Гусева, 1942), "Уральцы бьются здорово" (сл. А. Л. Барто, 1942) и др.;
3 поэмы для хора a capella на стихи А.Некрасова (1990)
"Живи, Елец!" для хора и фортепиано (1996)
хор "Вечерняя заря" на слова Л.Модзалевского (2001)
Вокальные
"Колыбельная" на слова М.Лермонтова для голоса и фортепиано (1929)
Вокализ для сопрано и струнного квартета (1932)
дуэт "Тришкин кафтан" для мужского и женского голосов и фортепиано (1934)
романс "Березка" на стихи С.Есенина для голоса и фортепиано (1935)
для голоса с фортепиано - 3 романса на стихи А. С. Пушкина (1935),
3 сонета В. Шекспира для голоса и фортепиано (1988)
5 романсов на стихи И.Бунина (1992)
2 дуэта на стихи средневекового армянского поэта Наапета Кучука (перевод Г.Митина) для сопрано и тенора (2000)
Песни
"Берёзка" (сл. С. А. Есенина, 1935),
"Песня о московской девушке", "Песня о дружбе" (обе на сл. А.Барто, 1941),
"Серенада" (сл. П. Г. Антокольского, 1941),
"Прощание" (сл. Б. Кравченко, 1942),
"Новогодняя песня" (сл. В. М. Гусева, 1942),
5 песен на стихи Р. Бёрнса в пер. С. Я. Маршака (1944),
"Песня о песне" (сл. В. Тихонова, 1944),
"Поезд идёт всё быстрей" (сл. А. А. Коваленкова, 1947),
"Студенческая" (сл. М. А. Светлова, 1947),
"Лодочка", "Мы вам расскажем", "Что так сердце растревожено", "Песенка верных друзей" (все на сл. М. Л. Матусовского, 1954),
"Московские окна" (сл. М. Л. Матусовского, 1962) и др.;
3 песни на стихи Ю.Энтина для голоса и фортепиано (2002);
"Песня кроликов" на слова В.Рябова для голоса и фортепиано (2003).
Музыка к спектаклям
"Мик" Шестакова (1934, Московский театр для детей),
"Много шума из ничего" Шекспира (1936, Театр им. Е. Б. Вахтангова, Москва),
"Без вины виноватые" A. H. Островского (1937, там же),
"Шёл солдат с фронта" Катаева ("Я сын трудового народа", 1938, там же),
"Романтики" Ростана (1940, Центральный детский театр, Москва),
"Дон Кихот" Булгакова (по М. Сервантесу, 1941, Театр им. Е. Б. Вахтангова),
"Давным-давно" Гладкова (1942, Центральный театр Красной Армии, Москва),
"Концерт" Файко (1936, Московский театр Революции),
"День рождения" бр. Тур (1945, ЦТКА),
"Умные вещи" Маршака (1965, Малый театр) и др.
Музыка к фильмам
2001 - "Московские окна"
2000 - "Два товарища"
1993 - "Люблю" (короткометражный) (песни)
1989 - "Маша и три медведя" (короткометражный)
1983 - "Умные вещи" (фильм-спектакль)
1983 - "Любовью за любовь"
1982 - "Операция на сердце" (фильм-спектакль)
1982 - "Любимые песни" (короткометражный)
1980 - "Копилка"
1979 - "Антарктическая повесть"
1978 - "Дуэнья"
1978 - "Время выбрало нас"
1976 - "Додумался, поздравляю!"
1973 - "Таланты и поклонники" (совместно с А. Чайковским)
1972 - "Вера, Надежда, Любовь"
1972 - "Руслан и Людмила"
1969 - "Трое" (Текст песен М. Л. Матусовского)
1967 - "Пароль не нужен"
1964 - "Товарищ Арсений"
1962 - "Гусарская баллада"
1958 - "Капитанская дочка"
1956 - "Много шума из ничего"
1954 - "Верные друзья"
1950 - "Кавалер Золотой Звезды"
1950 - "Донецкие шахтеры"
1947 - "Поезд идёт на восток"
1944 - "В шесть часов вечера после войны"
1941 - "Свинарка и пастух"
1938 - "Борьба продолжается"
1926 - "Мать"
Дата рождения: 9 февраля 1885 Место рождения: Вена Дата смерти: 24 декабря 1935 (50 лет) Место смерти: Вена Страна: Австрия Профессии: композитор Эпоха: классицизм
Альбан Берг - австрийский композитор и музыкальный критик. Один из виднейших представителей музыкального экспрессионизма и Нововенской композиторской школы
А. Берг - один из классиков музыки XX в., принадлежал к так называемой нововенской школе, сложившейся в начале столетия вокруг А. Шёнберга, куда входили также А. Веберн, Г. Эйслер и др. Берга, как и Шёнберга, принято относить к направлению австро-немецкого экспрессионизма (причем к его наиболее радикальной ветви) благодаря его поискам крайней степени выразительности музыкального языка. Оперы Берга в связи с этим называли "драмами крика".
Берг явился одним из характерных выразителей ситуации своего времени - трагически-кризисного состояния буржуазного общества периода первой мировой войны и годов, предшествующих наступлению в Европе фашизма. Его творчеству присущи социально-критический настрой, обличение цинизма буржуазных нравов, подобно фильмам Ч. Чаплина, острое сочувствие "маленькому человеку". Ощущение беспросветности, тревоги, трагизма типично для эмоциональной окраски его сочинений. Вместе с тем Берг - вдохновенный лирик, сохранивший в XX в. романтический культ чувства, в такой степени свойственный прошедшему XIX столетию. Волны лирических нарастаний и спадов, широкое дыхание большого оркестра, заостренная экспрессия струнных инструментов, интонационная напряженность, пение, насыщенное множеством выразительных нюансов, составляют специфику звучания его музыки, и эта полнота лирики противостоит безнадежности, гротеску и трагизму.
Биография
Спойлер:
Берг родился в Вене в семье коммерсанта из Нюрнберга. Он рано проявил музыкальную одарённость (около 1900 года начал сочинять музыку). Систематического музыкального образования не получил - с 1904 по 1910 год брал уроки теории музыки и композиции у Арнольда Шёнберга, который стал его единственным учителем и основным авторитетом в музыке.
В 1911-15 гг. Берг работал корректором в крупном венском издательстве "Universal Edition", помогал Шёнбергу (делал для него аранжировки и переложения, составлял путеводители к его сочинениям и т.п.). Первое стилистически индивидуальное сочинение Берга - "Пять песен на тексты к почтовым открыткам П. Альтенберга", op.4. Венская премьера этого цикла, которая состоялась 31 марта 1913 года, сопровождалась общественными беспорядками (даже с привлечением полиции) и вошла в историю (наряду с премьерой "Весны священной" И.Ф. Стравинского) как один из самых громких музыкальных скандалов XX века. Шёнберг критически отзывался о новых сочинениях Берга (хотя и дирижировал ими), что подрывало веру Берга в собственные творческие силы.
Отслужив в армии, с 1919 года сотрудничал в венском журнале "Anbruch"; в 1918-21 гг. также работал в руководимом Шёнбергом "Обществе закрытых музыкальных исполнений", где отвечал за репетиционный процесс и составление репертуара концертов.
Всемирную известность Бергу принесла опера "Воццек" (по пьесе "Войцек" Георга Бюхнера), которую он писал в течение нескольких лет (окончена в 1922). Мировая премьера "Воццека" (Берлин, 14 декабря 1925) состоялась благодаря активному участию Эриха Клайбера. Финансовую поддержку Бергу (в печатании партитуры) оказала Альма Малер, которой композитор посвятил оперу. Берлинская премьера "Воццека" вызвала большой общественный резонанс: в течение семи лет "Воццек" был поставлен 23 раза на оперных сценах Европы и Америки. В 1927 году с успехом опера была дана в Ленинграде, в присутствии композитора (первый и единственный визит Берга в СССР). До конца 1936 года "Воццек" был поставлен в 29 городах 166 раз на немецком, чешском, русском и французском языках. Ныне "Воццек" - классический пример оперы XX века.
С 1928 до конца жизни Берг работал над оперой "Лулу" (по драмам Ф. Ведекинда "Дух земли" и "Ящик Пандоры"). Он полностью сочинил музыку и нотировал её в клавире, но не закончил оркестровку. Эстетическая концепция "Лулу", в центре которой находится фигура притягательной и порочной "роковой женщины", восходит к эпохе венского декаданса. Драматургия "Лулу", основанная на гибко трактованном принципе симметрии, воплощённом в идее парных ролей и разветвлённой системе реминисценций, проявляет себя без искажений лишь в полной трёхактной её версии. При подготовке премьеры вдова Берга Елена обращалась с просьбой оркестровать клавир III акта к Шёнбергу, Веберну и Цемлинскому, но те отказали ей, сославшись на недостаток времени. В результате на премьере (Цюрихcкая опера, 1937) были исполнены только первые 2 акта и оркестровый фрагмент 3 акта. Успех постановки убедил вдову, что и в таком виде опера годится для исполнения. По этой причине в дальнейшем Елена Берг препятствовала попыткам музыкантов довести партитуру до конца. Лишь после её смерти полная версия "Лулу" (в редакции чешского композитора Ф. Церхи), наконец, увидела свет.
Берг скоропостижно скончался от заражения крови. Похоронен в Вене, на Хитцингском кладбище (рядом с дворцом Шёнбрунн).
Творчество
Спойлер:
Творческое наследие Берга (помимо опер) невелико по объёму. Наиболее известное инструментальное сочинение - Концерт для скрипки с оркестром (1935). Концерт посвящён "Памяти ангела" - Манон Гропиус, рано умершей дочери Альмы Малер. Впервые исполненная в 1936 году (солист Луи Краснер, дирижировал Веберн) эта музыка воспринималась как реквием по композитору. Среди других сочинений - Камерный концерт для фортепиано и скрипки в сопровождении 13 духовых инструментов (1925), Лирическая сюита для струнного квартета (1926, тайная программа содержит драматическую историю любви автора к Х. Фукс-Робеттин) и концертная ария "Вино" для меццо-сопрано с оркестром (на стихи Ш. Бодлера; 1929).
Творчество Берга оказало огромное влияние на композиторов XX в. и, в частности, на советских - Д. Шостаковича, К. Караева, Ф. Караева, А. Шнитке и др.
Сочинения
Спойлер:
Семь ранних песен для голоса среднего регистра и фортепиано (1905-1908; 2-я ред. для сопрано с оркестром, 1928)
Nacht (Carl Hauptmann)
Schilflied (Nicolaus Lenau)
Die Nachtigall (Theodor Storm)
Traumgekront (Rainer Maria Rilke)
Im Zimmer (Johannes Schlaf)
Liebesode (Otto Erich Hartleben)
Sommertage (Paul Hohenberg)
Соната для фортепиано, op. 1 (1907-1908)
Четыре песни (нем. Vier Lieder) для голоса и фортепиано, op. 2 (1909-1910)
Schlafen, schlafen (Friedrich Hebbel)
Schlafend trogt man mich (Albert Mombert)
Nun ich der Riesen Starksten uberwand (Albert Mombert)
Warm die Lufte (Albert Mombert)
Струнный квартет, op. 3 (1910)
Пять песен для сопрано и оркестра на тексты Петера Альтенберга, op. 4 (1912)
Seele, wie bist du schoner
Sahst du nach dem Gewitterregen den Wald
Uber die Grenzen des All
Nichts ist gekommen
Hier ist Friede
Четыре пьесы для кларнета и фортепиано, op. 5 (1913)
Massig
Sehr langsam
Sehr rasch
Langsam
Три пьесы для оркестра, op. 6 (1914-1915)
Praludium
Reigen
Marsch
"Воццек" (нем. Wozzeck), op. 7, опера (1917-1922)
Три пьесы из оперы "Воццек" для сопрано и оркестра (1924)
Камерный концерт для фортепиано, скрипки, и духовых (1923-1925)
Адажио для скрипки, кларнета и фортепиано (опубл. в 1956; авторская обработка второй части камерного концерта)
Schliesse mir die Augen beide (Theodor Storm) для голоса и фортепиано (1925)
Лирическая сюита (нем. Lyrische Suite) для струнного квартета (1925-1926)
Три пьесы из лирической сюиты для струнного оркестра (1929)
"Вино", концертная ария на стихи Шарля Бодлера (1929)
Четырёхголосный канон "Alban Berg an das Frankfurter Opernhaus" (1930)
"Лулу" (нем. Lulu), опера (1929-1935, не завершена; третий акт завершен Фридрихом Церхой)
"Лулу - сюита" для сопрано и оркестра (1935)
Концерт для скрипки с оркестром (1935)
Дата рождения: 20 апреля 1881 Место рождения: Новогеоргиевск (Модлин), Российская империя Дата смерти: 8 августа 1950 (69 лет) Место смерти: Москва, РСФСР, СССР Страна: Российская империя, СССР Профессии: композитор, педагог, музыкальный критик Эпоха: неоклассицизм
Николай Яковлевич Мясковский - русский композитор, педагог и музыкальный критик, доктор искусствоведения, профессор. Один из крупнейших симфонистов первой половины XX века.
Мясковский - старейший представитель советской музыкальной культуры, находившийся у самых ее истоков. "Пожалуй, ни на ком из советских композиторов, даже самых сильных, самых ярких, не останавливается мысль с ощущением столь стройной перспективности творческого пути из живого прошлого русской музыки через бурно пульсирующее настоящее к предвидениям будущего, как на Мясковском", - писал Б. Асафьев. В первую очередь это относится к симфонии, которая прошла в творчестве Мясковского большой и сложный путь, стала его "духовной летописью". Симфония отразила раздумья композитора о современности, в которой были бури революции, гражданская война, голод и разруха послевоенных лет, трагические события 30-х гг. Жизнь вела Мясковского через тяжелые невзгоды Великой Отечественной, а на закате дней довелось испытать безмерную горечь несправедливых обвинений в печально известном постановлении 1948 г. 27 симфоний Мясковского - это продолжавшийся всю жизнь трудный, подчас мучительный поиск духовного идеала, который виделся в непреходящей ценности и красоте души и мысли человеческой.
Биография
Спойлер:
Юность, образование и война
Николай Мясковский родился в Новогеоргиевске Варшавской губернии, в семье Якова Константиновича Мясковского, потомственного военного инженера, и Веры Николаевны Мясковской (урождённой Петраковой), также происходившей из семьи военных, и был их вторым ребёнком. В семье было пятеро детей. В 1888 году семья переехала в Оренбург, а через год - в Казань. Там Николай потерял мать (она умерла при родах). Опеку над пятью детьми взяла на себя сестра отца, Еликонида Константиновна Мясковская. Тётка Николая Мясковского обладала хорошим голосом, рассказами о своей работе в хоре Мариинского театра, спектаклях и жизни музыкантов пробудила его интерес к музыке и давала ему первые уроки игры на фортепиано.
В 1893 году, после окончания двух классов реального училища, Мясковский в соответствии с семейной традицией был определён в Нижегородский кадетский корпус, где пел в кадетском хоре. В 1895 году семья переехала в Петербург и Николай был переведён во Второй кадетский корпус. Обучение игре на скрипке поспособствовало записаться в 1895 году в корпусной симфонический оркестр, руководимый Николаем Казанли, у которого Мясковский начал брать уроки гармонии. Но молодого музыканта, вскоре сделавшего первые попытки сочинительства, более влекло к роялю. В 1896 году, услышав в исполнении Артура Никиша Патетическую симфонию и балладу "Воевода" П. И. Чайковского, Мясковский окончательно решил связать свою жизнь с музыкой.
В 1899 году Мясковский закончил кадетский корпус, поступил в Военно-инженерное училище, и в 1902 году получил диплом военного инженера. Некоторое время Мясковский служил в сапёрной части в Зарайске, затем был переведён в Москву, где с января по май 1903 года занимался гармонией с Рейнгольдом Глиэром, пройдя за это время весь курс. Глиэра Мясковскому рекомендовал Танеев, который в то же время просил Глиэра заниматься летом 1902 и 1903 годов с Прокофьевым. Спустя несколько лет Мясковский познакомится с Прокофьевым в Петербургской консерватории. В 1904 году благодаря хлопотам отца Мясковский получил назначение в девятнадцатый сапёрный батальон, располагавшийся под Петербургом. В Петербурге более двух лет занимался он у Ивана Крыжановского, изучая полифонию, фугу и инструментовку. Летом 1906 года поступил в Санкт-Петербургскую консерваторию, представив на экзамене свою не сохранившуюся трёхчастную фортепианную сонату c-moll. Композиции учился у А. К. Лядова, инструментовке у Н. А. Римского-Корсакова, музыкально-теоретические дисциплины изучал под руководством Язепа Витолса. Среди его сокурсников были Борис Асафьев и Сергей Прокофьев (дружба с последним связывала Мясковского на протяжении более чем сорока лет). В 1906 году впервые были опубликованы сочинения Мясковского - 6 романсов на стихи Зинаиды Гиппиус, напечатанные на средства автора. Первое публичное исполнение произведений композитора состоялось в 1908 году в Петербурге на "Вечерах современной музыки". В том же году Мясковским была создана Первая симфония, а в дневнике композитора появилось первое упоминание о замысле оперы "Идиот" по одноимённому роману Ф. М. Достоевского.
В 1914 году, с началом Первой мировой войны, Мясковский отправился на фронт в сапёрные войска и не смог присутствовать на московской и петербургской премьерах "Аластора". Служил в чине поручика сапёрной роты, руководил инженерными работами и бывал на передовой. В течение 1915 года его полк неоднократно вступал в прямое столкновение с войсками немцев и австрийцев и подвергался артиллерийскому обстрелу. В одном из боёв под Перемышлем Мясковский получил тяжёлую контузию, после чего был переведён из действующей армии на строительство крепости в Ревель, относительно близкое расположение которого к Петербургу позволило присутствовать на премьере Скифской сюиты Прокофьева 16 января 1916 года в Мариинском театре. После событий Февральской революции был активным сторонником решительных действий. Как офицер имел доверие у солдат - те делегировали его своим представителем в Полковой комитет.
В советский период
После Великой Октябрьской социалистической революции перешёл на службу в Военно-морской генеральный штаб Балтийского флота в Петрограде, к чему его побудили семейные обстоятельства: композитор взял на своё содержание семьи сестёр, оказавшихся под угрозой голодной смерти. Отец Мясковского не поддержал решение сына служить власти Советов, попытался выехать на Украину и трагически погиб в 1918 году в самом начале Гражданской войны. Распространённое в Советском Союзе представление, будто Мясковский накануне Октября был сторонником власти Советов, не совсем соответствует действительности: он с надеждой принял созыв Учредительного собрания, а на Советскую власть в первые годы смотрел без особого энтузиазма.
В 1918 году, с переводом столицы из Петрограда в Москву, туда же был переведён и Военно-морской генеральный штаб, в котором служил композитор. Одновременно с работой Мясковский начал участвовать в московской музыкальной жизни: он стал членом жюри Государственного музыкального издательства и сблизился с одним из его организаторов - профессором Московской консерватории П. А. Ламмом. В 1919 году Мясковский был избран членом правления "Коллектива московских композиторов". В следующем году была впервые исполнена его Пятая симфония. В 1921 году после демобилизации с военной службы стал заместителем заведующего Музыкального отдела Наркомпроса РСФСР, а также профессором Московской консерватории по классу композиции. В 1923 году в память об отце Мясковский написал Шестую симфонию, которая имела такой успех, что о ней заговорили как о первой симфонии после Чайковского, достойной носить название Шестой. В 1925—1927 годах он сочинил Седьмую и Восьмую симфонии. С группой московских композиторов Мясковский входил в состав созданной в 1924 году Ассоциации современной музыки (АСМ). В 1932 году Мясковский был избран в состав оргкомитета Союза советских композиторов. С 1939 года Мясковский был членом художественного совета Комитета по делам искусств при Совете Народных Комиссаров СССР, в 1940-1950 годах - членом редколлегии журнала "Советская музыка". В 1940 году ему была присвоена степень доктора искусствоведения.
Мясковский принимал участие в конкурсах по созданию государственных гимнов. Над гимном РСФСР композитор упорно трудился, согласно А. А. Иконникову, в 1945 году, и не представленный на конкурс вариант был использован при создании Двадцать шестой симфонии. После войны Мясковскому было присвоено звание Народного артиста СССР, в 1947 году он был избран депутатом Моссовета. В 1948 году с выходом Постановления Политбюро ЦК ВКП(б) Об опере "Великая дружба" имя композитора попало в список "формалистов". Музыка Мясковского была названа мрачной и недостаточно оптимистической. Некоторые произведения композитора перестали исполняться в СССР. В том же году композитор открыто встал в музыкальную оппозицию, защищая своих коллег С. Прокофьева, Д. Шостаковича и А. Хачатуряна. На заседании Союза композиторов он охарактеризовал "Постановление по борьбе с формализмом" как истерическое, что привело к его конфликту с Т. Хренниковым.
Последние два года жизни Мясковский провёл на даче у Николиной горы, приводя в порядок свои сочинения и работая над последней, 27-й, симфонией. В конце 1949 года он уничтожил часть ранних фортепианных сонат и почти все романсы, написанные в 1906-1914 годах.
Николай Мясковский умер от рака желудка 8 августа 1950 года и был похоронен на Новодевичьем кладбище рядом с могилами А. Н. Скрябина и С. И. Танеева.
Творчество
Спойлер:
От симфонии к симфонии все более отчетливо прослеживается склонность к "парному сочинению". Сам Мясковский писал о симфониях, "что сочинял часто вместе: более густые психологически... и менее густые". Образы революционной стихии переплетаются с идеей жертвенности. Музыка симфонии - вся в контрастах, смятенна, импульсивна, атмосфера ее накалена до предела. Шестая Мясковского — один из самых впечатляющих художественных документов эпохи. С его произведениями "в русскую симфонию входит большое чувство тревоги за жизнь, за ее цельность" (Асафьев).
Этим же чувством проникнута и Двадцать первая симфония. Но она отличается большой внутренней сдержанностью, лаконизмом, сосредоточенностью. Мысль автора охватывает разные стороны жизни, повествует о них тепло, задушевно, с оттенком печали. Темы симфонии пронизаны интонациями русской песенности. От Двадцать первой намечается путь к последней, Двадцать седьмой симфонии, прозвучавшей уже после кончины Мясковского. Этот путь проходит через творчество военных лет, в котором Мясковский, как и все советские композиторы, обращается к теме войны, размышляя о ней без выспренности и ложного пафоса. Таким и вошел Мясковский в историю советской музыкальной культуры, честным, бескомпромиссным, истинным русским интеллигентом, на всем облике и делах которого лежала печать высочайшей духовности.
Награды и премии
Спойлер:
Заслуженный деятель искусств РСФСР (1926) (в связи с 60-летием Московской консерватории)[16]
Народный артист СССР (1946)
Сталинская премия первой степени (1941) - за симфонию № 21
Сталинская премия первой степени (1946) - за струнный квартет № 9
Сталинская премия первой степени (1946) - за концерт для виолончели с оркестром
Сталинская премия второй степени (1950) - за сонату № 2 для виолончели и фортепиано
Сталинская премия первой степени (1951 - посмертно) - за симфонию № 27 и струнный квартет № 13
Орден Ленина (1943)
Медали.
Произведения
Спойлер:
"Размышления" 7 стихотворений Е. Баратынского для голоса с фортепиано.
"На грани", 18 романсов на слова З. Гиппиус для среднего и низкого голоса с ф-но.
Соната № 1 для ф-но, ре минор, в 4-х частях Фортепиано 1907-1909
"Мадригал", сюита для голоса с ф-но на слова К.Бальмонта. Вокал 1908-1909
Три наброска на слова В. Иванова для голоса с фортепиано. Вокал 1908
"Молчание", симфоническая притча Оркестровая музыка 1909—1910
Симфониетта, ля мажор, в 3-х частях Оркестровая музыка 1910
Симфония № 2, до диез минор, в 3-х частях Симфонии 1910-1911
Соната для виолончели и фортепиано, ре мажор Инструментальная музыка 1911
Соната № 2 для фортепиано, фа диез минор, одночастная Фортепиано 1912
"Аластор", симфоническая поэма Оркестровая музыка 1912
Симфония № 3, ля минор, в 2-х частях Симфонии 1914
«Предчувствия», 6 набросков на слова З.Гиппиус для голоса с ф-но. Вокал 1913-1914
Симфония № 4, ми минор, в 3-х частях Симфонии 1917-1918
Симфония № 5, ре мажор, в 4-х частях Симфонии 1918
Соната № 3 для фортепиано, до минор, одночастная Фортепиано 1920
6 стихотворений А.Блока для голоса с ф-но. Вокал 1921
"На склоне дня" 3 наброска на слова Ф. Тютчева для голоса и ф-но. Вокал 1922
"Венок поблекший", музыка к 8 стихотворениям А. Дельвига - тетради I и II для голоса и ф-но. Вокал 1925
Симфония № 6, ми бемоль минор, в 4-х частях Симфонии 1921—1923
Симфония № 7, си минор, в 2-х частях Симфонии 1922
"Причуды", 6 набросков для ф-но Фортепиано 1922-1927
Симфония № 8, ля мажор, в 4-х частях Симфонии 1924-1925
Соната № 4 для ф-но, до минор, в 3-х частях Фортепиано 1924-1925
Симфония № 9, ми минор, в 4-х частях Симфонии 1926-1927
"Воспоминания", 6 пьес для ф-но Фортепиано 1927
Симфония № 10, фа минор, в 1-й части Симфонии 1926-1927
"Пожелтевшие страницы", 7 незатейливых вещиц для ф-но Фортепиано 1928
Серенада, ми бемоль мажор, для м. оркестра, в 3-х частях Оркестровая музыка 1928—1929
Симфониетта, си минор, для струнного оркестра Оркестровая музыка 1929
Лирическое концертино № 1, соль мажор, для м. Оркестра в 3-х частях Оркестровая музыка 1929
Струнный квартет № 1, ля минор, в 4-х частях Камерная музыка 1930
Струнный квартет № 2, до минор, в 3-х частях Камерная музыка 1930
Струнный квартет № 3, ре минор, в 2-х частях Камерная музыка 1930
Струнный квартет № 4, фа минор в 4-х частях Камерная музыка 1909-1937
Симфония № 11, си бемоль минор, в 3-х частях Симфонии 1931—1932
Симфония № 12, соль минор, в 3-х частях Симфонии 1931-1932
Симфония № 13, си бемоль минор, в 3-х частях Симфонии 1933
Симфония № 14, до мажор, в 5-х частях Симфонии 1933
Симфония № 15, ре минор, в 4-х частях Симфонии 1935
Симфония № 16, фа мажор, в 4-х частях Симфонии 1935-1936
12 романсов на слова М.Лермонтова, для голоса с фортепиано Вокал 1935-1936
Симфония № 17 Соль диез минор в четырёх частях Симфонии 1936-1937
Симфония № 18 До мажор в трех частях Симфонии 1937
10 очень легких пьес для ф-но Фортепиано 1938
Четыре легкие пьески в полифоническом роде для фортепиано 1938
Простые вариации, ре мажор, лирическая сюита для фортепиано 1937
Концерт для скрипки с оркестром, ре минор, в 3-х частях Концерты 1938
Три наброска (на слова С.Щипачева и Л.Квитко) для голоса с ф-но Вокал 1938
Симфония № 19, ми бемоль мажор для духового оркестра Музыка для духового оркестра 1939
Две пьесы (из симфонии № 19) для струнного оркестра Оркестровая музыка 1945
Струнный квартет № 5, ми минор в четырёх частях Камерная музыка 1938-1939
Приветственная увертюра до мажор для б. оркестра Оркестровая музыка 1939
Струнный квартет № 6, соль минор Камерная музыка 1939-1940
Симфония № 20, ми мажор, в трех частях Симфонии 1940
Симфония № 21, фа диез минор Симфонии 1940
"Из лирики Степана Щипачева" 10 романсов для среднего голоса с ф-но Вокал 1940
Два марша для духового оркестра Музыка для духового оркестра 1941
Симфония № 22 ("Симфония-баллада"), си минор для б. Оркестра в трех частях Симфонии 1941
Струнный квартет № 7, фа мажор, в 4-х частях Камерная музыка 1941
Симфония-сюита № 23, ля минор (на темы кабардино-балкарских песен), для б. оркестра в 3-х частях Симфонии 1941
Сонатина, ми минор, для фортепиано в 3-х частях Фортепиано 1942
Песня и рапсодия (Prelude und Rondo-Sonate), си бемоль минор, для ф-но Фортепиано 1942
Струнный квартет № 8, фа диез минор Камерная музыка 1942
Драматическая увертюра, соль минор, для духового оркестра Музыка для духового оркестра 1942
"Киров с нами", поэма-кантата для м.-сопрано, баритона, смешанного хора и симфонического оркестра, на слова Н.Тихонова, в 4-х частях Вокал 1942
Струнный квартет № 9, ре минор, в 3-х частях Камерная музыка 1943
Симфония № 24, фа минор, в 3-х частях Симфонии 1943
Соната (№ 5) для ф-но, си мажор Фортепиано 1944
Соната (№ 6) для ф-но, ля бемоль мажор Фортепиано 1944
"Звенья", 6 набросков для б. оркестра Оркестровая музыка 1944
Концерт для виолончели с оркестром, до минор, в 2-х частях Концерты 1944
Струнный квартет № 10, фа мажор, в 4-х частях Камерная музыка 1945
Струнный квартет № 11 «Воспоминания», ми бемоль мажор Камерная музыка 1945
Симфониетта № 2 для струнного оркестра, ля минор, в 4-х частях Оркестровая музыка 1945-1946
Симфония № 25, ре бемоль мажор, в 3-х частях Симфонии 1945-1946
Соната для скрипки и ф-но, фа мажор, в 2-х частях Инструментальная музыка 1947
Славянская рапсодия для б. симфонического оркестра Оркестровая музыка 1946
Тетрадь лирики, 6 романсов для высокого голоса и ф-но (на слова М.Мендельсон и её переводы из Бернса) Вокал 1946
"Стилизации», 9 пьес в форме старых танцев для ф-но Фортепиано 1946
«Из прошлого", 6 импровизаций для ф-но Фортепиано 1946
"Кремль ночью", кантата-ноктюрн (слова С.Васильева) для соло-тенора (или сопрано), смешанного хора и оркестра Вокал 1947
Патетическая увертюра до минор для симфонического оркестра (к ХХХ летию Совествкой Армии) Оркестровая музыка 1947
Струнный квартет № 12, соль мажор, в 4-х частях Камерная музыка 1947
Полифонические наброски для ф-но, в 2-х тетрадях Фортепиано 1947
Симфония № 26 (на русские темы), до мажор, в 3-х частях Симфонии 1948
Дивертисмент ми бемоль мажор, для б. симфонического оркестра, в 3-х частях Оркестровая музыка 1948
Соната № 2 для виолончели и ф-но, ля минор, в 3-х частях Инструментальная музыка 1948-1949
Соната (№ 7) для фортепиано, до мажор Фортепиано 1949
Соната (№ 8) для фортепиано, ре минор Фортепиано 1949
Соната (№ 9) для фортепиано, фа мажор (средней трудности) Фортепиано 1949
Симфония № 27, до минор, в 3-х частях Симфонии 1949
Струнный квартет № 13, ля минор, в 4-х частях Камерная музыка 1949
"За многие годы", сборник романсов и песен на слова разных авторов Вокал 1950
и др. произвеления
Дата рождения: 6 июня 1903 Место рождения: село Коджоры, Тифлисская губерния, Российская империя Дата смерти: 1 мая 1978 (74 года) Место смерти: Москва, РСФСР, СССР Страна: Российская империя, СССР Профессии: композитор, кинокомпозитор, дирижёр, педагог Эпоха: неоклассицизм
Арам Ильич Хачатурян (Хачатрян) - советский композитор, дирижёр, музыкально-общественный деятель, педагог. Герой Социалистического Труда, Народный артист СССР, Лауреат Ленинской премии, четырёх Сталинских премий, Государственной премии и Государственной премии Армянской ССР. Академик АН Армянской ССР. Секретарь Правления Союза композиторов СССР, профессор Московской государственной консерватории, доктор искусствоведения. Один из крупнейших композиторов XX века.
..."Велик вклад Арама Хачатуряна в музыку наших дней. Трудно переоценить значение его искусства для советской и мировой музыкальной культуры. Его имя завоевало широчайшее признание как у нас в стране, так и за рубежом; у него десятки учеников и последователей, развивающих те принципы, которым сам он всегда остается верен". - Д. Шостакович
Творчество А. Хачатуряна впечатляет богатством образного содержания, широтой использования различных форм и жанров. В его музыке получили воплощение высокие гуманистические идеи революции, советского патриотизма и интернационализма, темы и сюжеты, рисующие героико-трагические события далекой истории и современности; ярко запечатлелись колоритные образы и сиены народной жизни, богатейший мир мыслей, чувств и переживаний нашего современника. Своим искусством Хачатурян вдохновенно воспел жизнь родной и близкой ему Армении.
Биография
Спойлер:
Арам Хачатурян родился вблизи города Тифлиса (Тбилиси) в Грузии в армянской семье. Был четвёртым сыном в семье переплётчика Ильи (Егия) Хачатуряна и Кумаш Саркисовны. С детства любил музыку, в школьной капелле играл на фортепиано, горне и тубе, но родители не одобряли его увлечение, и серьёзно заняться музыкой он смог лишь в 19 лет. Композитор рос в многоязычной музыкальной атмосфере старого Тифлиса среди инструментальных ансамблей сазандаров (тар, каманча, деф), городских песен и романсов.
В 1921 году 18-летний Хачатурян вместе с группой армянской молодёжи приехал в Москву, где уже давно жил и работал его старший брат, Сурен Хачатурян, театральный режиссёр. Он поступил на подготовительные курсы Московского университета и стал студентом биологического отделения физико-математического факультета, однако спустя год покинул университет и поступил в Гнесинское музыкальное училище, где обучался игре на виолончели и фортепиано, брал уроки композиции. Михаил Гнесин обратил внимание на одарённого ученика и помог ему. Окончил училище в 1929 году. В эти же годы Хачатурян впервые в жизни оказался на симфоническом концерте и был потрясён музыкой Бетховена и Рахманинова. "Танец для скрипки и фортепиано" стал первой работой композитора.
В 1929 году Хачатурян поступил в Московскую консерваторию, где учился по классу композиции сначала у M. Ф. Гнесина, затем у Н. Я. Мясковского; его наставниками по инструментовке были Р. М. Глиэр и С. Н. Василенко. В 1934 году он с отличием окончил Консерваторию и следующие два года совершенствовался там же в аспирантуре у Н. Я. Мясковского. Ещё к студенческим годам относятся такие его произведения, как Песня-поэма для скрипки с фортепиано (1929), Сюита для альта и фортепиано (1929), прославленная виртуозная Токката для фортепиано (1932), трио для фортепиано, скрипки и кларнета (1932). Далее Хачатурян создал, ориентируясь на традиции русской школы, Первую симфонию (1934), концерты с оркестром для фортепиано (1936), скрипки (1940), виолончели (1946). А затем - в 1960-е годы - для тех же солирующих инструментов написал новый триптих - концерты-рапсодии (для скрипки - 1961, для виолончели - 1963, для фортепиано - 1968). Наиболее исполняема его симфония - Вторая (1944) "Симфония с колоколом". Третья симфония (1947) получила название "Симфонии-поэмы". Среди фортепианных сочинений А. Хачатуряна заметны Сонатина (1959), Соната (1961, изданы две редакции, а также Три пьесы (сюита) для двух фортепиано (1945). В последние годы жизни композитор написал три сольные сонаты для струнных инструментов: скрипки, альта и виолончели. В 1944 году он стал автором музыки гимна Армянской ССР. В Московской консерватории имя Арама Хачатуряна занесено на мраморную доску лучших выпускников музыкального вуза.
В годы Великой Отечественной войны Арам Хачатурян работал на Всесоюзном радио, писал патриотические песни и марши. В 1939 году он сочинил первый армянский балет "Счастье". Но недостатки либретто балета вынудили переписать большую часть музыки. Завершилось всё созданием балета "Гаянэ", но было это уже в годы Великой Отечественной войны. Премьера балета состоялась зимой - 9 декабря 1942 года эвакуированным в Пермь Ленинградским государственным академическим театром оперы и балета имени С. М. Кирова. В следующем году балет был удостоен Сталинской премии первой степени, одной из самых высоких наград того времени в сфере культуры. "Танец с саблями" из "Гаяне" принёс композитору всемирную славу. Сильнейшим потрясением для композитора стало Постановление Политбюро ЦК ВКП(б) Об опере "Великая дружба" В. Мурадели от 10 февраля 1948 года, в котором творчество А. Хачатуряна, наряду с творчеством С. Прокофьева и Д. Шостаковича, было отнесено к формалистическим проявлениям в искусстве. Композитор, по существу, замолк на много лет.
Балет "Спартак" стал величайшей работой Хачатуряна после войны. Партитура балета была завершена в 1954 году, а в декабре 1956 года состоялась премьера. С этого времени "Спартак" прочно вошёл в репертуар балетных трупп и показывался на крупнейших сценах мира. Одновременно Хачатурян работал в театре и кино; он написал музыку более чем к 20 кинофильмам. В 1930-1950-х годах Хачатурян написал музыку к спектаклям "Макбет" в Малом театре (1955) и "Король Лир" в Театре им. Моссовета (1958); широко известна его музыка к спектаклю Театра им. Вахтангова "Маскарад", созданная в 1941 году.
С 1950 года Арам Хачатурян часто выступал как дирижёр, с огромным успехом гастролировал с авторскими концертами во многих городах СССР и за рубежом. С 1950 года он преподавал композицию в Московской консерватории и в Институте им. Гнесиных (с 1951 - профессор). В числе его учеников были, в частности, Андрей Эшпай, Ростислав Бойко, Алексей Рыбников, Микаэл Таривердиев, Марк Минков, Владимир Дашкевич, Кирилл Волков, Валерий Соколов, Лариса Канукова, Эдгар Оганесян, Нобуа Терахара, Георг Пелецис, Анатоль Виеру, Рене Ээспере, Толиб-хон Шахиди, Александр Журбин. К "хачатуряновской школе" музыковеды справедливо причисляют виднейших композиторов Армении Арно Бабаджаняна, Александра Арутюняна, Эдварда Мирзояна. Формально они не учились у Хачатуряна, но он пристально следил за их творческими шагами, помогал и поддерживал советами.
Заместитель председателя Оргкомитета (1939-1948), с 1957 года - секретарь Союза композиторов СССР. Президент Советской ассоциации дружбы и культурного сотрудничества со странами Латинской Америки (с 1958). Член Советского комитета защиты мира (с 1962), академик Академии наук Армянской ССР. Среди интерпретаторов его музыки - Давид Ойстрах, Мстислав Ростропович, Яков Слободкин, Л. Оборин, Яков Флиер, Ван Клиберн, Наталья Шаховская, Николай Петров, Маура Лимпани и другие.
Умер 1 мая 1978 года. Похоронен в Пантеоне парка имени Комитаса столицы Армении Еревана. Произведения А. И. Хачатуряна опубликованы в посмертно изданном в Москве многотомном собрании его сочинений.
Творчество
Спойлер:
Значение искусства Хачатуряна состоит в том, что ему удалось выявить богатейшие возможности симфонизации восточного монодического тематизма, приобщить, совместно с композиторами братских республик, монодическую культуру Советского Востока к многоголосию, к жанрам и формам, ранее сложившимся в европейской музыке, показать пути обогащения национального музыкального языка. Одновременно метод импровизационности, темброво-гармоническая красочность восточного музыкального искусства через творчество Хачатуряна оказали заметное влияние на композиторов - представителей европейской музыкальной культуры. Творчество Хачатуряна явилось конкретным проявлением плодотворности взаимодействия традиций музыкальных культур Востока и Запада.
Награды
Спойлер:
Ордена и медали
Герой Социалистического Труда (Указ Президиума Верховного Совета СССР от 5 июня 1973 года, орден Ленина и медаль "Серп и Молот") - за выдающиеся заслуги в развитии советского музыкального искусства и в связи с семидесятилетием со дня рождения
Три ордена Ленина (4.11.1939, 5.06.1963, 5.06.1973)
Орден Октябрьской Революции (1971)
Два ордена Трудового Красного Знамени (24.11.1945, 14.10.1966)
Медаль "За доблестный труд. В ознаменование 100-летия со дня рождения Владимира Ильича Ленина" (1970)
Медаль "За оборону Москвы" (1944)
Медаль "За оборону Кавказа" (1944)
Юбилейная медаль "Тридцать лет Победы в Великой Отечественной войне" (1975)
Медаль "За доблестный труд в Великой Отечественной войне" (1945)
Медаль "В память 800-летия Москвы" (1947)
Почётные звания
Народный артист СССР (2.08.1954)
Народный артист РСФСР (5.11.1947)
Народный артист Армянской ССР (10.05.1955)
Народный артист Грузинской ССР (26.11.1963)
Народный артист Азербайджанской ССР (14.12.1973)
Заслуженный деятель искусств РСФСР (20.04.1944)
Заслуженный деятель искусств Армянской ССР (27.12.1938)
Заслуженный деятель искусств Узбекской ССР (4.02.1967)
Премии
Ленинская премия (22.04.1959) - за балет "Спартак"
Государственная премия СССР (5.11.1971) - за музыку Триады концертов-рапсодий для скрипки с оркестром; для виолончели с оркестром; для фортепиано с оркестром
Сталинская премия второй степени (15.03.1941) - за Концерт для скрипки с оркестром
Сталинская премия первой степени (20.03.1943) - за балет "Гаянэ", 100 000 рублей переданы в фонд Главного Командования
Сталинская премия первой степени (27.01.1946) - за Вторую симфонию
Сталинская премия первой степени (9.03.1950) - за музыку к двухсерийному кинофильму "Сталинградская битва"
Государственная премия Армянской ССР (29.11.1965) - за Рапсодию для виолончели с оркестром
Иностранные награды
Командор ордена Искусств и литературы (7.08.1974, Франция)
Орден "Науки и искусства" 1-й степени (1961, Объединённая Арабская Республика) - за выдающуюся музыкальную деятельность
Орден Труда 1-й степени (4.04.1970, Венгерская Народная Республика) - в связи с 25-летием образования Венгерской народной республики
Орден "За культурные заслуги" (1.10.1974, Социалистическая Республика Румыния)
Орден "Кирилл и Мефодий" 1-й степени (22.05.1971, Народная Республика Болгария)
Нагрудный знак "За заслуги перед польской культурой" (15.04.1972, Польская Народная Республика)
Памятная медаль в связи с 25-летием восшествия на престол шахиншаха Ирана (1965, Иран)
Членство в академиях и университетах
Академик Академии наук Армянской ССР (9.03.1963)
Доктор искусствоведения (1965)
Почётный академик Национальной академии Святой Цецилии (Accademia Nazionale di Santa Cecilia, 6.03.1960)
Член-корреспондент Академии искусств ГДР (Deutsche Akademie der Kunste, 10.02.1961)
Почётный профессор Национальной консерватории Мексики (Conservatorio Nacional de Musica de Mexico, 02.1960).
Почётный член Университета Мичоакана де Сан Николас де Идальго (Universidad Michoacana de San Nicolas de Hidalgo, 26.02.1960)
Сочинения
Спойлер:
Основные произведения композитора: Балеты
"Счастье" (1939)
"Гаянэ" (1942, вторая редакция 1957)
"Спартак" (1956, вторая редакция - 1958, третья - 1968)
Оркестровые сочинения
Танцевальная сюита (1933)
Симфония № 1 (1934)
Сюита из музыки к пьесе "Валенсианская вдова" (1940)
Сюита № 1 из музыки к балету "Гаянэ" (1943)
Сюита № 2 из музыки к балету "Гаянэ" (1943)
Сюита № 3 из музыки к балету "Гаянэ" (1943)
Симфония № 2 "Симфония с колоколом" (1943, вторая редакция - 1944)
Сюита из музыки к пьесе "Маскарад" (1944)
"Русская фантазия" (1944)
Симфония № 3 "Симфония-поэма" (1947)
"Ода памяти Ленина" (1948)
Сюита из музыки к фильму "Сталинградская битва" (1950)
"Торжественная поэма" (1950)
Сюита № 1 из балета "Спартак" (1955)
Сюита № 2 из балета "Спартак" (1955)
Сюита № 3 из балета "Спартак" (1955)
Симфонические картины из балета "Спартак" (1955)
"Приветственная увертюра" (1958)
Сюита из музыки к пьесе "Лермонтов" (1959)
Концерты
Концерт для фортепиано с оркестром (1936)
Концерт для скрипки с оркестром (1940)
Концерт для виолончели с оркестром (1946)
Концерт-рапсодия для скрипки с оркестром (1961)
Концерт-рапсодия для виолончели с оркестром (1963)
Концерт-рапсодия для фортепиано с оркестром (1968)
Вокальная и хоровая музыка
"Поэма о Сталине (Песня ашуга)" для смешанного хора и оркестра (1938)
Государственный гимн Армянской ССР для смешанного хора и оркестра (1944)
Три концертные арии для сопрано и оркестра (1946)
"Ода радости" для меццо-сопрано, смешанного хора, ансамбля скрипачей, десяти арф и оркестра (1956)
"Баллада о Родине" для баса и оркестра (1961)
Камерные ансамбли и сольная инструментальная музыка
"Элегия" для виолончели и фортепиано (1925)
"Песня странствующего ашуга" для виолончели и фортепиано (1925)
Танец для скрипки и фортепиано (1926)
Пьеса для виолончели и фортепиано (1926)
"Пантомима" для гобоя и фортепиано (1927)
Аллегретто для скрипки и фортепиано (1929)
"Песня-поэма (в честь ашугов)" для скрипки и фортепиано (1929)
Двойная фуга для струнного квартета (1931)
Соната для скрипки и фортепиано (1932)
Трио для кларнета, скрипки и фортепиано (1932)
Ноктюрн для скрипки и фортепиано (1941, из музыки к пьесе «Маскарад»)
Соната-фантазия для виолончели соло (1974)
Соната-монолог для скрипки соло (1975)
Соната-песня для альта соло (1976)
Сочинения для фортепиано
Поэма (1925)
Андантино (1926)
Вальс-каприс и танец (1926)
Вальс-этюд (1926)
Детский альбом, часть первая (1926-1947)
Поэма (1927)
Семь речитативов и фуг (1928-1966)
Сюита (1932)
Токката (1932)
Хореографический вальс (1944)
Сюита, для двух фортепиано (1945)
Вальс (1952, из музыки к пьесе "Маскарад")
Сонатина (1959)
Соната (1961)
Детский альбом, часть вторая (1965)
Дата рождения: ок. 1667 Место рождения: Ганновер или Венеция Дата смерти: 5 января 1740 Место смерти: Венеция Страна: Венеция, Саксония Профессии: композитор, органист, капельмейстер Эпоха: барокко
Антонио Лотти - композитор эпохи барокко, работавший в Венеции и германских государствах. Автор ораторий, опер, многочисленных произведений духовной музыки.
Наибольшую ценность в творчестве Лотти представляют церковные произведения, создавшие ему славу одного из лучших композиторов венецианской школы; 6 ораторий, 70 кантат, мессы, мотеты. Большая часть его хоровых церковных произведений написана для хора а капелла. Лучшим сочинением Лотти считается "Мизерере". Лотти был известным педагогом; среди его учеников - Б.Марчелло, М.Гаспарини, Б.Галуппи, Б.Альберта и др.
Биография
Спойлер:
Антонио Лотти родился в 1667 году, когда его отец Маттео Лотти служил придворным капельмейстером в Ганновере, однако в качестве места рождения Антонио чаще всего указывается Венеция. Сам Антонио называл себя венецианцем. Известно также, что он учился в Венеции у маэстро Легренци и что ещё до того, как Антонио исполнилось 16 лет, он поставил свою первую оперу "Il Giustino", на венецианской сцене. По другим сведениям, его первой оперой был "Il trionfo dell'innocenza", поставленный в начале 1690-х годов.
В 1687 году Антонио поступил в хор собора Святого Марка в Венеции на место альта. В 1690 году он стал помощником органиста, два года спустя вторым органистом, а в 1704 году первым органистом. С 1702 по 1717 год были поставлены семнадцать опер Лотти. Он также писал музыку для женского хора больницы Ospedale degli Incurabili.
С 1717 по 1719 год Лотти, по приглашению правителя Саксонии Фридриха Августа, проживал в Дрездене. За это время там были поставлены три его оперы: "Giove in Argo", "Ascanio и Teofane". Его опера, в частности, была первой исполненной в новом оперном театре Дрездена в 1719 году. Вместе с ним в Дрезден были приглашены его жена, сопрано Санта Стелла, ещё ряд певцов и либреттист. С 1719 года, когда он вернулся в Венецию, Лотти полностью отказался от сочинения светской музыки и сосредоточился на духовных жанрах: мессах, мотетах и прочих. В 1736 году он занял должность капельмейстера собора Святого Марка с годовым окладом в 400 дукатов.
Лотти принадлежит заслуга воспитания нескольких видных композиторов и музыкантов. Среди его учеников - Джузеппе Альберти, Бальдассаре Галуппи, Франческо Гаспарини, Бенедетто Марчелло и Песчетти.
Антонио Лотти скончался 5 января 1740 года от отёка. Он был похоронен в церкви Сан-Джеминьяно. Считается, что его останки были перенесены в другое место перед разрушением церкви Наполеоном в 1807 году, но нынешнее их местонахождение неизвестно.
Творчество
Спойлер:
Творчество Лотти может быть условно разделено на два периода, до и после возвращения из Дрездена. Если в первый период композитор активно сочинял как духовную, так и светскую музыку, то во второй он сосредоточился исключительно на духовной.
Сочинения
Спойлер:
Перу Лотти принадлежит принадлежит значительное количество светских произведений, в том числе: 24 оперы, написанных для Венеции, Вены и Дрездена. Восемь из этих опер дошли до наших дней полностью: "Alessandro Severo", "Ascanio", "Costantino", "Foca superbo", "Giove in Argo", "Polidoro", "Porsenna" и "Teofane".
Ещё из девяти сохранились отдельные части, а семь считаются утерянными полностью, восемь ораторий, из которых сохранились только две: "Il voto crudele" и "L’umilta" "coronata in Esther", произведения малой формы, часть которых была собрана в сборник "Duetti, terzetti e madrigali a piu voci", посвящённый императору Леопольду I.
Духовная музыка Лотти включает многочисленные мессы, мотеты, антифоны, Miserere. "Missa Sapientiae" Лотти хранилась в личной библиотеке Баха, и существует мнение, что её влияние ощущается в баховской Мессе си минор.
Один из мадригалов Лотти, включённых в сборник 1705 года, "La vita caduta" (in una siepe ombrosa), был исполнен в Лондоне в 1831 году как сочинение Бокончини. В результате последовавшего скандала имя подлинного автора было установлено.
Дата рождения: 25 августа 1918 Место рождения: Лоренс, штат Массачусетс Дата смерти: 14 октября 1990 (72 года) Место смерти: Нью-Йорк Страна: США Профессии: композитор, дирижёр, исполнитель Эпоха: неоклассицизм
Леонард Бернстайн - американский композитор, пианист, дирижёр и популяризатор академической музыки. Дирижировал многими ведущими оркестрами мира, главный дирижёр Нью-Йоркской филармонии (1958-1969). Впервые исполнил многие произведения американских композиторов. Автор балетов, симфоний, мюзиклов и других музыкальных произведений.
Деятельность Л. Бернстайна поражает прежде всего своим разнообразием: талантливый композитор, известный всему миру как автор мюзикла "Вестсайдская история", крупнейший дирижер XX в., яркий музыкальный писатель и лектор, умеющий найти общий язык с широчайшим кругом слушателей, пианист и педагог.
Стать музыкантом Бернстайну было предначертано судьбой, и он упорно шел по избранному пути, невзирая на препятствия, порой очень значительные. Когда мальчику было 11 лет, он начал брать уроки музыки и уже через месяц решил, что будет музыкантом. Но отец, считавший музыку пустой забавой, не стал оплачивать уроки, и мальчик стал сам зарабатывать деньги на учение.
Биография
Спойлер:
Луи, (евр. имя Арье-Лейб), Бернстайн родился 25 августа 1918 года в Лоуренсе, штат Массачусетс, в еврейской семье, приехавшей из Ровно (Украина): мать Дженни (урожденная Резник), отец Самуил Иосиф Бернстайн, оптовый поставщик парикмахерских товаров (по некоторым источникам, владел книжным магазином). Бабушка настояла, чтобы ребёнка назвали Луи, но родители всегда называли его Леонардом. Он официально сменил своё имя на Леонард в возрасте пятнадцати лет, вскоре после смерти своей бабушки. Для своих друзей и многих других, он был просто "Lenny". Отец первоначально выступал против интереса молодого Леонарда к музыке. Несмотря на это, старший Бернстайн брал мальчика на концерты оркестра и, в конечном итоге, поддержал его музыкальное образование. В юности Бернстайн собирался стать пианистом.
Уроки игры на фортепиано Бернстайн начал брать ещё в детстве и учился в гарнизонной и Бостонской Латинской школах. Изучал композицию в Гарвардском университете у Уолтера Пистона, с Эдвардом Берлингеймом-Хиллом, А. Тиллманом Мерритом, среди прочих. Ещё до окончания университета в 1939 году, Бернстайн совершил неофициальный дирижерский дебют со своей собственной музыкой к "The Birds", а также играл и дирижировал в "The Cradle Will Rock" Марка Блитцстайна. Позже учился в Кёртисовском институте музыки у Фрица Рейнера (дирижирование), Рэндалла Томпсона (оркестровка), Рихарда Штёра (контрапункт) и Изабеллы Венгеровой (фортепиано).
В 1940-м Леонард Бернстайн учился в созданном летом институте Бостонского симфонического оркестра, "Tanglewood", под руководством Сергея Кусевицкого. Бернстайн позже стал помощником дирижёра Кусевицкого. Ассистент дирижёра (1943-1944), дирижёр (1957-1958), главный дирижёр (1958-1969) Нью-Йоркского филармонического оркестра (где стал преемником Бруно Вальтера) и городского оркестра "Нью-Йорк сити симфони" (19451948). Обладатель Премии Сименса (1987). Автор книг "Радость музыки" (The Joy of Music, 1959) и "Бесконечное разнообразие музыки" (The Infinite Variety of Music, 1966), "Концерты для молодежи" (Young People’s Concerts), "Вопрос без ответа" (The Unanswered Question, 1976), "Открытия" (Findings, 1982). В 1971 году он был введён в национальный Зал славы авторов песен.
В начале 1990 года по состоянию здоровья Бернстайн был вынужден отменить несколько выступлений в США и Японии. Последний раз он дирижировал 19 августа в Тэнглвуде, штат Массачусетс, когда Бостонский симфонический оркестр исполнял "Четыре морские интерлюдии" Б. Бриттена и Седьмую симфонию Бетховена. При исполнении третьей части симфонии у дирижёра начались приступы кашля (он не мог избавиться от привычки курить).
Умер от сердечного приступа 14 октября 1990 года. Похоронен на кладбище Грин-Вуд в Нью-Йорке рядом с женой и с партитурой Симфонии № 5 Малера у сердца. Концерт памяти Бернстайна состоялся в Карнеги-Холл 14 ноября 1990 года. Большая часть многомиллионного состояния композитора была поровну разделена между тремя его детьми.
Творчество
Спойлер:
Произведения Бернстайна начали исполняться почти одновременно с его дирижерским дебютом. В молодые годы Бернстайн отдает предпочтение театральной музыке. Он автор оперы "Волнения на Таити" (1952), двух балетов; но наибольший успех сопутствовал его четырем мюзиклам, написанным для театров Бродвея. Премьера первого из них ("В городе") состоялась в 1944 г., и многие его номера сразу приобрели популярность "боевиков". Жанр мюзикла Бернстайна восходит к самым корням американской музыкальной культуры: ковбойским и негритянским песням, мексиканским танцам, острым ритмам джаза. В "Чудесном городе" (1952), выдержавшем в течение одного сезона более полутысячи спектаклей, чувствуется опора на суинг - стиль джаза 30-х гг. Но мюзикл - не чисто развлекательное шоу. В "Кандиде" (1956) композитор обратился к сюжету Вольтера, а "Вестсайдская история" (1957) - не что иное, как трагическая история Ромео и Джульетты, перенесенная в Америку с ее расовыми столкновениями. Своим драматизмом этот мюзикл приближается к опере.
Бернстайн пишет духовную музыку для хора и оркестра (оратория Кадиш, Чичестерские псалмы), симфонии (Вторая, Возраст тревог - 1949; Третья, посвящена 75-летию Бостонского оркестра - 1957), Серенаду для струнного оркестра и ударных по диалогу Платона "Симпозиум" (1954, серия застольных тостов, восхваляющих любовь), музыку к кинофильмам.
Бернстайн дважды записывал полные циклы симфоний Бетховена, участвовал в записи цикла фортепианных концертов Бетховена с Кристианом Циммерманом. Бернстайн - единственный дирижёр, дважды осуществивший запись полного цикла симфоний Густава Малера. Записал также полный цикл симфоний П. И. Чайковского, сочинения американских композиторов XX века (в том числе, свои собственные), произведения Карла Нильсена, Дариюса Мийо. Из музыки добетховенского времени выделяются записи произведений Йозефа Гайдна. В апреле 1962 года исполнял Концерт для фортепиано № 1 Брамса вместе с Гленном Гульдом.
Сочинения
Спойлер:
Основные произведения композитора: Оперы
"Волнения на Таити" ("Trouble in Tahiti"; 1952, Уолтем)
"Тихое место" ("A Quiet Place"; 1986, Вена)
Мюзиклы
Увольнение в город (On the Town) (1943)
Чудесный город (Wonderful Town, 1953)
Кандид (Candide 1956, Нью-Йорк)
Вестсайдская история (West Side Story, 1957)
"Пенсильвания-авеню, 1600" (1600 Pennsylvania Avenue, 1976)
Симфонии
№ 1 - Иеремия (Jeremiah, 1942)
№ 2 - Век тревог (The Age of Anxiety, 1949)
№ 3 - Каддиш (Kaddiss,1963)
Другое
Музыка к балету "Невлюбляющийся" (Fancy Free)
"Чичестерские псалмы" для хора и оркестра (Chichester Psalms, 1965)
Месса (1971)
Прелюдия, фуга и риффы для кларнета и джазового ансамбля
Пьеса "Питер Пэн" (Peter Pan, 1950)
Дата рождения: 27 октября 1745 Место рождения: Глухов, Левобережная Украина, Российская империя Дата смерти: 2 апреля 1777 (31 год) Место смерти: Санкт-Петербург, Российская империя Страна: Российская империя Профессии: композитор, певец Эпоха: классицизм
Максим Созонтович Березовский - русский композитор, работавший также в Италии. Наряду с Д. С. Бортнянским считается создателем классического типа русского хорового концерта.
Творчество выдающегося русского композитора второй половины XVIII в. М. Березовского наряду с творчеством его знаменитого современника Д. Бортнянского ознаменовало наступление нового, классицистского этапа в музыкальном искусстве России.
Даже единичные образцы творчества Березовского позволяют говорить о широте жанровых интересов композитора, об органичном соединении в его музыке национальной мелодики с общеевропейскими приемами и формами развития.
Биография
Спойлер:
Родился в Глухове Левобережной Украины (ныне Сумская область Украины) в казацкой семье. Отец будущего композитора был небогатым западнорусским шляхтичем и принадлежал к гербу Сас. Место рождения Березовского достоверно не известно, но детство прошло в Глухове на Сумщине - резиденции гетмана К. Разумовского. Там маленький Максим учился в известной певческой школе, основанной по инициативе гетмана Д. Апостола. Ученики изучали "киевское", "четырёхгласное" и "партесное" (на несколько партий) пение, нотную грамоту, игру на цимбалах и бандуре. В школу принимали как малолетних, так и более взрослых учеников. На протяжении двухлетней учебы они пели в школьном хоре и глуховской Николаевской церкви; посещали оперные, балетные и драматические спектакли, хоровые и симфонические концерты при гетманской резиденции. Высокий профессиональный уровень обучения позволял ежегодно десяти воспитанникам школы вступать в придворную капеллу в Петербурге.
Высшее образование получил в Киево-Могилянской академии, где начал писать собственные произведения - канты, быстро ставшие популярными. Имея прекрасный бас, он в 1758 году стал солистом-певцом капеллы при дворе великого князя Петра Фёдоровича - будущего императора Петра III, в Ораниенбауме (ныне город Ломоносов под Петербургом); с 1759 года участвовал в постановках итальянских опер. После вступления в 1761 году на престол Петра III Березовского перевели в итальянскую придворную труппу, где он совершенствовал мастерство среди итальянских певцов и композиторов, служивших при русском дворе. В 1763 году он женился на дочери валторниста придворного оркестра Францине Юбершер - выпускнице ораниенбаумской театральной школы, танцовщице придворного театра.
В 1760-х годах Березовский, служивший придворным камер-музыкантом, создал ряд хоровых церковных концертов и песен. Его композиторское мастерство получило множество одобрительных отзывов современников - композитора хвалили за хороший вкус и мелодичность произведений.
Весной 1769 года Березовского направили в Болонскую филармоническую академию, где он обучался до 1771 года. Это наиболее престижное учебное заведение с XVII века готовило музыкантов для всей Европы. Доверие к мастерству выпускников академии основывалось на высоком научном и педагогическом авторитете её главы - знаменитого композитора Дж.-Б. Мартини, которого современники называли "богом музыки". Он и стал учителем Березовского. Для получения звания академика предстояло не только пройти три уровня обучения, но и сдать экзамены - написать музыкальное произведение, нужно было учиться очень хорошо (так как в те времена необразованные люди считались нищими). Березовскому пришлось создать полифоническую (многоголосную) композицию в определенном стиле на заданную тему. Выдержал экзамен в Болонской филармонической академии на звание академика-композитора (1771) - в тот же день экзаменовали чешского композитора Йозефа Мысливечека, а за год до этого юного Вольфганга Амадея Моцарта, который также стал академиком.
В 1771 г. Березовский получил статус иностранного члена Болонской академии. Иностранцу этот титул давал право работать капельмейстером. Протокольная рукопись "антифона" Березовского, подписанная "Massimo Berezovsky", до сих пор хранится в архиве академии. Пребывание Березовского в Италии не ограничилось лишь Болоньей, композитор посещал Венецию, где получал стипендию, и бывал в Ливорно, где стояла российская морская эскадра. Для традиционного зимнего карнавала в Ливорно Березовский написал оперу "Демофонт". Предание утверждает, что сделал он это по желанию командующего российской флотилии Орлова.
Прожив в Италии свыше четырёх лет, Березовский побывал и в других городах. На рукописи его "Сонаты для скрипки и чембало" обозначено место написания - Пиза. Болонская академия не ограничивала студентов только жанром духовной музыки и не возражала против их дальнейших карьер оперных композиторов или придворных капельмейстеров. Березовский, воспользовавшись этим правом, расширил свои знания в области музыкального театра и усовершенствовал навыки создания пьес для разных музыкальных инструментов. В октябре 1773 года композитор вернулся в Петербург. Блестящее завершение итальянского путешествия молодого академика, превосходные отзывы о постановке его оперы, постоянный и стабильный успех при дворе, неизменный со времён юности, давали Березовскому основания надеяться на успешную карьеру. И действительно, архивные находки свидетельствуют, что после возвращения в Россию Березовский был назначен в штат императорских театров, а через восемь месяцев - капельмейстером придворной капеллы. Это была высокая должность для российского музыканта того времени.
Свидетельства о последних годах жизни Березовского противоречивы. Согласно первому биографу композитора Евгению (Болховитинову) он "впал в ипохондрию" и "зарезал сам себя" в припадке горячки. Некоторые биографы объясняли это самоубийство знакомством Березовского с опальной княжной Таракановой. Современный биограф композитора М.Г. Рыцарева отрицает такую версию последних лет жизни композитора. Она указывает на то, что в Россию Березовский вернулся за два года до ареста Таракановой, а версия о самоубийстве впервые появляется в книгах Евгения только во втором десятилетии XIX в.; по мнению Рыцаревой, Березовский в марте 1777 года заболел горячкой, которая и послужила причиной его смерти 2 апреля 1777 года.
Творчество
Спойлер:
Драматична судьба творческого наследия композитора: большинство произведений, звучавших на протяжении всего XIX в., оставались в рукописях долгое время и хранились в Придворной капелле. В начале нашего столетия они были безвозвратно утрачены. Из инструментальных произведений Березовского известна одна Соната для скрипки и чембало до мажор. Утеряна партитура оперы "Демофонт", поставленной в Италии: до наших дней дошли только 4 арии. Среди многочисленных духовных сочинений сохранились лишь Литургия и несколько духовных концертов. Среди них - "Господь воцарися", являющийся наиболее ранним образцом классицистского хорового цикла в России, и "Не отвержи мене во время старости", ставший кульминацией творчества композитора. Этот концерт по сравнению с другими произведениями последних лет имеет более счастливую судьбу. Благодаря своей популярности он получил широкое распространение и был дважды напечатан в первой половине XIX в.
Влияние мелодики, полифонической техники, гармонии и образного строя концерта прослеживается в творчестве младших современников Березовского - Бортнянского, С. Дегтярева, А. Веделя. Будучи истинным шедевром музыкального искусства, концерт "Не отвержи" знаменует собой наступление классического этапа в развитии отечественного хорового творчества. Некоторые сочинения Березовского до сих пор не опубликованы.
В наши дни творческое наследие композитора входит в репертуары многих европейских хоровых коллективов. Наряду с Бортнянским и Веделем Березовский является одним из талантливейших русских композиторов XVIII века.
Сочинения
Спойлер:
Основные произведения композитора:
Оперы
"Демофонт" (либр. П. Метастазио, 1773, поставлена 1774 в Ливорно, Италия),
"Ифигения" (не окончена);
Хоровые произведения
Литургия св. Иоанна Златоустого,
духовные концерты
"Не отвержи меня во время старости",
"Остригну сердце",
"Милость и суде ВОСП",
"Слава в вышних Богу";
причастниками
"Творяй Ангелы своя духи",
"Чашу спасения приму",
"И память вечную",
"Во всю землю",
"Хвалите Господа",
"Блажени яже избрал",
"Не имамы иныя помощи".
Инструментальная музыка
Соната для скрипки и чембало (1772).
Дата рождения: 3 февраля 1736 Место рождения: Клостернойбург, Вена, Нижняя Австрия, Австрия Дата смерти: 7 марта 1809 (73 года) Место смерти: Вена, Австрийская империя Страна: Австрия Профессии: композитор, музыковед, музыкант, педагог, теоретик музыки, музыкальный педагог, органист Эпоха: барокко-классицизм
Иоганн Георг Альбрехтсбергер - австрийский композитор, органист, музыковед и музыкальный педагог.
При жизни был известен прежде всего как органист и педагог. Долгие годы работал органистом в нескольких австрийских католических соборах и монастырях, а также при дворе австрийских императоров. Написал целый ряд концертов для органа и струнных инструментов, в которых соединил традиции народной австрийской музыки с стилем венского классицизма и барокко. Прославился как теоретик музыки и талантливый педагог. Среди его учеников очень много известных австрийских музыкантов и композиторов, в частности, у Альбрехтсбергера одно время учился Людвиг ван Бетховен.
Биография
Спойлер:
Иоганн Георг Альбрехтсбергер родился 3 февраля 1736 года в Клостернойбурге. С 1749 года пел в хоре знаменитого Мелькского монастыря. В 1753 году отправился в Вену для изучения философии у иезуитов; здесь подружился с Михаэлем Гайдном, через которого познакомился и с Йозефом Гайдном. В 1755-1757 гг. органист в Раабе, затем в городке Мариа-Таферль, с 1759 г. непосредственно в Мельке, в 1766-1768 гг. вновь в Раабе. В дальнейшем работал в Вене, в 1770 г. органист Собора Святого Стефана, в 1771 г. регент монастыря кармелиток в Дёблинге, с 1772 г. второй органист венского императорского двора. Альбрехтсбергер сочинял также музыку для частного музицирования при дворе (император Иосиф II играл на виолончели). В 1793 г. Альбрехтсбергер сменил Леопольда Гофмана на посту капельмейстера Собора Святого Стефана и занимал этот пост до конца своих дней.
Среди учеников Альбрехтсбергера в разное время были такие выдающиеся музыканты, как Иоганн Непомук Гуммель, Карл Черни, Игнац Мошелес, а также Венцель Галенберг, Фердинанд Рис, братья Пиксис, Франц Ксавер Гебель и многие другие. У него учился и Людвиг ван Бетховен (прежде всего, контрапункту), про которого Альбрехтсбергер однажды в сердцах заметил, что тот не может сделать ничего как следует.
Обширное композиторское наследие Альбрехтсбергера почти поровну разделяется на церковные и светские сочинения. По мнению музыковеда Ю. Бочарова, "искусство Альбрехтсбергера демонстрирует уникальный пример органичного синтеза стиля венского классицизма со многими традициями музыкального барокко". В 1765 году Альбрехтсбергер написал семь концертов для органа, мандоры и струнных, три из которых были найдены в Будапеште и впоследствии получили широкую известность. Альбрехтсбергер трактуя мелодии и ритмику австрийской народной музыки в современной ему светской манере создал выдающиеся и необычные по звучанию музыкальные произведения.
Альбрехтсбергер наравне с Ауманом был одним из любимых композиторов Брукнера. Полное собрание трудов Альбрехтсбергера по гармонии и композиции было выпущено в 1837 году.
Иоганн Георг Альбрехтсбергер умер 3 февраля 1736-го, в Вене. Его могила находится на кладбище Санкт-Маркс.
Творчество
Спойлер:
В число изданных композиций Альбрехтсбергера вошли прелюдии, фуги и сонаты для фортепиано и органа, струнных оркестров и т.д., но большая часть его работ – вокальные и инструментальные – существуют только в рукописном виде. Последние находятся в библиотеке Венского общества любителей музыки. Около 1756-го Иоганн написал, по меньшей мере, 7 концертов для лиры и струнных; три из них сохранились в Венгерской национальной библиотеке в Будапеште. В педагогическом наследии Альбрехтсбергера основное место занимает учебник "Фундаментальное руководство по композиции".
Сочинения
Спойлер:
Основные произведения композитора:
Из 224 музыкальных сочинений Альбрехтсбергера изданы 27 - антракты из музыки к "Генриху IV", орг. прелюдии и фуги, фуги для фортепиано; 18 струнных квартетов, 6 фуг для квартета и др. ансамбли.
Большую часть оставшихся в рукописях произведений Альбрехтсбергера хранится в библиотеке Общества друзей музыки в Вене, в т.ч. 26 месс, 6 ораторий, 4 симфонии, 42 струнных квартета, 38 квинтетов, 28 струнных трио, произведения церковной музыки, в т.ч. "Те Deum", 43 градуала, 34 оффертория.
Дата рождения: ок. 1637 Место рождения: Хельсингборг Дата смерти: 9 мая 1707 Место смерти: Любек Страна: Дания, Любек Профессии: композитор, органист Эпоха: барокко
Дитрих Букстехуде - датско-немецкий органист, самый крупный представитель северогерманской органной школы добаховского периода в истории музыки, один из наиболее известных композиторов эпохи барокко. Его произведения для органа по сей день составляют существенную часть традиционного органного репертуара.
Букстехуде - выдающийся немецкий композитор, органист, глава северонемецкой органной школы, крупнейший музыкальный авторитет своего времени, почти 30 лет занимавший место органиста в знаменитой церкви Святой Марии в Любеке, стать преемником которого почитали за честь многие великие музыканты Германии. Это его в октябре 1705 г. пришел из Арнштадта (за 450 км) слушать И. С. Бах и, забыв о службе и уставных обязанностях, остался в Любеке на 3 месяца, чтобы учиться у Букстехуде. Ему посвящал свои сочинения И. Пахельбель, его крупнейший современник, глава средненемецкой органной школы. Рядом с Букстехуде завещал похоронить себя А. Рейнкен - известный органист и композитор. На поклон к Букстехуде приезжал Г. Ф. Гендель (1703) вместе со своим другом И. Маттезоном. Воздействие Букстехуде-органиста и композитора испытали на себе практически все музыканты Германии конца XVII - начала XVIII в.
Биография
Спойлер:
Букстехуде Дитрих появился на свет в Дании приблизительно в 1637 году, куда его предки переехали жить из Германии. Точное место рождения никто не знает. Большинство биографов музыканта говорят, что это был город Хельсингер, что у Шекспира в "Гамлете" называется Эльсинор, поскольку там долго работал органистом в церкви Святого Олафа, его отец Ганс Йенсен Букстехуд. Но есть версия того, что Дитрих родился в Хельсингборе, где отец до 1642 года тоже занимал место органиста в церкви святой Марии.
Первым учителем музыки для мальчика становится отец, который зарождает в юном даровании немецкие черты искусства. В развитии музыкального таланта Дитриха так же огромную роль сыграло влияние органной школы, очень популярной на то время, и нидерландский стиль композиции, который присутствовал у Яна Свелинка (он объединил фламандские традиции с итальянскими). Так у Букстехуде появились сочинения, написанные в итальянском стиле.
Дитрих занял пост церковного органиста в церкви Сятой Марии в городе Любек в апреле 1668 года. Его предшественником был Тундер, который в 1647 году был в церкви и органистом, и смотрителем. Букстехуде женится на его старшей дочери Анне Маргарите и у них рождается 7 детей. В местных обычаях была традиция играть свадьбу со старшей незамужней дочерью предыдущего органиста, пост которого был занят. Дитрих впоследствии столкнется с проблемой подбора преемника, так как мало кого привлекала перспектива жениться на его старшей дочери (среди них были И. Маттесон, И. С. Бах, даже Г. Ф. Гендель).
Когда композитор написал перед рождеством свою "Abendmusik" ("Вечерние концерты"), его ожидал великий успех. Чтобы послушать его концерт, публика собиралась со всей Европы. Сам Бах в 1705 году с большими трудностями прибыл в Любек, проделав большой путь из самого Арнштадта. В творчестве Дитриха Букстехуде центральное место всегда занимало органное искусство, но оно не мешало ему создавать прекрасные духовные кантаты, сонаты для скрипки, клавесинные композиции и произведения светского характера. Творя свои музыкальные работы, он много и достаточно смело импровизировал, оставлял в них частичку своей неповторимой индивидуальности.
Умер известный композитор 9-го мая в 1707 году в Любеке - городе, который он так любил и который отвечал ему взаимностью.
Творчество
Спойлер:
Музыкальный язык сочинений Букстехуде экспрессивен и динамичен. Огромный диапазон звучания, охватывающий самые крайние регистры органа, резкие перепады между высокими и низкими; смелые гармонические краски, патетически-ораторская интонация - все это не имело аналогий в музыке XVII в.
Творчество Букстехуде не исчерпывается органной музыкой. Композитор обращается и к камерным жанрам (трио-сонаты), и к оратории (партитуры которых не сохранились), и к кантате (духовной и светской, всего свыше 100). Однако органная музыка составляет центр в творчестве Букстехуде, является не только высшим проявлением художественной фантазии, мастерства и вдохновения композитора, но и наиболее полным и совершенным отражением художественных концепций своей эпохи - своего рода музыкальным "романом барокко".
Дата рождения: 4 сентября 1892 Место рождения: Экс-ан-Прованс Дата смерти: 22 июня 1974 (81 год) Место смерти: Женева Страна: Франция Профессии: композитор, дирижёр, музыкальный критик Эпоха: классицизм
Дариюс Мийо - французский композитор, дирижёр, музыкальный критик и педагог, один из участников "Шестёрки". Мийо считается одним из самых плодовитых композиторов XX века - ему принадлежат 443 сочинения, не считая неизданных. Творчество композитора отмечено влиянием джаза и современных ему музыкальных течений.
Одно из важнейших мест в истории развития французской музыки принадлежит Дариусу Мийо. Его активность, новаторская устремлённость были особенно велики в период между двумя войнами, когда он вместе с Оннегером, Пуленком, Ориком принял участие в движении за новую музыку – музыку последебюссистской эпохи во Франции.
Искусство Дариуса Мийо движимо прогрессивной мыслью, пронизано гуманистическими идеями, возвышающими человека, вселяющими безграничную веру в его созидательный труд, в его неисчерпаемые нравственные и духовные силы.
Мийо никогда не замыкался в узком кругу профессиональных интересов. Его музыка - яркий документ эпохи. В ней всегда можно найти живой и непосредственный отклик на события и факты, которые волнуют его родину, а порой и всё человечество. Напряжение предвоенных лет, вторая мировая война, оккупация Франции находят своеобразное отражение в творчестве Мийо. В произведениях тех лет звучит открытый протест против зла и насилия, утверждается идея свободы.
Биография
Спойлер:
Мийо родился в Экс-ан-Провансе. Его родители - Габриэль Мийо (из семьи контаденских евреев) и Софи Аллатини (из сефардской еврейской семьи). Музыкальное образование получил в Парижской консерватории, где обучался по классам скрипки, композиции и дирижирования. Также Мийо частным образом занимался композицией с Венсаном д’Энди. В консерваторские годы Мийо знакомится с будущими коллегами по "Шестёрке" - Артюром Онеггером и Жермен Тайфер.
Первый серьёзный композиторский опыт Мийо относится к 1913 году: он написал Струнный квартет и на его премьере сам исполнил партию первой скрипки. В 1916 году он отправляется в Бразилию в качестве секретаря Поля Клоделя - известного поэта, служившего на должности французского посла в этой стране. Спустя два года Мийо возвращается в Париж, где становится членом "Шестёрки" и начинает активную композиторскую деятельность. Музыке композитора этого периода (конец 1910-х - начало 1920-х годов) свойствены задор и эксцентричность, что можно отнести в первую очередь влиянию яркой личности и музыки Эрика Сати, неформального "вождя Шестёрки" и на протяжении более десяти лет - старшего друга Мийо. В своём творчестве Дариус Мийо также отразил свои бразильские впечатления. В балете "Бык на крыше" (1919) он использовал около 30 бразильских мелодий, преимущественно шоро.
В 1920 году Мийо оказался едва ли не единственным из музыкантов, кто активно поддержал очередное изобретение Эрика Сати "Меблировочную музыку", спустя полвека приведшую к образованию целого направления в музыке, такого как минимализм. Более того, Мийо участвовал в организации одного из концертов (вернее, антрактов) меблировочной музыки 8 марта 1920 года в галерее Барбазанж и оставил интересные воспоминания об этом "эпатажном событии". Хотя сам Дариус Мийо не стал сочинять меблировочную музыку, некоторые исследователи отмечают, что участие в проекте привело к ещё большему "полевению" Мийо и появлению у него индустриальных и конструктивистских идей. Как раз в это же время у него появился эксцентричный замысел - написать цикл песен для голоса с инструментальным ансамблем на текст каталога с выставки под названием "Сельскохозяйственные машины". И хотя по существу этот проект Мийо был весьма далёк от меблировочной музыки Сати, но окончательно закрепил за ним звание самого дерзкого из экспериментаторов молодой французской музыки.
После распада "Шестёрки" Мийо, помимо сочинения музыки, часто ездит с концертами в разные страны, где выступает как дирижёр. В 1922 году, во время гастролей в США, композитор впервые услышал джазовую музыку, что оказало огромное влияние на его творчество. Уже через год появляется его балет "Сотворение мира", в музыке которого активно использованы элементы джаза. В конце 1924 года Мийо снимается в легендарном кинофильме Рене Клера на музыку Эрика Сати "Антракт". В 1920-е - 1930-е годы Мийо продолжает концертную деятельность, в 1926 году посещает Москву и Ленинград.
В 1939 году в связи с усилившимися нацистскими настроениями в Европе Мийо покидает Францию. Во время немецкой оккупации Франции почти все его родственники многочисленной семьи Мийо погибли в концентрационных лагерях и лагерях смерти. Этому трагическому событию жизни спустя десять лет была посвящена кантата Мийо "Огненный замок". К 1940 году композитор перебрался в США, где по рекомендации дирижёра Пьера Монтё получает преподавательскую должность в колледже Миллс в Окленде. Одним из наиболее известных его учеников в это время стал знаменитый в будущем джазовый пианист и композитор Дэйв Брубек. После окончания Второй мировой войны Мийо периодически возвращался во Францию, давал мастер-классы в Парижской консерватории и продолжал преподавать в Миллсе до 1971 года. Последние годы тяжело больной композитор, прикованный к инвалидной коляске, провёл в Женеве.
Умер Мийо в 1974 году в Женеве. Похоронен в семейном склепе в Эксе. На траурной церемонии присутствовали только жена, сын и внуки. Никаких торжественных речей по желанию композитора не было произнесено.
Творчество
Спойлер:
После шести симфоний для камерных составов (созданных в 1917-23 гг.) он пишет еще 12 симфоний. Мийо - автор 18 квартетов, оркестровых сюит, увертюр и многочисленных концертов: для фортепиано (5), альта (2), виолончели (2), скрипки, гобоя, арфы, клавесина, ударных, маримбы и вибрафона с оркестром. Не ослабевает интерес Мийо к теме борьбы за свободу (опера "Боливар" - 1943; Четвертая симфония, написанная к столетию революции 1848 г.; кантата "Огненный замок" - 1954, посвященная памяти жертв фашизма, сожженных в концлагерях).
Среди работ последнего тридцатилетия - сочинения в самых разных жанрах: монументальная эпическая опера "Давид" (1952), написанная к 3000-летнему юбилею Иерусалима, опера-оратория "Святой Людовик - король Франции" (1970, на текст Клоделя), комедия "Преступная мать" (1965, по П. Бомарше), ряд балетов (в т. ч. "Колокола" по Э. По), множество инструментальных произведений.
Сочинения
Спойлер:
Основные произведения композитора:
Оперы
Заблудшая овца (1910-1914)
Агамемнон (на текст Клоделя, по Эсхилу), op.14 (1913)
Эсфирь из Карпантра (1910-1914, премьера 1925)
Хоэфоры (на текст Клоделя, по Эсхилу), op.24 (1916)
Протей (Клодель), op.17 (1919)
Эвмениды (3-я ч. трилогии "Орестея" Эсхила, в переводе Клоделя; 1922, премьера 1949)
Несчастья Орфея (1924, премьера 1926)
Бедный матрос (на либретто Жана Кокто) (1926)
Пробуждение Европы ("Опера-минутка" № 1; 1927)
Отречение Ариадны ("Опера-минутка" № 2; 1927)
Освобождение Тесея ("Опера-минутка" № 3; 1927)
Христофор Колумб (либретто Поля Клоделя; 1928, вторая редакция - 1968)
Максимилиан (1930)
Опера нищих (1939)
Медея (1938)
Боливар (1943)
Давид (1952—1955)
Фиеста (сюжет Бориса Виана; 1958)
Виновная мать (по пьесе Бомарше; 1964)
Святой Луи, король Франции (либретто Поля Клоделя; 1970)
Балеты
"Человек и его желание" (1918)
"Бык на крыше" (1919)
"Сотворение мира" (1923)
"Салат" (1924)
"Голубой экспресс" (1924)
"Весенние игры" (1944)
"Роза ветров" (1957)
"Ветвь птиц" (1959)
Оркестровые сочинения
Шесть симфоний для камерного оркестра
Двенадцать симфоний для большого оркестра
Симфоническая сюита "Протей" (1919)
Серенада в трёх частях (1920/1921)
"Похвала Бразилии" (1920/21)
"Провансальская сюита"(1937)
Концертные сочинения
Фортепиано с оркестром
5 концертов (1933—1955)
Пять этюдов (1920)
Фантазия "Карнавал в Эксе" (1926)
Другие инструменты
Три концерта для скрипки с оркестром
Два концерта для альта с оркестром
Два концерта для виолончели
Концерт для кларнета с оркестром
Концерт для ударных и малого оркестра
"Весна" для скрипки и малого оркестра
"Зимнее концертино" для тромбона с оркестром (1953)
Сюита "Скарамуш" для двух фортепиано (1937; редакция для кларнета с оркестром 1939): I. Vif; II. Modere; III. Brazileira
Сочинения для духового оркестра
"Французская сюита" (1944): 1. Нормандия; 2. Бретань; 3. Иль-де-Франс; 4. Эльзас-Лотарингия; 5. Прованс;
Сюита "West Point" (1954);
Два марша (1946);
Вступление и траурный марш
"Путь короля Рене" (для духового квинтета)
Сочинения для фортепиано
Две сонаты
Сонатина
Многочисленные переложения оркестровых сочинений
Камерные сочинения
18 струнных квартетов
"Посвящение Игорю Стравинскому"
Соната для альта и фортепиано
Соната для двух скрипок и фортепиано
Концертный дуэт для кларнета и фортепиано (1956)
Сюита для скрипки, кларнета и фортепиано
Соната для флейты и фортепиано op.76
Вокальные сочинения
"Сельскохозяйственные машины" для голоса и семи инструментов (1919)
"Каталог цветов" для голоса и семи инструментов (1920)
Хоровые сочинения
Кантата "Огненный замок"
121-й псалом для мужского хора a capella
Для улучшения работы форума и его взаимодействия с пользователями мы используем файлы cookie. Продолжая работу с форумом, Вы разрешаете использование cookie-файлов. Вы всегда можете отключить файлы cookie в настройках Вашего браузера.
24.02.2014, 13:59
Великие композиторы и музыканты
Re: Великие композиторы и музыканты
Линейный вид
